DYNAMITE SHAKERS "Par le vide"

 

Hay vida musical más allá del Reino Unido. Basta con mirar a nuestro alrededor, el grupo francés Dynamite Shakers ha lanzado nuevo sencillo titulado "Par Le Víde", en el que marcan un elegante indie rock. Este nuevo vídeo llega poco después del lanzamiento de "Marilyn", el segundo álbum de la banda, publicado en agosto de 2026 y es uno de los temas que incluía.
Producido por Lionel Limiñana, del dúo The Limiñanas, y grabado en Bruselas, este álbum de 14 temas marca una nueva etapa para los cuatro músicos, que ahora alternan canciones en francés e inglés y que  ha encontrado en el rock de guitarras su principal seña de identidad.
El cuarteto de la Vendée continúa desarrollando esa combinación de rock garajero, melodías pegadizas y actitud punk que ya pudimos disfrutar en su anterior trabajo, “Don't Be Boring”. Un sonido directo, sin demasiados rodeos, que encuentra en las buenas melodías la mejor manera de reivindicar su forma de entender la música que nunca pasa de moda, sin renunciar a esa electricidad que convierte sus canciones en una invitación a subir el volumen.
Con “Marilyn", Dynamite Shakers confirman que son una de las propuestas a tener en cuenta dentro de la nueva escena del rock francés. “Par le vide” es otra buena razón para acercarse a su música. Ellos reivindican un rock sin concesiones, influenciado en particular por The Stooges, The Libertines y Arctic Monkeys.

PINPILINPUSSIES "Cantar Motor".

 

Pinpilinpussies adelantan sus nuevas canciones que incluirán en su tercer álbum de larga duración.
Tras dar a conocer "No te olvides de mí", comparten "Cantar Motor", el segundo adelanto de su próximo trabajo que llegará el próximo 21 de octubre a través del sello barcelonés Aloud Music.
En esta ocasión las catalano-vascas Raquel y Ane ponen el foco en el trasfondo de la industria del entretenimiento para visibilizar la precariedad, el agotamiento extremo y la ansiedad que a menudo se enmascaran tras la vocación profesional: "Especialmente va dedicada a todas las técnicas del sector audiovisual, que pese a dejarnos con pasión la piel en lo que hacemos, aguantamos jornadas interminables, faltas de descanso, dificultades para conciliar la vida fuera del trabajo, abusos de distinta índole... Y aun así salimos a rodar con la mochila llena de redbulls, pero con una sonrisa, porque al menos la camaradería hace que juntos podamos mejorar nuestras condiciones. Poco a poco compañeras, pero lo lograremos. ¡Cantemos Motor!, pero esta vez a modo de celebración colectiva".

Pinpilinpussies apuestan de nuevo por el sonido crudo en "Cantar Motor" que se erige como una proclama y un homenaje directo a sus trabajadoras y lo que muchas veces se esconde entre las bambalinas del universo audiovisual. A veces la luz de los focos nos impide ver lo que hay detrás.

THE SMASHING PUMPKINS "Black Stars"

 

The Smashing Pumpkins regresan. Sería un eficaz titular, pero tiene trampa. La banda han lanzado "Black Stars", un nuevo tema original que en realidad se ha creado específicamente para la banda sonora de 'Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha'. En la canción participan Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin, con el productor Butch Vig en su primera colaboración desde el álbum "Siamese Dream" de 1993.
El tema llega poco más de un mes antes del estreno de la película en cines el 20 de noviembre. Según un comunicado de prensa, Black Stars comenzó a gestarse cuando Billy trabajaba en un disco en solitario. Cuando The Smashing Pumpkins recibieron la invitación para componer una pieza original para la película, Corgan incorporó a Butch Vig al proceso. Vig ayudó a identificar el tema que mejor se adaptaba al tono y la atmósfera de Sunrise on the Reaping. La grabación tuvo lugar en los estudios Chaplin de Los Ángeles, y posteriormente se realizaron sesiones adicionales en Chicago.
"Black Stars" es una de las 29 contribuciones nuevas e inéditas recopiladas para el álbum "Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha". La banda sonora se lanzará el 13 de noviembre, una semana antes del estreno de la película en cines el 20 de noviembre. Producido por Dave Cobb, el álbum reúne a una amplia gama de artistas que compusieron y grabaron material original inspirado en el mundo de Panem.
Actualmente, The Smashing Pumpkins encabezan conciertos en estadios de toda Norteamérica con la gira The Rats in a Cage Tour. "Black Stars" ya se ha incorporado a su repertorio en directo, lo que brinda al público la oportunidad de escuchar el nuevo material en vivo antes del lanzamiento de la banda sonora.

VETUSTA MORLA "Bailar en Beirut"

 

El grupo madrileño Vetusta Morla continúa mostrando algunas canciones de su nuevo proyecto discográfico y estrenan esta vez "Bailar en Beirut", una canción con la que la banda pretende realizar "un acto de resistencia y dignidad" a través de la música. Una canción inspirada en la imagen que hace unos meses se convirtió en viral en internet en la que el violonchelista libanés Mahdi Sàhêli tocaba su instrumento sobre las ruinas de la ciudad de Beirut, en el Líbano, un vídeo grabado en una pausa entre dos ataque israelíes.

El concepto de la canción se reafirma en el videoclip, , dirigido por Iván Blanco, que recrea aquella imagen tras un ataque israelí. "Conectando asimismo con la memoria del propio grupo, que en 2004 actuó en la capital libanesa en una experiencia colectiva que marcó su decisión de dar continuidad al proyecto musical", indican desde su oficina de representación en un comunicado.

Han sido los propios artistas los que han recordado el impacto que tuvo en su carrera aquella estancia en el festival Anti-Crise de 2004, Hasta el punto de que en la última noche en la ciudad sellaron el juramento de hacer siempre todo lo que estuviera en su mano por continuar "esta aventura".

Después de la publicación de "Si vuelves", Vetusta Morla  muestra este segundo anticipo de su próximo trabajo que llega tras más de dos años de parón creativo.

FLEA 'Honora'

 

Flea tenía una deuda que le carcomía en su interior, el bajista tenía una deuda con el jazz y consigo mismo. No lo podía resisitir por más tiempo en su interior y tuvo que expulsarlo materializandolo en un disco que condesara sus vivencias y vibraciones más íntimas. Su pecado es "Honora", el bajista de Red Hot Chili Peppers debuta en solitario, recuperando su vieja pasión por la trompeta, con un disco que transita por los sonidos de un jazz que va de los clásicos a los sonidos más novedosos, recoge de aquí y de allá para crear su personal banda sonora. Para ello cuenta con la participación de amigos como Nick Cave, quien contribuye en "Wichita Lineman", una vieja canción country de Jimmy Webb; Thom Yorke, Warren Ellis y un grupo de músicos de lujo.
"Morning Cry", es el tema que más se acerca a los clásicos del be bop y el hard bop, a revoluciones añejas y reconocibles. Canciones propias como "A Plea" (Una súplica), con una letra entre la desolación y la esperanza y un arrebatador desarrollo musical, se combinan con versiones como Maggot Brain, que George Clinton registró en el tercer disco de Funkadelic; "Thinking Bont You", de Frank Ocean, y la muy versionada "Willow Weep For Me", escrita en 1932 por Ann Ronell. El disco se cierra con una pieza que hace honor a su título, "Free As I Want To Be", que resulta la más próxima al rock de todo el álbum, con Flea a la trompeta, Josh Jeff Parker a la guitarra y Josh Johnson al sintetizador Mog.
Es un disco curioso, sin lugar a dudas, muy distinto a su actividad con su banda habitual. Flea es un tipo inquieto. El jazz entró como un torrente en sus venas antes que el rock, el funky con músicos como George Clinton, Freddie Hubber o Charlie Parker. Evidentemente a los seguidores de RHCP no les va a interesar, pero no creo que eso a Flea le importe mucho. Pero es cierto que es un trabajo inspirador. 

FONTAINES D.C. Y ROSALÍA "Where Is Gone?"

 

Rosalía expande sus fronteras musicales con una colaboración con la banda de rock Fontaines D.C. La artista catalana acompaña con su voz en "Where Is Gone?" junto al cantante Grian Chatten en esta balada orquestral. Se trata del tercer sencillo del nuevo álbum del grupo irlandés "Dopamine Chamber", que verá la luz el próximo viernes.
Es uno de los temas más esperados de "Dopamine Chamber", el quinto álbum de la banda irlandesa, su disco más oscuro e intimista en el que viran hacia un pospunk más electrónico, con ecos por momentos que pueden recordar a Depeche Mode o The Cure en un disco a publicación que gira en torno a una “advertencia catastrófica”..el álbum de la banda: “Ha hecho por España lo que nosotros por Irlanda”.
La cantante catalana se une por primera vez a la banda irlandesa en un tema melancólico que aborda la dificultad de dejar atrás una relación. El resultado es una balada melodramática que plantea recuerdos de felicidad que se resquebrajan. Musicalmente, "Where Is Gone?" se mueve a un ritmo pausado con un sonido de guitarras, violines y una batería marcada que deja espacio a las voces de Rosalía y Grian Chatten. El estribillo arranca con: “I remember when they held me up against the summertime” (“Recuerdo cuando me ponían a prueba contra el verano”), para después reconocer con dolor que es el fin de esar relación amorosa: “No hay nada de malo en decirlo / Déjalo, deja que muera”.

Es la primera vez que la banda de Dublín decide incluir la colaboración de una vocalista en uno de sus discos, lo que nos hace dimensionar el reconocimiento que está recibiendo la cantante de Sant Esteve Sesrovires a sus 34 años. Aunque no es su primera participación con otros artistas, ya lo hizo con Normal, de Carolina Durante, publicada en 2024. La cantante ha cruzado a lo largo de su carrera géneros y escenas muy diferentes, desde el reguetón de Bad Bunny, Ozuna o J Balvin hasta la experimentación de Ralphie Choo, Björk o James Blake.
Tras finalizar recientemente su Lux Tour con 57 conciertos con todas las entradas agotadas, Rosalía fue galardonada por el Ministerio de Cultura y Deporte con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2026 de España. Además, Rosalía recibirá el 22 de octubre el Premio Billboard Salón de la Fama 2026 en reconocimiento de “una carrera extraordinaria definida por la innovación musical, una visión artística singular y una influencia que ha trascendido géneros, idiomas y fronteras”.
Por su parte Fontaines D.C. nos visitan próximamente. Actuarán en España este mes de octubre en dos fechas: jueves 22 de octubre: Movistar Arena, Madrid, y sábado 24 de octubre: Sant Jordi Club, Barcelona.

