LA ESTRELLA DE DAVID "Máximo"

 

David se aparta de sus sonido más pop para ofrecer su mejor versión musical hasta la fecha, en este disco que se reivindica desde el título, "Máximo", con trece canciones en las que vuelve a retratar sus pequeñas derrotas, desde el barrio de Hortaleza, en Madrid, donde vive ahora. Por las nuevas composiciones deambulan esa antigua vecina llamada "Mari Carmen", su viejo amigo "Andrés" o quien le recomendaba: "nunca saldrás de pobre si no robas". Aunque como en todas las relaciones siempre hay cierta tirantez de amor-odio que tiene con Madrid y que demuestra en “Haciendo el tonto”.
La apertura con "Yo quiero enamorarme de ti" es lo más parecido a un hit del álbum, pero es un trabajo espléndido donde David se sincera y filosofa con cierto deje triste como cuando canta en "Dancing Star": "Yo soy ese viejo cantándole a la muerte / y hasta que me despierte / te vas a divertir". David no tiene apuros en explicarnos que tiene las mismas ganas de enamorarse que tiene de "No me quieras tanto". Del mismo modo que se desata con un postpunk oscuro para recordar lo que le decía "Látigo negro", el pastor del pueblo de su padre que se fue a Madrid y que es pura sabiduría: “Nunca saldrás de pobre si no robas”. Una reflexión que remata con: “dónde voy a ir, a dónde debo irme, si siempre va a venir Amancio Ortega a recibirme”.
David Rodríguez se convierte en un verdadero cronista. Su carrera que abarca más de treinta años le abala. Él ha formado parte de bandas muy destacadas de la escena indie nacional como Beef o Bach Is Dead, ha trabajado junto a Maria Rodés en "Contigo", además de participar en los primeros cinco discos de La Bien Querida, o de producir a Soleá Morente.
En "Máximo" David ha colaborado junto a sus músicos habituales; Jordi Irizar (Doble Pletina), Luis González (Juventud Juché) y Roberto Berlanga (Ornamento y Delito). A lo que hay que añadir las colaboraciones de La Bien Querida, Joe Crepúsculo o Andrea Buenavista. La apuesta en esta ocasión ha sido un sonido más centrado en el rock que en otras ocasiones, donde las guitarras han adquirido más protagonismo.

KIM GORDON "Play Me"

 

Kim Gordon nos presenta su trabajo más accesible, pero también el más interesante que ha creado en solitario, bajo su nombre. La ex de Sonic Youth nunca ha abandonado el terreno de las arenas movedizas con discos arriesgados como lo fue su trabajo anterior "The Collective", un álbum que recibió dos nominaciones a los Grammy. Pasados dos años nos sorprende con "Play Me"sin bajar el pistón con trap distorsionado, grime, rap, krautrock, guitarras hipnóticas...y muy agresiva, probablemente como nunca antes. A sus 72 años muestra uñas y no se corta a la hora de criticar la administración de Donald Trump, como cuando en "Byebye" recita una serie de palabras censuradas por el mandatario como 'diversidad', 'transgénero', 'hispano' o 'útero'.
Sumamamente concienciada sobre el mundo que nos rodea en "Dirty Tech" se pregunta si su próximo jefe será un chat de inteligencia artificial, y en "Subcon" ridiculiza a los tecno-bros y su obsesión con Marte. en la incial "Play me" los beats de trap sirven para atacar a esas plataformas que sugieren un catálogo de playlists para escuchar cosas tan ridículas como: 'chica rica popular' o 'relajándome después del trabajo'. El creciente fascismo se presenta envuelto en muchas formas y colores. La brevedad de las canciones, que no superan los tres minutos, obliga a una escucha atenta a los detalles: samples de conversaciones, distorsiones, texturas electrónicas o el ruido ambiental.
"Play me" es un disco de resistencia, donde las migraciones forzadas, colapso ecológico, las detenciones ilegales o la inteligencia artificial aparecen como síntomas de un nuevo y peligroso orden social que busca el control. La sofisticación tecnológica se ha aliado con la brutalidad de mandatarios y empresarios que pretenden mermar nuestros derechos como ciudadanos. La advertencia es clara: vivimos en un mundo que parece avanzar hacia formas cada vez más deshumanizadas de organización social.

