Zoh Amba es conocida sobre todo como una de las saxofonistas más destacadas del free jazz americano, pero singularmente tiene una segunda vida como líder de esta formación de folk áspero, por momentos nos puede recordar a Adrianne Lenker de Big Thief pero desde la pequeña ciudad de Kingsport (Tennessee) quiere demostrar que lo suyo es otra cosa, con guitarras violentas que ensucian la composición y un acompañamiento memorable con el batería Jim White (Nick Cave and The Bad Seeds, The Dirty Three) y el bajista Landon George (MJ Lenderman).
Ofrece 13 temas en tan solo 40 minutos de música donde apuesta descarademente por el country. A destacar temas como "Eyes Full", "Dead End Street", "Southern Soul", "Emahoy" y la canción que da nombre al disco podrían conciliar su concepto musical con la liberación de perjuicios indies. Eso es precisamente lo que han resaltado la autenticidad de Zoh Amba en diarios como ‘The Guardian’ o ‘The New York Times’ que se han fijado en ella ella con titulares como ‘Donde el jazz vive ahora’. También ha conquistado a John Zorn, ahí es nada, sin olvidar a los músicazos que la acompañan en esta aventura: nada menos que Así, nada puede salir mal.
Reaparece Silvia Pérez Cruz para volver a fascinar. Décimo disco en el que vuelve a fianzar su madurez artística, la cantante catalana sorprende con un rico repertorio de timbres, resonancias y melodías que enriquece con su privilegiada voz. Vuelve a crear canciones en varios idiomas, incorpora cuerdas y metales para rememorar sus raíces y darles vida con nuevas alas. Aunque pueda abrumar canciones como “Chundwa (Chacarera)”, “Capitana”, "El golpe bajo" y "La perla", pero para mayores, bastarán para convencerte. "Oral_Abisal" exige, eso sí, el pequeño esfuerzo por tu parte de abrirte a un “poema de todos los mares abisales” y escuchar esas olas en castellano, catalán, inglés y portugués. Quince canciones en las que vuelve a contar son su grupo de confianza: Marta Roma (violonchelo), Carlos Monfort (violín) y Bori Albero (contrabajo). Juntos pueden convocar el amor en "Moreno" para cantar sin prejuicios: “Desde entonces las heridas son espejos que me alumbran y me recuerdan que hay que amarse, que hay que amar, acompañar y acompañarse”. Silvia es una cantante única, que puede gustarte o no, pero que resulta una voz original. Además puede salvar tu verano, en todos los sentidos. Si ahora te vas de vacaciones y vas a abandonar tus plantas te recomiendo “Líquido” en la que ella se transforma en agua para sanar tantos males: “Yo quisiera ser agua para regarte las flores y los amores… No canto mi pena, canto la pena de todos y ahí me encuentro a mí”. Ella puede ser la salvación para tus males.
Los japoneses MONO son una rara avis, un grupo japonés que crea música casi siempre instrumental que abarca desde la new age, pasa por sonidos fronterizos a Sigur Rós y cuando dan pie a la distorsión se acercan más a Mogwai. Los nipones dedican a este disco a Steve Albini, fallecido hace un par de años, con el que les unía una fraternal relación, amigo y productor de algunos de sus trabajos anteriores. "Snowdrop" es el primer álbum de la banda grabado con Brad Wood (Touché Amore, The Smashing Pumpkins), tras el fallecimiento de su colaborador. Un trabajo que se convierte en un agradecimiento a las personas que han pasado por nuestra vida y nos han dejado: "Sin excepción, todos algún día partiremos de este mundo y nos despediremos de nuestros seres queridos. Con este álbum, quisimos expresar nuestra eterna gratitud a esas personas tan especiales que nos acompañaron en el camino de la vida. Creemos que este sentimiento es lo único capaz de llenar el vacío que queda en nuestros corazones y aliviar la profunda tristeza y el dolor de la pérdida. Cada flor tiene su propio lenguaje. Para este álbum, incorporamos los mensajes que transmiten las flores que se regalan a quienes han fallecido en los títulos de nuestras canciones. Esperamos que este álbum sirva como fuente de luz y esperanza para quienes han perdido a un ser querido". Podríamos pensar que la melancolía se cierne sobre "Snowdrop", pero lo que encontramos es la resonancia de una gratitud por una vida bien vivida y el anhelo delo que está por venir. MONO eleva sus piezas con cuidados arreglos, donde aparece una orquesta de diez músicos y un coro de ocho voces. El disco se abre con la distorsión de “Snowdrop” y “Winter Daphne”, para luego dar paso al sosiego de “Gerbera” y la evocadora “Bells of Ireland” con piano, cuerdas y por supuesto campanas. Atención a la sobrecogedora "Farewell to Spring". Los nipones nos descubren sonidos que podemos asociar a experiencias vividas y personas a las que amamos.
Nuevos Mundos es un grupo madrileño que busca hacerse un hueco entre las nuevas promesas. Publicaron su primer EP en 2022. En marzo de 2025 lanzaron un primer álbum, homónimo, y ahora editan su nuevo trabajo al que han titulado "Este invierno", donde se recogen tres canciones incluidas en su primer EP "Mis plantas". Las nuevas composiciones han sido mezcladas por el argentino Pipe Quintans (Go Neko!, Super 1 Mundial, 107 Faunos, Santiago Motorizado) en el estudio bonaerense Resto del Mundo. La banda vuelve a apostar por el shoegaze y las atmósferas oscuras, con protagonismo de las guitarras y una trepideante sección rítmica. Lo puedes descubrir en"Dando vueltas" o en el noise pop de "Domingos en casa", una de las canciones de su primer EP que se han rescatado. Si aún no has descubierto a Nuevos Mundos este es tu momento.
Cuando se acaban de cumplir 10 años de la muerte de David Bowie, a la edad de 69 años, están a punto de salir a la luz canciones inéditas, pero no hablamos de descartes de su última producción, sino de grabaciones de los 60, antes de alcanzar la fama. El disco, que se publicará el 18 de septiembre, recupera diez canciones nunca antes editadas y registradas en 1965, cuando todavía utilizaba el nombre artístico de Davy Jones, cuando era un absoluto descoocido en la industria musical. El álbum, titulado "David Bowie: The Shel Talmy Recordings" incluirá grabaciones en las que participó Jimmy Page antes de fundar Led Zeppelin O el pianista Nicky Hopkins, conocido por sus colaboraciones con artistas como The Rolling Stones,The Beatles, The Who y Jeff Beck. A los mandos de la grabación estaba Shel Talmy, una figura clave del rock británico de los años sesenta que trabajó en canciones como "You Really Got Me", de The Kinks o "My Generation", de The Who. Algunos sencillos de aquella etapa, como "Can’t Help Thinking About Me", "Do Anything You Say", "I Pity the Fool" o "You’ve Got a Habit of Leaving", ya habían sido publicados. Sin embargo, el nuevo álbum recupera diez grabaciones que permanecían inéditas. Bowie era todavía un adolescente que interpretaba un pop rock influido por el blues y la psicodelia que caracterizaban la escena londinense de mediados de los años sesenta. Mucho antes de crear personajes como Ziggy Stardust. Como adelanto ya se ha publicado "I Want Your Love", una canción de rock and roll con influencias del blues. La recopilación incluirá además otros temas inéditos, el instrumental "Keep Up With the Jones" y versiones desconocidas de algunas composiciones ya editadas.
Joan Miquel Oliver publica un disco de pop acústico, "Roïsos", en el que ha decidido no incluir ningún elemento electrónico. Recluido en su Felanitx natal, alejado de ruidos y distorsiones turísticas, ha recuperado restos musicales que guardaba como apuntes de audio en su teléfono móvil. Precisamente "Roïsos" se puede traducir como las sobras, lo que guardas para aprovechar de la comida que no has consumido. Esa es la materia con la que ha trabajado en este álbum: cerca de 200 archivos con pedazos sonoros que volcó en el ordenador, para ir dándoles forma en modo de canciones. Canciones que han tomado forma gracias al imaginario del que fuera líder de Antónia Font, con temáticas indelebles a su modo de interpretar la realidad. La canción que abre el disco se titula "Ja t’adorms" y habla de un “mundo que está en la noche y es oscuro”, para referirse a los males que acechan nuestras vidas, con depravados gobernantes que solo se preocupan de organizar guerras. Joan Miquel no se olvida en en "Avui t’enyor" de los "turistes enemics” para criticar una vez más la gentrificación y a eses capitalismo salvaje que es responsable de la llegada de un turismo que está destrozando la isla de Mallorca. "Roïsos" es un ejercicio de sinceridad entre las que sobresalen otras canciones como: "Dins aquests dies", "Travessat de soledat", "Oxitocina" o "Pluja brutal d'estiu". Un disco que merece una escucha reposada. Mejor mirando el mar, si es posible.
