GRETEL "Squish"

 

Este será su disco de debut con su nueva denominación de Gretel. La artista londinense empezó muy joven en esto de la música, con tan solo 18 años publicó su primer trabajo con un sonido que podráimos definir como folk acústico gótico, "Slugeye", bajo el nombre de Maddy Bean. Tuvo varios proyectos acústicos, después decidió componer para una banda completa con un nuevo nombre inspirado en los Hermanos Grimm, Gretel Hänlyn ha ido ampliando sus propios límites sonoros hasta convertirse en una de las voces emergentes más cautivadoras del Reino Unido que destaca por su propuesta cruda, poética y oscuramente brillante, mientras explora temas como la feminidad, la performance y la conexión generacional.

Ahora con 21 años cumplidos renacida como Gretel presenta sus nuevas canciones. El primer adelanto que nos presentó fue el sencillo "Maybelline", que según explica: "escribí 'Maybelline' después de pasar tiempo con mi abuela y llegar a la conclusión de que, a riesgo de parecer obvio, hay experiencias universalmente compartidas por las mujeres, a pesar de las diferencias generacionales. Como abordar la sensación de performatividad y la mirada, de la que creo que el maquillaje es un gran ejemplo y síntoma. Puede ser expresivo o destructivo, lo hagas como lo hagas".
“Tal vez nací con eso / Tal vez sea solo Maybelline”, canta Gretel, en un estribillo desesperado, que nos recuerda a PJ Harvey, con guitarras crudas y una voz cautivadora. Gretel tiene una gran capacidad para desarrollar ese pop teatral, sobre todos en su directos como en "Unbloom", su versión en vivo grabada en The Waiting Room, destaca su capacidad para convertir sus canciones en interpretaciones poderosas e inmersivas.
La canción combina guitarras crudas y texturizadas con la voz cautivadora de Gretel, oscilando entre la intimidad y la intensidad. Gretel ha forjado su propio espacio magnético en el panorama alternativo. Su obra se inspira en ese juego de inocencia y poder, a medio camino entre lo onírico y lo cotidiano, como demuestra en la retorcida "Darkness, be my friend".
Sus letras hablan del amor, desde muy diversas perspectivas. "Squish" es una crítica a la cultura moderna del ligue. "¿Qué pasó con el cortejo y las aventuras amorosas?", pregunta Gretel dice: 'Todo lo que quiero hacer es ahogarme en amor y dejar que me aplastes'. Y puedes lastimarme, pero al menos algo pasó". La propuesta de Gretel es muy interesante y la aparición de su disco nos alegrará el alma a muchos.

JULIO DE LA ROSA “El no por delante”

 

Julio de la Rosa vuelve a golpear con un tema directo, certero y con una actitud que no se anda con medias tintas. Tras su prolífica carrera entre discos personales, bandas sonoras y reconocimientos artísticos, el músico jerezano nos sorprende con “El no por delante”, un single condensa en menos de tres minutos lo que significa la envidia. No hay metáforas edulcoradas, sí una brutal honestidad lírica en versos como: si no admites un no, no…” o “eres un niño pedante… eres un puto ignorante…”  
Lo que más sobresale es el tono combativo y sincero: no se trata de un canto al desamor convencional, ni de una reflexión introspectiva sobre heridas pasadas, sino de una declaración de principios. Aquí el protagonista no es el que llora por amor, sino el que pone un límite, el que resiste y se planta. Es un no que no se diluye, que no busca otra cosa más que ser escuchado y respetado.
Con “El no por delante”, Julio de la Rosa no solo entrega una canción pegadiza y sin concesiones, sino que nos recuerda que también el rock y el indie pueden ser un arma para decir verdades incómodas con elegancia cruda. Un regreso que confirma que, incluso después de décadas de carrera, este creador aún tiene la capacidad de clavarnos la daga donde más duele… y hacernos pensar.
Tras "Perorata", Julio de la Rosa presenta el segundo avance de su siguiente disco, que verá la luz en las próximas semanas. El lanzamiento llega tras su quinta nominación al Goya 2026 a Mejor Música Original por la banda sonora de "Los Tigres", premio que ya obtuvo con "La Isla Mínima". En esta ocasión la canción trata sobre la envidia de forma directa, de esa envidia cuando se disfraza de amistad. De lo importante que a veces es aprender a decir no también.

