GLASSHOUSE RED SPIDER MITE "Ride or Die"

 

Esta canción me ha volado la cabeza. Glasshouse Red Spider Mite regresa con su segundo sencillo del año, "Ride or Die", un potente tema de shoegaze repleto de reverberaciones, guitarrazos y acoples. Un tema intenso que habla de amor sin necesidad de ponerse trascendentales, que habla de estar al lado de alguien, de compartir las cosas buenas y también las malas, pero que lo hace envuelta en una espesa nube de guitarras, ruido y melodías.
El guitarrista Ethan, la voz principal en esta canción, dice: "Siempre sé mi compañero de aventuras" es una forma tonta de decir "te quiero", pero espero que eso lo haga un poco más sincero. También es la canción con mi parte de guitarra favorita, así que era lógico que la dedicara a mi persona favorita: mi novia".
Después de “Hell 1000”, donde la banda británica apostaba por un alt-rock más directo y contundente, “Ride or Die” vuelve a acercarlos a ese territorio entre el shoegaze, el dream pop y el rock alternativo que tan bien conocen. Las guitarras se multiplican, se superponen y crean una atmósfera que parece estar a punto de desbordarse en cualquier momento. Hay distorsión, pero también melodía. Ruido, pero sin perder nunca de vista la canción.
La letra es sencilla. “Always be my ride or die” puede parecer una manera un tanto torpe de decir “te quiero”, pero precisamente ahí está parte del encanto. Una declaración de amor escondida entre guitarras que parecen expadirse por todas partes. Y es que Glasshouse Red Spider Mite saben combinar muy bien esa fragilidad emocional con una instrumentación que crece alrededor de ella. La voz queda atrapada entre las capas de guitarras mientras la canción avanza con esa sensación tan propia del shoegaze de estar escuchando algo cercano y lejano al mismo tiempo.

XOEL LÓPEZ "Voa"

Xoel López ha compusto el nuevo himno oficial del RC Deportivo de A Coruña. Un tema que ha titulado  "Voa" y que ha presentado con un videoclip que recrea el entusiasmo de su afición con la técnica del plano secuencia. Nace para reforzar la identidad del club en el aniversario de su 120 aniversario y tras su vuelta a Primera División. El himno busca conectar con todas las generaciones de deportivistas a través de "la emoción, la tradición y el sentimiento compartido".
Xoel López firma así el himno del club de su ciudad y de "sus amores", como él mismo apunta. El vídeo 
recorre los lugares más emblemáticos de A Coruña que simbolizan el camino hacia Riazor en un día de partido. Es un viaje aéreo por la ciudad, conectando espacios icónicos como la Marina, los Jardines de Méndez Núñez y el propio paseo marítimo, grabado con un dron. 
Xoel López ha contado para esta canción con una larga lista de músicos entre los que podemos citar a Adrián y Julián Seijas, Caamaño & Ameixeiras, los Kilomberos de Monte Alto, Xacarandaina, el Coro Juvenil Cantabile y la Orquesta Sinfónica de Galicia, entre otros. 

SENDING HEARTS TO ALL DEARIES "A Tribute To The Smashing Pumpkins"

 

The Smashing Pumpkins vuelven a recibir un nuevo disco tributo, en esta ocasión preparado por el sello Sumerian Records, al que han titulado "Sending Hearts To All My Dearies – A Tribute To The Smashing Pumpkins", que reune a artistas del rock, el metal y la escena alternativa para reinterpretar temas clave de la banda. En total el álbum recoge quince versiones.
El título de este recopilatorio lanzado a mediados de agosto lo eligió el propio Billy Corgan, que también ha dado su visto bueno al proyecto. El álbum reúne a artistas de distintas generaciones: Yonaka (Today), Palaye Royale (Bullet With Butterfly Wings), Barns Courtney (1979), Alice Glass (Drown) y Starbenders (Tonight, Tonight), entre otros. La edición digital se lanzó el pasado 14 de agosto, mientras que el doble vinilo llegará el 16 de octubre, en una edición física deluxe con varios colores.
Entre las versiones más interesantes destacan Tame Impala, que abre la compilación con una versión reimaginada de "Hummer", donde los arreglos psicodélicos y la producción contemporánea de Kevin Parker reinterpretan la atmósfera del original, aunque cualquier parecido con la original es una mera coincidencia.
Otros  grupos que participan en este recopilatorio aportan enfoques variados, desde la electrónica retro de Carpenter Brut hasta el metal de Between The Buried and Me, pasando por aproximaciones pop-rock y oscuras de artistas como The Midnight, Yonaka o Alice Glass.