Matt Berninger afianza su carrera en solitario y eso nos hace presagiar que su relación con la banda The National, de la que era su líder, puede llegar a su fin. El vocalista de la formación inicia una nueva etapa con un sonido influenciado por el jazz rock y el blues. Presenta "Martini Me Fatso", el primer sencillo de su próximo EP y el inicio de una nueva etapa creativa tras el lanzamiento de su álbum "Get Sunk". Esta nueva grabación formará parte de un trabajo sin fecha de salida aún, pero aquí el músico explora un camino sonoro diferente sin dejar de lado la identidad que le ha convertido en una de las figuras más importantes del indie rock contemporáneo. Este nuevo sencillo caracterizado por su voz de barítono y su estilo permanecen, pero con una instrumentación con guitarras más presentes y una potente sección rítmica, en un tema que anuncia un nuevo futuro. Lástima porque personalmente hecho de menos a The National y me hace temer que su concierto en el WiZink Center en Madrid el 4 de octubre de 2023, puede ser el último que viera con la formación, ya que este será su tercer trabajo en solitario.
Todavía quedan bandas que entienden el rock como una herramienta para contar lo que sucede a su alrededor. Sin imposturas, sin discursos grandilocuentes y sin necesidad de esconderse detrás de una producción excesiva. Los catalanes Nadie Lo Quiere pertenecen a esa estirpe, un grupo de post-punk, proto-punk y garage originaria de Barcelona y activa dentro de la escena independiente. Su nuevo disco, "Todo por hacer", hace honor a su título: habla de incertidumbre, de caminos abiertos y de una generación que intenta encontrar su sitio mientras todo parece construido para ponérselo más difícil. El nuevo EP está compuesto por 4 temas:"Paranoia", "Todo por hacer", "Una pena muy grande" y"120 mg". Las canciones combinan guitarras de clara vocación alternativa con melodías que entran con naturalidad. No buscan el estribillo inmediato a cualquier precio, sino construir un repertorio sólido que gana con las escuchas. Hay ecos del indie estatal de los últimos años, pero también una personalidad propia que evita caer en el simple ejercicio de nostalgia. Las letras son uno de los puntos fuertes del álbum. Nadie Lo Quiere habla de relaciones, frustraciones y esperanza sin recurrir a frases hechas. Hay una mirada cotidiana que resulta fácil reconocer porque nace de experiencias comunes. Esa capacidad para convertir lo pequeño en algo universal es, probablemente, su mayor virtud. "Todo por hacer" transmite además la sensación de estar interpretado por una banda de verdad, de esas que entienden el estudio como una prolongación del local de ensayo. Todo suena orgánico, con guitarras que empujan cuando deben hacerlo y una base rítmica que sostiene las canciones sin necesidad de artificios. Es un trabajo honesto, bien construido y con suficientes argumentos para confirmar que Nadie Lo Quiere tiene mucho recorrido por delante. En tiempos donde tantos lanzamientos discográficos duran lo que tarda en llegar la siguiente novedad, se agradecen álbumes que invitan a volver sobre ellos. Y eso, en realidad, es lo que diferencia a los discos que permanecen de los que simplemente pasan.
Ya es oficial, la banda estadounidense Alabama Shakes confirma su primer álbum en 11 años. Lo van a titular "I Must Be Dreaming" y está previsto para el próximo 28 de agosto a través de Island Records. La formación afronta su tercer LP en formato trío, tra la marcha del baterista Steve Johnson. Grabado en Nashville en los estudios Sound Emporium y Blackbird, el álbum anuncian apuesta por el soul psicodélico, para explorar el amor, la mortalidad y las contradicciones cada vez más surrealistas de la vida moderna. De momento sabemos que incluirá las canciones ya conocidas"American Dream" y "Another Life", además de la recién publicada "I Feel Hope Coming",una canción, construida sobre atmósferas luminosas y armonías corales que aporta un mensaje optimista. Según Brittany Howard: “Esta generación más joven me llena de esperanza porque son capaces de ver más allá de todas las mentiras políticas; esa canción trata sobre aferrarse a esa esperanza y negarse a rendirse”.
Niños Raros es un grupo original de la isla de Ibiza, aunque están asentados en Madrid. Pronto lanzarán su primer álbum, del que van avanzando ya algunos temas. "Luces" con bases post-punk, hace unas semanas "¿Qué pasó?" y "Marcas", su tema más crudo que trata sobre el desamor y tiene influencias del emo de los 90, con referencias como Sunny Day Real Estate o Viva Belgrado:
"Perdóname pero ya no siento nada/ Tus marcas en, tus marcas en mi espalda/ Te tuve en frente y no dijiste nada/ Y lo que me jode es que ya lo esperaba", reza la letra.
Niños Raros está formada por Guillem Llavero, voz y guitarra; Marco Marqués, guitarra; Oliver Barnosi, batería; y Nacho Abella, bajo. Su disco de debut ‘Igual mañana’ llegará a finales de año en el sello independiente Balaunka, hogar de formaciones como Alcalá Norte, SÜNE, Neomak y Merina Gris, aunque no es su primera referencia discográfica ya que en 2023 publicaron su primer EP, "Encuentros Problemáticos", con el que giraron y compartieron cartel con artistas como Crystal Fighters, Celtas Cortos, Mando Diao, León Benavente o Dorian.
Quien tuvo retuvo. Echo & The Bunnymen regresan con su primer álbum con música nueva en doce años. Se titulará "Apples For Isaac", su lanzamiento está previsto para el 18 de septiembre de 2026 a través de BMG. Lo anuncian con el primer sencillo “Brusselus Is Hanted” que recupera el sonido clásico de la banda. Este "Bruselas está embrujada" viene acompañado de un videoclip oficial, completamente animado recorre la capital belga, imaginando a los personajes que la han transitado como fantasmas. Resulta llamativo que para su primer vídeo no hayan optado por rodar una película con los músicos. Cierto es que Ian McCulloch cuenta con 67 años y su físico está bastante deteriorado, ya no es aquel atractivo adolescente que todos recordamos. Por contra conserva en perfecto estado su característica voz. "Apples For Isaac" será el decimotercer disco de estudio de la banda y sucede a "Meteorites"(2014) , así como a la recopilación"The Stars, The Oceans & The Moon"(2018) . El álbum contendrá once canciones nuevas, se describe como un regreso audaz que captura la esencia del sonido de Echo & The Bunnymen. Este trabajo cuenta con la participación del baterista Clem Burke en diez de sus once temas. La banda rinde homenaje a su contribución, señalando en un comunicado: "El gran y legendario Clem Burke, amigo de Mac desde hace mucho tiempo, fue fundamental para la creación del álbum y, lamentablemente, falleció durante su finalización… Te queremos, Clem X”.
El músico valenciano Julio Bustamante, a sus 74 años, sigue componiendo pero de una forma más reflexiva, sin prisas. Nunca ha intentado adaptarse a modas, ni encajar en etiquetas así que a estas alturas ya no lo va a hacer. Su nuevo disco, "Constelator", se ha parido a lo largo de los últimos tres años con la paciencia de un orfebre, junto al productor y teclista Ferran Pardo, compañero en Lavanda, el grupo que le ha acompañado en los últimos años. Algunas de las 14 canciones, confiesa el propio Bustamante, estaban escritas hace tiempo, pero esperaban su momento pacientemente, caso de: "Constelator", "Irresistible", "Ferrocarril" o "Barniz". Piezas marcadas por un sonido luminoso y poético. Hay otras piezas destacadas como "Companys", escrita junto a Ferran Pardo, en la que que quiere reflejar la música como un refugio compartido con los amigos. En el disco aparecen también actos cotidianos, pensamientos fugaces y una especial presencia de lo onírico, como contrapunto, para que la fantasía siga formando parte ineludible de nuestras vidas, para darle sentido también a nuestras existencias. Lo que convierte a Julio Bustamente en un músico extraordinario.
Queens Of The Stone Age sorprende con su primera canción en tres años, desde "In Times New Roman", su álbum de 2023. El tema, con una base acústica tiene cierto toque folk poco habitual en la banda, ya había podido escucharse los conciertos de la gira por teatros ‘Catacombs’, pero en su versión en estudio cuenta con la participación de Nikki Lane a los coros. "La grabamos como si estuviéramos haciendo una maqueta, sin pista de claqueta y dejando los errores. Acelera, frena, las palmas no son perfectas, aunque tampoco están mal, y una palmada defectuosa aporta algo humano que no se puede fingir. No se trata simplemente de hacer el tonto, sino de comprender la imperfección de tu propia vida. La canción, igual que la vida, está en los errores. Sus imperfecciones son insuperables”, indica Josh Homme. El vídeo musical de “Easy Street”, dirigido por Tony Wolski y Christopher Gruse, arranca con un Homme magullado y maltrecho intentando escapar de un variopinto grupo de perseguidores, entre los que se encuentran miembros de la banda disfrazados, pero la historia acaba teniendo un giro inesperado. Atención a la aparición también del actor y cómico Diedrich Bader.