SORRY "Billy Elliot" y "Alone In Cologne"

 

Sorry, hace tan solo unos meses, irrumpieron con un fenomeanl disco de debut "Cosplay" que ha figurado en muchas listas entre lo mejor de 2025. La banda londinense nos vuelve a sorprender, a las puertas de su ambiciosa gira por Reino Unido, edita dos temas nuevos: "Billy Elliot" y "Alone In Cologne", temas que quedaron fuera de aquel álbum y que surgieron de las sesiones de grabación. La primera es una pieza de psych-pop que nos lleva a su faceta más oscura, con una letra que evoca la nostalgia adolescente . Por contra “Alone In Cologne” es mucho más animada y tiene alma de single, donde en apenas tres minutos, la banda logra explotar una sobrecarga estimulante de sonidos que demuestran su capacidad para la experimentación. Sobre el trasfondo de estas nuevas composiciones, el grupo ha compartido una breve frase, pero enigmática reflexión: “Solía estar cerca de ti, o de alguien que una vez conocí”.

YORCH “Fiestas de bailar”

 

"Fiestas de Bailar" es el tercer adelanto de "Curso de armonía persecutoria", el nuevo disco de Yorch que saldrá el 19 de marzo. El sevillano regresa con un tema que es pura celebración: “No pienso dejar que se disuelva todo lo que siento. No me pienso abandonar como antes supe hacerlo”, tal como canta, con un sonido que mezcla pop vibrante, energía contagiosa y letras optimistas. Este nuevo sencillo es un himno al amor sereno y al disfrute sincero, una invitación a dejarse llevar por el ritmo sin perder de vista el cariño propio y los vínculos afectivos dentro de esa fiesta interminable que es la vida.
“Fiestas de bailar” no solo abre una puerta a la pista de baile, sino que también reafirma la capacidad de Yorch para narrar con música esos instantes de gozo que todos buscamos en las canciones que más nos mueven. El lanzamiento se acompaña de vídeoclip, firmado por el propio cineasta Jorge Naranjo y rodado en Aforo Completo (Madrid) donde aparece Yorch integrado en un collage de imágenes de archivo. Casi como un anfitrión cinematográfico nos invita a entrar en un universo donde lo visual y lo sonoro se mezclan: gente bailando, flashes de luz, gestos espontáneos y momentos cotidianos se ensamblan para convertir el videoclip en una fiesta desbordada y colorista.
Atención porque “Fiestas de bailar” esconde un guiño cómplice para los oyentes atentos. En uno de sus versos aparece una referencia directa a John Boy, el mítico personaje recurrente del universo de Love of Lesbian. No se trata de una cita gratuita, sino de un pequeño homenaje emocional a esa forma tan indie de entender las canciones como relatos compartidos, poblados de personajes que ya forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones.

DEADLETTER “Songless Bird”

 

Lo he reconocido en distintas ocasiones los saxos locos me enloquecen. Es una debilidad confesada. "Songless Bird" lo incorpora, es el tercer tema de "Existence Is Bliss", un álbum que Deadletter publicarán el próximo viernes, 27 de febrero, y que lo presentarán en gira europea.
Si hay algo que caracteriza a Deadletter, más allá de esa inclinación por los vientos urbanos que cortan como filos de navaja, es su rechazo a las etiquetas cómodas. No son solo post-punk, ni un experimento indie disfrazado: son una banda que mastica influencias (desde The Stranglers y LCD Soundsystem hasta el caos controlado de Captain Beefheart) y las expulsa como un sonido propio, híbrido y rabioso. 

"Songless Bird" llega después de “To The Brim” e “It Comes Creeping”, singles que ya adelantaban un giro sutil hacia un sonido más sofisticado, fluido y expansivo. Aquí, ese salto se percibe con claridad: estructuras que se abren, respiraciones que tensionan, y ese saxofón que no aparece solo como un adorno melódico, sino como una línea narrativa en sí misma, como si el tema necesitara existir con voz propia. 

