Después de "Manual de cortejo" (2019) y "Manual de romería" (2023) llega la contiinuación de esta trilogía con "Manual de belleza". Rodrigo Cuevas sigue reivindicando el folclore al que añade toques reguetoneros, electrónica o lo que pase por su febril imaginación. Esta vez muy influenciado por su estancia en Puerto Rico, donde estuvo componiendo junto a Eduardo Cabra, quién ya hizo de productor en la Romería. Aquí encontramos bolero, pasodoble, tonada o cabaret, pero que suena a otra cosa, siempre buscando la cara optimista de la vida: para acabar con el pulgón llena la casa de mariquitas. El asturiano quiere crear un mundo más feliz donde “los ricos no van al espacio, y todo el mundo es maricón”. Desde la inicial Un mundo feliz hasta La fiesta con que cierra el disco, Cuevas propone un viaje vitalista donde gobiernan las señoras jugando al parchís que toman decisiones borrachas de anís y donde las bicicletas no tienen sillín. Historias que comparte con colaboraciones estrella con mayoría femenina como Ana Belén, Massiel, la Mala Rodríguez, Zahara, las Tarta Relena o la jazzista Mapi Quintana, además de los gallegos Grande Amore. Hedonismo con alma caribeña, pero atención porque los calificativos se quedan cortos. En "Manual de beleza" encontramos piezas como la mezcla de xiringüelu asturiano con el hip hop de la Mala en "BLZA", "Asturcon" de claras influencias rave por la aportación de Zahara y Martí Perarnau. "Una muerte ideal", inspirada en el personaje de Margarida de la novela Te di mis ojos y miraste las tinieblas de Irene Solà. La melancolía de "El pañuelín", la tradición en "La hermana cautiva", el bolero "Xardineru", que Cuevas compuso pensando en su pareja, o Sácame a bailar, protagonizada por dos ancianos a los que bailar paso doble les permite superar la demencia y rememorar su juventud. Sin duda más que un disco Rodrigo Cuevas se ha marcado un festín.
Cameron Picton, ex Black Midi donde cumplía las funciones de bajista y vocalista del trío, presenta su debut en solitario tras la separación del grupo en el verano de 2024. Tras "Hellfire", la banda se separó y cada integrante tomó un camino distinto (tristemente, su guitarrista Matt Kwasniewski-Kelvin fallecía a principios de este año). Geordie Greep, el guitarrista y vocalista principal, debutaba en solitario en 2024 con "The New Sound". Ahora es el momento de Cameron en solitario con otra aventura arty.
Picton ha confesado que el final de Black Midi fue un alivio. Ellos fueron los primeros en despedirse de un puñado de bandas coétaneas que se formaron alrededor de un local del sur de Londres, el pub Windmill, entre ellas Squid, Black Country, New Road y Shame dispuestas a revolucionar con su juventud el rock. La trayectoria de black midi fue corta, pero muy fructífera, entre los años 2019 y 2022, editaron tres álbumes muy destacables. El sonido de My New Band Believe recuerda al de Black Midi, pero resulta más accesible con melodías sostenidas, también más íntimo, aunque sin abandonar la experimentación. Encontramos bonitos arreglos de cuerdas, flautas, saxofón y hasta acordeón. Todos esos instrumentos se superponen en el caos sonoro en canciones como"Heart of Darkness", en la muy teatral "Actress" o en la más barroca "In the Blink of an Eye". Aunque como os he contado también hay piezas menos abigarradas como "Love story" en las que la voz en falsete de Picton se vuelve confesional para hablarnos de una pareja que se debate entre cenar arroz o judías. Tan real como la vida misma.
Esa portada irresistible ya es motivo suficiente para comprar este disco, que luego nos deslumbrará por su contenido. Dentro encontramos ritmos irresistibles diseñados para el baile por un músico granadino apasionado por las tonadas latinas. No es nuevo, ya que este es su tercer disco, después de "The Kink of Mambo" y "El Prince", en el que repite la fórmula de insuflar energía y sentido del humor a géneros como el cha-cha-cha, el boogaloo, el soul latino, la rumba y el soul a la española. "Sonido Conquistador" invita a la fiesta con piezas tan divertidas como "Cachito de cachopo" o "Mi devilidad" (sí con v). Ritmos delirantes para una fiesta, donde sube la temperatura, con locura tropical dedicada a santos y diablos. Nueve canciones en total que cruzan fronteras, sin ningún prejuicio, desde el mambo, el swing, la copla o la cumbia. Tito Ramírez, con su mobre inventado y a cargo de una orquesta llamada Los Verdaderos Reales, se atreve con todo y nada se le resiste, para alegrarnos la vida porque está claro que ese ese es su principal objetivo. Gracias.
