ALCALÁ NORTE "Dejémoslo como estaba"

 

Alcalá Norte acaban de publicar su segundo álbum de estudio. "Dejémoslo como estaba" es el título elegido por la banda madrileña para dar continuidad a su exitoso debut homónimo de 2024, un trabajo que les ha permitido convertirse en una de las formaciones más interesantes y personales del panorama independiente nacional.
El nuevo disco llega después de tres adelantos: "El Hombre Planeta", "Los Llamados Pitagóricos" y "El Endemoniao", tres canciones en las que ya podíamos comprobar que el grupo sigue empeñado en construir un universo propio, donde las referencias históricas, filosóficas y literarias conviven con personajes extravagantes, situaciones cotidianas y bastante sentido del humor.
En esta ocasión son once las canciones que forman el álbum: "En Valmy", "El Endemoniao", "Claudia", "El Hombre Planeta", "Los Llamados Pitagóricos", "El Contador de Muertes", "Campos de Golf", "Arturo Soria", "Icare (LFDL)", "Oscar the Tiny One" y "La Venta Nueva". Un recorrido bastante particular en el que podemos encontrarnos desde referencias a Nietzsche y Pitágoras hasta personajes y escenarios mucho más cercanos a la vida cotidiana. El álbum incorpora también canciones con títulos y referencias en otros idiomas, como "Icare (LFDL)", en francés, y "Oscar the Tiny One", en inglés. Un guiño que amplía el imaginario del grupo y que demuestra que sus inquietudes culturales y musicales no entienden demasiado de fronteras lingüísticas.
La banda vuelve a demostrar su afición por mezclar cultura popular, filosofía y acontecimientos históricos sin necesidad de pedir permiso a nadie, todo ello pasado por el filtro imaginativo de Álvaro Rivas. El título del álbum procede de un dibujo de Francisco de Goya, "Esto dejémoslo como estaba", perteneciente a su Cuaderno C. La portada, obra del artista Carle Naide, también tiene como protagonista a Arturo Soria, urbanista que ideó la Ciudad Lineal madrileña. Una referencia que conecta directamente con el barrio de Ciudad Lineal, donde nació la historia de Alcalá Norte y donde el grupo encontró su nombre en el centro comercial del mismo nombre.
Musicalmente, la formación sigue desarrollando esa combinación de rock alternativo, post-punk, guitarras afiladas, bajos angulosos y teclados de inspiración ochentera que ya encontramos en su primer trabajo. Sin embargo, parece que esta segunda entrega apuesta por ampliar su particular imaginario, con composiciones que buscan diferentes interpretaciones y letras que juegan constantemente con el oyente.
También hay espacio para la muerte, uno de los asuntos que atraviesan buena parte del álbum. Los propios integrantes han reconocido que ahora mismo les interesa más explorar ese territorio que escribir sobre el amor. Y viendo la cantidad de personajes históricos, episodios épicos y situaciones disparatadas que son capaces de introducir en sus canciones, parece que material no les falta.
Alcalá Norte han pasado en apenas dos años de ser una formación de culto dentro de la escena madrileña a actuar en festivales como Primavera Sound, Mad Cool, BBK o Sonorama. El éxito de canciones como "La Vida Cañón", "La Calle Elfo" o "La Sangre del Pobre" les ha situado en una posición privilegiada, aunque su propuesta sigue conservando ese carácter imprevisible que les diferencia de otras bandas de su generación.

MICHAEL KIWANUKA "Fudge"

 