La banda argentina SHOOSH va a dar de qué hablar. Acaban de presentar “Gringa Gringa”, primer adelanto de su nuevo disco: una canción de garage, shoegaze y fuerza rural-pop, como a ellas les gusta indicar. El tema abre una nueva etapa para el grupo, más visual y más directa. La canción transforma trabajo, deseo, identidad y fuerza femenina en un universo kitsch, campestre: "Amor y descanso son gustos de ricos/ Eso está mal/ Amén los domingos si el sábado hay gritos/ Después de la escuela hay/ que limpiar la casa/ En un día normal/ A la lluvia doy gracias". El trío formado por Luli Galeti, Roli Guevara y el baterista Rodolfo Ingaramo preparan su segundo disco. “Somos un power trio, disciplinadas y comprometidas con nuestra música, y estamos muy orgullosas del material que estamos sacando”, han explicado tras presentar el videoclip de "Gringa Gringa" grabado en Providencia, cerca de Rafaela. Tras tres años de tocar en vivo, buscando su forma entre rutas y escenarios, lo tienen claro: “Esto es lo que nos gusta, lo que elegimos", para reafirmarse en su música.
Wolf Alice quiere celebrar con música inédita el primer aniversario de su cuarto álbum, el celebrado "The Clearing", que alcanzó el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido el año pasado y les valió una nominación al Premio Mercury. En realidad expande el universo de aquel disco al recuperar material no incluido durante las sesiones de grabación y que ahora desentierran en un formato que han titulado "The Clearing (B Sides)" y que tienen previsto lanzar el próximo 21 de agosto.
La primera canción que nos muestran es esta "Gospel Oak", una pieza que se aleja del habitual pulso distorsionado del cuarteto para mostrar un sonido mucho más minimalista y desnudo. Apostando por el piano y la voz de Ellie Rowsell. Esta canción fue interpretada por primera vez en el Royal Albert Hall para Teenage Cancer Trust en marzo de este año. Este tema toma su nombre de una zona residencial del norte de Londres y funciona como un ejercicio de memoria geográfica y personal. El nuevo EP del cuarteto londinense se compone de tres temas: “Gospel Oak”, “Hit The Sky” y un cover de “Hammond Song” original de The Roches, el cual contó con la participación de Julia Cumming y Bria Salmena: "Estas son algunas canciones que hicimos durante las sesiones de nuestro disco que no llegaron al corte final, pero que amamos mucho, incluyendo una versión con dos de nuestras cantantes favoritas, Julia Cumming y Bria Salmena. Estamos felices de haber encontrado un hogar para ellas y que puedan escucharlas", señala el grupo formado por Ellie Rowsell, Joff Oddie, Theo Ellis y Joel Ameyse, en un comunicado.
"Queridos miembros espirituales de nuestra particular hermandad. Antes de irnos por un tiempo hemos pensado que sería bonito dejaros algunos regalos musicales, como aquellos invitados que quieren agradecer a sus huéspedes el cariño recibido. Son canciones que han sido grabadas, mezcladas y producidas entre conciertos y viajes, en sesiones intempestivas. El primero de los 3 temas que os presentamos es “Ojalá”, y hemos contado con la maravillosa voz de nuestra admirada Judit Neddermann, una asignatura pendiente por fin saldada".
Con este comunicado los miembros de Love of Lesbian nos presentan "Ojala", una nueva canción que reflexiona sobre la memoria inmutable, las mutaciones personales y la necesidad de conservar los buenos recuerdos frente a la decadencia de las relaciones humanas y que llega con la colaboración de la cantautora, compositora y guitarrista catalana, Judit Neddermann. "Cómo resuena gritar,/ un “ojalá”,/ se deja desear./ Es pócima, y rezo,/ es un sortilegio,/antes del verbo “olvidar”, reza parte de la letra.
La canción formará parte del tercer volumen de “Nouvelle Cuisine Caníbal", la serie con la que los barceloneses han ido lanzando rarezas y canciones no incluidas en sus álbumes. "Nouvelle Cuisine Caníbal. Vol. 3" incluirá cuatro nuevas canciones junto a las que formaron parte de los dos títulos anteriores: "Mal español", "Manifiesto Delirista", "Víctimas del porto", "Incondicional (versión 2017)", "Efímera" y su versión del clásico "Qualsevol nit pot sortir el sol" de Jaume Sisa.
A diferencia de las ediciones anteriores, editadas en 2014 y 2017, este tercer volumen se presenta en formato de álbum recopilatorio para unificar toda la antología histórica del proyecto. Todo ello antes de su anunciada despedida temporal de los escenarios.
U2 estrena por fin el video de "Street of Dreams", un sincero homenaje a la Ciudad de México, aunque su castellano no ha mejorado mucho, ni siquiera para entonar adecuadamente "la calle de los sueños" que verbalizan en el estribillo. El videoclip se rodó hace meses, en mayo, en el Zócalo y pretende ser una muestra de cariño hacia sus seguidores mexicanos. En las imágenes se puede ver a los miembros de U2 actuando sobre un colorido autobús escolar intervenido por el artista mexicano Chavis Mármol. El video ha sido dirigido por 'Cliqua', un prestigioso dúo de directores mexicoamericanos, compuesto por Pasqual Gutiérrez y Raúl “RJ” Sánchez, quienes también han trabajado con Bad Bunny, Rosalía o The Weeknd. “Street of Dreams” es el primer sencillo del próximo disco de los irlandeses, el primero con composiciones nuevas en 9 años. De momento no se ha anunciado su título, ni la fecha concreta de lanzamiento. Se espera que sea publicado antes de que termine el año, posiblemente en septiembre.
El nuevo disco de The Rolling Stones, "Foreign tongues", sale mañana a la venta. La banda británica ha presentado dos de las canciones que la integran: "Jealous Lover" y "Divine Intervention". Esta segunda con la colaboración de Robert Smith, guitarrista y líder de The Cure, aportando el característico sonido atmosférico de la guitarra, quien también participa en "Never Wanna Lose You", tema que aún no ha sido presentado. "Divine Intervention" se presenta como un tema de rock acelerado, con Robert Smith en guitarra eléctrica y Steve Winwood al piano y órgano. Tiene una base de boogie rock, con una efectiva base melódica y habla del fin del mundo con un toque de crítica social: "millonarios con refugios en el cielo mientras los demás vemos el fútbol".
Por otro lado, "Jealous Lover" la banda apuesta por un groove soul de impronta R&B.con un Mick Jagger en registro de falsete y cuenta con el apoyo de Steve Winwood al órgano, En la primera estrofa, el cantante narra una escena de celos y reproches de una pareja. El tema, un paseo por la ciudad de Nueva York se puede confundir con un juego de apuestas. La canción ha sido publicada junto a un videoclip oficial dirigido por la dupla Chris Barrett y Luke Taylor y protagonizado por los actores Anya Taylor-Joy y Charles Melton, que trasladan esa tensión emocional profunda, elevando la propuesta estética de este nuevo material. Foreign Tongues contará, además, con los single ya publicados "In The Stars"y "Rough And Twisted", junto con una versión del clásico de Amy Winehouse, "You Know I'm No Good". En total 14 canciones, una hora de duración, con muy poco desperdicio. El disco contará también con la participación del histórico baterista de la banda, Charlie Watts, fallecido en 2021. Además en el papel de músicos de sesión, de Paul McCartney, Steve Winwood, Robert Smith (The Cure) y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers). Pero no esperes ningún dueto. Producido por Andrew Watt, quien también estuvo a cargo de "Hackney Diamonds", el álbum combina material nuevo con algunas composiciones sobrantes de ese último disco y grabaciones de la última sesión de la banda con el baterista Charlie Watts, realizada en Los Ángeles poco antes de su muerte.
El nuevo álbum de Xarim Aresté, "Punt de creu" , se ha grabado en la casa familiar de Flix, en una habitación que también fue una peluquería. Allí surgieron estas diez melodías folk, blues, country y rock donde el cantautor habla de la relación con la muerte. Desde la portada del disco donde aparece un cuadro de bordado de flores, al que se refiere en el título del álbum, que pertenecía su abuela: una metáfora sobre la cruz que cargamos todos en nuestras vidas, desde la familia, a personas que conocemos o al país donde vivimos. Como los dibujos que hace la aguja sobre la tela. Hay mucha música en "Punt de creu", y también filosofía, Xarim de 42 años fue antiguo estudiante. La vida y la muerte están presentes, porque él considera que ambas forman parte de un todo común. Elaborado mano a mano con el productor Josep Munar, el disco arranca con piezas acústicas calmadas como "Qui sap?" , pero no te dejes llevar por las apariencias, porque el disco sorprenden con la intensidad de "El descens", donde afronta la idea de la muerte como un renacimiento con guitarras estridentes. Xarim habla de la vida como un regalo que aún no sabemos explicar y como comenta en "Núvol negre", a veces nos obliga a luchar contra nuestros propios fantasmas. "Punt de creu" se ha editado en vinilo, en CD y en un formato que en los últimos tiempos vive una discreta resurrección, la cassette, un formato al que Xarim Aresté le tiene especial cariño.
Se va a cumplir el 50 aniversario de la banda y coincidiendo con su próxima incorporación al Rock and Roll Hall Of Fame, Joy Division publicará "Eternal (Live)", la primera colección oficial dedicada íntegramente a sus actuaciones en directo. Un recopilatorio muy extenso y completo distribuido en 14 CDs, que reúne el audio de 16 conciertos y recupera dos actuaciones inéditas, grabadas en Hope & Anchor y Acklam Hall de Londres, además de tres directos nunca antes publicados en Factory, Lyceum o Moonlight Club. Esta colección también incluye el que fue el último concierto de la banda previo al suicidio de Ian Curtis. Un show celebrado en 1980 en High Hall (Birmingham), con la pieza destacada de "Ceremony". Se trata de la única interpretación en vivo que se conserva, un tema que acabaría convirtiéndose en el primer sencillo de New Order.
