PLACEBO " Helen Keller"

 

El próximo jueves voy a verles en directo en Madrid. Es una de esas bandas que me han acompañado a lo largo de la vida y que ya son como compañeros de viaje. Coincidiendo con el inicio de su gira 30 aniversario ayer compartían este nuevo y melancólico sencillo titulado "Helen Keller". El tema se inspira en la pieza instrumental oculta de 1996 "HK Farewell", un tema que surgía cuando ya pensabas que su disco de debut, de título homónimo de 1996, ya había acabado. Conserva la atmósfera etérea de «HK Farewell», pero la lleva a un terreno de rock más pesado y angustioso.
“Esta es una nueva canción de rock inspirada en la melodía de piano de 'HK Farewell' y que lleva el nombre de una de mis personas favoritas de la historia”, ha asegurado Brian Molko sobre el tema.
Keller fue una autora estadounidense, defensora de los derechos de las personas con discapacidad y activista política que quedó sordociega en su infancia y llegó a ser una escritora y activista de renombre internacional.
La canción se interpretará todas las noches durante la gira actual de la banda. El sencillo da continuidad a las celebraciones de Placebo por el 30 aniversario de su debut. En junio pasado, la banda lanzó "Placebo RE" , una reinterpretación de su álbum homónimo, para el cual Molko y Stefan Olsdal retomaron las cintas maestras originales y reelaboraron las 10 canciones del disco de 1996, junto con "Drowning By Numbers" y "HK Farewell". La banda describió el proyecto como una "versión del director", una forma de reflejar tres décadas de presentaciones en vivo sin borrar ni reemplazar el álbum original.

CATENACCIO "Pájaro negro”

 

Catenaccio es el último supergrupo patrio. La banda está formada por Javi Ferrara, líder y vocalista de Parquesvr, y Fernando Naval, líder, vocalista y guitarrista de Camellos, junto a componentes de Vera Fauna y los propios Camellos. Todos juntos en esta colaboración singular resentan su primer single, que lleva por título "Pájaro negro”.

Esta canción firma esa alianza que es un homenaje a Robe Iniesta, quien fuera líder de Extremoduro, al que pretenden rendir culto, en un tema con guiños al rock urbano. Se conocieron entre bambalinas, en los camerinos y en los espacios de salas y festivales, congeniaron y ahora han decidido juntarse en estudio, en el local de ensayo y crear algo juntos."Pájaro negro", mezclada y producida por Raúl Pérez en Grabaciones en La Mina, es la primera piedra de Catenaccio, un proyecto que coge su nombre de una estrategia futbolística ultradefensiva para un proyecto que, claramente, va al ataque. Pronto prometen dar más sorpresas. Hay que estar atentos.

U2 "Silencio"

 

Porque U2 llevaba nueve años sin publicar un álbum de material nuevo. Nueve años de silencio son suficientes para que una banda pueda convertirse en una institución, una marca, un recuerdo o las tres cosas a la vez. Ahora, en cambio, llega con título en español,"Carnaval De Luz", un disco que se publicará el 13 de noviembre y que reunirá doce canciones.
El título del álbum tampoco parece casual. "Carnaval De Luz": celebración y oscuridad, carne y espíritu, fiesta y amenaza. Bono lo ha explicado con imágenes de luces, criaturas, guitarras altas y fuegos. El comunicado de la banda habla, además, de espiritualidad, amistad, libertad y resistencia frente a fuerzas oscuras.
Su nuevo lanzamiento "Silencio" encaja en ese paisaje. La canción juega con una palabra que en U2 siempre ha tenido peso. Silencio como ausencia. Silencio como amenaza. Silencio como refugio. Silencio como aquello que queda cuando ya no sabemos qué decir. La letra se mueve entre imágenes religiosas, violencia, deseo y pérdida, mientras el estribillo convierte el título en una especie de consigna.
Y claro está tenemos ese detalle mexicano. "Silencio" llega después de "Street of Dreams", publicado en julio como primer adelanto del nuevo álbum. Entre ambos temas hay una diferencia interesante: mientras aquel servía como presentación más reconocible del regreso, este segundo movimiento parece interesado en recordar que U2 todavía puede permitirse ensuciarse saltando al barro, con vibrantes guitarras. Antes de que llegue el carnaval completo, U2 ha decidido hacer algo bastante más sencillo: subir el volumen.
El videoclip vuelve a México y está dirigido, al igual que el anterior, por Cliqua, el dúo formado por Pasqual Gutiérrez y Raúl “RJ” Sánchez. Pero el disco traerá más sorpresas y eso, para una banda que cumple cincuenta años de historia precisamente esta semana, no es poca cosa. "Carnaval De Luz" contará con colaboraciones llamativas, entre ellas Rosalía en "The Mirror Maker" y Dolly Parton, fallecida el pasado agosto, en "Torn", además de nombres como Brian Eno, Martin Garrix y Daniel Lanois vinculados al proyecto. El el decimosexto álbum de estudio de U2 según adelantan abordará asuntos como la espiritualidad, la libertad y “la resistencia frente al avance de fuerzas oscuras”.