KIKO VENENO Y ESTOPA "Yo y mi manager"

 

Parece que la alianza de Kiko Veneno y Estopa tenía ganas de pasarlo bien. Entre amigos, unas risas y una guitarra. “Yo y mi manager”, la nueva canción es el tercer adelanto de su próximo álbum, que llegará el 6 de noviembre y será su primer disco en cinco años. Y si en “Helicrisum” y “Precisamente” ya encontrábamos a un Kiko recuperando la rumba desde una perspectiva actual, ahora la fiesta se completa con los hermanos Muñoz.
“Yo y mi manager” nació en realidad hace cuatro años, durante un encuentro entre Kiko Veneno y Estopa en el camerino del Sant Jordi Club de Barcelona, antes de un concierto de C. Tangana. Lo que empezó como una improvisación alrededor de las exigencias de un mánager terminó convertido en una canción que ahora, por fin, llega a nuestras manos. Mezclando humor, calle, rumba y una cierta filosofía de andar por casa que muchas veces termina diciendo mucho más que cualquier discurso solemne.
Aquí el mánager se convierte en el protagonista involuntario de una canción divertida y surrealista. Que si beber agua, que si acostarse pronto, que si cuidar la voz, que si la gira mundial, que si Miami... Todo sirve para construir una pequeña historia llena de ironía sobre la vida de un músico y esas obligaciones que supuestamente existen para que todo vaya bien.
La producción corre a cargo de Bronquio, mientras que Raúl Pérez se ocupa de las mezclas en La Mina. Una combinación que permite que la canción conserve ese espíritu rumbero y espontáneo, pero con un sonido actual. Kiko Veneno vuelve a demostrar que la edad no tiene absolutamente nada que ver con las ganas de experimentar. A sus 74 años, continúa buscando nuevas conexiones y rodeándose de músicos de diferentes generaciones. Estopa, por su parte, encuentra aquí un terreno en el que se mueve con una naturalidad absoluta.Dos generaciones, una misma forma de entender la rumba y una canción que llevaba cuatro años esperando su momento.
“Yo y mi manager” es probablemente eso: una buena excusa para juntarse, reírse de las cosas serias y hacer una canción que entra fácil, tiene mucho humor y deja ganas de volver a escucharla.

FONTAINES D.C. "Marianne"

 

Los irlandeses acaban de presentar “Marianne”, el primer adelanto de su quinto álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Romance”, la banda vuelve a demostrar que no tiene ninguna intención de quedarse instalada en la fórmula que les ha llevado hasta aquí.
“Marianne” es una canción inquietante, atmosférica, hipnótica. Hay algo seductor en ella, pero también una sensación de peligro que va creciendo poco a poco. Fontaines D.C. dejan atrás parte de la contundencia guitarrera de sus primeros trabajos para adentrarse en un territorio más frío y sintético. Las guitarras siguen estando ahí, pero ya no parecen tener el mismo protagonismo: ahora comparten espacio con sintetizadores, percusiones y una producción mucho más envolvente.
Y ahí aparece Grian Chatten, siempre capaz de convertir una canción en algo que parece estar ocurriendo en algún lugar entre un sueño y una pesadilla. “Marianne” habla de escapismo, hedonismo y de esa necesidad de desaparecer cuando la realidad empieza a resultar demasiado incómoda. Una huida hacia delante que puede parecer liberadora durante unos minutos, pero que también esconde algo bastante más oscuro.
Al parecer la canción está inspirada en la serie “Ripley” y encaja perfectamente con la atmósfera que Fontaines D.C. parecen querer construir para su nuevo disco. Si en “Romance” había una cierta fascinación por la pérdida de humanidad y por un mundo cada vez más dominado por la tecnología, ahora parecen querer llevar esa idea todavía más lejos. “Dopamine Chamber” nace precisamente alrededor de esa sensación de vivir atrapados entre la ansiedad, la sobreestimulación y la necesidad constante de escapar. Un mundo lleno de información, imágenes, violencia, entretenimiento y distracciones que nos mantiene permanentemente conectados mientras, paradójicamente, cada vez resulta más difícil conectar con algo real. Y “Marianne” funciona como una magnífica puerta de entrada a ese universo.
“Marianne” no necesita correr. Se toma su tiempo, crea tensión y consigue que sus casi cuatro minutos pasen dejando esa sensación de querer volver a escucharla inmediatamente. Una canción que entra poco a poco. De momento, parece que el viaje vuelve a merecer la pena.