La edición se completa con dos DVD que suman más de dos horas y media de material audiovisual de Joy Division. Entre sus contenidos destacan la actuación inédita en Plan K de Bruselas, dos conciertos completos y una prueba de sonido en el Apollo Theatre de Manchester que fueron publicados parcialmente en VHS en 1982, así como una nueva edición del documental Joy Division – A Malcolm Whitehead Film.
La banda madrileña La La Love You se sigue comportando como eternos adolescentes, algo que a estas alturas ya no les deberíamos consentir, aunque la fórmula les funciona. Su cuarto disco "¿Por qué me miráis así?" se ha publicado recién aterrizados de México donde han agotado todas las entradas, lo que demuestra su tremendo éxito. La La Love You es, actualmente, uno de los grupos más escuchados del país con más de cinco millones de oyentes en Spotify. Su nuevo álbum de estudio repite esa fórmula de evitar asumir la vida adulta y el leiv motiv del disco es ese sentimiento de: ¿Quién no se ha sentido un rarito alguna vez, un extraño fuera de lugar? Un sentimiento muy adolescente, pero que a veces nos acompaña toda la vida. Once canciones que profundizan en esa idea, como cantan en uno de los temas centrales del álbum, “Todos los fracasos”, cuando dicen: “Todos los fracasos de mi vida me han hecho mejor”, que sirve para abrazar a quienes, a veces, se arrepienten de haber tomado malas decisiones en su vida.
Sin duda, La la Love You cuidan de su gran comunidad, que por cierto les veneran. Su gran repercusión les ha permitido tener en este disco colaboraciones tan dispares como Miranda!, Monsieur Periné o Álvaro de Luna. Sí, los madrileños son cada día más grandes y ya no tienen fronteras, aunque algunos nos resistimos todavía a entrar en su zona de confort. Serán cosas de la edad.
Dinosaur Jr. , acaba de anunciar oficialmente el lanzamiento de su decimotercer álbum de estudio, al que van a titular "There Nea". La legendaria banda de rock alternativo mantiene intacta su esencia. De hecho para este disco su líder J Mascis ha buscado recuperar la crudeza de sus inicios, para ello han utilizando un amplificador Mesa Boogie MK1 de los años 70. Su primer adelanto "Several Got Away" demuestra que lo han conseguido. Este nuevo trabajo, el primero en un lustro, se ha grabado en breves sesiones a lo largo de un año en el estudio Bisquiteen de Amherst, con la formación clásica que incluye a Murph (batería), Lou Barlow (bajo) y J. Mascis (guitarra y voz), con la colaboración del teclista Ken Mauri.
"There Near" está programado para el próximo 28 de agosto a través de Jagjaguwar. El disco incluirá once canciones, el primer single llega acompañado de un videoclip de estética casera y humorística dirigido por Guy Kozak: "Los chicos estaban muy dispuestos a todo y me sentí honrado de que me dejaran perseguirlos por un gran campo con mi cámara como un loco".
Patronato está logrando hacerse un hueco en la nueva escena independiente de la capital. Con solo un par de singles publicados ya se han recorrido salas y festivales como el Contempopranea, que los galardonó con el premio al Grupo revelación nacional en 2025. El grupo, formado por miembros de varias bandas del underground madrileño, fusiona el pop con distorsiones y reverbs perfectamente controladao por Carlos Hernández, ingeniero detrás de Carolina Durante o Triángulo de Amor Bizarro entre otros.
Están ultimando su primer disco, que tienen previsto lanzar en octubre, poco a poco han ido desgranando algunas canciones. El más reciente de sus adelantos es "De vacaciones" que pretende capturar la esperada llegada del descanso estival, a pesar de la intensidad del calor. El tema recoge esa esencia de la banda que muestra una melodía pop pegadiza con unas potentes guitarras que dan carácter a una canción que nos habla del "turismo de interior/ de una bodega con jamón".
Llega un nuevo golpe de energía desde Francia, la banda de punk rock Kiss Cam acaba de lanzar el sencillo y videoclip titulado "Karma". El grupo forma parte de la escena alternativa francesa y se caracteriza por un sonido energético y letras directas. Su propuesta musical combina las melodías aceleradas del punk-rock clásico con la crudeza del garage rock underground. El nombre de Kiss Cam hace referencia a la conocida 'cámara de besos' que se concecta en eventos deportivos o estadios donde se celebran conciertos, donde el público es enfocado en pantallas gigantes para besarse. Con especial atención al famoso y polémico momento viral de una "Kiss Cam", durante un concierto de Coldplay en el Gillette Stadium de Boston, cuando la cámara enfocó a dos altos ejecutivos que intentaron esconderse. La cámara de besos captó al CEO de la empresa de tecnología Astronomer, Andy Byron, en actitud cariñosa con Kristin Cabot, su directora de recursos humanos, mientras estaban entre el público. El escándalo derivó en la renuncia de ambos ejecutivos a sus cargos y desencadenó múltiples reacciones de exempleados que tildaron el suceso de "karma merecido", citando problemas laborales previos. La escena punk rock francesa sigue demostrando su excelente estado de forma y una de sus nuevas propuestas más interesantes llega de la mano de Kiss Cam. La banda acaba de lanzar el videoclip de “Karma”, un tema que reafirma su personalidad sonora y su apuesta por la inmediatez, la contundencia y las melodías que permanecen en la cabeza desde la primera escucha. Una descarga de energía directa, combinando actitud punk, guitarras afiladas y una intensidad que conecta con lo mejor del rock alternativo. Un lanzamiento que confirma el potencial del grupo y que los sitúa entre los nombres a seguir dentro de la nueva hornada de bandas francesas vinculadas al punk rock y la escena independiente. El grupo ha actuado dentro del circuito de salas independientes, compartiendo escenario con otras bandas del catálogo de Guerilla Asso, entre los que destacan Charly Fiasco, Guerilla Poubelle, Justine o Diego Pallavas.
Viva Belgrado anuncia el lanzamiento de su quinto álbum, "Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye", previsto para el próximo 23 de octubre. Para abrir boca presenta su primer single al que han titulado "Un Andalucito Más", el primer adelanto es una pieza de tintes oscuros construida sobre la tensión. El álbum tal y como explica la banda: "toma como punto de partida el río que atraviesa Córdoba y reflexiona sobre el paso del tiempo y todo aquello que sucede mientras la vida continúa avanzando de forma inevitable. Las once canciones que lo integran exploran el peso del pasado, los ciclos que empujan una y otra vez al mismo lugar, la celebración de la amistad o el deber de ofender, convirtiendo el río en una metáfora de aquello que permanece en movimiento mientras las pequeñas historias personales se desarrollan a su alrededor". "Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye" supone el debut en estudio de la actual formación integrada por Cándido Gálvez, Álvaro Mérida, Jaime Acosta y Cristina G. Sánchez. Ha sido producido por Ricky Falkner, grabado por Jordi Mora en La Casamurada (Tarragona), mezclado por el propio Mora en Del Suono Moretti (Girona) y masterizado por Víctor García en Ultramarinos Mastering (Sant Feliu de Guíxols). Entre las colaboraciones destaca la participación de Alain Johannes, músico vinculado a proyectos como Eleven, Chris Cornell, Queens of the Stone Age o Them Crooked Vultures, que ha aportado arreglos de guitarra y un solo en "Menquitofla".
Estamos acostumbrados a que se anuncien los aniversarios de discos emblemáticos, que se suelen acompañar de lanzamientos con ediciones especiales, boxsets, grabaciones inéditas y demás productos para motivarnos a su compra. Los británicos Placebo, más inquietos, han decidido darle la vuelta a su primer disco, 30 años después, aquel álbum homónimo cobra nueva vida al regrabar estas versiones de aquel mismo material. Brian Molko y Stefan Olsdal han recuperado las cintas originales de aquella grabación y volver a dar forma a esas icónicas piezas (las diez originales más dos extras: "Drowning by numbers" y"H.K. farewell") Placebo se sirve de las mejoras de la actual tecnología, con una producción más enérgica y subrayando más la voz de Molko. Algo que se nota desde el primer minuto con temas como "I know" que muestra una mejor definición en los arreglos. Esa mejora en la definición se traslada a canciones como "Hang on to your", también han podido incluir más capas de instrumentos en "Teenage Angst", "Bionic" o "36 Degrees". El experimento mejora en piezas como "Bruise Pristine" donde se recuperó una sección en francés previamente omitida. En "Nancy Boy", canción provocadora sobre la bisexualidad y la adicción, la voz de Molko se ha adelantado en la mezcla y las guitarras suenan mucho mucho más expansivas. Esta versión "Re:Created" preserva muy bien el espíritu original de la obra, pero la mejora así que tendriamos que considerarla la definitiva para el disco.
