Ana Julia González y Lucía Szellner han creado una de las formaciones más sólidas del shoegaze argentino, capaces de compaginar el ruido y la fragilidad con absoluta solvencia. Kill Flora han sido capaces de concebir un universo propio en el que conviven melodías preciosas y la distorsión, con todas las trazas del espíritu combativo de la feminidad que las entronca con el movimiento Riot Grrrl. "Entre sueños y distorsiones" es su disco largo de debut tras "Entrada triunfal", su primer EP. El proyecto ya está consolidado, despliegan una identidad tan etérea como rabiosa, con guitarras cargadas de efectos y melodías que parecen quedarse suspendidas.
En ese paisaje descrito destacan canciones tan emocionales como “Chiquita” que ocupa un lugar destacado. Escrita inicialmente por Ana para su abuela, el tema muestra tono más íntimo y recogido, más vinculada al recuerdo. A señalar otros temas como "Tanto viento" o "Cuánto tiempo más", el último tema del álbum.
La formación estadounidense ha regresado a un sello independiente después de permanecer durante dos decenios con Atlantic –de la gigante Warner– para apostar por sesiones de grabación con la banda en directo. Tal vez no brillan con la misma grandilocencia, pero se agradece la intensidad, el nuevo tono post-punk, con momentos de distorsión en temas como "Punching the flowers", o en"How heavenly a state", pero también hay electrónica en “Trap Door”. Sin duda Benjamin Gibbard, guitarra, compositor y actual líder de la banda, buscaba un cambio para esas letras llenas de dolor y madurez en las que reflexiona sobre su reciente divorcio y la fragilidad humana. Como cuentan en sus redes: "Si alguna vez has tenido que intentar convencerte a ti mismo y a todos los que te rodean de que estás bien cuando definitivamente no lo estás, esta canción es para ti". Sorprendentemente estamos ante uno de los discos más destacados de la banda, algo que apriori podría resultar incomprensible tras la marcha de Chris Walla. La resurrección creativa de Death Cab For Cutie es estimulante, como prueban temas como el pop rock de siempre en "Stone Over Water", "I Build You A Tower", el kraut-pop del single“Riptides” o las guitarras agresivas de la mencionada “Punching The Flowers”.
En estos tiempos de turismo masivo, saturaciones en el centro de las ciudades y tanto postureo llega Svsto para reivindicar el encanto de lo viejo en "Bar Manolo". Una canción para recordarnos el valor de lo de siempre, de los rincones con sabor añejo. El proyecto de la ex Bistec es coherente con aquel primer single en solitario que se llamaba "Mil €" que denunciaba ya la gentrificación. "Bar Manolo" se aleja del estereotipo de la modernidad, mal entendida, de las rutas marcadas por las influencers, de las "reformas cuquis", sin personalidad, de los locales pensados para 'guiris'. Por contra reclama "la roña y la suciedad" como punto de peregrinación, el encanto de esa "bofetada de humedad" que te regala entrar en uno de esos bares de toda la vida, donde siempre se ofrece tapa y las raciones aparecen dignificadas en una pizarra escrita a mano, según la oferta del día. Carla Parmenter llega al extremo del encanto cuando canta: "Ponme un WC que me tape el aliento", momento absolutamente delirante. Esa descarada crítica se explica en la nota de prensa: "En contra de la higienización moderna, SVSTO recopila en este single todos los detalles más naturales e imperfectos que hacían especial a un barrio. Esa suciedad simbólica, ese peligro, es la vida que representa a la ciudad, al contrario de la imagen aséptica, limpia, perfeccionada, uniforme y profundamente aburrida que poco a poco intenta conquistar nuestras calles".
Belle & Sebastian demuestran que son verdaderos aficionados al fútbol con “It Only Takes One Lion”, en la que muestran toda su pasión por este deporte. Una canción que nace de la euforia de ver cómo su país se clasificaba para el mundial tras derrotar 4-2 a Dinamarca. Escocia logró en 2025 una clasificación agónica al Mundial, poniendo fin a 28 años de ausencia en la máxima competición internacional. La pieza se puede considerar como un himno de apoyo a la selección escocesa durante el torneo, algo que no conseguían desde 1998. Según explica su líder Stuart Murdoch, nace de la experiencia de seguir a la selección durante décadas y de la emoción colectiva vivida tras su clasificación: “Es una canción personal sobre seguir las peripecias de la selección de Escocia durante los últimos 50 años, y salió de forma natural el día después del partido contra Dinamarca. La canción intenta abarcar la experiencia de todo el país siguiendo a Escocia”. El tema aflora el pop más animado de la banda con una letra en la que se indica: “Esto es Escocia, donde todo el mundo sabe que se empieza de cero/Esto es Escocia, donde puedes alistarte en un ejército que lucha por la paz/nos encanta el fútbol, el Mount Florida viene a Miami/nos encanta el fútbol, tenemos otra samba con Brasil”. La canción llega además en plena gira de aniversario de "Tigermilk" y "If You’re Feeling Sinister", dos discos que cumplen 30 años en 2026 y que pasará por el festival Bilbao BBK Live de Bilbao, además de estas otras fechas: Jueves 16 de julio, Madrid, Noches del Botánico (sold-out), viernes 17 de julio, Barcelona, Barts Festival, sábado 18 de julio, Valencia, FAR y domingo 19 de julio, Murcia, Sala Mamba!
El grupo malagueño anuncia "Gira de despedida". No, no te dejes engañar. Ellos no se separan, sino que se ríen con ironía del fenómeno de bandas que continúamente nos estafan con su "último tour", para pasados un par de años regresar a los escenarios con absoluta desfachatez. Airbag llevan dos décadas en la industria musical y han visto a muchos anunciar esas falsas disoluciones que se aprovechan del cariño del público para explotar precios, entradas y que pretenden convertir sus carreras en espectáculos continuos. Adolfo Díaz lo canta con meridiana claridad: "No creo en tu gira de despedida, te apuesto a que acabas volviendo(...) No amenaces con dejarlo cuando sabes que eso no va a pasar".
Cansados de contemplar este engaño que se aprovecha de la fe de la buena gente han decidido denunciarlo, con su característico power pop. "Gira de despedida" supone el primer adelanto de su próximo álbum, "Una Extraña Fuerza", que llegará de la mano de Sonido Muchacho en algún momento próximo de este año. Su fórmiula sigue siendo sumemente eficaz: guitarras luminosas, melodías instantáneas y canciones de apenas tres minutos en las que saben condensar ideas que nos hacen esbozar una sonrisa.
Por fin Black Keys suenan sucios. Vuelven a la senda de lo que siempre tendrían que haber hecho. El dúo originario de Akron (EE.UU.) editan su sexto disco en los últimos siete años, aunque en realidad se trata del decimocuarto de su carrera. Dan Auerbach y Pat Carney han optado por recuperar el espíritu de discos como "El camino". Blues rock en esencia, con todos los músicos metidos en el estudio de grabación y con apenas retoques, para ofrecer esa crudeza que echábamos de menos. El disco se basa en temas de sabor country, piezas originales de R.L. Burnside o Earl Hooker, releyendo "It’s a dream", de Neil Young, o "You got to lose", de George Thorogood u ofreciendo nuevo lustro a "She does it right", de Dr. Feelg, uno de los temas más acertados. Rock de auopistas infinitas, de paisajes aridos bajo un sol implacable, donde la voz de Auerbach suena sin freno, con riffs guitarreros que vuelven a ser acertados como en "Stop Arguing Over Me". Prácticamente desde el espléndido "Turn Blue" (2014) los Black Keys se habían embarcado en un viaje sin rumbo prefijado, lanzaban muchos discos, pero sin la menor gracia, ni identidad. Por fin regresan a su esencia.
Miguel Rivera, el líder de los añorados Maga, después de 30 años de trayectoria arranca nuevo camino musical con una canción que le sirve como punto de partida. "Una Nueva Casa" es toda una declaración de intenciones que nace con su primer single bajo el sello de Calaverita Records. Un tema donde lo acústico y lo electrónico se entremezclan para cantar a una nueva vida.
Después de cerrar definitivamente su etapa al frente de Maga, el reconocido músico sevillano habla de una casa nueva y de un proyecto que arranca: "Hace años no me imaginaba aquí: con una familia, con otra forma de entender la vida, el tiempo, las prioridades y también a mí mismo. Durante este tiempo han cambiado muchas cosas. Algunas de forma consciente, otras simplemente han ido ocurriendo. Supongo que esta canción nace justo ahí: en el momento en el que te das cuenta de que ya no eres quien eras, y de que eso no tiene por qué ser algo malo".
Este lanzamiento supone además el primer paso de un nuevo disco que verá la luz en los próximos meses. Un trabajo construido lentamente y desde la reflexión, donde Miguel Rivera parece más interesado en plantear preguntas que en ofrecer respuestas cerradas.