Hay discos que parecen surgir de la necesidad de volver a encontrarse con uno mismo, de dejar a un lado las expectativas y recuperar el placer de hacer música sin más. FUDGE, el nuevo trabajo de Michael Kiwanuka, tiene mucho de eso, después de haber sufrido el derrame cerebral que le llevó a cancelar sus conciertos el año pasado. El músico británico regresa con doce canciones en las que el soul, la psicodelia, el folk y el rock de raíz setentera se dan la mano para construir un universo sonoro cálido, íntimo y lleno de matices.
Michael Kiwanuka se aleja de la influencia de sus dos principales productores, Inflo y Danger Mouse, para alejarse del sonido y las fórmulas que le propulsaron al estrellato con "Kiwanuka" (2019), con el que ganó el Mercury Priz. Publicado el pasado 23 de octubre a través de Polydor Records, "Fudge" es su quinto álbum de estudio y una nueva demostración de la personalidad de un artista que ha sabido encontrar un espacio propio entre la tradición del soul y una sensibilidad contemporánea.
La principal novedad está detrás de los controles. Por primera vez desde Home Again, su álbum de debut de 2012, Kiwanuka se pone al frente de la producción, apartándose de sus colaboradores habituales Danger Mouse e Inflo. Para terminar de dar forma a las grabaciones contó con el productor Dom Monks y con los arreglos de cuerda de Rosie Danvers. El resultado es un trabajo que parece respirar sin prisas, dejando que las canciones encuentren su propio camino.
El disco se abre con "Summer Clothes", una pieza de atmósfera delicada que marca el tono de este viaje introspectivo. A continuación llega "California", una de esas canciones que se instalan poco a poco en la memoria gracias a su melodía y a esa voz de Michael, tan reconocible por su manera de transmitir vulnerabilidad sin necesidad de levantar demasiado el tono.
A lo largo del álbum aparecen diferentes paisajes musicales. "Just Another Moment" y "Drowning In Your Heart" profundizan en su faceta más reflexiva, mientras que "Love In My Heart", una de las composiciones centrales del repertorio, se despliega durante siete minutos con esa combinación de emoción, arreglos envolventes y crecimiento pausado que tan bien maneja el músico londinense.
También hay espacio para dejarse llevar. "Across The Sky" evoca el espíritu de cierta psicodelia acústica de los setenta, "Stars" introduce nuevos contrastes y "You Sent Me Flying" se mueve por terrenos de guitarra sinuosa y sonido brumoso. Por su parte, "Sing" funciona como una reivindicación de la música entendida como una necesidad vital, una forma de seguir adelante incluso cuando aparecen las dudas.
No es casual que la libertad sea una de las ideas que recorren "Fudge". Kiwanuka ha explicado que la inspiración para afrontar el disco de otra manera llegó, en parte, después de escuchar unas palabras del pianista Chick Corea sobre la importancia de confiar en aquello que uno considera bello, sin preocuparse tanto por las expectativas ajenas. Esa filosofía parece impregnar unas canciones que priorizan la intuición y la expresión personal frente a cualquier búsqueda de perfección calculada.
El cierre con "Swings and Roundabouts" completa el recorrido y devuelve al oyente a ese territorio de incertidumbre y descubrimiento que atraviesa todo el álbum. Un final que encaja con la intención de un trabajo nacido de la necesidad de explorar nuevos caminos, sin renunciar a las raíces que han convertido a Michael Kiwanuka en una de las voces más personales del soul británico actual.
La publicación de "Fudge" llega, además, en un momento especialmente difícil para el músico, que ha hecho público el grave problema de salud que sufrió y el largo proceso de rehabilitación al que se enfrenta. Las canciones fueron grabadas antes de esos acontecimientos y su lanzamiento quedó aplazado durante meses. Sus compromisos en directo continúan suspendidos por el momento. Quizá por eso resulte inevitable escuchar este álbum con una sensibilidad diferente. En sus canciones hay melancolía, incertidumbre y fragilidad, pero también una profunda confianza en el poder de la música para acompañarnos.

BURNING "Directo"

 

La banda liderada por Johnny Cifuentes celebra medio siglo con un disco que rememora el mítico "En Directo" de Burning grabado en 1990, con los mismos temas y en el mismo orden en que se publicaron originalmente. Por aquel entonces el grupo ya era leyenda, pero nadie hubiera apostado porque treinta y cinco años siguieran en pie. Más cuando dos meses antes su ya por entonces ex cantante Toño Martín muriera por una sobredosis. Aquel trabajo en vivo ha sido el más venerado por los fans. Johnny Burning cantante y teclista ha querido celebrar el 50 aniversario de la banda con este otro "En Directo", grabado en La Riviera en marzo de 2024 repitiendo el repertorio de 1991. Vuelven a sonar temas tan reconocibles como "Mueve tus caderas", "Una noche sin ti", "No es extraño", "No pares de gritar", y las inmensas "¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?", que en el nuevo lanzamiento aparece interpretado con Coque Malla, o "Esto es un atraco", junto al recientemente fallecido Jorge Ilegal. Además Burning anuncia una gira que recorrerá el país a partir de marzo. Por si fuera poco señalan que este disco es un aperitivo del nuevo álbum de estudio "que vamos a sacar en 2027".