Lo interesante de “Songless Bird” no es solo cómo suena, sino qué sugiere. Deadletter han dicho que "existir debería ser dicha", y sin embargo la música que acompañará ese lema no rehúye la contradicción. Cuanto más avanza la canción, más parece hablar de algo que se pierde al intentar encontrar sentido, en medio de la pura turbulencia existencial que titula el álbum.

Los giros de guitarra se abrazan con la percusión tensa, la voz de Zac Lawrence se sitúa entre la urgencia y la introspección, y ese saxofón -mi debilidad confesada- puntúa como un lamento urbano, recordándonos que no siempre tenemos melodía para lo que sentimos, pero aun así seguimos buscando una forma de expresarlo. 

Si “Existence Is Bliss” en su conjunto quiere hablar de la fricción entre simplemente existir y realmente vivir, entonces “Songless Bird” es una de esas piezas que no solo lo ejemplifica, sino que lo encarna. No es un “hit” convencional ni un estribillo fácil: es una declaración de intenciones, una canción que descansa en su capacidad de incomodar tanto como de seducir.

Deadletter presentarán "Existence Is Bliss" en una gira que, por el momento, cuenta con más de 40 fechas. Entre ellas, se incluyen varios conciertos en nuestro país: 10 de abril en Kafe Antzoki de Bilbao, 11 de abril en Masterclub de Vigo, 13 de abril en Edificio Constitución 1812 de Cádiz, 14 de abril en Villanos de Madrid, 15 de abril en 16 Toneladas de Valencia y el 16 de abril en Sala López de Zaragoza. Además, estarán tocando en festivales como el Barcelona Psych Fest y el Benicassim Festival.

AMURA "Malas lenguas"

Este nuevo 2026 nos trae la llegada de un nuevo grupo llamado Amura, una superbanda nacida entre amigos y trayectorias consolidadas que reúne a músicos procedentes de formaciones emblemáticas como L.A., Izal y Rels B, en un proyecto con corazón pop-rock e instinto indie muy marcado.
El nombre escogido de Amura hace referencia a la parte del barco que corta las olas sin miedo, se gestó casi como anécdota en calas mallorquinas entre cervezas y conversaciones, hasta convertirse en una idea firme y hoy en día en un proyecto real que ya ha lanzado su primer single, “Malas lenguas”.
La formación está compuesta por Pep Mulet, Ángel Cubero y Dimas Frías, tres exmiembros de L.A., banda con años de trayectoria internacional. Alejandro Jordà, batería procedente de Izal, grupo que ha marcado la escena indie nacional durante décadas y Toni Morales, voz y guitarra con pasado en Rels B y experiencia en grandes giras.
Amura no se queda solo en este primer avance: su estrategia es publicar un single el día 20 de cada mes hasta completar un EP de cuatro o cinco canciones, con la mirada puesta ya en un álbum largo para este mismo año. Además, la banda ya tiene fechas en calendario, con actuaciones confirmadas el 1 de mayo, cuando se estrenen en casa, en la palmesana sala Es Gremi. También han confirmado su participación en el Mallorca Live y una parada en Madrid en mayo, entre otras.
Lo más interesante de este proyecto no es solo quién lo conforma, sino cómo refleja una tendencia cada vez más clara en la escena independiente española: artistas con trayectoria que se reúnen para experimentar fuera de los moldes tradicionales del género, apostando por la amistad, la creatividad sin prisas y el directo como principal motor de crecimiento.

SUGAR "Long Live Love"

 

Bob Mould al mando de Sugar está de regreso con una segunda nueva canción llamada "Long Live Love", que llega tras el sencillo "House of Dead Memories".  En realidad el tema lo escribió en 2007, cuando vivía en Washington D. C. durante el mandato de George W. Bush. Según indica: “Estaba muy metido en mi mundo como DJ con Blowoff, pero seguía escribiendo canciones pop con guitarras”. Por entonces: “Garbage 2.0 era uno de mis discos de cabecera, así que no es de extrañar que "Long Live Love" me recuerde a una canción perdida de Garbage”.