LORI MEYERS "Tus amigos"

 

Lori Meyers vuelven a la carga con un nuevo adelanto del que será su octavo disco de estudio. "Tus amigos" llega después de "En lo total" y "Malafollá" y nos permite seguir descubriendo por dónde van los tiros de una banda que parece haber recuperado las ganas de volver a publicar nuevas canciones.
En esta ocasión los granadinos bajan un poco las revoluciones y nos dejan una canción más pausada, pero sin perder esas melodías reconocibles que han convertido a Lori Meyers en una de las formaciones fundamentales del indie nacional. "Tus amigos" habla de volver a querer después de haber aprendido de las experiencias anteriores, de las inseguridades que aparecen cuando nos volvemos a enfrentar al amor y de esos momentos que, aunque duren apenas unos segundos, pueden parecer eternos. “Tus amigos” vuelve a situarlos en ese territorio que tan bien conocen: el pop de guitarras, las melodías luminosas y una mirada hacia las relaciones personales. Una canción que mantiene la esencia de la banda.
Lori Meyers se toman su tiempo entre disco y disco. No parece casualidad. Ellos mismos explicaban al presentar esta nueva etapa que solo regresan al estudio cuando sienten que tienen algo que decir. Después de años girando por escenarios y festivales, parece que ha llegado nuevamente ese momento.su esperado próximo disco, “En lo total”, que verá la luz el próximo 16 de octubre. Después de cinco años desde "Espacios infinitos", ya tenemos ganas de comprobar qué han preparado los de Loja.

RADIO FREE ALICE “Crying With You”

 

Hay canciones que llegan envueltas en guitarras y canciones que, además, traen consigo un estado de ánimo. Radio Free Alice pertenecen a esa segunda categoría. El cuarteto de Melbourne vuelve a la carga con “Crying With You”, un nuevo adelanto de ese esperado álbum de debut, "What’s In Between", que verá la luz el próximo 30 de octubre a través de Atlantic Records.
Y sí, vuelven a hacerlo a su manera: tensión, nervio, guitarras afiladas, bajo con querencia por la new wave y ese espíritu post-punk que manejan con una naturalidad sorprendente. Pero en “Crying With You” hay algo más. Algo que se esconde detrás de esa energía casi frenética que recorre la canción. porque aquí se habla de compartir el dolor de alguien cercano, de acompañarle cuando las cosas se tuercen, de sentir sus lágrimas casi como propias. Pero también de ese momento en el que uno comprende que no puede quedarse instalado eternamente en la tristeza ajena. La vida continúa. Hay que seguir adelante, volver a reír, bailar, encontrar pequeños espacios de felicidad aunque alrededor todo parezca tambalearse.Y ahí está buena parte del encanto de Radio Free Alice: consiguen convertir esa contradicción: La tristeza y las ganas de vivir, en música. Una música que parece avanzar hacia delante mientras mira de reojo todo aquello que dejamos atrás.
“Crying With You” nació durante una semana de creación en Joshua Tree, California, donde la banda estuvo trabajando con demos y jams. Curiosamente, verso y estribillo procedían originalmente de canciones diferentes y terminaron ensamblándose en una sola pieza, una forma de trabajar que el grupo ya ha utilizado anteriormente.
El resultado son cuatro minutos de electricidad contenida, melodías que se agarran a la memoria y una interpretación que vuelve a demostrar por qué Radio Free Alice se han convertido en uno de los nombres más interesantes de la nueva escena australiana. Hay ecos de aquella tradición ochentera que va de la new wave al post-punk, pero también una personalidad propia que evita que todo esto suene simplemente a nostalgia.Una canción para llorar con alguien, sí. Pero también para secarse las lágrimas y seguir bailando.
“Crying With You” llega acompañada de un videoclip dirigido por Milo Hume, confirmando la importancia que la banda concede también a su dimensión visual. Después de varios singles y EPs, el último apenas hace un mes bajo el título de "Kick in the Shins" que les han ido colocando cada vez más arriba en el radar internacional, Radio Free Alice afrontan ahora el verdadero examen: su primer larga duración. "What’s In Between" reunirá once canciones y promete ser la confirmación definitiva de todo lo que llevan tiempo apuntando.