dEUS "Keptman"

 

dEUS regresan a sus orígenes con "Keptman". Este single es su primera canción nueva desde "How To Replace It" (2023), demostrando que tras más de tres décadas de trayectoria, la banda belga sigue dominando esa capacidad para transitar con habilidad entre la elegancia y el caos. Tom Barman a medio camino entre cantar y narrar, mientras el ruido lo ponen el nuevo guitarrista Simen Følstad Nilsen con un riff de guitarra torcido; Klaas Janzoons le responde con capas de teclado mientras la sección rítmica de Stéphane Misseghers y Alan Gevaert sostienen el pulso, sin aflojar ni un compás. Hasta desembocar en un explosivo cierre disonante que va ganando volumen hasta detonar.
El grupo presenta la canción como una oda a la dependencia y a la atracción por las cosas que uno sabe que no le convienen, y a pesar de todo quererlo. El título 'kept man' hace referencia a un hombre mantenido, el que vive a cuenta de otro. Barman describe esa premisa como un sueño perverso en el que surge el deseo por aquello que puede terminar haciéndote daño.
El resultado es un sencillo que rescata la energía cruda y experimental que definió los primeros trabajos de la formación belga, una combinación de art rock y guitarras. Deus recupera ese espíritu en el que será su nuevo trabajo, algo que se explica porque la banda acababa de terminar la gira 'Worst Case vs In a Bar, un viaje de revisión de su repertorio inicial de "Worst Case Scenario" (94) y "In a Bar, Under the Sea", donde tocaban canciones con treinta años de historia lo que ha reavivado la libertad creativa de sus comienzos, según confiesan y eso ha propiciando su fase creativa con el lanzamiento inminente de ese nuevo álbum que vendrá marcado por el sonido de antaño.

U2 "The Greatest Show On Earth"

U2 lanza el tercer sencillo del nuevo álbum en el que la banda irlandesa nos muestra que quiere renovarse con marcado brío. "The Greatest Show On Earth" (El espectáculo más grande sobre la Tierra) aparece en el marco del 50 aniversario del grupo y es también el nombre escogido para su próxima gira. 

El tema es el último adelanto de “Carnaval de Luz”, su decimosexto álbum de estudio, que se publicará el 13 de noviembre con 12 temas en total. La canción, coescrita por U2 y Brian Eno, habla de una pareja que lucha por mantener la fe el uno en el otro, y en sí misma. El videoclip con imágenes en blanco y negro, dirigido por Anton Corbijn y rodado en el desierto de California, retrata de forma satírica a la banda como una secta religiosa enmascarada en la que las mujeres cargan con todo el trabajo. En 1986, Anton Corbijn se llevó a U2 al desierto de California para hacer las fotos de "The Joshua Tree". Cuarenta años después han regresado al mismo paisaje, para burlarse de ellos. Pocos grupos han cargado tanto con la etiqueta de mesiánicos como U2, y que sean ellos mismos quienes se disfracen de secta tiene algo de autocrítica.
La elección de Corbijn no es casual porque es el fotógrafo que más ha marcado la imagen del grupo desde principios de los ochenta. Ha dirigido para ellos vídeos como una de las versiones de “One” (con el grupo vestido de mujer), “Please” o “Electrical Storm”. Detrás de la cámara también ha firmado Control, la película sobre Ian Curtis, y casi toda la estética de Depeche Mode.

La banda irlandesa de rock U2 anuncia que arrancará su gira mundial The Greatest Show On Earth el 23 y 26 de febrero de 2027 en el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México, su primera parada en los tres países latinoamericanos que visitará. 
Después de presentarse en México, la banda se trasladará a Brasil, donde ofrecerá dos conciertos el 10 y 12 de marzo, en el Estadio MorumBIS, en Sao Paulo; y seguirá hacia Argentina, donde se presentará el 23 y 25 de marzo en el Estadio River Plate de Buenos Aires.