LOS PUNSETES "El año del caballo"

 

 Los Punsetes celebraban hace poco veinte años de carrera con un disco en que invitaban a grupos amigos a que reinterpretaran sus canciones en "Que Le Den Por Culo A Tus Amigos". En total han publicado siete álbumes llenos de himnos, el último de ellos "AFDTRQHOT" (2022). Pero eso va a cambiar pronto, lo anuncian con “El año del caballo”, el segundo single de su próxima grabación, tras "Una persona triste". El quinteto madrileño ha querido explicar esta nueva canción indicando que "es la narración de una persona desesperada, al borde del abismo, a la que solo le queda soñar con un movimiento astronómico capaz de cambiar de una vez su miserable suerte". Entre los riffs de guitarra de melancolía surge la voz clara de Ariadna: “¿Qué me está pasando últimamente? Tengo miedo todo el rato de morirme de repente”. Una reflexión con la que muchos nos podemos sentir identificados.
El disco ha sido producido por Paco Loco y Los Punsetes y cuenta con la mezcla de Sergio Pérez García (Svper) y el máster de Greg Obis (MJ Lenderman, Slow Pulp, Duster…) en Chicago Mastering Service. Un tema para burlarte de los supersticiosos mientras envidias su ilusión.

MAN/WOMAN/CHAINSAW "Cannonball"

Este joven sexteto formado por cuatro chicas y dos chicos surgen también en torno a la sala Windmill, en el barrio londinense de Brixton, un pub con apenas 150 personas de capacidad que se ha convertido en la incubadora de bandas caracterizadas por sus estructuras complejas, secciones de viento, letras semi-habladas (spoken-word) y directos catárticos. Muchas de ellas crecieron al amparo del sello independiente Speedy Wunderground del productor Dan Carey. De aquí surgieron grupos como Black Midi, Squid, Black Country, New Road, Fat White Family, Goat Girl, Maruja...
Man/Woman/Chainsaw son una joven formación londinense que llega por fin a su primer álbum después de varios años recorriendo la escena independiente británica. “Cannonball” es un disco difícil de encasillar, donde conviven el post-punk, el art-rock, el shoegaze, el pop y momentos más cercanos al rock experimental. La banda, como ya te he contado, está formada por seis músicos y cuenta además con tres voces principales, algo que aporta diferentes matices a unas canciones que cambian constantemente de dirección. “Only Girl” abre el álbum con guitarras, violín y una melodía que crece hasta convertirse en una de sus grandes bazas, mientras que “Canyons” o “Nosedive” muestran su capacidad para combinar estructuras poco convencionales con estribillos que funcionan. También hay espacio para el dramatismo de “Goddamn, Lizard Man!”, el sonido más oscuro de “Flick Of The Wrist” o la contundencia de “The Thing” y “Still Angry”. Producido por Margo Broom y Seth Evans, “Cannonball” suena como un disco de una banda que todavía tiene muchas cosas que descubrir, pero que ya sabe perfectamente que las canciones están por encima de las etiquetas. Once temas llenos de cambios, guitarras, violines, teclados y mucha energía. Man/Woman/Chainsaw son, sin duda, uno de esos nombres que conviene tener muy presentes en el efervescente panorama londinense.