RENALDO & CLARA "L’encant"

Clara Viñals demuestra una vez más su carácter inquieto haciendose cargo de un disco atrevido que conjuga canciones pop y electrónica, donde juega con el ritmo de un modo muy singular. Autora de músicas y letras, sorprende por mostrar una propuesta tan arriesgada en la que no tiene problema en mezclar acústico, electricidad, baterias sintéticas, violoncelo o flauta,... todo con absoluta convicción, que es lo difícil, para crear piezas tan sugerentes como la minimalista "Tan brillant", "Repartit" o "Loteria", "donde experimenta con el ritmo y buscando deconstruirlo”. No obstante encontramos piezas más pop como "Quines coses de mi" o "Amb tu podria estar" y es capaz de coquetear con piezas más latinas caso de "La boca aigua". Canciones que cantan con sensualidad y a veces con ironía.
Clara es la autora de músicas y letras, y con la complicidad de Hugo Alarcón, que actúa como multinstrumentista y coproductor. Él ha cumplido un papel fundamental en estas pistas que acaban resultando elegantes. Ella grabó las canciones estando embarazada, pero ha optado por no filtrar la maternidad en las canciones. Tampoco ha querido incluir su condición de profesora de Historia en un instituto. La cantante y compositora de Lleida ha querido apostar por composiciones desnudando su propuesta con aromas pop e instrumentos analógicos, sin perder la claridad personal de sus canciones.

SUEDE “Emotionally Unavailable”

 

Suede han decidido amplíar su último trabajo regalando cinco temas nuevos, dentro de su disco "Antidepressants", una obra brillante que llegó el año pasado. Esta versión extendida nos ofrece canciones nuevas, nada de versiones. Lo anuncian con “Emotionally Unavailable” una canción post-punk espléndida que no se entiende muy bien cómo quedó fuera del disco porque podría haberse convertido en un perfecto single. Brett Anderson comenta sobre este tema: "Me parece que la vida contemporánea tiene un aire a polvorín. Una atmósfera tensa, como si algo explosivo estuviera a punto de ocurrir, una ira latente, una oscuridad acechante, una frustración que necesita ser reprimida. Todos anhelamos la conexión en un mundo desconectado".

"Antidepressants (Expanded)" se pondrá a la venta el próximo 10 de julio. Se trata de una edición en triple compacto de su último álbum. El primero de los tres discos incluirá el álbum completo. El segundo, contará con los temas nuevos "Emotionally Unavailable", "Overload", "Sharpening Knives", "Dirty Looks" y "Medication". El tercer compacto incluirá las versiones demo originales de todas las canciones del disco.
Todas esas canciones las podremos escuchar en directo. Suede actuará en Barcelona (9 julio, Cruïlla), Lanuza (10 julio, Pirineos Sur) y Murcia (12 julio, Las Noches del Malecón).

ARNAU VALLVÉ "Mentre el monstre"

 
Arnau Vallvé, el que fuera batería de la banda catalana Manel, se estrena en solitario con una canción "Mentre el monstre", que sirve para anunciar un disco que verá la luz el año que viene. Un tema de pop 

electrónico que sirve, según sus porpias palabras como “un manual de instrucciones para huir”. Lo cierto es que el estilo difiere bastante de lo que nos ofrecía con Manel. 

Vallvé se convierte así en el segundo integrante de Manel que publica disco a título individual, después de que lo hiciera ya el cantante, Guillem Gisbert, aunque en este caso el baterista no tienen muy claro que sea el inicio de una carrera en solitario, tras el paréntesis de tres años que lleva Manel sin presentar ningún nuevo proyecto, aunque sí es verdad que este disco lo publica el sello que creó el cuarteto, Ceràmiques Guzmán, donde también ha editado el Gisbert solista, .

En los discos de Manel hay solo dos canciones firmadas por Vallvé, "Els guapos són els raros" (de su primer álbum, en 2008) y "La jungla" (del EP "L’amant malalta", 2021). En los últimos años, Vallvé ha estado ocupado como productor con artistas como Boye, La Ludwig Band, Ven'nus, Lildami, Triquell o Sense Sal, además de componer músicas de espectáculos teatrales y para la película "Suro" (Mikel Gurrea, 2022).

"Mentre el monstre" se estrena con un videoclip rodado en Barcelona y dirigido por Ignasi Gisbert , hermano de Guillem, y Rita Molina, en el que Vallvé hace de entrenador de fútbol de un equipo infantil, en realidad el del CE Canyelles. Uno los padres, que graba al equipo desde la grada, es el actor Pol López.