Joe Jackson es toda una institución, un músico inquieto que ha sabido adaptarse a los tiempos y que desde 1979, cuando lanzó su primer disco "Look sharp!" con las claras influencias del new wave nos ha dejado una discografía sorprendente. El británico edita su vigésimo segundo álbum, "Hope and Fury", en el que vuelve a imperar su buen gusto, la elegancia con sonidos que se mueven entre el latin jazz, pop, el rock y el funk.
Grabado entre Berlín y Nueva York y arropado por su habitual trío instrumental, al que se incluye el percusionista peruano Paulo Stagnaro. Las nueve nuevas canciones del álbum proponen un viaje musical variado, apostando por composiciones que combinan ironía, crítica social y observación del presente. El propio Jackson mantiene intacta su identidad como autor, desarrollando letras que alternan sarcasmo y reflexión, con frases como “Hello cruel world / I’m not going away”, (“Hola mundo cruel / No me voy a ir”) que reflejan el tono combativo del disco. Entre los temas más destacados se encuentran “Welcome to Burning-by-Sea”, que abre el álbum, una de las piezas centrales del álbum, construida como retrato irónico de una ciudad costera británica que funciona como metáfora social, con un enfoque narrativo y rítmico. “End of the Pier”, donde el músico contrapone pasado y presente desde una mirada melancólica. “Fabulous People” una de las canciones más accesibles del disco, con un enfoque narrativo que combina ironía y celebración, mientras que temas como “I’m Not Sorry” o “Do Do Do” recuperan ese tono sarcástico característico de Jackson, entre la burla y la observación social. Lejos de acomodarse, el británico continúa explorando nuevas combinaciones sonoras dentro de su propio lenguaje musical, manteniendo esa capacidad para transitar entre géneros sin perder coherencia. En este sentido, "Hope and Fury" funciona como una reafirmación de su estilo, más que como un giro radical dentro de su discografía.
Los Enemigos están de vuelta después de seis años, cuando publicaron "Bestieza". Fieles a sus creencias e identidad presentan “Canciones chulas”, la canción que dará nombre a su próximo disco previsto para octubre y que editará Mushroom Pillow, el sello con el que todas las bandas quieren trabajar. El grupo surgido en las entrañas de Malasaña lleva ya 30 años de carrera y quieren reivindicar su autenticidad, después de un viaje tan largo que arrancó en 1985. Esa trayectoria les ha convertido en una banda fundamental del rock español. Josele Santiago, Fino Oyonarte, Chema “Animal” Pérez y David Krahe después de muchos vaivenes y algún desencuentro regresan juntos y con fuerza, con esas canciones directas, cargadas de crudeza.
Tom Waits y Massive Attack se unen para criticar abiertamente al genocida Donald Trump, en un tema titulado "Boots on the Ground". Una causa que justifica que hayan roto su silencio discográfico que en el caso de la banda de trip-hop se prolongaba quince años y en el de Tom Waits ocho años, desde "Bad as me" (2011). Bien merecía la pena, son amigos desde hace algunos años pero les faltaba colaborar musicalmente. Les ha unido la rabia por la deriva racista y bélica de Donal Trump, así que en esta canción que se podría traducir por "Botas en el suelo" señalan en su letra: “¿Quién diablos son estos imbéciles federales? / Escondidos en el senado como una garrapata hinchada en el culo. / Mocasines de mierda con aire acondicionado. / Sentados en una habitación llena de carteles del ejército”. "Boots On The Ground" viene acompañada de un vídeo donde denuncian la brutalidad política y policial en Estados Unidos. Retrata el momento crítico que vive Estados Unidos, en el contexto de las mayores protestas sociales del país, marcadas por el rechazo a las redadas migratorias de ICE, la militarización y el auge del autoritarismo. La canción "Boots on the Ground" dura cuatro minutos y 20 segundos, pero se extiende hasta los siete en el vídeo que recoge imágenes del fotógrafo thefinalye captadas en un periodo de tiempo que va desde el asesinato de George Floyd en Minneapolis, en mayo de 2020, hasta las recientes redadas del ICE (Servicio de Inmigración y Control de Aduanas) creado por Trump y que ha llegado a protagonizar diversos asesinatos de civiles en las calles del país. Fotografías de la represión policial en Estados Unidos donde podemos contemplar a agentes con fusiles amenazando a ciudadanos, manifestaciones de protesta, niños llorando, personas golpeadas y maltratadas. Al final del vídeo se informa: “Hasta marzo de 2026, ocho personas han muerto a manos de los agentes del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de Estados Unidos (ICE) o bajo su custodia. A febrero de 2026, 68.289 personas estaban detenidas por ICE. De ese número, el 73% (50.259) no tiene antecedentes penales. Muchos de los que tiene antecedentes penales fueron por delitos menores, como infracciones de tráfico”... La canción ha sido escrita por Tom Waits, su pareja, Kathleen Brennan, particpa en los coros y a la batería está su hijo, Casey. Massive Attack ha comentado: “Este tema llega en una atmósfera de caos. En todo Occidente el autoritarismo y la militarización de las fuerzas policiales se están fusionando con la política neofascista”. El single llegará a las tiendas en un formato en vinilo de 12″ que incluye una cara B con "The Fly", otra pieza firmada también por Waits.