MAIKA MAKOVSKI "I Live in a Boat"

 

Maika Makovski publicará el próximo 25 de septiembre un disco en directo titulado "Live-Palau!" que recoge el concierto con el que celebró sus 20 años de carrera el pasado 4 de marzo en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, junto a cinco bandas y una treintena de invitados.

Para presentar este álbum doble ha escogido el tema "I Live in a Boat", una canción que resume el espíritu festivo de aquella noche. Para que la fiesta no termine la publicación del disco, con una veintena de canciones en directo, dará paso además a la continuación de la celebración sobre los escenarios. Maika Makovski recorrerá 20 ciudades, regresando también a muchas de las salas y territorios que la acogieron en los primeros años de su carrera acompañada por su banda original: David Martínez a la batería, Juan Carlos Luque al bajo y Bobbi Relac a la guitarra. Fechas: 

25/9 VILAFRANCA DEL PENEDES Auditori
26/9 BARCELONA La Mercé
09/10 VALENCIA 16 Toneladas
10/10 CASTELLÓN Terra
13/10 ZARAGOZA Rock & Blues (Ciclo Petit Comité)
14/10 GASTEIZ Helldorado
23/10 SANTA CRUZ DE TENERIFE Tenerife Peñón Fest
06/11 BILBO Tbc
27/11 DONOSTIA Dabadaba
28/11 SEGOVIA Wic
16/01 LLEIDA Café Teatre
21/01 MURCIA Auditorio Victor Villegas
23/01 SEVILLA Sala X
04/02 ELCHE La Matinal
11/02 MADRID Lula Club

WESTSIDE COWBOY "It Goes On"

 

Westside Cowboy presentan su primer disco largo, “It Goes On”, un trabajo en el que el cuarteto de Manchester, ha experimentado una evolución significativa después de causar sensación con su EP de 2025, "This Better Be Something Great". Conocidos inicialmente por su sonido minimalista y por acuñar el género que ellos mismos denominan 'Britainicana', una mezcla de elementos country y rock indie. La banda ha madurado rápidamente, sus primeros temas dejaban entrever sus raíces country a través de la presencia ocasional del violín o de la guitarra de acero, aunque su verdadera energía nace de los ritmos contundentes, las guitarras de sonido cristalino y las armonías entrelazadas. 
El cuarteto formado por Reuben Haycocks, Jimmy Bradbury, Aoife Anson-O’Connell y Paddy Murphy da un paso adelante sin perder esa manera directa y espontánea de entender el rock. Indie británico, folk, americana, power pop y algo de ese sonido de guitarras que nunca pasa de moda se mezclan en canciones como “Kick Stones (The Boys)”, “Dobro”, “Worried Age” o “Pin Up Boys”, dejando también espacio para momentos más tranquilos como “Patchwork” o “Take My Leaving As I Love You”.
El disco mantiene esa sensación de estar escuchando a una banda tocando junta en una sala, con guitarras nerviosas, baterías contundentes y unas armonías vocales que son una de sus principales señas de identidad. Suena espontáneo, imperfecto y cercano. Hay ecos de Velvet Underground, The Feelies o Parquet Courts, pero también de ese indie americano que busca melodías sencillas y canciones que funcionan especialmente bien cuando suben de intensidad.
“Kick Stones (The Boys)” abre el disco con guitarras aceleradas y un ritmo que enseguida nos mete en su universo, mientras que “Paperchains” juega con sonidos más luminosos. En el otro extremo encontramos canciones como “Coyote” o “Worried Age”, donde aparece una cara más reflexiva y melancólica, hablando de la ansiedad, la incertidumbre y la sensación de no saber muy bien hacia dónde dirigirse.
También merece la pena destacar “Pin Up Boys”, uno de los momentos más intensos del álbum, frente a temas más desnudos como “Patchwork” o “Take My Leaving As I Love You”, donde la banda deja más espacio a las guitarras y a las voces. Esa variedad hace que el disco no se quede únicamente en el típico ejercicio de revival guitarrero. Un debut que precisamente confirma que desde Manchester siguen apareciendo nuevas bandas dispuestas a darle una vuelta al rock de guitarras.