David se aparta de sus sonido más pop para ofrecer su mejor versión musical hasta la fecha, en este disco que se reivindica desde el título, "Máximo", con trece canciones en las que vuelve a retratar sus pequeñas derrotas, desde el barrio de Hortaleza, en Madrid, donde vive ahora. Por las nuevas composiciones deambulan esa antigua vecina llamada "Mari Carmen", su viejo amigo "Andrés" o quien le recomendaba: "nunca saldrás de pobre si no robas". Aunque como en todas las relaciones siempre hay cierta tirantez de amor-odio que tiene con Madrid y que demuestra en “Haciendo el tonto”. La apertura con "Yo quiero enamorarme de ti" es lo más parecido a un hit del álbum, pero es un trabajo espléndido donde David se sincera y filosofa con cierto deje triste como cuando canta en "Dancing Star": "Yo soy ese viejo cantándole a la muerte / y hasta que me despierte / te vas a divertir". David no tiene apuros en explicarnos que tiene las mismas ganas de enamorarse que tiene de"No me quieras tanto". Del mismo modo que se desata con un postpunk oscuro para recordar lo que le decía"Látigo negro", el pastor del pueblo de su padre que se fue a Madrid y que es pura sabiduría: “Nunca saldrás de pobre si no robas”. Una reflexión que remata con: “dónde voy a ir, a dónde debo irme, si siempre va a venir Amancio Ortega a recibirme”. David Rodríguez se convierte en un verdadero cronista. Su carrera que abarca más de treinta años le abala. Él ha formado parte de bandas muy destacadas de la escena indie nacional como Beef o Bach Is Dead, ha trabajado junto a Maria Rodés en "Contigo", además de participar en los primeros cinco discos de La Bien Querida, o de producir a Soleá Morente. En "Máximo" David ha colaborado junto a sus músicos habituales; Jordi Irizar (Doble Pletina), Luis González (Juventud Juché) y Roberto Berlanga (Ornamento y Delito). A lo que hay que añadir las colaboraciones de La Bien Querida, Joe Crepúsculo o Andrea Buenavista. La apuesta en esta ocasión ha sido un sonido más centrado en el rock que en otras ocasiones, donde las guitarras han adquirido más protagonismo.
Kim Gordon nos presenta su trabajo más accesible, pero también el más interesante que ha creado en solitario, bajo su nombre. La ex de Sonic Youth nunca ha abandonado el terreno de las arenas movedizas con discos arriesgados como lo fue su trabajo anterior "The Collective", un álbum que recibió dos nominaciones a los Grammy. Pasados dos años nos sorprende con "Play Me"sin bajar el pistón con trap distorsionado, grime, rap, krautrock, guitarras hipnóticas...y muy agresiva, probablemente como nunca antes. A sus 72 años muestra uñas y no se corta a la hora de criticar la administración de Donald Trump, como cuando en "Byebye" recita una serie de palabras censuradas por el mandatario como 'diversidad', 'transgénero', 'hispano' o 'útero'. Sumamamente concienciada sobre el mundo que nos rodea en "Dirty Tech" se pregunta si su próximo jefe será un chat de inteligencia artificial, y en "Subcon" ridiculiza a los tecno-bros y su obsesión con Marte. en la incial "Play me" los beats de trap sirven para atacar a esas plataformas que sugieren un catálogo de playlists para escuchar cosas tan ridículas como: 'chica rica popular' o 'relajándome después del trabajo'. El creciente fascismo se presenta envuelto en muchas formas y colores. La brevedad de las canciones, que no superan los tres minutos, obliga a una escucha atenta a los detalles: samples de conversaciones, distorsiones, texturas electrónicas o el ruido ambiental. "Play me" es un disco de resistencia, donde las migraciones forzadas, colapso ecológico, las detenciones ilegales o la inteligencia artificial aparecen como síntomas de un nuevo y peligroso orden social que busca el control. La sofisticación tecnológica se ha aliado con la brutalidad de mandatarios y empresarios que pretenden mermar nuestros derechos como ciudadanos. La advertencia es clara: vivimos en un mundo que parece avanzar hacia formas cada vez más deshumanizadas de organización social.
Clara Viñals demuestra una vez más su carácter inquieto haciendose cargo de un disco atrevido que conjuga canciones pop y electrónica, donde juega con el ritmo de un modo muy singular. Autora de músicas y letras, sorprende por mostrar una propuesta tan arriesgada en la que no tiene problema en mezclar acústico, electricidad, baterias sintéticas, violoncelo o flauta,... todo con absoluta convicción, que es lo difícil, para crear piezas tan sugerentes como la minimalista "Tan brillant", "Repartit" o "Loteria", "donde experimenta con el ritmo y buscando deconstruirlo”. No obstante encontramos piezas más pop como "Quines coses de mi" o "Amb tu podria estar" y es capaz de coquetear con piezas más latinas caso de "La boca aigua". Canciones que cantan con sensualidad y a veces con ironía. Clara es la autora de músicas y letras, y con la complicidad de Hugo Alarcón, que actúa como multinstrumentista y coproductor. Él ha cumplido un papel fundamental en estas pistas que acaban resultando elegantes. Ella grabó las canciones estando embarazada, pero ha optado por no filtrar la maternidad en las canciones. Tampoco ha querido incluir su condición de profesora de Historia en un instituto. La cantante y compositora de Lleida ha querido apostar por composiciones desnudando su propuesta con aromas pop e instrumentos analógicos, sin perder la claridad personal de sus canciones.
Suede han decidido amplíar su último trabajo regalando cinco temas nuevos, dentro de su disco "Antidepressants", una obra brillante que llegó el año pasado. Esta versión extendida nos ofrece canciones nuevas, nada de versiones. Lo anuncian con “Emotionally Unavailable” una canción post-punk espléndida que no se entiende muy bien cómo quedó fuera del disco porque podría haberse convertido en un perfecto single. Brett Anderson comenta sobre este tema: "Me parece que la vida contemporánea tiene un aire a polvorín. Una atmósfera tensa, como si algo explosivo estuviera a punto de ocurrir, una ira latente, una oscuridad acechante, una frustración que necesita ser reprimida. Todos anhelamos la conexión en un mundo desconectado".
"Antidepressants (Expanded)" se pondrá a la venta el próximo 10 de julio. Se trata de una edición en triple compacto de su último álbum. El primero de los tres discos incluirá el álbum completo. El segundo, contará con los temas nuevos "Emotionally Unavailable", "Overload", "Sharpening Knives", "Dirty Looks" y "Medication". El tercer compacto incluirá las versiones demo originales de todas las canciones del disco. Todas esas canciones las podremos escuchar en directo. Suede actuará en Barcelona (9 julio, Cruïlla), Lanuza (10 julio, Pirineos Sur) y Murcia (12 julio, Las Noches del Malecón).
Arnau Vallvé, el que fuera batería de la banda catalana Manel, se estrena en solitario con una canción "Mentre el monstre", que sirve para anunciar un disco que verá la luz el año que viene. Un tema de pop
electrónico que sirve, según sus porpias palabras como “un manual de instrucciones para huir”. Lo cierto es que el estilo difiere bastante de lo que nos ofrecía con Manel.
Vallvé se convierte así en el segundo integrante de Manel que publica disco a título individual, después de que lo hiciera ya el cantante, Guillem Gisbert, aunque en este caso el baterista no tienen muy claro que sea el inicio de una carrera en solitario, tras el paréntesis de tres años que lleva Manel sin presentar ningún nuevo proyecto, aunque sí es verdad que este disco lo publica el sello que creó el cuarteto, Ceràmiques Guzmán, donde también ha editado el Gisbert solista, .
En los discos de Manel hay solo dos canciones firmadas por Vallvé, "Els guapos són els raros" (de su primer álbum, en 2008) y "La jungla" (del EP "L’amant malalta", 2021). En los últimos años, Vallvé ha estado ocupado como productor con artistas como Boye, La Ludwig Band, Ven'nus, Lildami, Triquell o Sense Sal, además de componer músicas de espectáculos teatrales y para la película "Suro" (Mikel Gurrea, 2022).
"Mentre el monstre" se estrena con un videoclip rodado en Barcelona y dirigido por Ignasi Gisbert , hermano de Guillem, y Rita Molina, en el que Vallvé hace de entrenador de fútbol de un equipo infantil, en realidad el del CE Canyelles. Uno los padres, que graba al equipo desde la grada, es el actor Pol López.
Interpol anuncia su octavo álbum de estudio, "This Mirror Weighs a Ton", que llegará a nuestroa manos el próximo 28 de agosto a través de Partisan Records, nuevo sello discográfico con el que han firmado tras más de dos décadas en Matador. Del álbum se han adelantado dos canciones que mantienen la identidad de la banda. El tema homónimo del álbum abre la puerta a nuevas sonoridades más atmosféricas, y "See Out Loud" que resulta más afín al rock directo habitual de la banda, con guitarras afiladas, con la novedad de las voces compartidas entre Paul Banks y el guitarrista Daniel Kessler. El disco llega cuatro años después de "The Other Side of Make-Believe" (2022) y ha sido producido por Andrew Wyatt (Rosalía, Charli XCX y Miike Snow), y mezclado por David Fridmann, colaborador habitual de nombres como MGMT, Sleater-Kinney o The Flaming Lips. En total, el álbum estará compuesto por 12 canciones, será uno de los trabajos más extensos de su carrera. Según la nota de prensa este nuevo disco explorará temas relacionados con la reflexión, la percepción y la distorsión de la realidad. Un álbum que inaugura una etapa con el sello Partisan, en el que aseguran que se dejan seducir por los sintetizadores, las cuerdas y las guitarras acústicas, con el objetivo de ampliar el sonido de la banda, en un trabajo de diseño sonoro más experimental. Interpol tendrán un verano europeo con dos citas destacadas: el Bilbao BBK Live (11 de julio), donde será su única aparición en festivales españoles del año, y el MEO Kalorama de Lisboa (28-30 de agosto), dos de los festivales más relevantes en la península. Entre medias, pasarán por Francia con una fecha en Le Bikini de Ramonville-Saint-Agne (13 de julio) y por Italia con conciertos en Florencia (15 de julio) y Bolonia (16 de julio), antes de recalar en Londres para el All Points East (23 de agosto).