INTERPOL "This Mirror Weighs a Ton"

 

Interpol anuncia su octavo álbum de estudio, "This Mirror Weighs a Ton", que llegará a nuestroa manos el próximo 28 de agosto a través de Partisan Records, nuevo sello discográfico con el que han firmado tras más de dos décadas en Matador. Del álbum se han adelantado dos canciones que mantienen la identidad de la banda. El tema homónimo del álbum abre la puerta a nuevas sonoridades más atmosféricas, y "See Out Loud" que resulta más afín al rock directo habitual de la banda, con guitarras afiladas, con la novedad de las voces compartidas entre Paul Banks y el guitarrista Daniel Kessler.
El disco llega cuatro años después de "The Other Side of Make-Believe" (2022) y ha sido producido por Andrew Wyatt (Rosalía, Charli XCX y Miike Snow), y mezclado por David Fridmann, colaborador habitual de nombres como MGMT, Sleater-Kinney o The Flaming Lips.
En total, el álbum estará compuesto por 12 canciones, será uno de los trabajos más extensos de su carrera. Según la nota de prensa este nuevo disco explorará temas relacionados con la reflexión, la percepción y la distorsión de la realidad. Un álbum que inaugura una etapa con el sello Partisan, en el que aseguran que se dejan seducir por los sintetizadores, las cuerdas y las guitarras acústicas, con el objetivo de ampliar el sonido de la banda, en un trabajo de diseño sonoro más experimental.
Interpol tendrán un verano europeo con dos citas destacadas: el Bilbao BBK Live (11 de julio), donde será su única aparición en festivales españoles del año, y el MEO Kalorama de Lisboa (28-30 de agosto), dos de los festivales más relevantes en la península. Entre medias, pasarán por Francia con una fecha en Le Bikini de Ramonville-Saint-Agne (13 de julio) y por Italia con conciertos en Florencia (15 de julio) y Bolonia (16 de julio), antes de recalar en Londres para el All Points East (23 de agosto).

PEQUEÑO MAL “Dos neuronas”/ “Cleo (y los hombres fatales)“

 

Pequeño Mal vuelve a mostrarnos sus nuevas canciones con otro lanzamiento de single doble. Parece que de este modo se resisten a editar un álbum al completo, pero no vamos a quejarnos porque de este modo podemos disfrutar de su música en un formato en el que habitualmente nos demuestran su dualidad: la cara A con un tema enérgico y la cara B donde pisan el freno. El combo malagueño realiza así un ejercicio completo de su talento capaz de mezclar estilos como el power-pop, new wave, noise, punk-rock o el jangle, una versatilidad que saben resolver con solvencia. Tal como hicieron hace un par de meses con "Los duelistas" y "Vendrán a por ti", o anteriormente con "Epilepsia de amor" y "Balanza o espada".
En este caso el primer tema que presentan es “Dos neuronas”, un tema de power pop que ellos mismos reconocen que está inspirado en Hüsker Dü, en el que nos hablan de un amor en ruinas y con heridas abiertas. Por contra en “Cleo (y los hombres fatales)“ se muestran más luminosos para explorar la atracción y la vulnerabilidad con una letra algo inquietante, pero eso sí con guitarras cristalinas. Pequeño Mal es un grupo malagueño formado en 2025, por Saray Botella y Lolo G. Molinier, conocidos por su trayectoria al frente de Hazte Lapón, junto a Antonio y Carlos Hermana (Living Camboya) y Fernando Bertola (Súper Cadáver). Juntos han dado forma a este proyecto que se resiste a publicar un disco largo y prefiere suministrarnos pequeñas píldoras vibrantes que siempre tienen com telón de fondo las relaciones humanas. Es cierto que si juntaran todas esas canciones darían luz a un disco espléndido.

MARY IN THE JUNKHYARD "Role Model Hermit"

 

El trío londinense mary in the junkyard está a punto de editar su primer álbum de larga duración. Titulado "Role Model Hermit" nos presenta lo mejor de su art-rock con la presencia destacada de su vocalista Clari Freeman-Taylor. Su primer single de presentación "Crash Landing", con un videoclip de ensueño dirigido por Maisy Banks y Jacob Ray, rodado sobre los acantilados blancos de Dover, es una perfecta carta de presentación de la banda que arranca con una tenue capa de sonido, de aspecto tenso y que, poco a poco, va creciendo para culminar en catársis. La vocalista y guitarrista Clari Freeman-Taylor explica que la letra es una disección honesta de las barreras emocionales masculinas: "La canción trata sobre el miedo y sobre cómo los hombres suelen confiar en mantener sus emociones en secreto, y cómo tienes que abrirlos a la fuerza. Ser la única persona que ve un lado de alguien es una trampa".
El álbum llegará después del exitoso EP debut de 2024, "This Old House", se lanzará el 3 de julio a través de AMF Records. Según un comunicado de prensa, el álbum es "una colección de fábulas oscuras" que se sitúan en la delgada línea que separa la realidad de la ficción. Sus más recientes "New muscles" (acústico) y "Mouse" nos ayudar a adentrarnos en esta interesante propuesta del trío mary in the junkyard, un nombre a recordar este 2026.