VETUSTA MORLA "Si vuelves"

 

"Si vuelves", el título es premonitorio, un tema que sirve como la primera canción de su próximo proyecto discográfico tras más de dos años de reposo creativo, como ellos mismos indicaron. Vetusta Morla regresan y el lanzamiento llega acompañado de un videoclip rodado en formato de 16 milímetros y dirigido por Iván Blanco, quien explora la historia de dos amigas a través de una elipsis para reflexionar sobre el cuerpo como superficie donde se inscribe lo psicológico y lo social. Dos amigas que comparten unas cicatrices que no las definen ni señalan, sino que las construyen.

El grupo reaparece con un sonido más orgánico. Sobre esta nueva etapa, la banda reflexiona:"Las canciones solo nacen de verdad cuando las personas se encuentran. Al final, terminan siendo memoria compartida. Este regreso no es solo una gira, es reactivar ese mecanismo único donde la música sucede entre personas". Asimismo, añaden: "Juntarse alrededor de una canción sigue siendo una de las formas más reales de imaginar que las cosas pueden ir bien".

Para presentar este nuevo repertorio, el grupo se embarcará en la 'Gira de Vuelta – Canciones de Ida', un ciclo de conciertos en directo que arrancará el próximo 2 de octubre y recorrerá siete ciudades españolas.Toma nota:
2 de oct - Barcelona, Palau Sant Jordi
9 de oct - Valencia, Roig Arena
24 de oct - Pamplona, Navarra Arena
31 de oct - Málaga, Auditorio Municipal Cortijo de Torres
06 de nov - A Coruña, Coliseum
07 de nov - A Coruña, Coliseum
14 de nov - Sevilla, Live Sur Stadium
19 de nov - Madrid, Movistar Arena
20 de nov - Madrid, Movistar Arena
21 de nov - Madrid, Movistar Arena

EX:RE "Save As"

Elena Tonra, la voz de Daughter, retoma su alias Ex:Re , el mismo con el que editó un disco homónimo en 2018. Fue su proyecto en solitario y aunque aseguró que no pensaba editar más álbumes con ese nombre, pero en 2023 el productor Fabian Prynn, quien también había sido el productor de aquel disco, le llevó bocetos de canciones al estudio. Le gustaron tanto que se pusieron a trabajar y ha anunciado la publicación de un nuevo disco titulado "Save As", que llegará a las tiendas el 30 de octubre a través de 4AD.

Tal y como explica Tonra, el álbum "funciona como una nueva muestra del pulso narrativo que fluye en mi interior para describir los detalles más angustiosos de la conciencia humana: los pensamientos que consumen y los lugares a los que uno viaja para escapar de ellos. El eje central del disco es, precisamente, la manera en la que recordamos aquellos momentos". Volver a escucharlas o interpretarlas, en sus palabras, "es como viajar atrás en el tiempo".
El álbum cuenta con Josephine Stephenson en el chelo, Hinako Omori en sintetizadores, Ben Reed en el bajo y Jethro Fox en la guitarra eléctrica. El sencillo de adelanto, "Radio Station", usa la imagen de una estación de radio que cambia como metáfora de cómo Tonra siente su propia mente, con esos recuerdos y el regreso a ellos.
Ex:Re hará una serie de shows en tiendas durante la semana de lanzamiento: Rough Trade East en Londres el 30 de octubre, Resident en Brighton el 31 de octubre, Jumbo Records en Leeds el 4 de noviembre, Jacaranda Basement en Liverpool el 5 de noviembre y Truck Store en Oxford el 6 de noviembre.