Requin Chagrin han creado un disco seductor. Canciones de pop-rock arrebatadoras, desde las primeras notas. "Decóllage" es el cuarto disco de la formación francesa en el que apuestan por piezas extrañables que rompen con la habitual propuesta del indie europeo. El proyecto liderado por Marion Brunetto ofrece una serenidad loable que se mueve entre el dream pop y la electrónica, con guitarras cargadas de reverb y sintetizadores de inspiración new wave. Predominan los estribillos ensoñadores en canciones como “Parachute”o"Decóllage", donde todo suena frágil y etéreo hasta el punto de que todo se podría romper en un momento. Hay piezas delicadas como la preciosa “Forever” o “Voyager”, pero también canciones más enérgicas como “BB”, con marcada caja de ritmos y “Ultra fort” donde apuestan por mezclar rock y electrónica, al igual que al final con “Rêveries”, donde el ritmo lo marcan las persistentes guitarras. "Decóllage" es un disco muy personal de Marion Brunetto, ya que ella lo compuso encerrada en la casa que tiene su familia en Ramatuelle, una localidad del sur de Francia, junto al mar. Allí llevó sus instrumentos y viejas grabadoras para dar forma a estas once canciones con ambiente sesentero con paisajes melódicos envidiables.
Els Amics de les Arts nos regalan una nueva canción,“Segurament t'estimo” en la que el trío describe el amor que sorprende y te pilla desprevenido, cuando el estómago da la vuelta, así como las inseguridades que surgen al principio. El grupo lo ha descrito como una "oda a la alegría, una apología de la duda, un homenaje a la incertidumbre", una canción pop en la que han contado con las voces del corazón In Crescendo. Els Amics de les Arts todavía están en plena celebración de sus 20 años, con cerca de una veintena de conciertos anunciados para celebrar en los próximos meses, como Guitar BCN, Canet Rock, Cabró Rock, Ítaca, Paupaterres, Sons del Món, Terramar, Petits Camaleons o La Castanyada del Cabró Rock, entre otros. Ahora ponen en marcha una nueva etapa, con el sello Halley Records, junto al productor Joan Borràs, teclista de Oques Grasses. La canción, además, aparece con un videoclip realizado por Toni Llobet en el que la banda se acompaña de un cuerpo de bailarines y bailarinas con coreografía de Idu Massa. Este es el primer adelanto de nuevo disco previsto para nuevo disco previsto para el 2027. Dani Alegret, Joan Enric Barceló y Ferran Piqué cantan: "No crec en l’amor, però hi ha temporades que entro en un estat bastant curiós. M’espetega el cor, sento foguerades, sort que tard o d’hora em poso a lloc". Una letra acertada que demuestra porqué se han convertido en una referencia indiscutible del pop en catalán.
The Mountain Goats es una banda muy aplicada. Publicaron disco el pasado mes de noviembre, bajo el título de "Through This Fire Across From Peter Balkanhan" y ya anuncian "Days", su vigésimo cuarto álbum de estudio, que se publicará el próximo 7 de agosto. El nuevo trabajo se ha concebido como una secuela del álbum de 2017 "Goths". Como carta de presentación nos dejan una canción de curioso nombre "Charlie Sheen Reaches Out to the Feds", que se puede traducir como “Charlie Sheen contacta con las autoridades federales”, el título alude a un episodio real protagonizado por el conocido actor. Sheen vio una película snuff y llamó a las autoridades al creer que estaba presenciando un asesinato real. El tema presenta una historia de carácter cómico, mientras los agentes intentan hacerle entrar en razón. La pieza destaca por un sonido rock enérgico, donde además incorporan un bonito saxofón, mientras cantan: "Estoy viendo películas, el corazón late como un tambor/ Grito en la oscuridad para que alguien venga/¿Ves lo que yo veo? No hay manera de que todo eso sea falso/ Un buen hombre solo puede soportar hasta cierto punto/ Pero no puedes luchar contra el mal solo/ "Por favor, James, llama al director" El grupo de John Darnielle ha anunciado que el nuevo disco estará compuesto por una docena de canciones y contará además con colaboraciones de músicos como Matt Nathanson, Mikaela Davis y Janis Siegal, entre otros invitados.
Becky G y Carlos Santana se unen en una canción que denuncia el miedo y las agresiones sufridas por la comunidad latina ante las redadas y deportaciones en EE. UU. El odio que está generando Donald Trump hacia el otro, el dolor de las familias separadas por las fuerzas del ICE. "Mi Gran Amor" es un tema escrito por Edgar Barrera, al que la cantante Becky G y el legendario guitarrista Carlos Santana han puesto voz para retratar la injusta situación que se vive en EE.UU, el supuesto país de la libertades. Busca dar voz a miles de familias latinas afectadas por las políticas migratorias en aquel país.
La canción se abre con la descripción de una escena que lamentablemente nos hemos visto a ver desde ha ce mucho tiempo como algo habitual: “un día normal en Estados Unidos”. Becky G canta para señalar la angustia de quienes persiguieron un día el “sueño americano" que ahora no es más que "una pesadilla",
El músico y productor Barrera ha contado que escribió este tema el mismo día en que un amigo suyo fue detenido por agentes migratorios. Esa noticia le llevó a escribir una letra que, según él, pretende ofrecer apoyo a quienes viven con miedo constante a la separación familiar, a quien es tratado como un criminal por su estatus migratorio. Hay que recordar que Edgard es productor, responsable de éxitos para artistas como Bad Bunny, Shakira, Maluma o Karol G, él ha indicado que “el mundo necesita más canciones con propósito”.
Las actuaciones violentas e intersadas de Trump han motivado las deportaciones que separan a parejas y hogares enteros. Santana, de origen mexicano, ha querido innvolucrarse en este proyecto de forma responsable y que participar en la canción implicaba reconocer que, al haber nacido en EE. UU., vive una realidad distinta a la de muchas familias latinas. Aun así, afirmó que su papel es servir de “canal para quienes no pueden hablar”.
Weezer van a por su decimosexto disco de estudio, en este caso nuevo álbum de título homónimo, pero como siempre asociado a un color. Se le conoce ya extraoficialmente como el 'Gold Album' por su portada dorada, un trabajo que incluirá diez temas y que verá la luz el próximo 21 de agosto. El primer adelanto llegó en abril bajo el nombre de "Shine Again". Como carta de presentación oficial, el grupo ha estrenado el primer sencillo oficial, titulado "We Might As Well Be Strangers", una pieza que cuenta con la colaboración de Karly Hartzman, vocalista de la banda de indie rock Wednesday. La canción es un lamento de ruptura en el que Cuomo y Hartzman interpretan a amantes que se han separado. Es pegadiza, tiene ritmo, y a diferencia de gran parte del material de Weezer posterior a "Maladroit", gustará a los fans de los discos clásicos de la banda. Para esta nueva etapa, Weezer ha sorprendido al aliarse con los productores Kenneth Blume (Geese) y Klas Åhlund (Robyn), quienes han buscado dar forma "al disco más agresivo de Weezer hasta la fecha”. Tendremos que comprobarlo, pero dudo que logre asemejarse a "Pinkerton".
El proceso de grabación se realizó con los cuatro integrantes tocando en directo en una misma sala de ensayo, una dinámica de la vieja escuela que propició que Rivers Cuomo y Patrick Wilson volvieran a componer juntos mano a mano por primera vez desde los tiempos de 'The Blue Album', su debut en 1994.
Mala Gestión están llamados a convertirse en una de las nuevas sensaciones del rock nacional. La banda valenciana edita su segundo disco que resulta sumamente estimulante. Letras como "Diesel", una canción que señala las promesas incumplidasque nos prometieron: "Y si los coches nunca llegan a volar / prométeme que el diésel volverá", letra que se burla del negacionismo: "carriles bici ahogan / los motores de combustión tradicional / ¿qué haremos con el coche de papá?". La ironía de "Noche de casino" o "Sandalias del PSOE". El quinteto formado por Pablo Prats (bajo), Héctor Soriano (batería), Guillermo Llop (guitarra), Elías MacCabe (vocalista) y Joan Adsuar (guitarra) empezaron su anddura en 2024 , con la publicación de su disco "Se nos ha complicado" y ahora acaban de presentar su segundo trabajo "Hacemos lo que podemos" plagado de ironía y letras divertidas, con canciones tan sugerentes como "Edgar Allan Poe" o "Kambio klimatico". Se atreven a cantar sobre el desamor en canciones como Ex-Ex (pareja) en la que le se lamentan de la ausencia de la persona a la que quisiste modificando el estribillo de "Ni tú ni nadie", una de las canciones más reconocibles de Alaska y Dinarama: "Dónde está nuestro error sin solución / Ya no quiero ser tu expareja / Quiero ser tu ex-expareja", cantan para rememorar que una ex se puede convertir en una acompañante para toda la vida. Verdaderas fantasías pop con momentos tan absurdos como los versos de: "Me han dicho que de mí ya no te acuerdas / Y pienso que jopetas, mecachis, caramba" para añadir: "Decías que mis temitas no eran buenos / Y mira, ahora trabajo en un McDonald’s". Un baño de realidad pese a quién le pese, totalmente alejado de la autocomplaciencia.