KILL FLORA "Entre sueños y distorsiones"

 

Ana Julia González y Lucía Szellner han creado una de las formaciones más sólidas del shoegaze argentino, capaces de compaginar el ruido y la fragilidad con absoluta solvencia. Kill Flora han sido capaces de concebir un universo propio en el que conviven melodías preciosas y la distorsión, con todas las trazas del espíritu combativo de la feminidad que las entronca con el movimiento Riot Grrrl. "Entre sueños y distorsiones" es su disco largo de debut tras "Entrada triunfal", su primer EP. El proyecto ya está consolidado, despliegan  una identidad tan etérea como rabiosa, con guitarras cargadas de efectos y melodías que parecen quedarse suspendidas.

En ese paisaje descrito destacan canciones tan emocionales como “Chiquita” que ocupa un lugar destacado. Escrita inicialmente por Ana para su abuela, el tema muestra tono más íntimo y recogido, más vinculada al recuerdo. A señalar otros temas como "Tanto viento" o "Cuánto tiempo más", el último tema del álbum. 

DEATH CAB FOR CUTIE "I built you a tower"

 

La formación estadounidense ha regresado a un sello independiente después de permanecer durante dos decenios con Atlantic –de la gigante Warner– para apostar por sesiones de grabación con la banda en directo. Tal vez no brillan con la misma grandilocencia, pero se agradece la intensidad, el nuevo tono post-punk, con momentos de distorsión en temas como "Punching the flowers", o en "How heavenly a state", pero también hay electrónica en “Trap Door”. Sin duda Benjamin Gibbard, guitarra, compositor y actual líder de la banda, buscaba un cambio para esas letras llenas de dolor y madurez en las que reflexiona sobre su reciente divorcio y la fragilidad humana. Como cuentan en sus redes: "Si alguna vez has tenido que intentar convencerte a ti mismo y a todos los que te rodean de que estás bien cuando definitivamente no lo estás, esta canción es para ti".
Sorprendentemente estamos ante uno de los discos más destacados de la banda, algo que apriori podría resultar incomprensible tras la marcha de Chris Walla. La resurrección creativa de Death Cab For Cutie es estimulante, como prueban temas como el pop rock de siempre en "Stone Over Water", "I Build You A Tower", el kraut-pop del single “Riptides” o las guitarras agresivas de la mencionada “Punching The Flowers”.

SVSTO "Bar Manolo"

 

En estos tiempos de turismo masivo, saturaciones en el centro de las ciudades y tanto postureo llega Svsto para reivindicar el encanto de lo viejo en "Bar Manolo". Una canción para recordarnos el valor de lo de siempre, de los rincones con sabor añejo. El proyecto de la ex Bistec es coherente con aquel primer single en solitario que se llamaba "Mil €" que denunciaba ya la gentrificación.
"Bar Manolo" se aleja del estereotipo de la modernidad, mal entendida, de las rutas marcadas por las influencers, de las "reformas cuquis", sin personalidad, de los locales pensados para 'guiris'. Por contra reclama "la roña y la suciedad" como punto de peregrinación, el encanto de esa "bofetada de humedad" que te regala entrar en uno de esos bares de toda la vida, donde siempre se ofrece tapa y las raciones aparecen dignificadas en una pizarra escrita a mano, según la oferta del día.
Carla Parmenter llega al extremo del encanto cuando canta: "Ponme un WC que me tape el aliento", momento absolutamente delirante. Esa descarada crítica se explica en la nota de prensa: "En contra de la higienización moderna, SVSTO recopila en este single todos los detalles más naturales e imperfectos que hacían especial a un barrio. Esa suciedad simbólica, ese peligro, es la vida que representa a la ciudad, al contrario de la imagen aséptica, limpia, perfeccionada, uniforme y profundamente aburrida que poco a poco intenta conquistar nuestras calles".