CHARNEGO "Antropofreno"

 

Charnego estrena "Antropofreno", nuevo adelanto de lo que será su próximo trabajo. la canción es "una reflexión crítica sobre el colapso social y el avance de las corrientes asociadas a la llamada Ilustración Oscura", según señala el grupo. Entre el noise -punk y el grunge. En un contexto marcado por la incertidumbre: "Vuelve el miedo. Vuelve lo real. ¡Jacques Lacan con grelos!", reza una de las frases más destacadas del tema.
El grupo, integrado por Pablo Garnelo (conocido por su paso por Biznaga), Marco Lipparelli, Juan Flores, Álvaro Marcos y David Moralejo (estos dos últimos también miembros de Atención Tsunami) ha apostado desde sus inicios por letras que exploran la descomposición social y la crítica a las estructuras de poder. Este adelanto confirma la evolución del grupo, que sigue apostando por un sonido contundente y un discurso comprometido, sin perder de vista su esencia más combativa.

"Antropofreno" viene acompañado en su cara B por el tema "Ganar dinero".

TRICKY "Different When It’s Silent"

 

Reaparece Tricky en su primer trabajo como solista en seis años, después de "Fall to Pieces" (2020). Este ha sido un disco difícil que le ha servido como catarsis tras el duelo por la muerte de su hija en 2019. El artista confiesa que tras ese duro proceso ahora se siente preparado para "seguir adelante". "Different When It's Silent" es el álbum número quince de su carrera y lo ha editado a través de su propio sello, False Idols, un trabajo grabado entre su residencia en Francia y sesiones en su Bristol natal.
Aquí hay rabia y dolor. La voz principal recae en el joven cantante Mitch Sanders, cuyo falsete contrasta con los susurros del músico. Hay una buena capa de electrónica que sirve para cimentar un disco por el que aparecen trip-hop, pop, soul, hip hop e incluso slowcore. Interesantes piezas como “Cannon Fodder”, el magnífico single “I’m Yours”, “I Tried”, la preciosa “Piano” o la delicada “Hengrove Blues”. Atención especial al cierre con Out Of Place” con la voz de la polaca Marta Zlakowska que aparece exclusivamente en este tema dedicado a la memoria de su hija.

LAVIC “Verdades Verdaderas”

 

Las siglas LAVIC se traducen como La Alucinante Vida Imaginada Contigo, un modo como se identifica la banda madrileña que publica su quinto adelanto "Verdades Verdaderas", antes que lanzen su disco de debut. La canción no pretende agradar a todo el mundo. Es posible su canción más directa, con verdades incómodas, que retrata a una generación que se siente engañada, a la que le prometieron un futuro que ahora está roto, con ansiedad, incertidumbres y con los alquileres por las nubes. Un tema con el que muchos se verán identificados, para reflexionar sobre la política, la identidad, la clase social y las contradicciones de una generación desencantada.
Tras sus primeros singles: "Tu Artista Favorito", "Viernes", "Besos Esquimales" y "La Polilla", llega esta "Verdades Verdaderas" que con un ritmo contagioso se transforma en una descarga de punk afilado que cuestiona la política, la identidad, la clase social y el malestar de una generación que se siente engañada. LAVIC dispara sin distinciones: contra la izquierda, la derecha, los gurús, a industria cultural y tantos y tantos salvapatrias. 

GRUMPY "Unfindable Ring"

 

La banda neoyorquina Grumpy está formada íntegramente por personas trans. La falta de tolerancia hace que no siempre sean bien recibid@s sus propuestas sonoras. Aquí eso no va a ocurrir. Han anunciado su próximo y esperado nuevo disco, "Unfindable Ring", que se lanzará el próximo 23 de octubre. Para que podamos saborear su contendio han adelantado el tema "Twenty Five" y el anuncio viene acompañado, además, de un segundo adelanto, titulado "OBL".
El grupo, que comenzó originalmente como el proyecto en solitario de Heaven Schmitt, se ha convertido poco a poco en una banda completa integrada por Anya Good, Ellie Long, Austin Arnold, Diego Clare y Lane Rodgers. Sobre el significado del nuevo single, Schmitt ha explicado que "estando de gira por todo el país como una banda formada por personas trans, a menudo nos preocupa cómo nos van a recibir y a veces nos preguntamos si estaremos a salvo. Pero lo que solemos encontrar es amor. Nos cuidamos mutuamente, nos reímos y llevamos nuestras vidas con normalidad. OBL trata sobre cómo experimentamos la alegría ("soy tan feliz que me podría morir") a pesar de quienes no quieren que podamos existir ("están tan felices de que nos podamos morir")".
La canción viene acompañada de un videoclip dirigido por Alex Tepper en el que se ha querido mostrar la tensión cotidiana que viven en la carretera cuando salen a tocar, donde siempre se encuentran con miradas indiscretas, mientras se refugian en la alegría y las esperanzas de la banda.