AIRBAG "Una extraña fuerza"

 

El trío malagueño hace un retrato de amor a la música. "Una extraña fuerza" es su octavo álbum, en el que sigue fieles a su espíritu punk-pop, con canciones cortas y contundentes: 13 temas en 31 minutos, en los que recuperan la urgencia para retratar nuestro entorno deprimente, las falsas apariencias o la tecnología que nos absorve.
Veinte años llevan creando esos bálsamos terapéuticos que nos hacen reflexionar, porque a veces es bueno parar para contemplar nuestro alrededor. De ese modo podemos descubrir a cada paso la estupidez humana. En su noveno disco vuelven a recuperar la urgencia del pasado y el volumen de su registro, apuestan por un pop efervescente que nos recuerda a Weezer como en "La habitación del pánico", pero también se acercan al punk ramoniano en "La película que he visto más veces" o "Las nuevas esferas de lo moderno" para burlarse de aquellos que dicen crear contenido en internet: "plástico en la red / cerebros de Ali Exprés". Se tornan aún más críticos para hablar de las mentiras de los grupos cuando anuncian que dejan los escenarios en "Gira de despedida" solo para exprimir las carteras de sus fans con el reclamo de la última oportunidad cuando tienen planificado su regreso: el negocio de las entradas caras más gastos de gestión, algo que todos recordamos con desilusión.

CLOUD NOTHINGS "Death Keeps Me Alive"

Cloud Nothings han cambiado sus prioridades, abandonan el indie rock para abrazar el metal más agresivo. Suben el volumen con “Death Keeps Me Alive” y el anuncio de un disco brutal que se titulará "What Kind of Hell Did You Survive?", previsto para el 29 de enero de 2027. Su cantante Dylan Baldi confiesa: "nos sentíamos un poco encasillados en el mundo del indie rock", algo poco habitual para una banda con quince años de trayectoria, que llevaba una sólida carrera con un sonido bien construido.
Su primer tema es una historia sobre una fuerza maligna que sobrevive alimentándose de la muerte, las guerras y el odio. Construyendo un relato en el que la violencia mantiene viva aquello que amenaza al mundo.
Las nueva canciones del disco abordarán temas como los gobiernos crueles, la importancia de la comunidad y la frustración por un entorno marcado por la hostilidad. La lista de canciones no deja lugar a dudas: “World Destroyer”, “Terror Multiplies” o “This World Is Shit”. La banda reconoce que las influencias que han marcado este álbum vienen de bandas como Queens of the Stone Age, Motörhead, Earth y Electric Wizard. El cantante reconoce haberse fijado especilamente en el metal y el hardcore de tono político para su nuevo trabajo.

PEQUEÑO MAL "Somos Pequeño Mal"

 