The Cramps resurgen de sus cenizas. Se recupera su disco perdido casi 50 años después. "Gravest Gravy", grabado en los estudios Ardent de Memphis junto al productor Alex Chilton, que también participaba en el disco, se pondrá a la venta el 21 de agosto. El álbum recoge doce canciones registradas tres años antes del debut oficial del grupo, y que Lux Interior e Ivy habían intentado publicar a finales de los 80 sin éxito. Toda una noticia porque significa recuperar el sonido original de una banda emblemática de uno de los nombres imprescindibles del sonido garajero más oscuro y sucio, que marcó toda una época. El denominado como álbum perdido inédito "Gravest Gravy", que se grabó en 1977 recupera canciones como "TV Set", "Weekend On Mars", "Can't Hardly Stand It", "The Natives Are Restless" o "Rocket In My Pocket".
Diego Vasallo abraza un nuevo proyecto de rock. Abandona su carrera en solitario para formar una superbanda formada junto a Fer García como guitarrista solista (The Young Wailt o ILL), Xabi Arratibel al sonido grueso del bajo (Bananas y Hiedra), Oriol Flores encargado de marcar las bases rítmicas a la batería (IDOIA o POL3.14) y Germain San Martín, teclista de Loquillo o Quique González. Era el momento para hacerlo, como el mismo confiesa tiene 60 años, no se veía empezando una nueva banda con más años, por el esfuerzo que requiere. Era ahora o nunca. El sonido del grupo revela reminiscencias post punk. Musicalmente está bastante lejos de todo lo que ha hecho hasta ahora.Ni su paso por Duncan Dhu, Cabaret Pop o cualquiera de sus facetas en solitario. Aquí no hay nostalgia. El paso decisivo llegó con su último el EP en solitario "Malo ni bueno", que produjo junto a Fer García. Durante aquel proceso fueron descubriendo afinidades musicales, compartiendo referencias, discos... y ahí empezó a gestarse el germen de esta nueva banda. Comprobaron que les fascinaba el sonido de grupos como los noruegos Madrugada, vinilos que Mark Lanegan hizo con Soulsavers, los temas de Nick Cave con Grinderman, Viagra Boys... referencias muy variadas, que les llevababan a dar el paso. Løse, que significa “suelto” en danés, define el principio de total libertad creativa. Poesía y ruido se dan la mano. Para Diego Vasallo ha supuesto un reto importante cantar con una banda más eléctrica detrás, porque no es a lo que estaba acostumbrado a esas atmósferas saturadas. Se nota que Vasallo es quien compone las letras y la estructura de las canciones. El primer single que lanzó Løse fue “Hay un hueco en algún sitio”, una dura presentación, con actitud glam-punk. "El resplandor de las bombillas en las avenidas / Los cables negros contra el cielo, tu respiración caliente / Hay un hueco en algún sitio difícil de llenar", canta con voz muy grave. El disco no ofrece concesiones. Se abre de forma densa, con los casi diez minutos de “Pétalo en el aire”con una instrumentación cuidada, para hablar de la madurez y de las oportunidades perdidas: "Lo que fuiste/ Y lo que eres/ Hoy tienen caras diferentes/ Lo que amaste / Y lo que quieres/ Son de alguna forma lo mismo". El rock más áspero llegará con “Cose mis heridas”, el blues “Con esta luz que nace”,“Nuestro cielo al alcance de la mano” o “Zona de sombras” trallazos donde las guitarras suben el volumen. Los momentos más acústicos y reposados llegan al final con “No me cuentes nada que no quiera saber”.
La banda de Brooklyn lanza un nuevo sencillo que es su debut con con el sello independiente Tight Knit. El single plantea la dualidad de la persona que se enfrenta a dos perfiles opuestos: la del individuo que quiere venderse por intereses personales y el que se rebela ante una estructura que busca anularlo. Reflexiona sobre las palabras que uno debería manifestar en el momento oportuno y que no supo indicar cuando debía. Julia Vassallo lo explica como vivencia personal: "A menudo he tenido esa ‘resaca de conversación’, en la que después paso un montón de tiempo fantaseando con la respuesta perfecta que podría haber dado. Supongo que esta fue la forma más fácil de formular una respuesta.Todos nos hemos sentido insignificantes alguna vez, y eso no es nada agradable". El quinteto neoyorquino Slow Fiction formado por la vocalista Julia Vassallo, los guitarristas Paul Knepple y Joseph Skimmons, el bajista Ryan Duffin y el baterista Akiva Henig han presentado el tema con un videoclip bajo la dirección de Miles Wilson, donde capturan la agitación de sus directos mediante una estética visual acelerada.
Los Punsetes vuelven con letra afilada para hablarnos de la tristeza de un modo tan cercano que todos nos podemos sentir identificados. “Una Persona Triste” aborda esa sensación no de una forma dramática, sino que lo hace desde una perspectiva doméstica, más cerca de nuestras cotidianas frustaciones: "Hay una pena tan honda/ Que por mucho que se piense/ No se entiende/ Hay una zanja en tu pecho/ Que te impide andar derecho/ Y evidencia que estás hecho de deshechos".
La voz hierática de Ariadna y la letra de Antonna se complementan, una vez más, a la perfección. Llevaban cuatro años de silencio discográfico, desde"AFDTRQHOT" (2022). “Una Persona Triste” es el primer adelanto de un próximo disco del que prometen ir dando a conocer nuevas píldoras en los próximos meses. Por lo que se puede intuir Los Punsetes van a apostar por un sonido más sintético, con predominio de teclados y menos guitarras. El nuevo álbum, ya su octavo lanzamiento, ha sido producido por Paco Loco junto a la propia banda, mezclado por Sergio Pérez García (Svper) y masterizado por Greg Obis.
La banda de shoegaze de Pittsburgh regresa como trío con su tercer álbum. Lo hacen casi por sorpresa, después de que hace apenas unos días ofrecieran algunos detalles de "bitknot" que llega tres años después de deslumbrar a la crítica con su aclamado segundo álbum, "Girl With Fish" (2023). La banda ha sufrido cambios convulsos: Ryan Walchonski, guitarrista fundador, anunciaba su salida del grupo en 2025 para centrarse en su proyecto en solitario Aunt Katrina. Su sustituto, Rob Potesta, llegó desde otra banda de Pittsburgh, Tony from Bowling, pero solo les acompañó de gira. En la formación continúan Sebastian Kinsler, Lydia Slocum y Jake Kelley expandiendo su sonido más allá del shoegaze, con su habitual mezcla de dream pop, noise rock y post-punk. En este disco apuestan por estructuras de pop ruidoso con bases rítmicas marcadas por la batería y arreglos de guitarras distorsionadas que remiten a los sonidos de la década de los dos mil. Está claro que no renuncian al ruido, pero exploran registros más oscuros. Feeble Little Horse está de vuelta y para presentar este nuevo artefacto sonoro se embarcará en un tour que recorrerá Norteamérica y Europa, con ciudades de Italia, Alemania, Dinamarca, Suecia y Francia. En esta ocasión han confirmado dos paradas en nuestro país: Madrid: Miércoles 4 de noviembre – Sala El Sol. Barcelona: Jueves 5 deoviembre – Razzmatazz 3.
Me congratula que el pop y el rock de este país pongan el foco en sus canciones sobre los problemas sociales que atosigan a nuestra sociedad, que muestren la frustación que se vive en la calle. A falta de los cantautores que antes cumplían esa función ahora los grupos musicales tienen la capacidad de reivindicar esos problemas de una generación frustrada, de la que todos somos culpables, algunos más que otros. “El conformismo”, el nuevo single de Vis Viva, se hace eco de esa realidad. Los malagueños hablan de hechos consumados de la precariedad, los alquileres imposibles y la inalcazable opcion del bienestar prometido. Regresan regresan después de un largo período de silencio musical para hablar de casa de cartón, alquiler, fin de mes, el cuñado que no se entera. Y un estribillo que es casi un mantra generacional: lo hemos perdido todo, pero nos da igual, mientras estemos juntos, no se está tan mal. Pura resignación cantada para proclamar algo que todos deberían escuchar. 2026 marca el regreso de Vis Viva a Ultramarinos Costa Brava, donde la banda ha vuelto para grabar su nuevo EP.
Raye deslumbró hace seis meses con "Where is my husband" un single de presentación que era un verdadero caramelo soul, muy bailable. Su segundo disco es en general una obra ambiciosa. De nombre real Rachel Keen, 28 años, esta londinense pertenece a una nueva y sensacional generación de vocalistas pop británicas entre las que podemos incluir a Lola Young, PinkPantheres, Dua Lipa o Charli XCX. "This Music May Contain Hope" es una delicia, pero no creas que es un disco fácil. Su larga duración: una hora y 13 minutos se justifican porque está concebido como un musical, en el que Raye como narradora construye un arranque, una trama y un desenlace sobre como afronta la vida y superar los reveses emocionales. El disco se inicia con "Girl Under The Grey Cloud" donde nos sitúa en "una noche lluviosa en París, a las 2.27 de la madrugada" con nuestra protagonista desolada por el desamor que ha intentado ahogar a base de negronis. Raye no quiere consuelos para ese corazón roto, porque como nos deja claro en "Life Boat", una de las piezas más destacadas:“Todavía no me voy a rendir”. La narración viene acompañada, aquí la sorpresa, de canciones de hip hop, baladas dramáticas, soul, jazz vocal, swing o musical. Todo cantado con la fantástica voz de esta jovencita londinense y su desmedida ambición como en "Click Clack Symphony", con las aportaciones orquestales del maestro Hans Zimmer. Además ha contado con la participación de la Orquesta Sinfónica de Londres en cinco de los temas. Sí hay por momentos un exceso de pomposidad, pero es un mal menor si nos presentan a Romeo como un tremendo fraude. Raye te ayudará a manejar situaciones no deseadas.