Lori Meyers se toma mucho tiempo entre disco y disco, los dos últimos llegaron con cinco años de diferencia. Ahora por fin nos anuncian nueva música con "En lo total", un single en la mejor línea de la banda, que recupera la esencia de sus clásicos, con melodías pegadizas, letras emocionales y un toque nostálgico para hablar de las relaciones personales. Su nuevo álbum, el octavo de su carrera llega cinco años después de "Espacios Infinitos" (2021) en los que, eso sí, no han dejado de tocar. Curiosamente entre "En la espiral" y "Espacios Infinitos" también pasaron cinco años. Nada parece casual, ellos lo explican: "Después de nuestro último disco hemos pasado años girando por todo el país, tocando en la mayoría de festivales y también en México. Y si algo hemos repetido siempre es que solo volvemos al estudio cuando sentimos que tenemos algo que decir. El día que eso deje de pasar, se acabó. C’est fini. Este nuevo trabajo nace justo ahí. En estos últimos años han ido apareciendo historias, vivencias y emociones que acabaron convirtiéndose en canciones. Y con ellas volvimos a empezar desde cero".
El nuevo trabajo contará con la producción de Ferran Gisbert, guitarrista y colaborador habitual de Alizzz. De momento sabemos que contendrá diez canciones de ritmo vivo.
Hace poco menos de un mes The Afghan Whigs estrenaron “House of I”, single al que ahora ponen vídeoclip. Es la primera canción nueva en cuatro años, desde "How Do You Burn?" El tema sirve para celebrar su 40 años de carrera musical, con el anuncio de una gira norteamericana, en la que les acompañarán Mercury Rev como invitados especiales, de veintiún fechas que se iniciará el 25 de abril en Woodstock. Además han confirmado una serie de fechas en el Reino Unido para el mes de septiembre. “House of I” fue producida y mezclada por Greg Dulli y el guitarrista Christopher Thorn. La canción se grabó en los Marigny Studios de Nueva Orleans (Luisiana), y las grabaciones y mezclas adicionales se completaron en Fireside Sound, en Joshua Tree (California): “Grabamos este tema en Nueva Orleans el verano pasado; buscábamos un temazo con un ritmo rápido y creo que lo hemos encontrado”, comenta Greg Dulli. Ciertamente lo han conseguido “House of I” llega impulsada por una batería musculada y guitarras atronadoras, la inconfundible voz de Greg Dulli hablando de deseo, con unos estribillos muy stonianos que arden. A estas alturas The Afgant Whigs no tiene nada que demostrar porque saben hacer música con oficio. No hablamos de un regreso, ni de artificios es rock con nervio. Lo mejor es que a finales de año está prevista la publicación de un nuevo álbum completo.