VAPORS OF MORPHINE NOS VISITAN

 

Morphine ha sido uno de mis grupos favoritos, una banda arriesgada que ofrecía en los 90 un sonido único. Su líder Mark Sandman decidió arrancar a su bajo dos cuerdas y con las dos que quedaban optó por ofrecer una música singular acompañado de un saxofón barítono y una batería sorprendieron al mundo del rock. Uno de mis discos de cabecera y que recomiendo encarecidamente es "Cure for pain". Lamentablemente Mark  falleció en 1999 sobre el escenario en un concierto, a los 46 años, a causa de un infarto en el festival Nel Nome del Rock en Palestrina, cerca de Roma, Italia.

Aquel trágico acontecimiento acabó con la carrera de una banda que combinaba rock alternativo, blues y jazz con una personalidad tremenda. Poco después se editó un disco con grabaciones guardadas y Dana Colley, miembro fundador de Morphine y saxofonista del grupo, puso en marcha un nuevo proyecto bajo el nombre de Vapors Of Morphine. Además de recuperar repertorio de Morphine, Vapors Of Morphine muestran su propia discografía, que cuenta con los álbumes "A New Low" (16) y "Fear & Fantasy" (21). Nada destacable comparado con el orignal, no obstante si te interesa su propuesta musical vendrán a actuar a nuestro país: en Madrid (5 noviembre, Sala Copérnico; ciclo Mazo), Badalona (6 noviembre, Sala Dosrombos), Zaragoza (7 noviembre, La Lata de Bombillas) y Valencia (8 noviembre, 16 Toneladas).

TRONKAS! “Me da igual”

 

Ha llamado mi atención esta canción porque escupe verdades como puños. Tronkas! regresan con “Me da igual”, un tema que desde su propio título deja bastante claras sus intenciones. Porque pocas expresiones resultan tan contundentes como ese “me da igual” que utilizamos cuando queremos marcar distancia, cuando algo ha dejado de importarnos o, quizá, cuando intentamos convencernos precisamente de lo contrario.
La canción juega con esa idea y convierte la indiferencia en una especie de mecanismo de defensa. Pero también hay algo de desafío en ese “me da igual”. Tronkas! construyen una canción que habla de esa necesidad de soltar lastre, de dejar atrás aquello que nos condiciona y de intentar recuperar el control sobre nuestras propias decisiones. La letra se mueve entre la rabia, el cansancio y una actitud aparentemente despreocupada que termina revelándose mucho más emocional de lo que podría parecer en un primer momento.

Y es precisamente ahí donde funciona “Me da igual”. Porque detrás de una frase que podría parecer sencilla se esconde una situación muchas veces reconocible: ese momento en el que uno decide que ya ha tenido suficiente, que no quiere seguir dando explicaciones y que ha llegado la hora de mirar hacia otro lado. Es, en definitiva, una canción sobre cortar con aquello que pesa demasiado. Una canción directa, con una letra que busca conectar desde situaciones reconocibles y que convierte una frase de uso cotidiano en una declaración de intenciones. Porque hay momentos en los que seguir dando vueltas a las cosas no sirve de nada y lo único que queda es levantar la cabeza, respirar y decirlo: me da igual.

ARAB STRAP "Half-Told Tales"

 

Arab Strap continúan como uno de los grandes emblemas del pop escocés. De hecho su nuevo disco se edita bajo el sello Rock Action, propiedad de los de Mogwai, otro grupo con el coinciden en nacionalidad y gustos musicales. En su noveno disco de estudio, "Half-Told Tales", Aidan Moffat y Malcolm Middleton siguen demostrando que nadie como ellos sabe convertir el desencanto, el paso del tiempo y las miserias cotidianas en canciones brillantes.
El disco arranca con "I Get Noise", una canción que recupera ese Arab Strap más áspero, con Moffat recitando sus historias de siempre mientras la música se va cargando de tensión. Aquí aparece por primera vez los vientos, a cargo de John Burguess, que interviene al menos en cinco temas.
Su tercer disco en poco más de un lustro es una centrifugadora de emociones que combina los ritmos bailables "You You You", su siguiente canción, con una base casi disco y una letra que mezcla humor, cabreo y esa capacidad de Moffat para convertir las preocupaciones de cada día en pequeñas historias. Pero también hay post-punk y sorpresas como "Gape" que se mueve por terrenos de apatía y aburrimiento contemporáneo, mientras "Dollar Park" recupera su lado más político. Y entre guitarras, electrónica, saxos y pasajes más ambientales aparecen "Basic Physics", "Sunsong", "Mr. Splitfoot" o "Ampersand", demostrando que el dúo todavía tiene ganas de explorar.
El cierre llega con "Beats Per Minute", una pieza más atmosférica que parece detener el tiempo después de todo lo que hemos escuchado. Es un final perfecto para un álbum que precisamente reflexiona sobre cómo se nos escapa la vida mientras intentamos contarla.
Arab Strap siguen siendo ellos mismos, pero no viven de repetir el pasado. "Half-Told Tales" recupera parte de la crudeza de sus primeros años y la mezcla con una producción más abierta y una variedad de sonidos que les permite seguir avanzando. Tres décadas después de sus comienzos, Moffat y Middleton continúan hablando de sexo, frustraciones, pérdidas, política, envejecimiento y todas esas pequeñas miserias que forman parte de nuestra existencia.
Quizá por eso siguen resultando tan cercanos. Arab Strap nunca prometieron que las cosas fueran a mejorar, pero al menos siguen poniendo música a todo este desastre. Y así lo cantan en una de las nuevas canciones: “Quiero un foso envenenado, infectado de tiburones, estar aislado, recluido, más allá de lo remoto, de cualquier forma de domicilio, sin nota de despedida”...

AVIADOR DRO “El día de la IA”

 

Aviador Dro regresan con “El día de la IA”, su primer single en 14 años, que ya está disponible en las plataformas digitales. Ellos lo presentan indicando que "el Aviador DRO os saluda desde su sala de mandos para informaros de que los Obreros Especializados y sus máquinas han arrancado nuevamente sus motores y planean una vez más salvar al mundo de la desidia humana, la codicia bancaria, el nuevo orden fascista mundial y la carroña pasadista que invade nuestra brillante esfera de ciencia y conocimiento".

Llevan décadas intentando imaginar el futuro. Por eso no deja de tener cierta lógica que ahora pongan el foco en uno de los grandes asuntos de nuestro presente: la inteligencia artificial. “El día de la IA” vuelve a situar a la banda en ese territorio donde la electrónica, la ciencia ficción, la cultura tecnológica y la mirada pop se encuentran. No se trata únicamente de hablar de máquinas, algoritmos o futuros posibles. En el universo de Aviador Dro, la tecnología siempre ha servido también para hablar de nosotros mismos: de nuestras obsesiones, nuestros deseos y esa extraña relación que mantenemos con las máquinas que construimos para hacernos la vida más fácil.
La inteligencia artificial ya no pertenece a las novelas de anticipación. Está en los teléfonos, en los trabajos, en las conversaciones cotidianas y, por supuesto, también en la creación artística. “El día de la IA” juega precisamente con esa frontera cada vez más difusa entre lo humano y lo tecnológico.
Y ahí está una de las constantes que hacen reconocible a Aviador Dro: convertir los cambios tecnológicos en materia pop. Donde otros ven solamente una herramienta, ellos encuentran un tema, una imagen, una pregunta o incluso una pequeña distopía cotidiana. Porque quizá lo interesante de la IA no sea preguntarnos únicamente qué será capaz de hacer una máquina, sino qué vamos a hacer nosotros cuando las máquinas empiecen a hacer cada vez más cosas.
“El día de la IA” es, en ese sentido, muy Aviador Dro: electrónica, ciencia ficción y cultura pop para hablar de un futuro que, esta vez, ya está llamando a la puerta.
Aviador Dro regresa y además anuncian una gira también titulada El Día de la IA.
03/10 – Madrid – Sala UNI. Entradas
09/10 – Barcelona – Sala Razzmatazz 3
10/10 – Zaragoza – Sala López
14/11 – Valencia – Sala 16 Toneladas
21/11 – Salamanca – Sala Music Factory
05/12 – Sevilla – Sala Hollander

MATT BERNINGER "Type It Up"

 

Matt Berninger está demostrando una interesante carrera en solitario, más allá de su banda The National. Acaba de publicar en plataformas digitales un nuevo EP al que ha titulado "Type It Up", para la edición en vinilo habrá que esperar hasta el 4 de diciembre, como sorpresa incluye además una grabación acústica en directo.
"Type It Up" reúne tres canciones originales inéditas y dos versiones, entre ellas “Blue Monday” de New Order y “Who Loves the Sun” de The Velvet Underground, esta última acompañado de Rosanne Cash. El EP es un trabajo singular porque muestra muy diferentes registros que van desde la energía de “Martini Me Fatso” hasta la intimidad de la canción que da título al EP y la calma de “Ask For Water”.

Matt lo explica asegurnado que “Estas canciones surgieron del impulso y la energía de la gira de Get Sunk. Cada noche cambiaba las letras y las estructuras, y recibíamos comentarios en tiempo real del público y de las redes sociales. En la canción ‘Type It Up’ (que originalmente se llamaba ‘Black Letter Font’), la gente entendía mal la letra ‘That would look good in a black letter font’ y escuchaba ‘I would look good in a black leather thong’, así que decidí cambiar el coro. Yo soy más de usar un traje negro de lino”.