Por fin ha llegado el disco de debut de Pequeño Mal. Se han hecho de rogar pero ya tenemos este álbum que reúne once canciones de este proyecto nacido de la trayectoria de Saray Botella y Lolo González Molinier, vinculados anteriormente a Hazte Lapón.
Se dieron a conocer en marzo de 2025 con "Epilepsia de amor", un single doble en el que dejaban ver que su pasión por los sonidos new wave, power pop y noise pop. Desde entonces, no han dejado de compartir singles con dos canciones cada cierto tiempo, y ahora, han recopilado once de esas canciones para dar con su primer trabajo. A las piezas ya conocidas han incorporado “El escenógrafo” y “Lemniscata”, dos canciones nuevas que faltaban por escuchar del disco.
Saray Botella y Lolo González Molinier han encontrado una nueva manera de hacer lo que mejor saben: escribir canciones de pop con guitarras, inteligencia, mala leche y una sensibilidad que no necesita ponerse trascendente para acabar tocándote la fibra.
En "Somos Pequeño Mal" recuperan el gusto por las melodías bien construidas, los estribillos que se quedan a vivir en la cabeza y esas letras que parecen escritas por alguien que ha leído unos cuantos libros, ha escuchado demasiados discos y, pese a todo, todavía no ha perdido la capacidad de reírse de sí mismo. Que no es poco.Aquí hay power pop, hay new wave, hay noise pop y hay guitarras que no están dispuestas a quedarse en segundo plano. Pero, sobre todo, hay canciones. De esas que no necesitan un manual de instrucciones ni una campaña de marketing para justificar su existencia. Pequeño Mal parecen haber entendido que el secreto no consiste en inventar un idioma nuevo cada mañana, sino en tener algo que decir en uno que ya conocemos. Una querencia por el pop independiente que no necesita pedir permiso a las tendencias.
Desde "Epilepsia de amor", que abre el álbum con su particular combinación de desamor y melodía, hasta "Lemniscata", el grupo va desplegando un repertorio que alterna la electricidad guitarrera con momentos más delicados. "Balanza y espada" juega con la sensación de estar atrapados en una rueda de la que no sabemos muy bien cómo salir; "Golden Retriever" convierte las relaciones humanas y sus contradicciones en una pequeña colección de ocurrencias afiladas; y "Pompas de jabón" aporta otro matiz a un disco que no se conforma con disparar estribillos a quemarropa.
Entre sus grandes aciertos están las letras de Lolo, capaces de mezclar referencias culturales, juegos de palabras y observaciones bastante certeras sobre el mundo que nos ha tocado vivir. En "Vendrán a por ti", el punto de mira se dirige hacia los algoritmos y esa maquinaria digital que pretende conocernos mejor que nosotros mismos. En "Dos neuronas", el enredo sentimental se cruza con las paradojas del lenguaje y el pensamiento. Hay humor, sí, pero también una desconfianza saludable hacia la estupidez revestida de modernidad.
Y después está "Calaveras y diamantes", que demuestra que detrás de la ironía hay espacio para la emoción sin necesidad de subrayarla con rotulador fosforito. Porque una cosa es escribir canciones ingeniosas y otra, bastante más complicada, conseguir que además duelan un poco. Pequeño Mal sabe moverse entre ambas sin perder el equilibrio.
La banda se completa con Antonio y Carlos Fernández Hermana, de Living Camboya, y Fernando Bertola, vinculado a Súper Cadáver. Con Jordi Gil en la producción, el resultado tiene la contundencia necesaria para que las guitarras manden, pero también el cuidado por los arreglos y las voces que permite que las canciones respiren.
La jugada tiene además su gracia: varias de estas canciones habían ido apareciendo como singles desde 2025, de modo que el álbum no llega precisamente cargado de secretos. Lo interesante es escucharlas reunidas, comprobar cómo encajan y descubrir que, juntas, dibujan una personalidad mucho más definida de lo que podría sugerir una simple recopilación de adelantos.

HOT CHIP ‘Random Violence’

 

Hot Chip vuelven con nuevo single y anuncian su noveno álbum, "A Long Way From Kansas", que llegará el próximo 8 de enero de 2027. Los británicos siguen demostrando que el pop electrónico tiene muchas más posibilidades que poner a la gente a bailar, aunque después de tantos años sigan siendo garantía de ritmo y personalidad.
“Random Violence” en su primer adelanto apuestan por una atmósfera más emocional, sin buscar el estribillo inmediato. Es una canción especial, marcada por el recuerdo de Keith McIvor, conocido como JD Twitch, figura fundamental de la escena electrónica de Glasgow y cofundador de Optimo, fallecido en septiembre de 2025. Joe Goddard ha explicado que la letra nace en buena medida de esa pérdida y de los recuerdos compartidos en el mítico Sub Club. Una despedida que también reivindica la música como punto de encuentro y como espacio de resistencia. El tema suena entre New Order y LCD Soundsystem, Hot Chip nos dan "algo en lo que creer": la amistad y la necesidad de mantener cierta esperanza en tiempos bastante oscuros.
El videoclip, dirigido por Jack Cole, cuenta con la participación de Boss Morris, una agrupación femenina de danza tradicional inglesa que transforma la pieza en una celebración colectiva de la vida. Una imagen extraña, festiva y algo inquietante que encaja perfectamente con el universo de una banda que siempre ha sabido mezclar lo cotidiano con lo insólito. Hot Chip siguen a lo suyo, sin necesidad de perseguir tendencias ni de repetir fórmulas. Y eso, después de más de dos décadas de carrera, sigue teniendo mucho mérito.