El trío catalán Xiprer debuta con un disco repleto de mensajes sociales, que se convierte en un manifiesto sobre la gentrificación y la crisis de la vivienda. "Perenne i per sempre" critica esos fallos en nuestro sistemas supuestamente amparados por la Constitución. Ellos son combativos y se agradece el rock con mensaje y concienciación.
Enric Mont, Iñigo Sáenz y Nil Bribian estrenaron su proyecto el año pasado con"Ciclista!", una primera declaración de principios donde ponían el foco sobre la saturación turística en Girona, después publicó dos singles más, "Deutes" y "Pena". Por fin nos llega su primer largo con once canciones que reivindican el derecho a la vivienda y en contra de las precarias condiciones laborales que tenemos, con un sistema que ahoga toda esperanza de bienestar o la falta de educación. No queda más remedio que rendirse ante esta colección de canciones con mensaje. "Perenne i per sempre" se ha grabado en el estudio de Cala Vento, Casa Linda. Gracias por denunciar las situaciones injustas que padecemos. Luego los patriotas mirarán a otro lado.
Cigarettes After Sex siguen fieles a su sonido. Una fórmula de éxito, son una de las bandas más escuchadas en Spotify con miles de millones de reproducciones y llenan recintos allá por donde van. No necesitan ni quieren modificar, ni arriesgar, su propuesta que sigue por los mismos derroteros con la voz lánguida y pausada de Greg Gonzalez, guitarras limpias y esos teclados ensoñadores de fondo.
La banda de El Paso (Texas) estrena nueva canción “Twizzler”, la primera en 2026, ya que la última que lanzaron fue "Anna Karenina", en 2025, además de la contribución musical de Gonzalez junto a la estrella musical colombiana Karol G en "Después de Ti", en medio del escenario del festival Coachella.
“Twizzler” es otro de esos temas a cámara lenta, sensual, de ritmo lento, con letras absolutamente confesionales. En esta ocasión sí es cierto que incorpora una batería muy animada para lo que son Cigarettes After Sex. En palabras del líder del conjunto, "La inspiración esta vez surgió de una relación que fracasó estrepitosamente (o quizás de una relación espectacular que fracasó), un pozo de pasión que domina casi cada nota y sílaba".
"Rapier" es el primer adelanto de su séptimo álbum, "Siete" que se publica el 9 de octubre, con el que inican una nueva etapa, con formación renovada actualmente integrada por Jorge Garcia, Macón, Alberto y Álex. Toundra ponen la directa. Como apunta el propio grupo, "Saturación, sintes y desarrollos largos que marcan el debut de Jorge García (Adrift, Loma Baja) con nosotros. En esta etapa nos atrevemos con la autoedición total bajo nuestro propio sello: Grabaciones Strelka". Es su primer tema desde 2022. Condensa la filosofía de composición de la banda con desarrollos largos, aunque integran de forma más destacada la presencia de sintetizadores. La incorporación de Jorge (Adrift) a las guitarras y sintetizadores ha sido clave para reconstruirse como grupo. No es casual que su presencia aporte un sonido más versátil. El grupo ha desvelado las primeras fechas de su nueva gira, “Siete Tour”. Por el momento comenzará con fechas en Berlín, Zottegem, Siegen y Rabat durante este mismo mes. A partir de septiembre, el grupo volverá a la carretera empezando por Andorra, y continuarán por Berriz (24 de octubre, Berrizko Kultur Etxea 360º), Mos (7 de noviembre, Rebullón), Castellón (14 de noviembre, Trovam), Barcelona (11 de diciembre, Razzmatazz 2), Murcia (12 de diciembre, Garage Beat), Madrid (5 de febrero de 2027, sala But - Inverfest), Vitoria (13 de febrero de 2027, Jimmy Jazz) y San Sebastián (13 de marzo de 2027, Dabadaba).
El rapero y actor estadounidense Vince Staples anuncia el lanzamiento de su nuevo álbum, “Cry Baby”, que saldrá el próximo 5 de junio, con el lanzamiento del single “Blackberry Marmalade”. El tema nos descubre nuevas sonoridades, tras varios trabajos marcados por la introspección como "Ramona Park Broke My Heart"y "Dark Timesry", apuesta por un mensaje político en diez canciones que hablan de la violencia y la experiencia de ser una persona negra en Estados Unidos. El resultado, según afirma su hoja de promo, es una obra dinámica y confrontativa que no solo retrata el clima social y emocional contemporáneo, sino que se posiciona activamente frente a él. Como cuenta: “Mientras el mundo arde, he decidido sacar este álbum. Gracias por escucharme”. “Blackberry Marmalade” se complementa con un video grabado en primera persona, donde el espectador se sumerge en la historia como si fuera el protagonista. Dirigido por Bradley J. Calder junto al propio artista refuerza la idea de vivir en un país donde la amenaza es constante. Tras sus anteriores álbumes, llenos de introspección y homenajes a su tierra natal, el músico vuelve al exterior con este disco, procesando los ciclos que se repiten sin fin de la agitación estadounidense a través de un cambio musical y sonoro. Junto a este anuncio, el americano estrenó el sábado pasado, convirtiéndose en el primer single que adelanta el trabajo. La canción viene acompañada de un videoclip que refleja perfectamente el significado de la canción y del disco. En esta ocasión la urgencia política se convierte en su motor creativo.
El sonido de esta banda chilena resulta inclasificable, porque abarca y entremezcla el rap experimental, el jazz con aproximaciones al kraut rock y la electrónica. Su nuevo disco "Umbral" se edita en el sello koolarrow records, propiedad del californiano Bill Gould, conocido por ser bajista de Faith No More. De hecho participa con ellos en el single "Buscando la luz", aunque la lista de colaboraciones es muy extensa, ya que en todas las canciones hay algún invitado. Desde la percusión que atraviesa "Una salida", con DJ Pérez y Vicente Cifuentes, a la sorprendente "El mundo ya estaba así antes", en que surge con total carácter el theremin, el primer instrumento musical electrónico de la historia, de Martín Benavides. Hay momentos destacados como "Eufonía", una pieza instrumental concentrada en un cuarteto de cuerdas y clarinete, en la que participa Marcos Meza. También "Cómplices" una de las mejores piezas del disco, marcada por la voz profunda de Carlos Cabezas, un sampler de Jim Morrison y los teclados ambientales. Hacia la parte final, aparecen Pablo Ilabaca y Matiah Chinaski en "Canción de una canción". Angelo Pierattini pone el toque final en "Simplemente tiempo", dos temas muy diferentes unidos por una cierta oscuridad tonal demostrando esa inquietud sonora que caracteriza a Como asesinar a Felipes.
¡Sorpresa! The Smashing Pumpkins lanzan en plataformas el álbum inédito “Zodeon at Crystal Hall”, hasta ahora únicamente disponible en vinilo en la tetería Madame Zuzus, propiedad del propio Billy Corgan junto a su esposa, la artista y diseñadora Chloe Men o a través del sello de la tienda, Martha's Music. Por fin Corgan se ha decidido a compartirlo. El disco recoge un total de doce canciones grabadas durante la pandemia y que se quedaron en el baúl de los recuerdos tan pronto como Corgan y sus músicos se dedicaron a otros proyectos con más proyección. “Zodeon at Crystal Hall” es un trabajo desenfadado con influencias de la psicodelia bitánica, muy marcada en temas como "Necromance", "Saffron" o con el mellotron de "MaryQ". El propio Corgan lo ha definido como "pop con influencias de los sesenta". Su lanzamiento ha pasado desapercibido. No hay comunicado de prensa, ni vídeos, ni sencillos, ni campaña publicitaria masiva, ni reseñas anticipadas, ni publicidad. Es una autoproducción y ha sido autofinanciado en su totalidad. "Zodeon at Crystal Hall" comenzó como un proyecto de entretenimiento para la banda, durante la pandemia, sin ninguna intención real de completar un álbum. En la újnica entrevista que Corgan ha ofrecido para hablar de este disco lo explicaba así: "En cuanto oí al gobierno decir: ' Oh, dos semanas de confinamiento para detener la propagación ', literalmente fui a mi trabajo y dije: ' De ninguna manera. Esto va a durar para siempre", por ese motivo ahora podemos disfrutar de estas canciones que han permanecido ocultas hasta el día de hoy.
La banda gallega Triángulo de Amor Bizarro edita su nuevo disco para consolidarse como uno de los grupos indispensables de la escena del rock español de este siglo. Llevan dos décadas de carrera y cada vez nos gustan más. Inician nueva etapa como trío después de la salida de Zippo, teclista y guitarrista, lo que ha obligado al grupo a redefinir su sonido, de modo que ahora suenan más contundentes.