MEMOCRACIA “Diferente”

Memocracia vuelven a la carga con “Diferente”, el último adelanto de su esperado cuarto disco, “Cada vez más cerca”, que verá la luz el próximo 8 de octubre. Después de “Pum Pum”, “Siempre igual” y “Heridas de juventud”, la banda burgalesa sigue mostrando las diferentes caras de su nuevo trabajo.
"Diferente” habla de algo bastante cercano: el conflicto entre sacar adelante un proyecto que exige cada vez más y no perder por el camino a las personas que tenemos cerca. Hay decisiones que obligan a elegir, momentos en los que parece que no llegamos a todo y esa sensación de estar dejando demasiado tiempo y demasiadas cosas por el camino. “Elijo perder si así puedo verte, ya no sé si soy tan fuerte” resume perfectamente esa parte más vulnerable de la canción.
Musicalmente, Memocracia siguen avanzando sin renunciar a la contundencia que les ha acompañado desde el principio. En esta ocasión aparecen nuevos matices que acercan su sonido a terrenos como los de Soul Blind, Fleshwater o Deftones, con guitarras pesadas, una base rítmica con mucha presencia y una producción especialmente limpia y potente. Santi García se ha encargado de la producción en Ultramarinos, consiguiendo que toda esa intensidad llegue con mucha claridad, sin perder la energía ni las ganas de hacer ruido.
Ellos mismos reconocían recientemente que el nuevo disco supone una evolución respecto a “Rabia & Ternura”, con una dirección más cercana al hardcore punk y con mayor protagonismo de la batería, y el bajo.

CHVRCHES "Roses"

 

La banda escocesa Chvrches regresa cinco años después de su último álbum, el decepcionante disco-pop "Screen Violence" (2021). Su nueva canción "Roses" viene marcada por un sonido oscuro e industrial con letra de calado político, en la que se reflexiona de manera crítica sobre el impacto de la memoria histórica en la sociedad británica actual. Habla de las teorías de la conspiración y los bulos de las redes sociales: "muerto de miedo ante los horrores de tu propia mente". En la canción se usan voces de niños que remiten a la pérdida de la inocencia, y finalmente se afirma que "una mujer es una mujer, aunque quieras verla muerta", en un claro mensaje feminista.

El trío conformado por Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty están de vuelta: "Este es el descanso más largo que jamás habíamos tomado entre álbumes y, cuando nos reunimos para componer nueva música, queríamos esforzarnos de verdad y no desandar caminos que ya habíamos recorrido antes. Realmente creo que lo conseguimos. Se siente como la visión más coherente que hemos tenido como banda. Estamos muy emocionados de estar de vuelta...", ha declarado Lauren Mayberry en un comunicado de prensa.

En este largo lapsus Lauren Mayberry ha lanzado un decepcionante álbum en solitario,  "Vicious Creature" , publicado a finales de 2024 e Iaian Cook se ha dedicado a remezclar viejos hits de Cranberries como "Linger" y "Ode to My Family". De nuevo centrados en su banda Chvrches anuncian que para celebrar el lanzamiento, van a reralizar algunos conciertos íntimos en recintos secretos de Glasgow y Londres los días 26 y 29 de octubre, respectivamente, cuyos beneficios irán destinados a causas benéficas.

APARTAMENTOS ACAPULCO "Todos quien ser los campeones"

Apartamentos Acapulco nos presenta su obra más autorreferencial, concebida como una celebración de los 10 años de carrera que llevan recorridos. Por eso precisamente "Todos quien ser los campeones" recoge influencias y sonidos de distintas etapas de la banda. El proyecto liderado los granadinos Ismael Cámara y Angelina Herrera edita su quinto disco con un arsenal de bonitas melodías repletas de distorsión, frescas, en las que repasan sus influencias, desde Los Planetas, La Buena Vida o Los Motorizados.
“Sólo quiero descansar” y “Fiesta transparente” muestran esa capacidad para construir melodías aparentemente sencillas que terminan creciendo gracias a las guitarras y los sintetizadores. Hay canciones más luminosas y otras en las que vuelve a aparecer ese punto de melancolía que siempre ha acompañado a la banda. “Paracaidistas en la playa” continúa por ese camino, mientras que “21 Versiones” juega con las texturas y las diferentes capas sonoras.
Una de las características más interesantes del disco es precisamente esa sensación de estar recorriendo distintas etapas de Apartamentos Acapulco sin que parezca un recopilatorio. Ellos mismos lo explican como una evolución de su sonido durante estos diez años: desde las primeras canciones más etéreas hasta un presente en el que las guitarras tienen todavía mucho peso, aunque convivan con nuevos espacios electrónicos.
El tramo final nos deja “Scarlett (versión 10 años)”, una nueva mirada a una de las canciones más importantes de su trayectoria, “Siempre es de noche” y “Quien tiene pena no entiende”. Esta última conserva además ese aire de posible despedida que había aparecido en trabajos anteriores, aunque en esta ocasión Apartamentos Acapulco han decidido mirar hacia delante.
Diez años después, Apartamentos Acapulco siguen haciendo lo que mejor saben: canciones de guitarras, ruido, melodías y emociones que parecen estar siempre a punto de desaparecer entre la niebla para volver a aparecer unos segundos después. Quizá por eso el título del disco tenga algo de ironía. Aquí no parece importar demasiado quién gana. Lo importante es seguir haciendo canciones, a pesar de que siempre han rozado pasar a ligas mayores nunca han conseguido ser un grupo de grandes éxitos, como recuerdan en "Solo quiero descansar" cuando dicen: "Los días pasan y nada llega, los días pasan y todo sigue igual". 

THE ROLLING STONES "Mr Charm"

 

The Rolling Stones estrenan el videoclip de "Mr Charm", una canción juguetona y provocadora incluido en su último disco de estudio “Foreign Tongues” lanzado el pasado 10 de julio, el número 25º de su carrera. Como curiosidad hay que destacar que en el arranque del clip hay un personaje que aparece bailando al ritmo de “Start Me Up”, lo que convierte este vídeo en un elemento autorreferencial y un guiño al propio pasado de la banda.

En esta canción Mick Jagger nos habla de un hombre dotado de un magnetismo irresistible que interpreta Alexander Skarsgård, conocido por sus trabajos en series como ‘True Blood’ y ‘Succession’. En el vídeo, dirigido por Henry Scholfield, el actor sueco entra contoneándose, medio vestido, en un pequeño restaurante de carretera de un pueblo del desierto y pone a todo el mundo enloquecido con su encanto personal. Un tipo irresistible que es un gigoló, un buscavidas de verbo fácil que va tras el dinero de una mujer rica, como canta  Jagger le dice a una amante adinerada: "La vida es demasiado corta para pasársela haciendo dinero / Enséñame cómo gastarlo, cariño".

"Mr Charm" es el tercer sencillo de "Foreign Tongues", y el tercero consecutivo cuya promoción gira en torno a una estrella de la pantalla, en lugar de al propio grupo. Con este videoclip, Alexander Skarsgård se suma a una serie de actores que han protagonizado recientemente vídeos de los Rolling Stones. Antes que él, Anya Taylor-Joy y Charles Melton aparecieron en el videoclip de "Jealous Lover", mientras que Odessa A’zion protagonizó el de "In The Stars". Ellos han adaptado el papel interpretativo en sustitución de un cantante que ha cumplido ya los 83 años, ceder el papel del seductor a un actor más joven es una broma que la propia canción ya hace sobre sí misma.

SEÑOR TORRANCE "Maniobras"

"Maniobras" es el nuevo single de la banda Señor Torrance, un tema que habla sobre el amor, el desgaste y las difultades de la convivencia. Tan real como la vida misma, hasta el punto de que más de unos se puede sentir identificado. La canción cuenta con la colaboración vocal de Sandra, de Juniper Moon. 

El tema está producido por Carlos Hernández Nombela, quien propuso incorporar la voz de Sandra, vocalista de Juniper Moon, la emblemática banda indie de los 90. Su participación aporta un contrapunto especial a la canción y convierte "Maniobras" en un interesante diálogo entre dos voces y dos maneras de enfrentarse a una misma historia, con un cruce de reproches y complicidades. Cantan las verdades a la cara sin perder el sentido del humor.
En la canción, Señor Torrance convierte una relación de pareja en una pequeña partida de estrategia: movimientos, silencios, desencuentros y esa sensación de que, cuando todo parece perdido, todavía queda una última jugada.
"Maniobras" es uno de los adelantos que formarán parte de su nuevo álbum, para un disco que combina rock y pop. Tras una etapa marcada por los directos y una gira que les ha llevado por escenarios de toda España, Señor Torrance continúa avanzando hacia su próximo trabajo discográfico.

FONTAINES D.C. “Tongue”

Fontaines D.C. refuerzan su intensidad. Acaban de presentar “Tongue”, el segundo adelanto de su próximo álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Marianne”, los irlandeses vuelven a demostrar que no tienen ninguna intención de quedarse quietos ni de repetir la fórmula de “Romance”.
“Tongue” es una canción mucho más física, oscura y extraña. Desde el principio hay algo que incomoda. El bajo tiene un protagonismo enorme y avanza con ese ritmo casi hipnótico mientras la voz de Grian Chatten aparece transformada, deformada, como si estuviera intentando escapar de la propia canción. La banda juega con la velocidad de la cinta, los samplers y diferentes tratamientos de la voz para conseguir un sonido que por momentos resulta casi irreconocible. Y ahí está precisamente una de las cosas más interesantes de “Tongue”. Fontaines D.C. siguen alejándose poco a poco del post-punk de sus primeros discos. Las guitarras continúan presentes, pero ya no tienen que llevar todo el peso de las canciones. Hay piano, cuerdas, percusiones y una producción mucho más retorcida que convierte el tema en algo que parece estar a medio camino entre el rock alternativo, la electrónica y una especie de funk oscuro.
La canción empieza contenida y va creciendo poco a poco hasta terminar explotando. No buscan el estribillo fácil ni el golpe inmediato. Todo parece estar colocado para generar tensión, para que tengamos la sensación de que algo está a punto de ocurrir. Y cuando finalmente llega, Fontaines D.C. vuelven a demostrar que saben construir canciones que crecen con cada escucha.
“Tongue” encaja perfectamente dentro de la idea de “Dopamine Chamber”. Grian Chatten ha explicado que el nuevo disco pretende funcionar como una especie de espacio en el que la banda juega con diferentes estados de ánimo y sensaciones, en un mundo cada vez más dominado por la tecnología, la sobreestimulación y la pérdida de humanidad.
Después de “Marianne”, este segundo adelanto confirma que Fontaines D.C. están buscando algo diferente. “Romance” ya suponía un paso adelante respecto a sus primeros trabajos, pero todo apunta a que “Dopamine Chamber” va a llevar esa transformación todavía más lejos. Menos guitarras, más sintetizadores, voces manipuladas, arreglos orquestales y una producción que deja bastante espacio para la experimentación.
“Tongue” es, de momento, otra magnífica pieza de este nuevo universo de Fontaines D.C. Una canción incómoda, hipnótica y oscura que necesita varias escuchas para descubrir todo lo que esconde. Si “Marianne” abría la puerta, “Tongue” parece invitarnos a entrar un poco más en esa “Dopamine Chamber” que la banda ha construido.
Y cada vez tengo más ganas de comprobar qué nos espera al otro lado.