Pequeño Mal vuelve a mostrarnos sus nuevas canciones con otro lanzamiento de single doble. Parece que de este modo se resisten a editar un álbum al completo, pero no vamos a quejarnos porque de este modo podemos disfrutar de su música en un formato en el que habitualmente nos demuestran su dualidad: la cara A con un tema enérgico y la cara B donde pisan el freno. El combo malagueño realiza así un ejercicio completo de su talento capaz de mezclar estilos como el power-pop, new wave, noise, punk-rock o el jangle, una versatilidad que saben resolver con solvencia. Tal como hicieron hace un par de meses con "Los duelistas" y "Vendrán a por ti", o anteriormente con "Epilepsia de amor" y "Balanza o espada". En este caso el primer tema que presentan es “Dos neuronas”, un tema de power pop que ellos mismos reconocen que está inspirado en Hüsker Dü, en el que nos hablan de un amor en ruinas y con heridas abiertas. Por contra en “Cleo (y los hombres fatales)“ se muestran más luminosos para explorar la atracción y la vulnerabilidad con una letra algo inquietante, pero eso sí con guitarras cristalinas. Pequeño Mal es un grupo malagueño formado en 2025, por Saray Botella y Lolo G. Molinier, conocidos por su trayectoria al frente de Hazte Lapón, junto a Antonio y Carlos Hermana (Living Camboya) y Fernando Bertola (Súper Cadáver). Juntos han dado forma a este proyecto que se resiste a publicar un disco largo y prefiere suministrarnos pequeñas píldoras vibrantes que siempre tienen com telón de fondo las relaciones humanas. Es cierto que si juntaran todas esas canciones darían luz a un disco espléndido.
El trío londinense mary in the junkyard está a punto de editar su primer álbum de larga duración. Titulado "Role Model Hermit" nos presenta lo mejor de su art-rock con la presencia destacada de su vocalista Clari Freeman-Taylor. Su primer single de presentación "Crash Landing", con un videoclip de ensueño dirigido por Maisy Banks y Jacob Ray, rodado sobre los acantilados blancos de Dover, es una perfecta carta de presentación de la banda que arranca con una tenue capa de sonido, de aspecto tenso y que, poco a poco, va creciendo para culminar en catársis. La vocalista y guitarrista Clari Freeman-Taylor explica que la letra es una disección honesta de las barreras emocionales masculinas: "La canción trata sobre el miedo y sobre cómo los hombres suelen confiar en mantener sus emociones en secreto, y cómo tienes que abrirlos a la fuerza. Ser la única persona que ve un lado de alguien es una trampa". El álbum llegará después del exitoso EP debut de 2024, "This Old House", se lanzará el 3 de julio a través de AMF Records. Según un comunicado de prensa, el álbum es "una colección de fábulas oscuras" que se sitúan en la delgada línea que separa la realidad de la ficción. Sus más recientes "New muscles" (acústico) y "Mouse" nos ayudar a adentrarnos en esta interesante propuesta del trío mary in the junkyard, un nombre a recordar este 2026.
Ana Julia González y Lucía Szellner han creado una de las formaciones más sólidas del shoegaze argentino, capaces de compaginar el ruido y la fragilidad con absoluta solvencia. Kill Flora han sido capaces de concebir un universo propio en el que conviven melodías preciosas y la distorsión, con todas las trazas del espíritu combativo de la feminidad que las entronca con el movimiento Riot Grrrl. "Entre sueños y distorsiones" es su disco largo de debut tras "Entrada triunfal", su primer EP. El proyecto ya está consolidado, despliegan una identidad tan etérea como rabiosa, con guitarras cargadas de efectos y melodías que parecen quedarse suspendidas.
En ese paisaje descrito destacan canciones tan emocionales como “Chiquita” que ocupa un lugar destacado. Escrita inicialmente por Ana para su abuela, el tema muestra tono más íntimo y recogido, más vinculada al recuerdo. A señalar otros temas como "Tanto viento" o "Cuánto tiempo más", el último tema del álbum.
La formación estadounidense ha regresado a un sello independiente después de permanecer durante dos decenios con Atlantic –de la gigante Warner– para apostar por sesiones de grabación con la banda en directo. Tal vez no brillan con la misma grandilocencia, pero se agradece la intensidad, el nuevo tono post-punk, con momentos de distorsión en temas como "Punching the flowers", o en"How heavenly a state", pero también hay electrónica en “Trap Door”. Sin duda Benjamin Gibbard, guitarra, compositor y actual líder de la banda, buscaba un cambio para esas letras llenas de dolor y madurez en las que reflexiona sobre su reciente divorcio y la fragilidad humana. Como cuentan en sus redes: "Si alguna vez has tenido que intentar convencerte a ti mismo y a todos los que te rodean de que estás bien cuando definitivamente no lo estás, esta canción es para ti". Sorprendentemente estamos ante uno de los discos más destacados de la banda, algo que apriori podría resultar incomprensible tras la marcha de Chris Walla. La resurrección creativa de Death Cab For Cutie es estimulante, como prueban temas como el pop rock de siempre en "Stone Over Water", "I Build You A Tower", el kraut-pop del single“Riptides” o las guitarras agresivas de la mencionada “Punching The Flowers”.
En estos tiempos de turismo masivo, saturaciones en el centro de las ciudades y tanto postureo llega Svsto para reivindicar el encanto de lo viejo en "Bar Manolo". Una canción para recordarnos el valor de lo de siempre, de los rincones con sabor añejo. El proyecto de la ex Bistec es coherente con aquel primer single en solitario que se llamaba "Mil €" que denunciaba ya la gentrificación. "Bar Manolo" se aleja del estereotipo de la modernidad, mal entendida, de las rutas marcadas por las influencers, de las "reformas cuquis", sin personalidad, de los locales pensados para 'guiris'. Por contra reclama "la roña y la suciedad" como punto de peregrinación, el encanto de esa "bofetada de humedad" que te regala entrar en uno de esos bares de toda la vida, donde siempre se ofrece tapa y las raciones aparecen dignificadas en una pizarra escrita a mano, según la oferta del día. Carla Parmenter llega al extremo del encanto cuando canta: "Ponme un WC que me tape el aliento", momento absolutamente delirante. Esa descarada crítica se explica en la nota de prensa: "En contra de la higienización moderna, SVSTO recopila en este single todos los detalles más naturales e imperfectos que hacían especial a un barrio. Esa suciedad simbólica, ese peligro, es la vida que representa a la ciudad, al contrario de la imagen aséptica, limpia, perfeccionada, uniforme y profundamente aburrida que poco a poco intenta conquistar nuestras calles".
Belle & Sebastian demuestran que son verdaderos aficionados al fútbol con “It Only Takes One Lion”, en la que muestran toda su pasión por este deporte. Una canción que nace de la euforia de ver cómo su país se clasificaba para el mundial tras derrotar 4-2 a Dinamarca. Escocia logró en 2025 una clasificación agónica al Mundial, poniendo fin a 28 años de ausencia en la máxima competición internacional. La pieza se puede considerar como un himno de apoyo a la selección escocesa durante el torneo, algo que no conseguían desde 1998. Según explica su líder Stuart Murdoch, nace de la experiencia de seguir a la selección durante décadas y de la emoción colectiva vivida tras su clasificación: “Es una canción personal sobre seguir las peripecias de la selección de Escocia durante los últimos 50 años, y salió de forma natural el día después del partido contra Dinamarca. La canción intenta abarcar la experiencia de todo el país siguiendo a Escocia”. El tema aflora el pop más animado de la banda con una letra en la que se indica: “Esto es Escocia, donde todo el mundo sabe que se empieza de cero/Esto es Escocia, donde puedes alistarte en un ejército que lucha por la paz/nos encanta el fútbol, el Mount Florida viene a Miami/nos encanta el fútbol, tenemos otra samba con Brasil”. La canción llega además en plena gira de aniversario de "Tigermilk" y "If You’re Feeling Sinister", dos discos que cumplen 30 años en 2026 y que pasará por el festival Bilbao BBK Live de Bilbao, además de estas otras fechas: Jueves 16 de julio, Madrid, Noches del Botánico (sold-out), viernes 17 de julio, Barcelona, Barts Festival, sábado 18 de julio, Valencia, FAR y domingo 19 de julio, Murcia, Sala Mamba!