"Mi catedral", su séptimo álbum, habla de apariencias y de falsedades, de alienación, de esta nuestra realidad que resulta asfixiante. La canción que da título al disco pone el dedo en la llaga al retratar lo absurdo de nuestras vidas cibernéticas: "Dioses digitales inundan mis manos / hacen que olvide mi naturaleza" (...) "Dioses digitales bloquean mi pensamiento / hacen que no me importe ni de dónde vengo". Ese modelo impuesto es el que está creando multimillonarios egocéntricos que se creen dioses como cuentan en "Matar a un Rey", gracias a sus negocios de control.
Moby se va alejando cada vez más de sus canciones festivas para crear melodías más emocionales. Él mismo ha confesado que ya no es aquel chico que solía quemar la noche. Tal vez es que el neoyorquino se ha convertido en sexagenario sin apenas darse cuenta. "Future Quiet", su vigésimo tercer álbum de estudio, es su obra más reposada como necesidad personal de silencio en un mundo saturado de estímulos: "Me encanta el exceso y el volumen. Pero a medida que el mundo se vuelve más ruidoso y alocado, necesito el refugio del silencio, tanto como oyente como músico. Para mí, y espero que para otros, 'Future quiet' es un refugio. El mundo, evidentemente, es más exigente que nunca. El mundo nos grita, nuestras pantallas nos gritan, otras personas nos gritan, y para alejarnos de los gritos necesitamos seguridad y refugio. Ese es el objetivo de 'Future quiet'. Escribirlo y grabarlo fue un refugio para mí, y espero que escucharlo sea un refugio para vosotros", afirmaba en una entrevista a NME. Aquí nos encontramos con una colección de catorce temas, casi una hora y media de música a contracorriente, que combinan el minimalismo, por momentos acercándose a la New Age, con paisajes sonoros envolventes. Algunas de las piezas más destacables son "La vie" o "Tallinn", y por supuesto la preciosa "Estrella de mar", oración a la Virgen del Carmen a la que pone voz Elise Serenelle.
La banda navarra lleva desde 2007 regalándonos los oídos con canciones indies más que interesantes. "Divino tesoro" es una recopilación de sus mejores canciones, un autohomenaje que ellos se dedican porque les da la gana y porque merecido lo tienen. Podrían haber incluido más de los once temas que aparecen, pero da igual porque muchos no coincidirán con el criterio, pero en este disco Iñaki López y Amaia Tirapu condensan casi dos décadas de trayectoria, demostrando por qué y a pesar de todo han logrado sobrevivir a modas. Un trabajo que reúne y reimagina algunas de sus mejores canciones, abren con “Únete a Kokoshca” convirtiéndola en más bailable, "El búho", "La Fuerza" "El Mal", "Los Domingos" o "No volveré", un viaje que va del garage punk más crudo al pop costumbrista. Canciones que son parte ya de nuestro imaginario underground, como ha ellos les gusta decir y que han demostrado que carecen de caducidad.
Yard Act están aquí con su post-punk enérgico intacto. Esta vez más oscuros: "Redeemer" es el single presentación de su tercer álbum en el que prometen más letras de denuncia. James Smith canta con más rabia y las guitarras suenan más frenéticas. El tema es descrito como una declaración de intenciones: “Robaste el sol... ahora tu órbita es la mierda del daño causado”. Vuelven para dar testimonio de la fractura social actual, un corte directo, en el que contraponen la oscuridad de una sociedad perdida frente a los excesos de la modernidad. El grupo británico editará su tercer disco "You’re Gonna Need A Little Music", el próximo 17 de julio, producido por Justin Meldal-Johnsen (Beck, Wolf Alice), quien ha buscado otrogarles un cambio de sonido, más próximo a sus vitales directos y a la esencia del grupo. Podremos escuachar sus nuevas canciones en el Primavera Sound, que se celebrará en junio en Barcelona. Y más tarde en un par de conciertos en salas: martes 20 de octubre, Barcelona, Sala Apolo y al día siguiente miércoles 21 de octubre, en el Teatro Eslava de Madrid.
"Oniria popular" está llamado a ser uno de los discos más destacados de Xoel López, un trabajo que se ha gestado en muy poco tiempo, con canciones marcademente pop y una obra de autoafirmación en la que este hombre orquesta se ha atrevido a tocar la melódica y hasta el vibráfono. Curiosamente, es la primera vez que lo hace, el disco se abre y se cierra como hacía Neil Young, con la misma canción, "Campos de Castilla para siempre", en dos versiones distintas. La apertura es más rockera como de bienvenida y la de despedida, con clavicornio y flauta, resulta mucho más reposada. Un tema en el que recoge uno de sus muchos viajes en coche entre Madrid y A Coruña, trayecto que le sirve para reflexionar. Es un disco amable, a pesar de que habla de cosas también amargas. Las letras tienen mucho contenido, como en "Cupido" donde hace una declaración de muerte al amor romántico, en "La batalla", donde se acerca a su admirado Aute, para proclamar la resistencia cuando “todo te aplasta” o en esa "Tronco y raíz", un elogio entregado a la amistad. Ya resultó revelador que su primer single de presentación fuera "Sombras chinas" en el que cita a artistas que han sido influencia desde Bob Dylan a Violeta Parra o a Serrat. A Janis Joplin o a Nina Simone. Músicos que le han acompañado en la búsqueda de sí mismo. Ciertamente "Oniria popular" tiene mucho de autoafirmación. En "Crujidos y fantasmas" con esa bonita guitarra española: "y siento que hay más ruido en el silencio" (...) "La noche me mira desde un rincón, con su guadaña quiere detenerme" plantea muchas de las motivaciones de su profesión. Y es el tema que más recuerda a su etapa como Deluxe. La canción más alegre del disco puede ser "Monstruo final", un tema que se inspira en la última pantalla de un videojuego como metáfora de la lucha en esta vida. Un tema épico que es también punto de unión de todas las canciones de "Oniria popular", que puede ser tomado como un manual de autoayuda o de resistencia. Como canta en "Enséñame": "no quiero huir nunca más", "quiero dejar de escapar".
Paul McCartney y Ringo Starr, los únicos miembros vivos de The Beatles, acaban de publicar un sencillo a dúo titulado "Home To Us" (Nuestro hogar), incluida en el nuevo álbum de McCartney, "The Boys of Dungeon Lane", que pondrá a la venta este 29 de mayo, su decimoctavo en solitario y con el que el legendario músico echa la vista hacia sus años de infancia en Liverpool. Aunque McCartney y Starr habían colaborado en numerosas ocasiones desde la separación de la banda, con participaciones instrumentales y coros en sus respectivos discos, nunca antes habían compartido un dúo vocal. La canción incorpora también a Chrissie Hynde (The Pretenders) y Sharleen Spiteri (Texas). Dungeon Lane, que da título al disco, es una calle de Liverpool que McCartney frecuentaba al salir o regresar a su casa, en aquellos años de su primera infancia donde recuerda "los bares llenos de humo", según reza la canción.La discográfica, por su parte, califica los 14 temas como nacidos de un Paul "en un estado de ánimo sincero, vulnerable y profundamente reflexivo, escribiendo con una franqueza poco habitual sobre su infancia". Como aperitivo de ese esperado lanzamiento, Paul, de 83 años, ya presentó el pasado marzo el sencillo "Days We Left Behind" (Los días que dejamos atrás), que capta perfectamente el aire nostálgico e introspectivo de este disco, su primero en cinco años. Se ha presentado como un recorrido autobiográfico por la infancia de McCartney en el Liverpool de la posguerra. El disco recopila recuerdos del barrio de Speke en el que se crió, McCartney también recuerda andanzas juveniles vividas con John Lennon y George Harrison antes de formar los Beatles. Este lanzamiento coincide con el regreso al mercado discográfico de Ringo, a sus 85 años, con su segundo trabajo coescrito y producido por T Bone Burnett, titulado"Long Long Road", con un sonido de sólidas raíces en el country y la música americana Hay grandes momentos con un tono somero como "Baby Don't Go" o el single de presentación que da nombre al álbum y cuyo vídeo plagado de nostalgia parece un adiós.
La banda murciana regresa con un tema energico marca de la casa, tras una espera de dos años, desde el lanzamiento de "Flores de venganza". El single es el primer adelanto del que será su tercer álbum antes de emprender gira europea. Arde Bogotá ha trabajado en Los Ángeles junto al productor Joe Chiccarelli, conocido por sus trabajos con Muse, The White Stripes, Morrissey o The Strokes."Instrucciones" explora las complejidades de las relaciones humanas: "Elija con cuidado el material del que usted ha elaborado/ Corazón de estaño, no bombea igual que con otro metal/ Siga con cariño y con rigor los siguientes pasos/ Si se equivoca en el cuarto ya no podrá volver atrás/ Y querrá regresar, querrá poder amar/ Tu corazón pectoral". La canción llega acompañada de un videoclip dirigido por Guillermo Aliaga y rodado en el Taller de Óptica del Arsenal de Cartagena, un singular edificio industrial que actualmente pertenece al Ayuntamiento de Cartagena y que forma parte del patrimonio arquitectónico e histórico de la ciudad. El inmueble, conocido por su característica torre de varias alturas utilizada antiguamente para realizar pruebas de periscopios de submarinos, constituye uno de los espacios industriales más reconocibles del paisaje urbano cartagenero.