ARDE BOGOTÁ "Manufacturas del club de la gente sola"

Arde Bogotá está a punto de publicar su tercer disco, "Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS)" las expectativas son tan altas que se ha convertido en un acontecimiento esperadísimo. Se pondrá a la venta el próximo viernes 2 de octubre. Once canciones que llegan después de "La noche" y "Cowboys de la A3", y en las que la banda de Cartagena amplía su propuesta musical. Un trabajo que han llegado a definir como un álbum "triste, jodido y profundo".

La banda de Cartagena asegura que “este disco es un manual de instrucciones para hacerte un corazón que no sienta nada". Nos hemos podido hacer una idea con las canciones que han ido adelantando: "Instrucciones", el primer adelanto y carta de presentación de esta nueva etapa de la banda; "Antifiesta" otro de los temas clave que ya se encuentra disponible en plataformas digitales y "El Club de la Gente Sola" lanzado como el tercer adelanto oficial a finales de agosto, dándole además parte del título al álbum.

Antonio García (vocalista), Dani Sánchez (guitarra), Pepe Esteban (bajo) y José Ángel Mercader (baterista) se consideran más que una banda, cuatro amigos que hacen música. Y en este momento han decidido que tocaba hablar de "aislamiento, deseo, pertenencia y búsqueda", así que han tomado como protagonistas a ese gente que se siente sola, algo lamentablemente demasiado habitual en nuestra sociedad. De modo que en "Asidero" se preguntan: "¿Quién montó este porvenir,/ quién montó este viaje sin retorno/ ni nadie a bordo?".
Es un disco que reflexiona y que no presenta un futuro esperanzador. "El Club de la Gente Sola" es una canción de desamor que habla de una pareja que se rompe y que proclama la necesidad de que exista un club de la gente sola. Esa es la idea que rodea al disco, por mi descorazonadora que resulte.
Este nuevo trabajo lo presentarán en Madrid en La Riviera el 26 y 27 de noviembre, con las entradas ya agotadas.El 29 de octubre inician una gira llamada 'Hervideros', con la que la banda vuelve, a excepción de algún gran recinto como la plaza de toros de El Bibio en Gijón, a salas de tipo medianas. Después de actuaciones con decenas de miles de personas, tocar en sitios más pequeños es para ellos muy reconfortante.

PLACEBO " Helen Keller"

 

El próximo jueves voy a verles en directo en Madrid. Es una de esas bandas que me han acompañado a lo largo de la vida y que ya son como compañeros de viaje. Coincidiendo con el inicio de su gira 30 aniversario ayer compartían este nuevo y melancólico sencillo titulado "Helen Keller". El tema se inspira en la pieza instrumental oculta de 1996 "HK Farewell", un tema que surgía cuando ya pensabas que su disco de debut, de título homónimo de 1996, ya había acabado. Conserva la atmósfera etérea de «HK Farewell», pero la lleva a un terreno de rock más pesado y angustioso.
“Esta es una nueva canción de rock inspirada en la melodía de piano de 'HK Farewell' y que lleva el nombre de una de mis personas favoritas de la historia”, ha asegurado Brian Molko sobre el tema.
Keller fue una autora estadounidense, defensora de los derechos de las personas con discapacidad y activista política que quedó sordociega en su infancia y llegó a ser una escritora y activista de renombre internacional.
La canción se interpretará todas las noches durante la gira actual de la banda. El sencillo da continuidad a las celebraciones de Placebo por el 30 aniversario de su debut. En junio pasado, la banda lanzó "Placebo RE" , una reinterpretación de su álbum homónimo, para el cual Molko y Stefan Olsdal retomaron las cintas maestras originales y reelaboraron las 10 canciones del disco de 1996, junto con "Drowning By Numbers" y "HK Farewell". La banda describió el proyecto como una "versión del director", una forma de reflejar tres décadas de presentaciones en vivo sin borrar ni reemplazar el álbum original.

CATENACCIO "Pájaro negro”

 

Catenaccio es el último supergrupo patrio. La banda está formada por Javi Ferrara, líder y vocalista de Parquesvr, y Fernando Naval, líder, vocalista y guitarrista de Camellos, junto a componentes de Vera Fauna y los propios Camellos. Todos juntos en esta colaboración singular resentan su primer single, que lleva por título "Pájaro negro”.

Esta canción firma esa alianza que es un homenaje a Robe Iniesta, quien fuera líder de Extremoduro, al que pretenden rendir culto, en un tema con guiños al rock urbano. Se conocieron entre bambalinas, en los camerinos y en los espacios de salas y festivales, congeniaron y ahora han decidido juntarse en estudio, en el local de ensayo y crear algo juntos."Pájaro negro", mezclada y producida por Raúl Pérez en Grabaciones en La Mina, es la primera piedra de Catenaccio, un proyecto que coge su nombre de una estrategia futbolística ultradefensiva para un proyecto que, claramente, va al ataque. Pronto prometen dar más sorpresas. Hay que estar atentos.

U2 "Silencio"

 

Porque U2 llevaba nueve años sin publicar un álbum de material nuevo. Nueve años de silencio son suficientes para que una banda pueda convertirse en una institución, una marca, un recuerdo o las tres cosas a la vez. Ahora, en cambio, llega con título en español,"Carnaval De Luz", un disco que se publicará el 13 de noviembre y que reunirá doce canciones.
El título del álbum tampoco parece casual. "Carnaval De Luz": celebración y oscuridad, carne y espíritu, fiesta y amenaza. Bono lo ha explicado con imágenes de luces, criaturas, guitarras altas y fuegos. El comunicado de la banda habla, además, de espiritualidad, amistad, libertad y resistencia frente a fuerzas oscuras.
Su nuevo lanzamiento "Silencio" encaja en ese paisaje. La canción juega con una palabra que en U2 siempre ha tenido peso. Silencio como ausencia. Silencio como amenaza. Silencio como refugio. Silencio como aquello que queda cuando ya no sabemos qué decir. La letra se mueve entre imágenes religiosas, violencia, deseo y pérdida, mientras el estribillo convierte el título en una especie de consigna.
Y claro está tenemos ese detalle mexicano. "Silencio" llega después de "Street of Dreams", publicado en julio como primer adelanto del nuevo álbum. Entre ambos temas hay una diferencia interesante: mientras aquel servía como presentación más reconocible del regreso, este segundo movimiento parece interesado en recordar que U2 todavía puede permitirse ensuciarse saltando al barro, con vibrantes guitarras. Antes de que llegue el carnaval completo, U2 ha decidido hacer algo bastante más sencillo: subir el volumen.
El videoclip vuelve a México y está dirigido, al igual que el anterior, por Cliqua, el dúo formado por Pasqual Gutiérrez y Raúl “RJ” Sánchez. Pero el disco traerá más sorpresas y eso, para una banda que cumple cincuenta años de historia precisamente esta semana, no es poca cosa. "Carnaval De Luz" contará con colaboraciones llamativas, entre ellas Rosalía en "The Mirror Maker" y Dolly Parton, fallecida el pasado agosto, en "Torn", además de nombres como Brian Eno, Martin Garrix y Daniel Lanois vinculados al proyecto. El el decimosexto álbum de estudio de U2 según adelantan abordará asuntos como la espiritualidad, la libertad y “la resistencia frente al avance de fuerzas oscuras”.

LOS PUNSETES "El año del caballo"

 

 Los Punsetes celebraban hace poco veinte años de carrera con un disco en que invitaban a grupos amigos a que reinterpretaran sus canciones en "Que Le Den Por Culo A Tus Amigos". En total han publicado siete álbumes llenos de himnos, el último de ellos "AFDTRQHOT" (2022). Pero eso va a cambiar pronto, lo anuncian con “El año del caballo”, el segundo single de su próxima grabación, tras "Una persona triste". El quinteto madrileño ha querido explicar esta nueva canción indicando que "es la narración de una persona desesperada, al borde del abismo, a la que solo le queda soñar con un movimiento astronómico capaz de cambiar de una vez su miserable suerte". Entre los riffs de guitarra de melancolía surge la voz clara de Ariadna: “¿Qué me está pasando últimamente? Tengo miedo todo el rato de morirme de repente”. Una reflexión con la que muchos nos podemos sentir identificados.
El disco ha sido producido por Paco Loco y Los Punsetes y cuenta con la mezcla de Sergio Pérez García (Svper) y el máster de Greg Obis (MJ Lenderman, Slow Pulp, Duster…) en Chicago Mastering Service. Un tema para burlarte de los supersticiosos mientras envidias su ilusión.