Este nuevo single se publicará dentro de su próximo disco "House of Dead Memories" el 1 de mayo a través de BMG. Se trata del primer lanzamientos de la banda en treinta años, tras "File Under: Easy Listening" (1994). Mould formó Sugar tras la disolución de Hüsker Dü, después de separarse en 1995. Hay que decir que Sugar se reunieron brevemente para celebrar su vigésimo aniversario en 2011, pero sólo fue eso. Mould regresó rápidamente a su carrera en solitario, con su álbum "Here We Go Crazy" (25) como su trabajo más reciente.

"Long Live Love" sirve también para anunciar su gira mundial Love You Even Still 2026 que llevará al grupo a recorrer Europa y Norteamérica. En nuestro país, tocarán el 19 de junio en el Azkena Rock Festival de Vitoria-Gazteiz. Allí demostrarán el talento de Mould para combinar la distorsión de muro de sonido con una contagiosa sensibilidad pop.

LOS PRIMOS CHICOS “Radical"

 

Los Primos Chicos quieren que este sea su año, por eso se enfrentan a un cambio "Radical" en su nuevo sencillo, un adelanto del que será su segundo larga duración tras "Las tribulaciones del alma humana" (24) y el EP "Las Gasolineras del Infierno" (25). El trío quiere que el nuevo tema sirva de grito anticonformista: la vida es un río y yo soy un ancla cantan en esta canción para explicar esa sensación que todos hemos tenido cuando no podemos ir con la corriente, y avanzar por el camino marcado por otros se hace misión imposible.

Para la banda no hay nada más radical que reconocer la propia vulnerabilidad en uno mismo, la parte oscura con la que tenemos que lidiar día tras día. La letra aborda esos sentimientos de culpabilidad e indecisión que nos acompañan. Frases como “El nuevo día será la victoria, es un cambio radical” evocan también la esperanza. El concepto de la canción viene de las vivencias del día a día, del trabajo, de las relaciones sentimentales, amistades, reflexiones, lecturas, e inquietudes que inevitablemente nos van surgiendo.

U2 "Days of Ash"

 

U2 regresan peleones y por sorpresa. Sin anuncos previos los irlandeses editan un EP de seis canciones, lo primero que publican en nueve años, desde que editaron Songs of Experience en 2017.. El contendio es un disco que ataca a los fundamentalismos religiosos y la salvaje actuación de ICE.
Seis canciones que despachan en apenas 23 minutos, con urgencia, volviendo al rock denso como ya no recordábamos a U2, algo que se agradece. Temas que han llegado para no acallar los acontecimientos políticos que vivimos y para no ser cómplices con el silencio. La pieza más destacada es "American Obituary", dedicada a Renée Good, madre de tres hijos que fue asesinada el 7 de enero mientras protestaba contra la actividad de ICE en Minneapolis. “Renée Good, nacida para morir libre / Madre estadounidense de tres hijos / séptimo día de enero / una bala por cada hijo”, clama Bono, mientras suena un potente riff de The Edge.
La carga política está presente en todo este trabajo llamado "Days of Ash" (Días de ceniza). No hay que olvidar el fuerte apego religioso de la banda. U2 ataca la proliferación del fascismo en todo el mundo, que está amenazando las democracias asentadas y la libertad de los ciudadanos. Las canciones funcionan como 'obituarios sonoros' en los que hablan de personas que perdieron la vida en conflictos e injusticias, desde la mencionada "American Obituary", ("¿Renee la terrorista doméstica?“), hasta "One Life At A Time", que se centra en Cisjordania, dedicada a Awdah Hathaleen, un maestro y activista palestino asesinado por un colono israelí en julio de 2025.
En "Yours Eternally" cuentan con la colaboración de Ed Sheeran y el soldado ucraniano Taras Topolia, músico ucraniano y soldado. Se trata de un tema que critica la invasión rusa a Ucrania. "Song Of the Future" se reserva para recordar a Sarina Esmailzadeh, una iraní de 16 años que murió tras ser golpeada por las fuerzas de seguridad durante las protestas de 2022.
U2 ha tomado el camino correcto, como antes hizo Bruce Springsteen con "Streets of Minneapolis". Espero que otros artistas sigan esa misma senda, ya que la música debe ir cargada de mensajes y debe servir para criticar las injusticias. El lanzamiento de"Days of Ash" ha motivado que Bono hiciera unas declaraciones en la revista Propaganda, elaborada por seguidores del grupo: “Son canciones de rebeldía y consternación, de lamento. Las canciones de celebración vendrán después, estamos trabajando en ellas ahora... porque, a pesar de toda la atrocidad que vemos normalizada a diario en nuestras pequeñas pantallas, no hay nada normal en estos tiempos locos y enloquecedores, y tenemos que plantarles cara antes de poder volver a tener fe en el futuro. Y los unos en los otros.”