Los próximos conciertos de Arde Bogotá serán en: 15 de mayo — Lisboa — LAV1 16 de mayo — Oporto — Hard Club 20 de mayo — Londres — Electric Ballroom 22 de mayo — París — Bataclan 23 de mayo — Bruselas — La Madeleine 25 de mayo — Berlín — Columbia Theater 28 de mayo — Milán — Santeria Toscana 31
Sinceramente, Arcade Fire a estas alturas no está para acometer experimentos ni con gaseosa. No se entiende esta dervia supuestamente experimental que no lleva a ningún sitio, ni se justifica siquiera por un capricho. "Open your heart or die trying" es el título de la canción de apertura del álbum "Pink elephant" (2025) de Arcade Fire, y también el de este disco de 8 pistas en modo ambiental que imagina ese LP como un nuevo paisaje sonoro. Se lanzó en formato físico en el Record Store Day el 18 de abril de 2026. En plataformas digitales está disponible desde el 1 de mayo de 2026. En este disco todo suena muy espacial, música instrumental con mucho sintetizador, alejados de su sonido habitual, como si pretendiera a estas alturas imitar a Tangerie Dream. Hay en la actualidad miles de grupos que lo hacen mejor y que se mueven en esos ámbitos sonoros, así que no se explica bien este experimento. Lo cierto es que aburren a las ovejas. Existen propuestas mucho más interesantes y logradas en músicas para inducir al sueño, sin ir más lejos para ese objetivo te recomiendo el disco de Max Richter "Sleep/From Sleep".
Carlangas, el que fuera líder de Novedades Carminha, presenta “Familia S.L.”, el que será el cuarto y último adelanto de "Universo Paralelo", su tercer álbum en solitario, anunciado para el 29 de mayo. El tema es el más rockero que nos ha mostrado hasta ahora, una canción guitarrera, que toma aceleración noise en su último tramo, con un punto a lo Sonic Youth. Sorprende por esa electricidad y oscuridad. La canción narra una historia de desencanto y traición, donde la familia deja de ser un refugio para convertirse en un conflicto, con una tensión que va creciendo. El nuevo tema llega como una de las piezas más intensas y personales de esta etapa en solitario abriendo una nueva mirada a su proyecto, en el que nos presenta una violencia mocional no mostrada hasta ahora.
Niña Polaca cambia de registro en su tercer disco. Si se dieron a conocer con canciones que hablaban de amor, desencuentros, las relaciones pasionales y el desamor, la banda ha decidio apostar en esta ocasión por temas más sociales y generacionales. Serán cosas de la edad. Denuncian el capitalismo desaforado, la gentrificación, la precariedad laboral o la imposibilidad de emanciparse entre otros temas de actualidad, pero siempre volviendo al amor como forma de salvación. Álvaro Surma, cantante y responsable de las letras demuestra una sensibilidad especial para exponer la ansiedad que se cierne sobre los jóvenes de su edad en canciones como"CSI Alicante (mi generación)"donde canta: "Que cuando yo era crío todo iba a mejor / y se que no es nostalgia ni mi imaginación / Quizás las pastillas pa’ la depresión en las que han enterrado / a mi generación". El modelo de binestar se hunde y da tiempo para criticar la acción de los políticos: "Dejar de ser pobre con un sueldo o dos / Hacer que dimita Carlos Mazón, que la sangre no se va con alcohol". "¿Dónde coño está la ONU cuando más la necesitas?", es en realidad una pregunta simbólica para clamar contra instituciones que se han visto incapaces de actuar ante las crisis actuales que nos amenazan. No cabe duda de que aquí hay verdaderos himnos: "Será que veo peligrar el mundo, que ahora pienso mucho más en el futuro", corean en "Suena ABBA cuando enciendes el motor". En total doce canciones que sirven para evaluar lo que ocurre en nuestra sociedad, por mucho que algunos quierna mirar hacia otro lado. Canciones como La codicia y el capital de las fuerzas extranjeras hablan de un presente apesadumbrado donde las ciudades españolas se venden a los fondos buitre, mientras los turistas las ocupan masivamente desplazando a sus habitantes: "Ponte un broche al pelo Elena aquí hay canciones que cantar / tantas cosas que cambiar, para que merezca la pena / quiero que vuelva a brillar, el tono ámbar en el mar cuando miras desde La Ereta". Ciertamente hacen falta más discos como este, que sepan captar las necesidades y anhelos de nuestro tiempo, que reflejen la realidad de nuestras vidas, como denuncia de situaciones injustas. Todo con gitarrazos vibrantes. Gracias.
Por fin los Rolling Stones están de vuelta, con un nuevo disco que se titulará "Foreign Tongues". Han estado mareando la perdiz con una campaña progresiva en redes sociales, primero con algunas publicaciones insinuando su regreso, después el abril pasado lanzando un vinilo de edición limitada con el tema"Rough and Twisted", bajo su histórico seudónimo The Cockroaches, en el marco de una campaña promocional. El marketing y los caprichos de las estrellas son así. "Rough and Twisted" ha sido publicada ahora en formato digital junto a la nueva "In the Stars". La primera es un blues penetrante con un poderoso riff en la que Mick Jagger canta: "Me llevaste a un pueblo lleno de moscas en medio de la nada/ El olor era acre y tóxico/ No podía respirar el aire", canta Jagger en el tema, que sonoramente recuerda a "Who's driving my plane", una canción que sacaron en 1966 como cara B del single "Have You Seen Your Mother, Baby". Por otro lado "In the star" es mucho más rockera y muestra la fortaleza de estos tipos que ya tienen 82 años. El tema entronca con los míticos riffs cruzados de sus dos guitarristas y muestra a Jagger en plena forma, con un rango vocal sorprendente. "In the Stars" estará disponible en edición física prevista para el día 15 de mayo.
En lo musical, "Foreign Tongues", el vigésimo quinto álbum de estudio, parece recuperar el sonido más reconocible del grupo: guitarras de corte blues, ritmo directo y la inconfundible interpretación vocal de Mick Jagger, con presencia destacada de armónica y una estructura clásica que remite a sus trabajos de los años setenta. Los Rolling Stones, tras más de seis décadas de rock, no se rinden: “Simplemente nos sigue gustando grabar en el estudio”. Así lo contaban el martes en un acto celebrado en el hotel Weylin de Brooklyn reconvertido en un recinto de eventos de lujo, con el cómico estadounidense Conan O’Brien. Jagger y Richards, los únicos de los cinco miembros originales que permanecen en la banda, han comparecido junto a Ronnie Wood, de 78 años, miembro de los Stones desde 1975. Han adelantado que el disco tendrá 14 canciones, que se grabó en Londres en apenas un mes fue clave grabar casi en directo y, en muchas ocasiones, en una sola toma, para aprovechar la química entre los miembros de la banda: “Tienes que mover los ojos y ver a todo el mundo: a Keith, a Ronnie... ves exactamente lo que están haciendo y pensando. El estudio funcionó muy bien para nosotros y el sonido era muy bueno”, afirmó Jagger. Descubrieron que el disco hay colaboraciones destacadas como la de Paul McCartney, exbeatle y leyenda del rock británico, y Robert Smith, líder de The Cure, quien terminó sumándose a un tema tras coincidir con ellos en el estudio. Charlie Watts, el batería de la banda fallecido en 2021, también será parte de un álbum que incluirá alguna de sus tomas. Lo que se negaron a desvelar a pesar de las preguntas es si habrá gira de presentación del disco. "Foreign Tongues" y "Hackney Diamonds", su anterior trabajo, comparten productor, Andrew Watt, que al parecer ha cogido el gusto a eso de trabajar con leyendas del rock que se resisten a ocuparse tan solo de empujar los carritos de sus nietos: acaba de producir el último álbum de Paul McCartney. Madonna, con el lanzamiento en julio de Confessions II, Parece que este no será el fin de los Rolling, ni su último trabajo, ya que les han sobrado al menos otras 10 canciones que utilizarían para otro lanzamiento después de este próximo disco.
Alcalá Norte acaba de presentar el segundo adelanto de su nuevo álbum de estudio. "Los llamados Pitagóricos" la estrenaron durante su concierto de hace unos días en la Explanada de Puente del Rey, en la Casa de Campo, con motivo de las fiestas de la Comunidad en Madrid. Además repartieron algunos ejemplares en formato flexidisco. Este es el nuevo single del que será su segundo disco, con una letra en la que cantan: "A cuestas con el féretro/ Y sus manías frikis, claro/ Van como endiosados/ Pa' ellos no hay churrasco/ Tampoco comen habas/ No visten de lana/ No atizan con hierro el ascua".