MAN/WOMAN/CHAINSAW "Cannonball"

Este joven sexteto formado por cuatro chicas y dos chicos surgen también en torno a la sala Windmill, en el barrio londinense de Brixton, un pub con apenas 150 personas de capacidad que se ha convertido en la incubadora de bandas caracterizadas por sus estructuras complejas, secciones de viento, letras semi-habladas (spoken-word) y directos catárticos. Muchas de ellas crecieron al amparo del sello independiente Speedy Wunderground del productor Dan Carey. De aquí surgieron grupos como Black Midi, Squid, Black Country, New Road, Fat White Family, Goat Girl, Maruja...
Man/Woman/Chainsaw son una joven formación londinense que llega por fin a su primer álbum después de varios años recorriendo la escena independiente británica. “Cannonball” es un disco difícil de encasillar, donde conviven el post-punk, el art-rock, el shoegaze, el pop y momentos más cercanos al rock experimental. La banda, como ya te he contado, está formada por seis músicos y cuenta además con tres voces principales, algo que aporta diferentes matices a unas canciones que cambian constantemente de dirección. “Only Girl” abre el álbum con guitarras, violín y una melodía que crece hasta convertirse en una de sus grandes bazas, mientras que “Canyons” o “Nosedive” muestran su capacidad para combinar estructuras poco convencionales con estribillos que funcionan. También hay espacio para el dramatismo de “Goddamn, Lizard Man!”, el sonido más oscuro de “Flick Of The Wrist” o la contundencia de “The Thing” y “Still Angry”. Producido por Margo Broom y Seth Evans, “Cannonball” suena como un disco de una banda que todavía tiene muchas cosas que descubrir, pero que ya sabe perfectamente que las canciones están por encima de las etiquetas. Once temas llenos de cambios, guitarras, violines, teclados y mucha energía. Man/Woman/Chainsaw son, sin duda, uno de esos nombres que conviene tener muy presentes en el efervescente panorama londinense.

MAIKA MAKOVSKI "I Live in a Boat"

 

Maika Makovski publicará el próximo 25 de septiembre un disco en directo titulado "Live-Palau!" que recoge el concierto con el que celebró sus 20 años de carrera el pasado 4 de marzo en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, junto a cinco bandas y una treintena de invitados.

Para presentar este álbum doble ha escogido el tema "I Live in a Boat", una canción que resume el espíritu festivo de aquella noche. Para que la fiesta no termine la publicación del disco, con una veintena de canciones en directo, dará paso además a la continuación de la celebración sobre los escenarios. Maika Makovski recorrerá 20 ciudades, regresando también a muchas de las salas y territorios que la acogieron en los primeros años de su carrera acompañada por su banda original: David Martínez a la batería, Juan Carlos Luque al bajo y Bobbi Relac a la guitarra. Fechas: 

25/9 VILAFRANCA DEL PENEDES Auditori
26/9 BARCELONA La Mercé
09/10 VALENCIA 16 Toneladas
10/10 CASTELLÓN Terra
13/10 ZARAGOZA Rock & Blues (Ciclo Petit Comité)
14/10 GASTEIZ Helldorado
23/10 SANTA CRUZ DE TENERIFE Tenerife Peñón Fest
06/11 BILBO Tbc
27/11 DONOSTIA Dabadaba
28/11 SEGOVIA Wic
16/01 LLEIDA Café Teatre
21/01 MURCIA Auditorio Victor Villegas
23/01 SEVILLA Sala X
04/02 ELCHE La Matinal
11/02 MADRID Lula Club

WESTSIDE COWBOY "It Goes On"

 

Westside Cowboy presentan su primer disco largo, “It Goes On”, un trabajo en el que el cuarteto de Manchester, ha experimentado una evolución significativa después de causar sensación con su EP de 2025, "This Better Be Something Great". Conocidos inicialmente por su sonido minimalista y por acuñar el género que ellos mismos denominan 'Britainicana', una mezcla de elementos country y rock indie. La banda ha madurado rápidamente, sus primeros temas dejaban entrever sus raíces country a través de la presencia ocasional del violín o de la guitarra de acero, aunque su verdadera energía nace de los ritmos contundentes, las guitarras de sonido cristalino y las armonías entrelazadas. 
El cuarteto formado por Reuben Haycocks, Jimmy Bradbury, Aoife Anson-O’Connell y Paddy Murphy da un paso adelante sin perder esa manera directa y espontánea de entender el rock. Indie británico, folk, americana, power pop y algo de ese sonido de guitarras que nunca pasa de moda se mezclan en canciones como “Kick Stones (The Boys)”, “Dobro”, “Worried Age” o “Pin Up Boys”, dejando también espacio para momentos más tranquilos como “Patchwork” o “Take My Leaving As I Love You”.
El disco mantiene esa sensación de estar escuchando a una banda tocando junta en una sala, con guitarras nerviosas, baterías contundentes y unas armonías vocales que son una de sus principales señas de identidad. Suena espontáneo, imperfecto y cercano. Hay ecos de Velvet Underground, The Feelies o Parquet Courts, pero también de ese indie americano que busca melodías sencillas y canciones que funcionan especialmente bien cuando suben de intensidad.
“Kick Stones (The Boys)” abre el disco con guitarras aceleradas y un ritmo que enseguida nos mete en su universo, mientras que “Paperchains” juega con sonidos más luminosos. En el otro extremo encontramos canciones como “Coyote” o “Worried Age”, donde aparece una cara más reflexiva y melancólica, hablando de la ansiedad, la incertidumbre y la sensación de no saber muy bien hacia dónde dirigirse.
También merece la pena destacar “Pin Up Boys”, uno de los momentos más intensos del álbum, frente a temas más desnudos como “Patchwork” o “Take My Leaving As I Love You”, donde la banda deja más espacio a las guitarras y a las voces. Esa variedad hace que el disco no se quede únicamente en el típico ejercicio de revival guitarrero. Un debut que precisamente confirma que desde Manchester siguen apareciendo nuevas bandas dispuestas a darle una vuelta al rock de guitarras.

VETUSTA MORLA "Si vuelves"

 

"Si vuelves", el título es premonitorio, un tema que sirve como la primera canción de su próximo proyecto discográfico tras más de dos años de reposo creativo, como ellos mismos indicaron. Vetusta Morla regresan y el lanzamiento llega acompañado de un videoclip rodado en formato de 16 milímetros y dirigido por Iván Blanco, quien explora la historia de dos amigas a través de una elipsis para reflexionar sobre el cuerpo como superficie donde se inscribe lo psicológico y lo social. Dos amigas que comparten unas cicatrices que no las definen ni señalan, sino que las construyen.

El grupo reaparece con un sonido más orgánico. Sobre esta nueva etapa, la banda reflexiona:"Las canciones solo nacen de verdad cuando las personas se encuentran. Al final, terminan siendo memoria compartida. Este regreso no es solo una gira, es reactivar ese mecanismo único donde la música sucede entre personas". Asimismo, añaden: "Juntarse alrededor de una canción sigue siendo una de las formas más reales de imaginar que las cosas pueden ir bien".

Para presentar este nuevo repertorio, el grupo se embarcará en la 'Gira de Vuelta – Canciones de Ida', un ciclo de conciertos en directo que arrancará el próximo 2 de octubre y recorrerá siete ciudades españolas.Toma nota:
2 de oct - Barcelona, Palau Sant Jordi
9 de oct - Valencia, Roig Arena
24 de oct - Pamplona, Navarra Arena
31 de oct - Málaga, Auditorio Municipal Cortijo de Torres
06 de nov - A Coruña, Coliseum
07 de nov - A Coruña, Coliseum
14 de nov - Sevilla, Live Sur Stadium
19 de nov - Madrid, Movistar Arena
20 de nov - Madrid, Movistar Arena
21 de nov - Madrid, Movistar Arena

EX:RE "Save As"

Elena Tonra, la voz de Daughter, retoma su alias Ex:Re , el mismo con el que editó un disco homónimo en 2018. Fue su proyecto en solitario y aunque aseguró que no pensaba editar más álbumes con ese nombre, pero en 2023 el productor Fabian Prynn, quien también había sido el productor de aquel disco, le llevó bocetos de canciones al estudio. Le gustaron tanto que se pusieron a trabajar y ha anunciado la publicación de un nuevo disco titulado "Save As", que llegará a las tiendas el 30 de octubre a través de 4AD.

Tal y como explica Tonra, el álbum "funciona como una nueva muestra del pulso narrativo que fluye en mi interior para describir los detalles más angustiosos de la conciencia humana: los pensamientos que consumen y los lugares a los que uno viaja para escapar de ellos. El eje central del disco es, precisamente, la manera en la que recordamos aquellos momentos". Volver a escucharlas o interpretarlas, en sus palabras, "es como viajar atrás en el tiempo".
El álbum cuenta con Josephine Stephenson en el chelo, Hinako Omori en sintetizadores, Ben Reed en el bajo y Jethro Fox en la guitarra eléctrica. El sencillo de adelanto, "Radio Station", usa la imagen de una estación de radio que cambia como metáfora de cómo Tonra siente su propia mente, con esos recuerdos y el regreso a ellos.
Ex:Re hará una serie de shows en tiendas durante la semana de lanzamiento: Rough Trade East en Londres el 30 de octubre, Resident en Brighton el 31 de octubre, Jumbo Records en Leeds el 4 de noviembre, Jacaranda Basement en Liverpool el 5 de noviembre y Truck Store en Oxford el 6 de noviembre.

ALCALÁ NORTE "El Endemoniao"

Alcalá Norte acaban de compartir "El Endemoniao", tercer y último avance de su segundo disco. Esta nueva canción de los madrileños formará parte de "Dejémoslo como estaba" recupera esos bajos angulosos, sintes ochenteros y guitarras afiladas para construir una historia que retrata a Federico Nietzsche en un arrebato de paganismo. El filósofo alemán tiene un encuentro con el escritor Stephan Zweig, al que acusa de “traicionar” su confianza, después de desvelar éste en sus stories de Instagram una serie de audios en los que Nietzsche glosa la vida mediterránea, pero confiesa “no entenderse favorablemente con los italianos”, a los que considera “peores que los bárbaros”.
En su encendido discurso, Nietzsche utiliza el verso de Alcalá Norte para ganarse el favor del Sol y coger rápidamente algo de color, después de “mustios meses en Turín corriendo tras de mi propia alma como en espiral, en círculos cada vez más vastos”. Deseoso también de zambulirse en nuestra orilla del Mediterráneo, “y también en el Cantábrico”, Nietzsche ofrece a la banda Alcalá Norte estrofas de acalorada dlefensa de la dieta mediterránea, así como controvertidas declaraciones pseudocientíficas sobre el control consciente de los niveles de cortisol.