El grupo malagueño anuncia "Gira de despedida". No, no te dejes engañar. Ellos no se separan, sino que se ríen con ironía del fenómeno de bandas que continúamente nos estafan con su "último tour", para pasados un par de años regresar a los escenarios con absoluta desfachatez. Airbag llevan dos décadas en la industria musical y han visto a muchos anunciar esas falsas disoluciones que se aprovechan del cariño del público para explotar precios, entradas y que pretenden convertir sus carreras en espectáculos continuos. Adolfo Díaz lo canta con meridiana claridad: "No creo en tu gira de despedida, te apuesto a que acabas volviendo(...) No amenaces con dejarlo cuando sabes que eso no va a pasar".
Cansados de contemplar este engaño que se aprovecha de la fe de la buena gente han decidido denunciarlo, con su característico power pop. "Gira de despedida" supone el primer adelanto de su próximo álbum, "Una Extraña Fuerza", que llegará de la mano de Sonido Muchacho en algún momento próximo de este año. Su fórmiula sigue siendo sumemente eficaz: guitarras luminosas, melodías instantáneas y canciones de apenas tres minutos en las que saben condensar ideas que nos hacen esbozar una sonrisa.
Por fin Black Keys suenan sucios. Vuelven a la senda de lo que siempre tendrían que haber hecho. El dúo originario de Akron (EE.UU.) editan su sexto disco en los últimos siete años, aunque en realidad se trata del decimocuarto de su carrera. Dan Auerbach y Pat Carney han optado por recuperar el espíritu de discos como "El camino". Blues rock en esencia, con todos los músicos metidos en el estudio de grabación y con apenas retoques, para ofrecer esa crudeza que echábamos de menos. El disco se basa en temas de sabor country, piezas originales de R.L. Burnside o Earl Hooker, releyendo "It’s a dream", de Neil Young, o "You got to lose", de George Thorogood u ofreciendo nuevo lustro a "She does it right", de Dr. Feelg, uno de los temas más acertados. Rock de auopistas infinitas, de paisajes aridos bajo un sol implacable, donde la voz de Auerbach suena sin freno, con riffs guitarreros que vuelven a ser acertados como en "Stop Arguing Over Me". Prácticamente desde el espléndido "Turn Blue" (2014) los Black Keys se habían embarcado en un viaje sin rumbo prefijado, lanzaban muchos discos, pero sin la menor gracia, ni identidad. Por fin regresan a su esencia.
Miguel Rivera, el líder de los añorados Maga, después de 30 años de trayectoria arranca nuevo camino musical con una canción que le sirve como punto de partida. "Una Nueva Casa" es toda una declaración de intenciones que nace con su primer single bajo el sello de Calaverita Records. Un tema donde lo acústico y lo electrónico se entremezclan para cantar a una nueva vida.
Después de cerrar definitivamente su etapa al frente de Maga, el reconocido músico sevillano habla de una casa nueva y de un proyecto que arranca: "Hace años no me imaginaba aquí: con una familia, con otra forma de entender la vida, el tiempo, las prioridades y también a mí mismo. Durante este tiempo han cambiado muchas cosas. Algunas de forma consciente, otras simplemente han ido ocurriendo. Supongo que esta canción nace justo ahí: en el momento en el que te das cuenta de que ya no eres quien eras, y de que eso no tiene por qué ser algo malo".
Este lanzamiento supone además el primer paso de un nuevo disco que verá la luz en los próximos meses. Un trabajo construido lentamente y desde la reflexión, donde Miguel Rivera parece más interesado en plantear preguntas que en ofrecer respuestas cerradas.
Requin Chagrin han creado un disco seductor. Canciones de pop-rock arrebatadoras, desde las primeras notas. "Decóllage" es el cuarto disco de la formación francesa en el que apuestan por piezas extrañables que rompen con la habitual propuesta del indie europeo. El proyecto liderado por Marion Brunetto ofrece una serenidad loable que se mueve entre el dream pop y la electrónica, con guitarras cargadas de reverb y sintetizadores de inspiración new wave. Predominan los estribillos ensoñadores en canciones como “Parachute”o"Decóllage", donde todo suena frágil y etéreo hasta el punto de que todo se podría romper en un momento. Hay piezas delicadas como la preciosa “Forever” o “Voyager”, pero también canciones más enérgicas como “BB”, con marcada caja de ritmos y “Ultra fort” donde apuestan por mezclar rock y electrónica, al igual que al final con “Rêveries”, donde el ritmo lo marcan las persistentes guitarras. "Decóllage" es un disco muy personal de Marion Brunetto, ya que ella lo compuso encerrada en la casa que tiene su familia en Ramatuelle, una localidad del sur de Francia, junto al mar. Allí llevó sus instrumentos y viejas grabadoras para dar forma a estas once canciones con ambiente sesentero con paisajes melódicos envidiables.
Els Amics de les Arts nos regalan una nueva canción,“Segurament t'estimo” en la que el trío describe el amor que sorprende y te pilla desprevenido, cuando el estómago da la vuelta, así como las inseguridades que surgen al principio. El grupo lo ha descrito como una "oda a la alegría, una apología de la duda, un homenaje a la incertidumbre", una canción pop en la que han contado con las voces del corazón In Crescendo. Els Amics de les Arts todavía están en plena celebración de sus 20 años, con cerca de una veintena de conciertos anunciados para celebrar en los próximos meses, como Guitar BCN, Canet Rock, Cabró Rock, Ítaca, Paupaterres, Sons del Món, Terramar, Petits Camaleons o La Castanyada del Cabró Rock, entre otros. Ahora ponen en marcha una nueva etapa, con el sello Halley Records, junto al productor Joan Borràs, teclista de Oques Grasses. La canción, además, aparece con un videoclip realizado por Toni Llobet en el que la banda se acompaña de un cuerpo de bailarines y bailarinas con coreografía de Idu Massa. Este es el primer adelanto de nuevo disco previsto para nuevo disco previsto para el 2027. Dani Alegret, Joan Enric Barceló y Ferran Piqué cantan: "No crec en l’amor, però hi ha temporades que entro en un estat bastant curiós. M’espetega el cor, sento foguerades, sort que tard o d’hora em poso a lloc". Una letra acertada que demuestra porqué se han convertido en una referencia indiscutible del pop en catalán.
The Mountain Goats es una banda muy aplicada. Publicaron disco el pasado mes de noviembre, bajo el título de "Through This Fire Across From Peter Balkanhan" y ya anuncian "Days", su vigésimo cuarto álbum de estudio, que se publicará el próximo 7 de agosto. El nuevo trabajo se ha concebido como una secuela del álbum de 2017 "Goths". Como carta de presentación nos dejan una canción de curioso nombre "Charlie Sheen Reaches Out to the Feds", que se puede traducir como “Charlie Sheen contacta con las autoridades federales”, el título alude a un episodio real protagonizado por el conocido actor. Sheen vio una película snuff y llamó a las autoridades al creer que estaba presenciando un asesinato real. El tema presenta una historia de carácter cómico, mientras los agentes intentan hacerle entrar en razón. La pieza destaca por un sonido rock enérgico, donde además incorporan un bonito saxofón, mientras cantan: "Estoy viendo películas, el corazón late como un tambor/ Grito en la oscuridad para que alguien venga/¿Ves lo que yo veo? No hay manera de que todo eso sea falso/ Un buen hombre solo puede soportar hasta cierto punto/ Pero no puedes luchar contra el mal solo/ "Por favor, James, llama al director" El grupo de John Darnielle ha anunciado que el nuevo disco estará compuesto por una docena de canciones y contará además con colaboraciones de músicos como Matt Nathanson, Mikaela Davis y Janis Siegal, entre otros invitados.
Becky G y Carlos Santana se unen en una canción que denuncia el miedo y las agresiones sufridas por la comunidad latina ante las redadas y deportaciones en EE. UU. El odio que está generando Donald Trump hacia el otro, el dolor de las familias separadas por las fuerzas del ICE. "Mi Gran Amor" es un tema escrito por Edgar Barrera, al que la cantante Becky G y el legendario guitarrista Carlos Santana han puesto voz para retratar la injusta situación que se vive en EE.UU, el supuesto país de la libertades. Busca dar voz a miles de familias latinas afectadas por las políticas migratorias en aquel país.
La canción se abre con la descripción de una escena que lamentablemente nos hemos visto a ver desde ha ce mucho tiempo como algo habitual: “un día normal en Estados Unidos”. Becky G canta para señalar la angustia de quienes persiguieron un día el “sueño americano" que ahora no es más que "una pesadilla",
El músico y productor Barrera ha contado que escribió este tema el mismo día en que un amigo suyo fue detenido por agentes migratorios. Esa noticia le llevó a escribir una letra que, según él, pretende ofrecer apoyo a quienes viven con miedo constante a la separación familiar, a quien es tratado como un criminal por su estatus migratorio. Hay que recordar que Edgard es productor, responsable de éxitos para artistas como Bad Bunny, Shakira, Maluma o Karol G, él ha indicado que “el mundo necesita más canciones con propósito”.