BESMAYA "La vida de nadie"

 

Besmaya, la formación compuesta por Javi Ojanguren y Javi Echavarri, han editado su segundo disco de estudio "La vida de nadie" en el que utilizan la imagen de un personaje amarillo como icono anónimo para reflexionar sobre lo que significa la madurez, el desencanto o las esperanzas no alcanzadas.
El dúo busca un equilibrio entre lo íntimo y confesional, con lo expansivo así que proponen unas guitarras melódicas pop que se combinan a la perfección con una base rítmica muy potente. Esos sonidos son los que acompañan a frases demoledoras como: "Háblame de todo eso que quisiste hacer"o "con la nostalgia de lo que nunca fue". Un contenido nada complaciente que nos lleva irremediablemente al reconocimiento del fracaso. Canciones confesionales como “Mamá”, una carta abierta en la que cantan: “Mamá, hace tiempo que no vengo a estar contigo, últimamente solo miro mi ombligo” o “me he desviado del camino”, el tema se convierte en un retrato generacional sobre la necesidad de reconexión.
La despedida tampoco resulta esperanzadora porque señala: "odio que cupido no haya ayudado", la última canción del disco habla del desamor, de una relación que no pudo ser, de desencanto y de dolor. Si estás pasando por un mal momento no es el disco que te recomendaría, ni siquiera para que te consules pensando que a otros les va peor. Advertido quedas.

KIM GORDON "Dirty tech"

 

Kim Gordon, ex bajista de Sonic Youth, nos ha sorprendido con una nueva canción absolutamente estimulante, "Dirty Tech", que nos habla de la ansiedad sobre la creciente influencia de la tecnología en la vida diaria y la amenaza que representa para el control humano. La pieza musical dentro de los parámetros de su habitual crudeza sonora, muestra el dilema que se nos plantea ante el amenazante avance de la robótica, que queda reflejado en el vídeo firmado por Moni Haworth, donde Gordon aparece en unas oficinas en desuso, allí una inteligencia artificial se ha convertido en su nueva supervisora. Los sistemas automatizados ejercen el control sobre la ciudadanía.

"Dirty tech" es el segundo adelanto de su próximo álbum de estudio "Play me",su tercer álbum en solitario, cuyo lanzamiento está previsto para el 13 de marzo a través del sello Matador Records. El elepé tiene como tema central tratar los daños colaterales que ocasiona la élite económica: la erosión democrática, el autoritarismo tecnocrático y la homogeneización cultural impulsada por la inteligencia artificial. El primer sencillo, "Not Today", se presentó el pasado mes acompañado de un cortometraje realizado por las fundadoras de Rodarte y el director de fotografía Christopher Blauvelt.

El argumento del nuevo disco de Kim Gordon ya se ha visto revasado por la realidad. Una candidata creada con inteligencia artificial (IA) participará en las elecciones legislativas del 8 de marzo en Colombia. 'Gaitana', mismo nombre de una indígena legendaria símbolo de resistencia, dice que recibirá propuestas de proyectos de ley para que sean aprobados en comunidad y luego elevados formalmente ante el Congreso. Ver para creer. Es la demostración de esa tensa dinámica de la lucha de poder que se desarrolla entre la humanidad y el avance de la robótica y la inteligencia artificial.