Hace menos de 24 horas han estrenado este vídeo casero, sin florituras ni grandes costes de grabación.
“El endemoniao” se une a “Los llamados pitagóricos” y “El hombre planeta” como el tercer adelanto de un disco, "Dejémoslo como estaba", al que ya le vamos viendo las costuras. Mientra “Los llamados pitagóricos” tiraba del post-punk más oscuro de sus comienzos, “El hombre planeta”, se movía en un terreno más cercano al pop rock, y ha tenido una vida propia más allá de la música al ser elegida para incluirla en el videojuego FC27.
El lanzamiento de "El Endemoniao" coincide con el anuncio del concierto más grande de su carrera, ya que debutarán en el Movistar Arena de Madrid, un recinto para más de 15.000 personas, el próximo 20 de febrero de 2027. Las entradas para la cita ya están a la venta a través de lasttour.org, la promotora que organiza la gira.

NEIL YOUNG "Second Song"

 

Neil Young no quiere quedarse quieto a sus 80 años y sigue publicando discos interesantes fiel a su sonido, como si el tiempo no transcurriera. Mañana, 18 de septiembre, publicará su nuevo álbum de estudio, "Second Song", grabado junto a The Chrome Hearts en el estudio Shangri-La de Rick Rubin. El álbum contiene cinco canciones totalmente nuevas con composiciones de su archivo escritas en los años 60. En la producción ha utilizado la grabación simultánea en formatos analógico y digital de alta resolución para rescatar la calidez y profundidad sonora tradicional de aquellos tiempos, que ahora resultan tan añorados.

La canción "Second Song", que da al título, resulta tan íntima que derrumba muros, con esa melodía contagiosa en la que bailan las guitarras y la armónica. Este lanzamiento garantiza la continuidad de su trabajo con The Chrome Hearts tras el álbum "Talkin To The Trees"(2025) y el directo "As Time Explodes" (2026). A pesar de que Neil sigue empeñado en recuperar grabaciones guardadas e inéditas que acaba de anunciar con "Archives Volume IV", la penúltima entrega de su histórica serie de archivos que abarcará el periodo entre 1987 y 2004, e incluirá temas nunca publicados, mezclas alternativas y el esperado concierto completo de 1995 en Dublín junto a miembros de Pearl Jam. Aunque tenía programada una gira europea con The Chrome Hearts para el verano de 2026, decidió cancelarla en febrero alegando que prefería tomarse un descanso, por lo que su actuación de septiembre en Farm Aid a finales de septiembre marcará su regreso a los escenarios.

HANA “Otra vez”

Hana (Florencia Ciliberti) vuelve al electropop y al synthpop Con “Otra vez” , una canción planteada como una historia de resiliencia, anticipa el disco que la artista visual porteña publicará en noviembre. Este es el segundo sencillo del nuevo álbum de la artista, un tema creado para ser bailado en las pistas. El colorido videoclip que lo acompaña está dirigido por Pablo Gómez Samalea, artista visual, director cuya obra ha sido expuesta en espacios destacados como el Premio Klemm, el Salón Nacional de Artes Visuales del Palais de Glace y ArteCo. Actualmente, su obra se exhibe de forma permanente en la galería Azur Contemporáneo de Buenos Aires.  
Como lo viene realizando en sus últimos videoclips Hana elige a artistas visuales que pueden aportar un plus a su obra musical, en el cruce entre el campo del arte y el sonido. Actualmente se encuentra en la postproducción de su segundo cortometraje "Este verano quiero tener romances" y en el desarrollo de su primer largometraje de ficción "En revistas en la tv", en el que casulamente participa Hana como actriz y en su banda sonora. La alianza de ambos artistas está más que demostrada.

PJ Harvey "Voyager"

 

PJ Harvey siempre está dispuesta a sorprendernos. Han pasado tres años desde su último lanzamiento discográfico y ahora llega con una nueva perspectiva musical. siempre dispuesta a renovarse."Voyager" es una canción que podemos definir como ambiental que nace por la petición expresa del físico Brian Cox, quien pidió una canción como base musical para la gira de sus espectáculo divulgativo "Emergence". 
Tomando su nombre de la nave que la NASA lanzó al espacio en 1977, "Voyager" ha sido escrita por la propia PJ Harvey, que se encarga de sintetizadores, voces y percusiones, con los arreglos orquestales de la The Miraval Orchestra, dirigida por Dario Marianelli, y la participación del propio Brian Cox encargándose de algunos sintetizadores. El tema rinde, además, homenaje a Carl Sagan a través de una referencia a su concepto "pale blue dot", que sería cómo se ve nuestro planeta desde el espacio exterior, y que forma parte de la letra de la canción.

MAITEQUIERO "Montauk"

 

Tal como ha declarado hace poco: "Sin muchas florituras, esta canción habla de follar". Por contra la nota de prensa no es tan explícita: "La experiencia erótica de la que parte se diluye con el paso del tiempo. Ya no queda claro qué ocurrió realmente y qué ha construido la memoria".
Las cosas hay que llamarlas por su nombre, en estos tiempos de correcciones se agradece que MaiteQuiero no se ande por las ramas. La intención de Maite Gallardo Alba era alejarse del habitual punto de vista masculino de las canciones sobre sexo y acercarse a ese tema desde su punto de vista. Abandonando cualquier perspectiva romántica ella nos habla de vapor, cristales empañados y textualmente "puro amor como el fuego", de pasión desatada.
La ex-integrante de Shego sigue mostrando piezas de su próximo EP "Un ángel y yo", por lo que vamos descubriendo será una grabación intensa, donde no duda en usa guitarras distorsionada para crear un sonido áspero en ocasiones.

BRUCE SPRINGSTEEN "Land Of Hope and Dreams"

 

Bruce Springsteen nos acaba de regalar en formato streaming un video con siete de las canciones que el veterano rockero ofreció en mayo de este año en el marco estadounidense de su gira 'Land Of Hope and Dreams', un tour marcado por un fuerte tono político, concebido como respuesta musical al segundo mandato de Donald Trump y con fuertes críticas a las fuerzas armadas del ICE.

Como cuenta el músico: "Estoy encantado de lanzar nuestro concierto final de la gira americana Land of Hope and Dreams, grabado en el lugar de nacimiento de la libertad estadounidense, Filadelfia, Estados Unidos", declara Springsteen. "Durante la gira hicimos vibrar al público de un extremo al otro del país y, al mismo tiempo, alzamos la voz en defensa de nuestra Constitución, nuestra Declaración de Derechos y nuestra sagrada democracia, que están siendo atacadas por un presidente que actúa al margen de la ley y por su régimen. Todo ello ha quedado recogido en nuestro Philadelphia Freedom Cut. Espero que lo disfrutéis".

Grabado íntegramente durante el concierto del pasado 30 de mayo y con lanzamiento previsto en cuatro partes a lo largo de 2026, Bruce Springsteen and the E Street Band: Land of Hope and Dreams American Tour (Philadelphia Freedom Cut) muestra a un Springsteen fuertemente concienciado contra el gobierno de su país.

Este último tramo de la gira se inició tras los asesinatos de dos ciudadanos por parte de las fuerzas del ICE, a los que Springsteen respondió con la canción "Streets of Minneapolis", uno de los temas que se pueden disfrutar ya en streaming. Además, se incluyen en esta primera entrega canciones propias como "Born in the U.S.A.", "Death to My Hometown", "No Surrender" y "Darkness on the Edge of Town", junto con versiones del clásico de "Motown War" (compuesto por Barrett Strong y Norman Whitfield, y popularizado por Edwing Starr y The Temptations) y "Clampdown" de The Clash.
Los músicos que participaron en la gira americana Land of Hope and Dreams incluyeron a los miembros de la E Street Band Roy Bittan (piano y sintetizador), Nils Lofgren (guitarra y voz), Garry Tallent (bajo), Stevie Van Zandt (guitarra y voz) y Max Weinberg (batería), junto con Soozie Tyrell (violín, guitarra y voz), Jake Clemons (saxofón) y Charlie Giordano (órgano, teclados y acordeón).
Además, contaron con la participación de The E Street Horns and Percussion (Anthony Almonte, Barry Danielian, Eddie Manion, Ozzie Melendez y Curt Ramm) y de The E Street Choir (Ada Dyer, Curtis King, Lisa Lowell y Michelle Moore). Tom Morello actuó como invitado especial junto a Bruce Springsteen y la E Street Band en cada uno de los 20 conciertos de la gira.

ONA MAFALDA Y LA BIEN QUERIDA “Quiero”

 

Ona Mafalda publicará muy pronto su próximo EP titulado "Todo en orden". Para que nos hagamos una idea concreta de este trabajo nos presenta su cuarto adelanto después de "Nada", "Otra" y "Anthem"  vuelve a contar en la producción con Daniel Belenguer (Bearoid, Alavedra, Niños Bravos).

En esta ocasión la canción "Quiero" es una colaboración con La Bien Querida. Todo un himno al agradecimiento, al apoyo incondicional y a esos vínculos que nos sostienen cuando más los necesitamos. La unión de sus voces da vida a una canción llena de fuerza y emoción. Juntas han escrito este tema que ha sonado en directo por primera vez en el Festival de la Luz de Boimorto, celebrado a finales de agosto donde ambas formaban parte del cartel, y Mafalda invitó a Fernández-Villaverde a subir durante su concierto para interpretar juntas la canción.