Las actuaciones violentas e intersadas de Trump han motivado las deportaciones que separan a parejas y hogares enteros. Santana, de origen mexicano, ha querido innvolucrarse en este proyecto de forma responsable y que participar en la canción implicaba reconocer que, al haber nacido en EE. UU., vive una realidad distinta a la de muchas familias latinas. Aun así, afirmó que su papel es servir de “canal para quienes no pueden hablar”.
Weezer van a por su decimosexto disco de estudio, en este caso nuevo álbum de título homónimo, pero como siempre asociado a un color. Se le conoce ya extraoficialmente como el 'Gold Album' por su portada dorada, un trabajo que incluirá diez temas y que verá la luz el próximo 21 de agosto. El primer adelanto llegó en abril bajo el nombre de "Shine Again". Como carta de presentación oficial, el grupo ha estrenado el primer sencillo oficial, titulado "We Might As Well Be Strangers", una pieza que cuenta con la colaboración de Karly Hartzman, vocalista de la banda de indie rock Wednesday. La canción es un lamento de ruptura en el que Cuomo y Hartzman interpretan a amantes que se han separado. Es pegadiza, tiene ritmo, y a diferencia de gran parte del material de Weezer posterior a "Maladroit", gustará a los fans de los discos clásicos de la banda. Para esta nueva etapa, Weezer ha sorprendido al aliarse con los productores Kenneth Blume (Geese) y Klas Åhlund (Robyn), quienes han buscado dar forma "al disco más agresivo de Weezer hasta la fecha”. Tendremos que comprobarlo, pero dudo que logre asemejarse a "Pinkerton".
El proceso de grabación se realizó con los cuatro integrantes tocando en directo en una misma sala de ensayo, una dinámica de la vieja escuela que propició que Rivers Cuomo y Patrick Wilson volvieran a componer juntos mano a mano por primera vez desde los tiempos de 'The Blue Album', su debut en 1994.
Mala Gestión están llamados a convertirse en una de las nuevas sensaciones del rock nacional. La banda valenciana edita su segundo disco que resulta sumamente estimulante. Letras como "Diesel", una canción que señala las promesas incumplidasque nos prometieron: "Y si los coches nunca llegan a volar / prométeme que el diésel volverá", letra que se burla del negacionismo: "carriles bici ahogan / los motores de combustión tradicional / ¿qué haremos con el coche de papá?". La ironía de "Noche de casino" o "Sandalias del PSOE". El quinteto formado por Pablo Prats (bajo), Héctor Soriano (batería), Guillermo Llop (guitarra), Elías MacCabe (vocalista) y Joan Adsuar (guitarra) empezaron su anddura en 2024 , con la publicación de su disco "Se nos ha complicado" y ahora acaban de presentar su segundo trabajo "Hacemos lo que podemos" plagado de ironía y letras divertidas, con canciones tan sugerentes como "Edgar Allan Poe" o "Kambio klimatico". Se atreven a cantar sobre el desamor en canciones como Ex-Ex (pareja) en la que le se lamentan de la ausencia de la persona a la que quisiste modificando el estribillo de "Ni tú ni nadie", una de las canciones más reconocibles de Alaska y Dinarama: "Dónde está nuestro error sin solución / Ya no quiero ser tu expareja / Quiero ser tu ex-expareja", cantan para rememorar que una ex se puede convertir en una acompañante para toda la vida. Verdaderas fantasías pop con momentos tan absurdos como los versos de: "Me han dicho que de mí ya no te acuerdas / Y pienso que jopetas, mecachis, caramba" para añadir: "Decías que mis temitas no eran buenos / Y mira, ahora trabajo en un McDonald’s". Un baño de realidad pese a quién le pese, totalmente alejado de la autocomplaciencia.
The Cramps resurgen de sus cenizas. Se recupera su disco perdido casi 50 años después. "Gravest Gravy", grabado en los estudios Ardent de Memphis junto al productor Alex Chilton, que también participaba en el disco, se pondrá a la venta el 21 de agosto. El álbum recoge doce canciones registradas tres años antes del debut oficial del grupo, y que Lux Interior e Ivy habían intentado publicar a finales de los 80 sin éxito. Toda una noticia porque significa recuperar el sonido original de una banda emblemática de uno de los nombres imprescindibles del sonido garajero más oscuro y sucio, que marcó toda una época. El denominado como álbum perdido inédito "Gravest Gravy", que se grabó en 1977 recupera canciones como "TV Set", "Weekend On Mars", "Can't Hardly Stand It", "The Natives Are Restless" o "Rocket In My Pocket".
Diego Vasallo abraza un nuevo proyecto de rock. Abandona su carrera en solitario para formar una superbanda formada junto a Fer García como guitarrista solista (The Young Wailt o ILL), Xabi Arratibel al sonido grueso del bajo (Bananas y Hiedra), Oriol Flores encargado de marcar las bases rítmicas a la batería (IDOIA o POL3.14) y Germain San Martín, teclista de Loquillo o Quique González. Era el momento para hacerlo, como el mismo confiesa tiene 60 años, no se veía empezando una nueva banda con más años, por el esfuerzo que requiere. Era ahora o nunca. El sonido del grupo revela reminiscencias post punk. Musicalmente está bastante lejos de todo lo que ha hecho hasta ahora.Ni su paso por Duncan Dhu, Cabaret Pop o cualquiera de sus facetas en solitario. Aquí no hay nostalgia. El paso decisivo llegó con su último el EP en solitario "Malo ni bueno", que produjo junto a Fer García. Durante aquel proceso fueron descubriendo afinidades musicales, compartiendo referencias, discos... y ahí empezó a gestarse el germen de esta nueva banda. Comprobaron que les fascinaba el sonido de grupos como los noruegos Madrugada, vinilos que Mark Lanegan hizo con Soulsavers, los temas de Nick Cave con Grinderman, Viagra Boys... referencias muy variadas, que les llevababan a dar el paso. Løse, que significa “suelto” en danés, define el principio de total libertad creativa. Poesía y ruido se dan la mano. Para Diego Vasallo ha supuesto un reto importante cantar con una banda más eléctrica detrás, porque no es a lo que estaba acostumbrado a esas atmósferas saturadas. Se nota que Vasallo es quien compone las letras y la estructura de las canciones. El primer single que lanzó Løse fue “Hay un hueco en algún sitio”, una dura presentación, con actitud glam-punk. "El resplandor de las bombillas en las avenidas / Los cables negros contra el cielo, tu respiración caliente / Hay un hueco en algún sitio difícil de llenar", canta con voz muy grave. El disco no ofrece concesiones. Se abre de forma densa, con los casi diez minutos de “Pétalo en el aire”con una instrumentación cuidada, para hablar de la madurez y de las oportunidades perdidas: "Lo que fuiste/ Y lo que eres/ Hoy tienen caras diferentes/ Lo que amaste / Y lo que quieres/ Son de alguna forma lo mismo". El rock más áspero llegará con “Cose mis heridas”, el blues “Con esta luz que nace”,“Nuestro cielo al alcance de la mano” o “Zona de sombras” trallazos donde las guitarras suben el volumen. Los momentos más acústicos y reposados llegan al final con “No me cuentes nada que no quiera saber”.
La banda de Brooklyn lanza un nuevo sencillo que es su debut con con el sello independiente Tight Knit. El single plantea la dualidad de la persona que se enfrenta a dos perfiles opuestos: la del individuo que quiere venderse por intereses personales y el que se rebela ante una estructura que busca anularlo. Reflexiona sobre las palabras que uno debería manifestar en el momento oportuno y que no supo indicar cuando debía. Julia Vassallo lo explica como vivencia personal: "A menudo he tenido esa ‘resaca de conversación’, en la que después paso un montón de tiempo fantaseando con la respuesta perfecta que podría haber dado. Supongo que esta fue la forma más fácil de formular una respuesta.Todos nos hemos sentido insignificantes alguna vez, y eso no es nada agradable". El quinteto neoyorquino Slow Fiction formado por la vocalista Julia Vassallo, los guitarristas Paul Knepple y Joseph Skimmons, el bajista Ryan Duffin y el baterista Akiva Henig han presentado el tema con un videoclip bajo la dirección de Miles Wilson, donde capturan la agitación de sus directos mediante una estética visual acelerada.
Los Punsetes vuelven con letra afilada para hablarnos de la tristeza de un modo tan cercano que todos nos podemos sentir identificados. “Una Persona Triste” aborda esa sensación no de una forma dramática, sino que lo hace desde una perspectiva doméstica, más cerca de nuestras cotidianas frustaciones: "Hay una pena tan honda/ Que por mucho que se piense/ No se entiende/ Hay una zanja en tu pecho/ Que te impide andar derecho/ Y evidencia que estás hecho de deshechos".
La voz hierática de Ariadna y la letra de Antonna se complementan, una vez más, a la perfección. Llevaban cuatro años de silencio discográfico, desde"AFDTRQHOT" (2022). “Una Persona Triste” es el primer adelanto de un próximo disco del que prometen ir dando a conocer nuevas píldoras en los próximos meses. Por lo que se puede intuir Los Punsetes van a apostar por un sonido más sintético, con predominio de teclados y menos guitarras. El nuevo álbum, ya su octavo lanzamiento, ha sido producido por Paco Loco junto a la propia banda, mezclado por Sergio Pérez García (Svper) y masterizado por Greg Obis.