Joan Miquel Oliver retrata la Mallorca actual en “Gent que mola un munt” ("Gente que mola un montón"). El segundo avance de su nuevo disco, previsto para el 30 de abril, ofrece una crónica lúcida e irónica sobre la transformación de la isla. El vocalista de Antònia Font critica la gentrificación que amenaza con destruir Mallorca, ese paraíso admiraro por los turistas, pero que a menudo no es valorado por sus residentes, los propios mallorquines habitualmente no se percatan del lugar privilegiado donde viven hasta que los visitantes se lo recuerdan. Después de presentar “Oxitocina”, el músico mallorquín Joan Miquel Oliver sigue desvelando su nuevo proyecto con “Gent que mola un munt”, donde muestra la realidad de un territorio cada vez más tensionado por la masiva llegada de visitantes y la especulación. Una realidad que está desplazando a la población local. Se produce un fenómeno extraño en el que los padres no se resisten a vender a los extranjeros sus casas por la oferta de cuatro veces el precio de mercado, pero que sus hijos ya nunca podrán aspirar a recuperar. Pasa en la zona de Arcxiduc, en El molinar, Santa Catalina y ya también en el El Llevant o Pedro Garau. Quienes conocemos y vivimos en Palma sabemos que capitales suecos, finlandeses, alemanes, holandeses... están comprando viviendas a precios desorbitados como inversión, hasta el punto de que mallorquines han decidido vender y trasladarse a otras localidades de la península. Es la sátira contemporánea que también esta ocurriendo en Venecia o Dubrovnic. Joan Miquel tiene el detalle de contar que se va a bañar a un rincón hermoso de la costa sin mencionar cuál, porque como ha ocurrido con la Cala del Moro se produjo el fenómeno de instagrames que acudieron a hacerse fotos y en tres días se acumularon colas de cuatro horas, con esperas a pleno sol, para mojarse el culo. Yo no te contaré mi cala favorita precisamente para evitar esa misma situación.
Probablemente "G.O.D. And The Broken Ribs" sea uno de los mejores temas de Jack White, una canción que suena a clásico rock and roll con una tensión brutal y un riff guitarrero con tremenda fuerza. La pieza se edita junto a “Derecho demonico” en su cara B. Está disponible un vinilo especial de 7" a la venta en la web de su sello de @thirdmanrecords y sus tiendas en Nashville, Detroit y Londres. Son dos canciones con acento rockero y es lo primero que conocemos del genio norteamericano desde su extraordinario "No name" de 2024. Ambos temas han sido producidos por White con el acompañamiento de su banda habitual en directo: Patrick Keeler (batería), Dominic Davis (bajo) y Bobby Emmet (teclados). Larga vida al rock and roll.
Todo el mundo habla de Angine de Poitrine. Es el grupo de moda con una estética irresistible que disfrazados con narices largas, trajes de lunares y capirotes. protegen sus identidades. Se han convertido en el fenómeno musical del momento y la banda más viral de los últimos meses. Su música instrumental entrecortada, microtonal, es tensa y apenas deja respiro. El dúo lanzó su disco de debut en 2024, pero fue hace un mes cuando se publicó una de sus actuaciones en un fetival francés, con una duración de 27 minutos, cuando la fama les arrasó con más de 8 millones de visitas en Youtube. Posteriormente su directo en KEXP ha captado la atención de medio mundo. Se llaman Angine de Poitrine (Angina de pecho, en francés), un dúo natural de Saguenay, una ciudad de Quebec (Canadá) de unos 150.000 habitantes. Mantienen su identidad oculta, en las entrevistas es su manager el encargado de responder a las preguntas. Resulta tan extraño como sus estructuras sonoras intrincadas con ritmos sincopados, a mitad de camino entre el noise rock, math y punk, en canciones contagiosas que incitan al baile. Música experimental la que practican estos dos tipos que utilizan seudónimos: Klek de Poitrine se encarga de la batería y Khn de Poitrine toca una guitarra de doble mástil, uno de ellos un bajo de cuatro cuerdas con trastes muy juntos que dividen cada octava en 24 notas en lugar de las 12 habituales. La pasión desbordada por esta banda es tal que se los rifan en los festivales. Este 2026 realizarán una gira de 100 conciertos. Ya han actuado, con las entradas vendidas, en Tokio, Nueva York o Londres. Por su primer disco "Vol. I" (2024), ya convertido en pieza de coleccionista se han llegado a pagar 1.500 euros en la web Discogs. Su segundo trabajo, en el que coincide en incluir solo 6 canciones, dura 36 minutos, con títulos tan singualres como "Mata Zyklek", "Utzp" , "Yord Zarad" o "Sarniezz". A partir de este momento se viene spoiler. Si no quieres saber quiénes son estos dos individuos extraterrestres no sigas leyendo... Estás avisado. En realidad los componentes de Angine de Poitrine antes se llamaron La Poêsse, La Poexe, La Poëysce o La Poësse (variaban el nombre a conveniencia y de forma caprichosa). En caso de que mis pesquisas sean ciertas los individuos serían Charles Thibeault a la batería y Marc-Antoine Mackin-Guay a la guitarra/bajo. Espero que disfruten de la fama obtenida, aunque es probable que en estos tiempos que corren puedan ser flor de un día que la industria deglute y arroje con excesiva velocidad. Mientras tanto disfruta de este gratificante dúo de Quebec.