Ona Mafalda sigue adelante con sus directos y, tras girar con Girando Por Salas y pasar por diversos festivales, donde ha presentado "Reset", el álbum de once canciones que publicó en octubre de 2025, ahora la podremos ver con su banda (Erin Memento a la guitarra, Carlos Bueno al bajo y Alex Moreno a la batería) en Madrid el 22 de octubre en la sala Clamores (Entradas) y en Londres el 12 de noviembre en The Old Blue Last. Las entradas están disponibles a través de www.onamafalda.com

GLASSHOUSE RED SPIDER MITE "Ride or Die"

 

Esta canción me ha volado la cabeza. Glasshouse Red Spider Mite regresa con su segundo sencillo del año, "Ride or Die", un potente tema de shoegaze repleto de reverberaciones, guitarrazos y acoples. Un tema intenso que habla de amor sin necesidad de ponerse trascendentales, que habla de estar al lado de alguien, de compartir las cosas buenas y también las malas, pero que lo hace envuelta en una espesa nube de guitarras, ruido y melodías.
El guitarrista Ethan, la voz principal en esta canción, dice: "Siempre sé mi compañero de aventuras" es una forma tonta de decir "te quiero", pero espero que eso lo haga un poco más sincero. También es la canción con mi parte de guitarra favorita, así que era lógico que la dedicara a mi persona favorita: mi novia".
Después de “Hell 1000”, donde la banda británica apostaba por un alt-rock más directo y contundente, “Ride or Die” vuelve a acercarlos a ese territorio entre el shoegaze, el dream pop y el rock alternativo que tan bien conocen. Las guitarras se multiplican, se superponen y crean una atmósfera que parece estar a punto de desbordarse en cualquier momento. Hay distorsión, pero también melodía. Ruido, pero sin perder nunca de vista la canción.
La letra es sencilla. “Always be my ride or die” puede parecer una manera un tanto torpe de decir “te quiero”, pero precisamente ahí está parte del encanto. Una declaración de amor escondida entre guitarras que parecen expadirse por todas partes. Y es que Glasshouse Red Spider Mite saben combinar muy bien esa fragilidad emocional con una instrumentación que crece alrededor de ella. La voz queda atrapada entre las capas de guitarras mientras la canción avanza con esa sensación tan propia del shoegaze de estar escuchando algo cercano y lejano al mismo tiempo.

XOEL LÓPEZ "Voa"

Xoel López ha compusto el nuevo himno oficial del RC Deportivo de A Coruña. Un tema que ha titulado  "Voa" y que ha presentado con un videoclip que recrea el entusiasmo de su afición, con la técnica del plano secuencia. Nace para reforzar la identidad del club en el aniversario de su 120 aniversario y tras su vuelta a Primera División. El himno busca conectar con todas las generaciones de deportivistas a través de "la emoción, la tradición y el sentimiento compartido".
Xoel López firma así el himno del club de su ciudad y de "sus amores", como él mismo apunta. El vídeo 
recorre los lugares más emblemáticos de A Coruña que simbolizan el camino hacia Riazor en un día de partido. Es un viaje aéreo por la ciudad, conectando espacios icónicos como la Marina, los Jardines de Méndez Núñez y el propio paseo marítimo, grabado con un dron. 
Xoel López ha contado para esta canción con una larga lista de músicos entre los que podemos citar a Adrián y Julián Seijas, Caamaño & Ameixeiras, los Kilomberos de Monte Alto, Xacarandaina, el Coro Juvenil Cantabile y la Orquesta Sinfónica de Galicia, entre otros. 

SENDING HEARTS TO ALL DEARIES "A Tribute To The Smashing Pumpkins"

 

The Smashing Pumpkins vuelven a recibir un nuevo disco tributo, en esta ocasión preparado por el sello Sumerian Records, al que han titulado "Sending Hearts To All My Dearies – A Tribute To The Smashing Pumpkins", que reune a artistas del rock, el metal y la escena alternativa para reinterpretar temas clave de la banda. En total el álbum recoge quince versiones.
El título de este recopilatorio lanzado a mediados de agosto lo eligió el propio Billy Corgan, que también ha dado su visto bueno al proyecto. El álbum reúne a artistas de distintas generaciones: Yonaka (Today), Palaye Royale (Bullet With Butterfly Wings), Barns Courtney (1979), Alice Glass (Drown) y Starbenders (Tonight, Tonight), entre otros. La edición digital se lanzó el pasado 14 de agosto, mientras que el doble vinilo llegará el 16 de octubre, en una edición física deluxe con varios colores.
Entre las versiones más interesantes destacan Tame Impala, que abre la compilación con una versión reimaginada de "Hummer", donde los arreglos psicodélicos y la producción contemporánea de Kevin Parker reinterpretan la atmósfera del original, aunque cualquier parecido con la original es una mera coincidencia.
Otros  grupos que participan en este recopilatorio aportan enfoques variados, desde la electrónica retro de Carpenter Brut hasta el metal de Between The Buried and Me, pasando por aproximaciones pop-rock y oscuras de artistas como The Midnight, Yonaka o Alice Glass.

KIKO VENENO Y ESTOPA "Yo y mi manager"

 

Parece que la alianza de Kiko Veneno y Estopa tenía ganas de pasarlo bien. Entre amigos, unas risas y una guitarra. “Yo y mi manager”, la nueva canción es el tercer adelanto de su próximo álbum, que llegará el 6 de noviembre y será su primer disco en cinco años. Y si en “Helicrisum” y “Precisamente” ya encontrábamos a un Kiko recuperando la rumba desde una perspectiva actual, ahora la fiesta se completa con los hermanos Muñoz.
“Yo y mi manager” nació en realidad hace cuatro años, durante un encuentro entre Kiko Veneno y Estopa en el camerino del Sant Jordi Club de Barcelona, antes de un concierto de C. Tangana. Lo que empezó como una improvisación alrededor de las exigencias de un mánager terminó convertido en una canción que ahora, por fin, llega a nuestras manos. Mezclando humor, calle, rumba y una cierta filosofía de andar por casa que muchas veces termina diciendo mucho más que cualquier discurso solemne.
Aquí el mánager se convierte en el protagonista involuntario de una canción divertida y surrealista. Que si beber agua, que si acostarse pronto, que si cuidar la voz, que si la gira mundial, que si Miami... Todo sirve para construir una pequeña historia llena de ironía sobre la vida de un músico y esas obligaciones que supuestamente existen para que todo vaya bien.
La producción corre a cargo de Bronquio, mientras que Raúl Pérez se ocupa de las mezclas en La Mina. Una combinación que permite que la canción conserve ese espíritu rumbero y espontáneo, pero con un sonido actual. Kiko Veneno vuelve a demostrar que la edad no tiene absolutamente nada que ver con las ganas de experimentar. A sus 74 años, continúa buscando nuevas conexiones y rodeándose de músicos de diferentes generaciones. Estopa, por su parte, encuentra aquí un terreno en el que se mueve con una naturalidad absoluta.Dos generaciones, una misma forma de entender la rumba y una canción que llevaba cuatro años esperando su momento.
“Yo y mi manager” es probablemente eso: una buena excusa para juntarse, reírse de las cosas serias y hacer una canción que entra fácil, tiene mucho humor y deja ganas de volver a escucharla.

FONTAINES D.C. "Marianne"

 

Los irlandeses acaban de presentar “Marianne”, el primer adelanto de su quinto álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Romance”, la banda vuelve a demostrar que no tiene ninguna intención de quedarse instalada en la fórmula que les ha llevado hasta aquí.
“Marianne” es una canción inquietante, atmosférica, hipnótica. Hay algo seductor en ella, pero también una sensación de peligro que va creciendo poco a poco. Fontaines D.C. dejan atrás parte de la contundencia guitarrera de sus primeros trabajos para adentrarse en un territorio más frío y sintético. Las guitarras siguen estando ahí, pero ya no parecen tener el mismo protagonismo: ahora comparten espacio con sintetizadores, percusiones y una producción mucho más envolvente.
Y ahí aparece Grian Chatten, siempre capaz de convertir una canción en algo que parece estar ocurriendo en algún lugar entre un sueño y una pesadilla. “Marianne” habla de escapismo, hedonismo y de esa necesidad de desaparecer cuando la realidad empieza a resultar demasiado incómoda. Una huida hacia delante que puede parecer liberadora durante unos minutos, pero que también esconde algo bastante más oscuro.
Al parecer la canción está inspirada en la serie “Ripley” y encaja perfectamente con la atmósfera que Fontaines D.C. parecen querer construir para su nuevo disco. Si en “Romance” había una cierta fascinación por la pérdida de humanidad y por un mundo cada vez más dominado por la tecnología, ahora parecen querer llevar esa idea todavía más lejos. “Dopamine Chamber” nace precisamente alrededor de esa sensación de vivir atrapados entre la ansiedad, la sobreestimulación y la necesidad constante de escapar. Un mundo lleno de información, imágenes, violencia, entretenimiento y distracciones que nos mantiene permanentemente conectados mientras, paradójicamente, cada vez resulta más difícil conectar con algo real. Y “Marianne” funciona como una magnífica puerta de entrada a ese universo.
“Marianne” no necesita correr. Se toma su tiempo, crea tensión y consigue que sus casi cuatro minutos pasen dejando esa sensación de querer volver a escucharla inmediatamente. Una canción que entra poco a poco. De momento, parece que el viaje vuelve a merecer la pena.

LORI MEYERS "Tus amigos"

 

Lori Meyers vuelven a la carga con un nuevo adelanto del que será su octavo disco de estudio. "Tus amigos" llega después de "En lo total" y "Malafollá" y nos permite seguir descubriendo por dónde van los tiros de una banda que parece haber recuperado las ganas de volver a publicar nuevas canciones.
En esta ocasión los granadinos bajan un poco las revoluciones y nos dejan una canción más pausada, pero sin perder esas melodías reconocibles que han convertido a Lori Meyers en una de las formaciones fundamentales del indie nacional. "Tus amigos" habla de volver a querer después de haber aprendido de las experiencias anteriores, de las inseguridades que aparecen cuando nos volvemos a enfrentar al amor y de esos momentos que, aunque duren apenas unos segundos, pueden parecer eternos. “Tus amigos” vuelve a situarlos en ese territorio que tan bien conocen: el pop de guitarras, las melodías luminosas y una mirada hacia las relaciones personales. Una canción que mantiene la esencia de la banda.
Lori Meyers se toman su tiempo entre disco y disco. No parece casualidad. Ellos mismos explicaban al presentar esta nueva etapa que solo regresan al estudio cuando sienten que tienen algo que decir. Después de años girando por escenarios y festivales, parece que ha llegado nuevamente ese momento.su esperado próximo disco, “En lo total”, que verá la luz el próximo 16 de octubre. Después de cinco años desde "Espacios infinitos", ya tenemos ganas de comprobar qué han preparado los de Loja.