LORI MEYERS "Disonancia"

 

Han tardado cinco años en publicar su nuevo trabajo "Disonancias". Lori Meyers vuelve a apostar por esas melodías brillantes habituales, pero ahora más que nunca introducen textos amargos. Tal vez esa sea precisamente la disonancia de este disco.
La banda granadina confiesa que el proceso creativo de este álbum les ha llevado tres años. Tanto tiempo sin grabar ha requerido "quitar algunas telarañas", aseguran. El lanzamiento por fin ha sido un alivio y regocijo a la vez, que quiseron celebrar cuatro días antes de que se pusiera a la venta en Madrid, en la sala El Sol, escenario que no pisaban desde 2011. Allí pudieron comprobar como funionaban las nuevas canciones en directo. Muchas ya se conocían caso de "Malafollá", sin duda su pieza más áspera con guitarras oscuras, con una letra muy acorde con estos tiempos que vivimos. Lo cierto es que en el disco abundan sintetizadores de colores más luminosos. "Tus Amigos" y "En lo total" demuestran que saben resolver los desencuentros amorosos en estribillos eficaces.
En aquel concierto de presentación se sorprendieron por la excelente recepción de "Hasta que llegaste", una canción que no había sonado antes y que ellos mismos no han sabido valorar convenientemente. Para mí es una de las mejores canciones del disco.
Preparan una gira de salas que arrancará entre enero y febrero, mientras otros se obsesionan con grandes estadios ellos van a optar por estar más cerca de su público.

CURRENT JOYS ft. NEVER GOODBOYE "Stay"

Hay canciones que suenan a una despedida aplazada, de ese instante en el que todavía queremos creer que alguien va a quedarse un poco más. "Stay" habla de esa necesidad de pedirle a alguien que se quede, de intentar retener una relación cuando las cosas empiezan a torcerse y de buscar una última oportunidad antes de que sea demasiado tarde.

El título funciona casi como una súplica. 'Stay' ("Quédate"). Una palabra sencilla que para reclamar otra oportunidad para fingir que todavía queda algo por salvar. Current Joys sigue explorando su particular universo emocional, en esta ocasión Nick Rattigan cuenta con la colaboración de Never Goodbye, alias del productor Danny Dwyer. Se trata del séptimo adelanto de "ROSEBUD", su próximo álbum a la venta el 6 de noviembre, y llega acompañado de un videoclip dirigido por Karsten Elliott Taylor y protagonizado por Lucy Evans-Rippy y Charlotte Rose Hansen. La canción parte de un tema muy reconocible, el éxito de The Kid LAROI y Justin Bieber, para llevarlo a su propio terreno.

Hasta ahora Current Joys nos han presentado "Wildfire", "Sufferer", "Hole", la agresiva "Chaos", "Blood on the stereo", "Night of swords" y "Halloween". Con "Stay", Current Joys y never goodbye se mueven precisamente en ese territorio: el de la nostalgia, la fragilidad de los vínculos y esa necesidad tan humana de detener el tiempo cuando algo empieza a escaparse de nuestras manos.Nick Rattigan lleva tiempo demostrando su facilidad para convertir las emociones más incómodas en canciones que conectan con nuestras propias experiencias. Su música se mueve entre la vulnerabilidad, la nostalgia y cierta sensación de desamparo, pero también tiene esa capacidad de transformar los sentimientos más oscuros en melodías que se quedan dando vueltas en la cabeza. Aquí, la palabra "stay" funciona como el centro de gravedad de una historia que todos podemos reconocer: querer que alguien permanezca a nuestro lado incluso cuando no tenemos muy claro qué va a pasar después.
La colaboración con never goodbye encaja en esta nueva etapa de Current Joys, que prepara en "ROSEBUD" un trabajo en el que amplía su habitual paleta sonora. Un proyecto que se mueve entre el slowcore, la electrónica, el emo y las guitarras más contundentes, sin renunciar a esos momentos de intimidad que han convertido las canciones de Rattigan en pequeñas confesiones generacionales.Y quizá por eso una palabra tan pequeña puede quedarse resonando durante tanto tiempo.
Quédate.