La banda madrileña sigue con reflexiones filosóficas como ya hicieron en su pimer single "El hombre planeta" . Si en aquella ocasión nos hablaban del músico Niccolò Paganini y su pacto con el diablo para obtener una absoluta destreza al violín, ahora optan por dedicarle la canción a Los Pitagóricos una hermandad místico-filosófica del siglo VI a.C. fundada por Pitágoras en Crotona, caracterizada por estudiar las matemáticas como vía de purificación espiritual. Sostenían que los números eran el principio constitutivo del cosmos, creían en la transmigración de las almas y la armonía musical. El nuevo trabajo de Alcalá Norte se publicará en septiembre u octubre de este año.
El grupo Indochine estrenó hace unos días el videoclip de "Nouveaux soleils", el último sencillo de su álbum "Babel Babel", en concreto es el sexto sencillo que se publica del álbum. El tema oscila entre la tensión y la luz, envuelto en una atmósfera etérea y melancólica. La pieza demuestra la habilidad de la banda para fusionar melodías pegadizas con una emoción pura. El videoclip, dirigido por Stéphane Ridard, juega con imágenes que mezclan lo claroscuro con destellos de luz, perfectamente adaptadas para amplificar el tema de la canción.
El álbum "Babel Babel" vendió más de 300.000 copias convirtiéndose en disco de platino. Marcó el regreso de la banda tras siete años de pausa, con una gira que finalizó el pasado mes de febrero con más de 1,2 millones de entradas vendidas. El nuevo sencillo se lanza como maxi-single, ya disponible en digital, los fans que quieran hacerse con él en formato físico tendrán que esperar hasta el 5 de junio.
Dan Peralbo i el Comboi se han convertido en uno de los grupos más destacados de la nueva escena de rock en catalán. Llamaron la atención con su primer elepé en 2024 y su propuesta se ha intensificado con este su segundo trabajo "Quin goig" (Qué gozo) que suena fresco, a pesar de que no hay grandes cambios respecto a aquel primer disco homónimo. Las nuevas canciones suenan festivas, pop alegre y desenfadado que nos puede recordar por momentos al rock noventero de Strokes, los Libertines o Els Pets por buscar un parecido más local. En total once canciones de estribillos brillante en los que se exalta la amistad. Dan Peralbo (hijo del batería Tino Peralbo, de Brighton 64), Albert 'Ret' Rams, Pol Villegas y Aleix 'Jimmy' Vilarrasa son amigos de la infancia en su pueblo Torelló donde empezaron a tocar cuando eran niños, así que les une algo más que una amistad. Repasan recuerdos comunes, exparejas, vivencias y sobre todo la celebración de esos años de unión. Atentos a la superpegadiza "Un billet per tu".
Los Dandy Warhols tienen una carrera arriesgada, a estas alturas no iba a ser menos y se atreven con un disco de versiones, en el que han escogido temas de lo más variado que abarca a bandas como America, Bob Dylan, Beatles,... The Clash o The Cure son los elegidos para tomar prestados algunos de sus clásicos. "Pin Ups" arranca con el mítico"Cherry Bomb" de The Runaways, en el que ya dejan clara su intención de no modificar las piezas, se mantienen fieles al original, pero van a dejar su impronta personal con voces compactas, distorsiones y su sello personal. Al optar por no modificar las estructuras de las canciones el experimento sale flojo y el registro general resulta monótono. Pasa con "Primary" (The Cure) o el "Kiss Off" de los Violent Femmes, que se quedan sin brío. La fórmula se repite con "Blackbird", de McCartney, o "Ripple", de Grateful Dead, que no consigue brillar ni por asomo. Sus versiones más lucidas llegan con "Sister Golden Hair" de America, "Lay Lady Lay" de Dylan, "Love Song"de The Damned y el tema de The Cramps "Goo Goo Muck" con mucha reverberación. El disco se queda en curiosidad, poco más. Difícilmente "Pin Ups" podrá ocupar un lugar destacado en la discografía de Dandy Warhols.
Parquesvr acaba de estrenar su cuarto disco Mitos y leyenda en el que vuelven a ser mordaces con canciones que son ácida crítica social. No se casan con nadie y a pesar de ello logran que esbocemos una sonrisa cuando nos hablan de esta época desquiciada que nos ha tocado vivir. Las letras de Javi Ferrara son en esta ocasión más causticas y se adentran en el desamor, en todas sus formas. No son canciones animosas, por mucho que eso pueda doler, porque reflejan situaciones más habitulaes de lo que sería deseable. "Aftersun" o "Google fotos" son además historias que el protagonista reconoce que ha vivido. Al final, para bien o par mal, las vivencias personales se imponen e el relato. "Tonto", otra de las canciones destacadas surge de la escucha de la canción "Puto" de Molotov, un tema en el que se indica que "el fascismo es cosa de modernas", lo que le hizo reflexionar sobre el heco de que hemos aceptado que las ideologías ultras que van en contra de las libertades individuales de las personas tengan ahora enorme popularidad: pènsamientos que se aceptan como normalidad y que solo traerán penuria y represión. Ciertamente hacen falta más bandas como Parquesvr para combatir a todos esos ultras retrogados que prometen fastidiarnos la vida.
Se ha convertido en video viral, del que todo el mundo habla en redes. No tanto por su música como por su montaje y su deslumbrante coreografía, más cerca del cine que a un single. El responsable es el director Romain Gavras, hijo de Costa Gavras, que resucita su proyecto musical Gener8ion junto al productor francés Surkin, productor clave de la electrónica francesa, después de cuatro años de silencio. Para la ocasión han reclutado al rapero sueco Yung Lean, al que han situado en un internado británico con una atmósfera violenta y bailes deslumbrantes.
"Storm" es un videoclip hipnótico, que recrea pura distopía. Brutal y elegante a la vez se va tensando hasta que estalla con la energía de cuerpos sincronizados con un efectivo impacto visual en el que tiene mucho que ver el coreógrafo belga Damien Jalet que ha logrado convertir el movimiento en lenguaje. Hasta el punto de que aquí lo visual se impone a lo musical. Es como si la banda sonora acompañara a esa coreografía de cuerpos grupales, con caídas, empujones y una perpetua fricción que va aumentando la tensión visible. Yung Lean representa al matón de instituto, tan reconocible hoy como ayer, en esa anomalía en las aulas que ahora denominamos bully. Un tipo que se mueve a su antojo por aulas, pasillos y gimnasios sin que haya presencia de profesores o adultos. Consume drogas, destroza las instalaciones y vandaliza a capricho las instalaciones. Hasta que llegamos a esa furiosa coreografía final que despierta vibrantes emociones.
Gener8ion no es una banda al uso. No lanzan discos, ni salen de gira. Ellos crean piezas únicas, independientes en las que la música es solo una parte del conjunto. Aquí la labor de Romain Gravas es toda una lección de saber hacer que convierte el concepto de una idea en algo más efectivo que el de una canción. Su trabajo ha destacado en otros vídeoclips como “Neo Surf” y “The New International Sound (Part II)” también con Gener8ion. Colaboró en el clip “Stress” de Justice en 2008, para otros músicos como Jamie XX, M.I.A., en "The Age Of The Understatement" (2008) de The Last Shadow Puppets o para Simian Mobile Disco en "I Believe" (2007)
Pequeño Mal nos sorprendieron el año pasado. Su debut fue un grato descubrimiento y es que no eran nuevos en estas faenas. El grupo formado por Saray Botella y Lolo G. Molinier de Hazte Lapón, se unieron a los hermanos Antonio y Carlos Hermana (Living Camboya) y Fernando Bertola (Súper Cadáver), con un concepto bastante claro que se materializó en "Epilepsia de amor", un single doble en el que mostraban lo bien que se complementan las guitarras vigorosas y las melodías pop. Tras unos meses de silencio regresan con un single doble formado por "Los duelistas" y "Vendrán a por ti". La primera ahonda en las ideas de aceleraciones guitarreras para hablarnos de una discusión de pareja que pierde el control. Por su parte, "Vendrán a por ti" muestra el lado más postpunk del grupo bajando la intensidad, en la que critican abiertamente esta nuestra sociedad de los algoritmos, la paranoia y el consumismo digital.
Pequeño Mal tienen previsto publicar su primer LP a finales de este 2026. El disco incluirá todos los singles que la banda ha ido publicando desde el pasado año. Canciones que van a presentar en una gira que ya cuenta con algunas fechas cerradas: 30 Mayo en Marbella 23 Julio en Brisa Festival, Málaga. 19 Septiembre en Barcelona.
Editors lanzaron en 2022 su último álbum hasta la fecha, que llevaba por título "EBM", así que tener noticia de ellos ha resultado toda una sorpresa, además no anunciada. Ayer publicaban "Call it in", primer single que anticipa un próximo disco de estudio. El tema habla de encontrar refugio en alguien cercano y supone el regreso de la banda tras cuatro años de silencio discográfico. Smith en un comunicado de prensa lo explica: "Pasamos gran parte del verano de 2025 encerrados en la zona rural de Gloucestershire, trabajando en canciones todos juntos en una habitación, con una formación de banda más tradicional".
Sobre la nueva pieza ha dado algunos detalles: "Call It In es una de las canciones más recientes en las que hemos trabajado. Trata sobre pedir ayuda, en realidad, ante una angustia existencial, encontrar consuelo en alguien cercano y escapar del ruido ensordecedor de la vida moderna".