RADIO FREE ALICE “Crying With You”

 

Hay canciones que llegan envueltas en guitarras y canciones que, además, traen consigo un estado de ánimo. Radio Free Alice pertenecen a esa segunda categoría. El cuarteto de Melbourne vuelve a la carga con “Crying With You”, un nuevo adelanto de ese esperado álbum de debut, "What’s In Between", que verá la luz el próximo 30 de octubre a través de Atlantic Records.
Y sí, vuelven a hacerlo a su manera: tensión, nervio, guitarras afiladas, bajo con querencia por la new wave y ese espíritu post-punk que manejan con una naturalidad sorprendente. Pero en “Crying With You” hay algo más. Algo que se esconde detrás de esa energía casi frenética que recorre la canción. porque aquí se habla de compartir el dolor de alguien cercano, de acompañarle cuando las cosas se tuercen, de sentir sus lágrimas casi como propias. Pero también de ese momento en el que uno comprende que no puede quedarse instalado eternamente en la tristeza ajena. La vida continúa. Hay que seguir adelante, volver a reír, bailar, encontrar pequeños espacios de felicidad aunque alrededor todo parezca tambalearse.Y ahí está buena parte del encanto de Radio Free Alice: consiguen convertir esa contradicción: La tristeza y las ganas de vivir, en música. Una música que parece avanzar hacia delante mientras mira de reojo todo aquello que dejamos atrás.
“Crying With You” nació durante una semana de creación en Joshua Tree, California, donde la banda estuvo trabajando con demos y jams. Curiosamente, verso y estribillo procedían originalmente de canciones diferentes y terminaron ensamblándose en una sola pieza, una forma de trabajar que el grupo ya ha utilizado anteriormente.
El resultado son cuatro minutos de electricidad contenida, melodías que se agarran a la memoria y una interpretación que vuelve a demostrar por qué Radio Free Alice se han convertido en uno de los nombres más interesantes de la nueva escena australiana. Hay ecos de aquella tradición ochentera que va de la new wave al post-punk, pero también una personalidad propia que evita que todo esto suene simplemente a nostalgia.Una canción para llorar con alguien, sí. Pero también para secarse las lágrimas y seguir bailando.
“Crying With You” llega acompañada de un videoclip dirigido por Milo Hume, confirmando la importancia que la banda concede también a su dimensión visual. Después de varios singles y EPs, el último apenas hace un mes bajo el título de "Kick in the Shins" que les han ido colocando cada vez más arriba en el radar internacional, Radio Free Alice afrontan ahora el verdadero examen: su primer larga duración. "What’s In Between" reunirá once canciones y promete ser la confirmación definitiva de todo lo que llevan tiempo apuntando.

CHARNEGO "Antropofreno"

 

Charnego estrena "Antropofreno", nuevo adelanto de lo que será su próximo trabajo. la canción es "una reflexión crítica sobre el colapso social y el avance de las corrientes asociadas a la llamada Ilustración Oscura", según señala el grupo. Entre el noise -punk y el grunge. En un contexto marcado por la incertidumbre: "Vuelve el miedo. Vuelve lo real. ¡Jacques Lacan con grelos!", reza una de las frases más destacadas del tema.
El grupo, integrado por Pablo Garnelo (conocido por su paso por Biznaga), Marco Lipparelli, Juan Flores, Álvaro Marcos y David Moralejo (estos dos últimos también miembros de Atención Tsunami) ha apostado desde sus inicios por letras que exploran la descomposición social y la crítica a las estructuras de poder. Este adelanto confirma la evolución del grupo, que sigue apostando por un sonido contundente y un discurso comprometido, sin perder de vista su esencia más combativa.

"Antropofreno" viene acompañado en su cara B por el tema "Ganar dinero".

TRICKY "Different When It’s Silent"

 

Reaparece Tricky en su primer trabajo como solista en seis años, después de "Fall to Pieces" (2020). Este ha sido un disco difícil que le ha servido como catarsis tras el duelo por la muerte de su hija en 2019. El artista confiesa que tras ese duro proceso ahora se siente preparado para "seguir adelante". "Different When It's Silent" es el álbum número quince de su carrera y lo ha editado a través de su propio sello, False Idols, un trabajo grabado entre su residencia en Francia y sesiones en su Bristol natal.
Aquí hay rabia y dolor. La voz principal recae en el joven cantante Mitch Sanders, cuyo falsete contrasta con los susurros del músico. Hay una buena capa de electrónica que sirve para cimentar un disco por el que aparecen trip-hop, pop, soul, hip hop e incluso slowcore. Interesantes piezas como “Cannon Fodder”, el magnífico single “I’m Yours”, “I Tried”, la preciosa “Piano” o la delicada “Hengrove Blues”. Atención especial al cierre con Out Of Place” con la voz de la polaca Marta Zlakowska que aparece exclusivamente en este tema dedicado a la memoria de su hija.

LAVIC “Verdades Verdaderas”

 

Las siglas LAVIC se traducen como La Alucinante Vida Imaginada Contigo, un modo como se identifica la banda madrileña que publica su quinto adelanto "Verdades Verdaderas", antes que lanzen su disco de debut. La canción no pretende agradar a todo el mundo. Es posible su canción más directa, con verdades incómodas, que retrata a una generación que se siente engañada, a la que le prometieron un futuro que ahora está roto, con ansiedad, incertidumbres y con los alquileres por las nubes. Un tema con el que muchos se verán identificados, para reflexionar sobre la política, la identidad, la clase social y las contradicciones de una generación desencantada.
Tras sus primeros singles: "Tu Artista Favorito", "Viernes", "Besos Esquimales" y "La Polilla", llega esta "Verdades Verdaderas" que con un ritmo contagioso se transforma en una descarga de punk afilado que cuestiona la política, la identidad, la clase social y el malestar de una generación que se siente engañada. LAVIC dispara sin distinciones: contra la izquierda, la derecha, los gurús, a industria cultural y tantos y tantos salvapatrias. 

GRUMPY "Unfindable Ring"

 

La banda neoyorquina Grumpy está formada íntegramente por personas trans. La falta de tolerancia hace que no siempre sean bien recibid@s sus propuestas sonoras. Aquí eso no va a ocurrir. Han anunciado su próximo y esperado nuevo disco, "Unfindable Ring", que se lanzará el próximo 23 de octubre. Para que podamos saborear su contendio han adelantado el tema "Twenty Five" y el anuncio viene acompañado, además, de un segundo adelanto, titulado "OBL".
El grupo, que comenzó originalmente como el proyecto en solitario de Heaven Schmitt, se ha convertido poco a poco en una banda completa integrada por Anya Good, Ellie Long, Austin Arnold, Diego Clare y Lane Rodgers. Sobre el significado del nuevo single, Schmitt ha explicado que "estando de gira por todo el país como una banda formada por personas trans, a menudo nos preocupa cómo nos van a recibir y a veces nos preguntamos si estaremos a salvo. Pero lo que solemos encontrar es amor. Nos cuidamos mutuamente, nos reímos y llevamos nuestras vidas con normalidad. OBL trata sobre cómo experimentamos la alegría ("soy tan feliz que me podría morir") a pesar de quienes no quieren que podamos existir ("están tan felices de que nos podamos morir")".
La canción viene acompañada de un videoclip dirigido por Alex Tepper en el que se ha querido mostrar la tensión cotidiana que viven en la carretera cuando salen a tocar, donde siempre se encuentran con miradas indiscretas, mientras se refugian en la alegría y las esperanzas de la banda.

BLONDE REDHEAD "Blood Spilled"

 

El trío formado por Kazu Makino y los hermanos Amedeo y Simone Pace continúa moviéndose por ese territorio en el que conviven el indie, el dream pop y las atmósferas más inquietantes. En "Blood Spilled" la voz de Kazu Makino vuelve a ser uno de los elementos fundamentales de una canción que avanza de manera contenida, hacia oscuros derroteros.
Hay cierta sensación de distancia y desencanto, pero también una belleza extraña en la manera en que la banda convierte esos sentimientos en música. Una nueva muestra del buen estado de forma de Blonde Redhead, capaces de seguir haciendo canciones personales y reconocibles sin necesidad de recurrir a fórmulas demasiado evidentes. "Blood Spilled" es un tema que publicaron hace unas semanas y que ha sido el que anunciaba el regreso del grupo, su nueva referencia desde "Sit Down For Dinner", publicado en 2023. Tres años hemos tenido que esperar.
"Blood Spilled" mantiene el sonido exuberante y atmosférico tan característico del trío. Su líder Kazu Makino, quien también se ha encargado de diseñar la portada del sencillo, ha comentado: "Los últimos años han sido para el mundo y para mí una temporada implacable de pérdida. Devastada a través de esta era, aprendí que la muerte significa el fin del cuerpo pero no del alma. Sigo conectada a aquellos que ya no forman parte de este mundo y a los espíritus que nunca formaron parte de este mundo. Les hablo y los escucho. Me muestran señales para hacerme saber que somos mucho más que nuestros cuerpos y, sobre todo, siento su amor. Hay personas que tienen tanto miedo a morir y a la descomposición que van en contra de sus propios intereses y de la ley de la naturaleza. Si bien sé que la muerte no es el final, también he llegado a reconocer el poder y la magia del cuerpo que alberga el alma".
La letra gira pues en torno a la muerte, el duelo y el vínculo con quienes ya no están. Makino canta sobre la "sangre derramada sobre el océano", se pregunta "¿Me abandonaste?" y acaba encontrando consuelo en la idea de un reencuentro: "algún día volveré a verte". Antes reivindica que "mi tiempo, mi dolor y mi alegría" pertenecen a esta vida "hasta que abandone este cuerpo".