El grupo británico está celebrando todavía los veinte años desde el lanzamiento de su primer álbum y el que les convirtió en uno de los nombres más atractivos de la escena alternativa británica, "The Back Room" (2005). El lanzamiento de "Call it in" ha llegado acompañado del anuncio de una gira que pasará por España. Los conciertos se celebrarán en Madrid (viernes 29 enero de 2027, La Riviera), Valencia (sábado 30 enero, Auditorio Roig Arena) y Barcelona (domingo 31 enero, Sala Razzmatazz). La venta general de entradas se inicia mañana, jueves 30 de abril, a las 11 horas en www.lasttour.org.
Enrique Octavo regresa sin aviso previo. Editan un EP de cuatro canciones al que han titulado "Antequera entera", en el que Jose Bolívar vuelve a tomar las riendas de la formación impregnando el disco de ese áspero pop rock, con toques sureños bastante crudos. Este trabajo se ha grabado en el estudio Abeto 5 durante el verano de 2025, con producción de Antonio Monsalve y Darío Muñoz, y viene a reafirmar su vínculo con el sello La Corte Inglesa Records. El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por el propio Bolívar, donde destacan aportaciones como el violín de Jose Antonio Rodríguez o las guitarras de Lucho Lorenzo y los teclados de Laura Arroyo, que enriquecen la instrumentación en otros cortes como "Todas se te van" o "Si de tu amarre…", donde la banda muestra su cara más rockera. La presentación de "Antequera entera" arrancó el 18 de abril en Valencia, pero tiene otras muchas fechas ya confirmadas: Sábado 18 de abril: Valencia (Centro Excursionista). Sábado 25 de abril: Madrid (Fotomatón Bar) junto a Metódico Ventura. Sábado 9 de mayo: Granada (Festival Hurtadorama). Viernes 15 de mayo: Almería (Arcade Club) junto a Colegas y Tal. Domingo 24 de mayo: Granada (TBA). Viernes 3 de julio: Denia (Códigos del Arte). Sábado 4 de julio: Alicante (El Refugio del Arte). Sábado 18 de julio: Linares, Jaén (Festival Stereo). Martes 12 de agosto: Isla de Arosa, Pontevedra (Pirata). Sábado 12 de septiembre: Barcelona (Barbara Ann).
Placebo celebran sus 30 años en la música y lo hacen con la recreación de su primer disco, una nueva versión de su homónimo álbum de debut, que fue publicado en 1996 y que van a titular "RE:CREATED". El lanzamiento de este nuevo proyecto está previsto para el 19 de junio, de momento nos adelantan la regrabación de “Bruise pristine”. "Consideramos este disco como una versión del director. No lo hemos recreado desde cero. Volvimos a las cintas maestras originales e incorporamos al disco los 30 años de experiencia que tenemos tocando estas canciones en directo. Este proyecto consistía en terminar por fin el disco, adaptándolo sonóricamente al siglo XXI, al tiempo que se conservaba la integridad y el espíritu del original. No se trata de mejorarlo, no hay nada malo en él, se trata de completarlo. Cuando hicimos el primer álbum, aún no teníamos la experiencia ni los conocimientos de estudio necesarios para plasmar plenamente lo que teníamos en la cabeza. Con el paso de los años, las canciones cobraron vida propia sobre el escenario; crecieron, se desarrollaron, se completaron por sí mismas, en cierto modo. Es una celebración de nuestros orígenes y un punto de encuentro entre quienes éramos entonces y quienes somos ahora. Es una forma de honrar esa inocencia, al tiempo que dejamos que las canciones existan con la envergadura, la confianza y la energía de la banda en la que nos hemos convertido". "RE:CREATED" además, sirve de excusa para la otra parte del aniversario, que no es otra cosa que una gira por medio mundo que, afortunadamente, pasará por España. Y ahí no solo tocarán canciones de su debut, también caerán temas de "Without You I’m Nothing", su estupendo segundo trabajo. Fechas de los conciertos de Placebo en España: 1 de octubre, Madrid, Movistar Arena (The Ring) 3 de octubre, Barcelona, Sant Jordi Club.
Estos días se conmemora el 10º aniversario del fallecimiento de Prince, con distintos homenajes a su figura, el más importante en su ciudad de Minneapolis. Aprovechando la ocasión se acaba de lanzar una nueva canción y videoclip: "With This Tear", una grabación de estudio nunca publicada procedente del gigantesco archivo de composiciones inéditas que Prince dejó tras su muerte. Este nuevo tema será el inicio de una serie de grabaciones inéditas de Prince que se irán recuperando para editar un disco este mismo año. Ya sabéis que la caja registradora no puede dejar de funcionar. "With This Tear" fue grabada originalmente en noviembre de 1991 en Paisley Park. Ahora ha sido nuevamente mezclada y masterizada por el ingeniero y productor Chris James, antiguo ingeniero de Prince, que también ha trabajado con artistas como Frank Ocean, Miguel y Janelle Monáe. El tema cuenta con Prince produciendo, arreglando, componiendo e interpretando toda la instrumentación. Poco después de su creación, se lo ofreció a Céline Dion, quien grabó y publicó su propia versión en 1992. La canción regresa ahora en su versión original acompañada de un videoclip que recorre todas las etapas del genio de Minneapolis desde la infancia.Prince falleció hace una década, el 21 de abril de 2016, a causa de una sobredosis accidental de fentanilo. Tenía 57 años. Los herederos del difunto artista organizarán otra celebración en junio, que incluirá un concierto especial con los antiguos miembros de la banda de Prince. Chaka Khan, Morris Day, Tevin Campbell, Sounds Of Blackness, Cassandra O’Neal y Bobby Z también han confirmado su participación.
Después de "Manual de cortejo" (2019) y "Manual de romería" (2023) llega la contiinuación de esta trilogía con "Manual de belleza". Rodrigo Cuevas sigue reivindicando el folclore al que añade toques reguetoneros, electrónica o lo que pase por su febril imaginación. Esta vez muy influenciado por su estancia en Puerto Rico, donde estuvo componiendo junto a Eduardo Cabra, quién ya hizo de productor en la Romería. Aquí encontramos bolero, pasodoble, tonada o cabaret, pero que suena a otra cosa, siempre buscando la cara optimista de la vida: para acabar con el pulgón llena la casa de mariquitas. El asturiano quiere crear un mundo más feliz donde “los ricos no van al espacio, y todo el mundo es maricón”. Desde la inicial Un mundo feliz hasta La fiesta con que cierra el disco, Cuevas propone un viaje vitalista donde gobiernan las señoras jugando al parchís que toman decisiones borrachas de anís y donde las bicicletas no tienen sillín. Historias que comparte con colaboraciones estrella con mayoría femenina como Ana Belén, Massiel, la Mala Rodríguez, Zahara, las Tarta Relena o la jazzista Mapi Quintana, además de los gallegos Grande Amore. Hedonismo con alma caribeña, pero atención porque los calificativos se quedan cortos. En "Manual de beleza" encontramos piezas como la mezcla de xiringüelu asturiano con el hip hop de la Mala en "BLZA", "Asturcon" de claras influencias rave por la aportación de Zahara y Martí Perarnau. "Una muerte ideal", inspirada en el personaje de Margarida de la novela Te di mis ojos y miraste las tinieblas de Irene Solà. La melancolía de "El pañuelín", la tradición en "La hermana cautiva", el bolero "Xardineru", que Cuevas compuso pensando en su pareja, o Sácame a bailar, protagonizada por dos ancianos a los que bailar paso doble les permite superar la demencia y rememorar su juventud. Sin duda más que un disco Rodrigo Cuevas se ha marcado un festín.
Cameron Picton, ex Black Midi donde cumplía las funciones de bajista y vocalista del trío, presenta su debut en solitario tras la separación del grupo en el verano de 2024. Tras "Hellfire", la banda se separó y cada integrante tomó un camino distinto (tristemente, su guitarrista Matt Kwasniewski-Kelvin fallecía a principios de este año). Geordie Greep, el guitarrista y vocalista principal, debutaba en solitario en 2024 con "The New Sound". Ahora es el momento de Cameron en solitario con otra aventura arty.
Picton ha confesado que el final de Black Midi fue un alivio. Ellos fueron los primeros en despedirse de un puñado de bandas coétaneas que se formaron alrededor de un local del sur de Londres, el pub Windmill, entre ellas Squid, Black Country, New Road y Shame dispuestas a revolucionar con su juventud el rock. La trayectoria de black midi fue corta, pero muy fructífera, entre los años 2019 y 2022, editaron tres álbumes muy destacables. El sonido de My New Band Believe recuerda al de Black Midi, pero resulta más accesible con melodías sostenidas, también más íntimo, aunque sin abandonar la experimentación. Encontramos bonitos arreglos de cuerdas, flautas, saxofón y hasta acordeón. Todos esos instrumentos se superponen en el caos sonoro en canciones como"Heart of Darkness", en la muy teatral "Actress" o en la más barroca "In the Blink of an Eye". Aunque como os he contado también hay piezas menos abigarradas como "Love story" en las que la voz en falsete de Picton se vuelve confesional para hablarnos de una pareja que se debate entre cenar arroz o judías. Tan real como la vida misma.