ALCALÁ NORTE "El Endemoniao"

Alcalá Norte acaban de compartir "El Endemoniao", tercer y último avance de su segundo disco. Esta nueva canción de los madrileños formará parte de "Dejémoslo como estaba" recupera esos bajos angulosos, sintes ochenteros y guitarras afiladas para construir una historia que retrata a Federico Nietzsche en un arrebato de paganismo. El filósofo alemán tiene un encuentro con el escritor Stephan Zweig, al que acusa de “traicionar” su confianza, después de desvelar éste en sus stories de Instagram una serie de audios en los que Nietzsche glosa la vida mediterránea, pero confiesa “no entenderse favorablemente con los italianos”, a los que considera “peores que los bárbaros”.
En su encendido discurso, Nietzsche utiliza el verso de Alcalá Norte para ganarse el favor del Sol y coger rápidamente algo de color, después de “mustios meses en Turín corriendo tras de mi propia alma como en espiral, en círculos cada vez más vastos”. Deseoso también de zambulirse en nuestra orilla del Mediterráneo, “y también en el Cantábrico”, Nietzsche ofrece a la banda Alcalá Norte estrofas de acalorada dlefensa de la dieta mediterránea, así como controvertidas declaraciones pseudocientíficas sobre el control consciente de los niveles de cortisol.

Hace menos de 24 horas han estrenado este vídeo casero, sin florituras ni grandes costes de grabación.
“El endemoniao” se une a “Los llamados pitagóricos” y “El hombre planeta” como el tercer adelanto de un disco, "Dejémoslo como estaba", al que ya le vamos viendo las costuras. Mientra “Los llamados pitagóricos” tiraba del post-punk más oscuro de sus comienzos, “El hombre planeta”, se movía en un terreno más cercano al pop rock, y ha tenido una vida propia más allá de la música al ser elegida para incluirla en el videojuego FC27.
El lanzamiento de "El Endemoniao" coincide con el anuncio del concierto más grande de su carrera, ya que debutarán en el Movistar Arena de Madrid, un recinto para más de 15.000 personas, el próximo 20 de febrero de 2027. Las entradas para la cita ya están a la venta a través de lasttour.org, la promotora que organiza la gira.

NEIL YOUNG "Second Song"

 

Neil Young no quiere quedarse quieto a sus 80 años y sigue publicando discos interesantes fiel a su sonido, como si el tiempo no transcurriera. Mañana, 18 de septiembre, publicará su nuevo álbum de estudio, "Second Song", grabado junto a The Chrome Hearts en el estudio Shangri-La de Rick Rubin. El álbum contiene cinco canciones totalmente nuevas con composiciones de su archivo escritas en los años 60. En la producción ha utilizado la grabación simultánea en formatos analógico y digital de alta resolución para rescatar la calidez y profundidad sonora tradicional de aquellos tiempos, que ahora resultan tan añorados.

La canción "Second Song", que da al título, resulta tan íntima que derrumba muros, con esa melodía contagiosa en la que bailan las guitarras y la armónica. Este lanzamiento garantiza la continuidad de su trabajo con The Chrome Hearts tras el álbum "Talkin To The Trees"(2025) y el directo "As Time Explodes" (2026). A pesar de que Neil sigue empeñado en recuperar grabaciones guardadas e inéditas que acaba de anunciar con "Archives Volume IV", la penúltima entrega de su histórica serie de archivos que abarcará el periodo entre 1987 y 2004, e incluirá temas nunca publicados, mezclas alternativas y el esperado concierto completo de 1995 en Dublín junto a miembros de Pearl Jam. Aunque tenía programada una gira europea con The Chrome Hearts para el verano de 2026, decidió cancelarla en febrero alegando que prefería tomarse un descanso, por lo que su actuación de septiembre en Farm Aid a finales de septiembre marcará su regreso a los escenarios.

HANA “Otra vez”

Hana (Florencia Ciliberti) vuelve al electropop y al synthpop Con “Otra vez” , una canción planteada como una historia de resiliencia, anticipa el disco que la artista visual porteña publicará en noviembre. Este es el segundo sencillo del nuevo álbum de la artista, un tema creado para ser bailado en las pistas. El colorido videoclip que lo acompaña está dirigido por Pablo Gómez Samalea, artista visual, director cuya obra ha sido expuesta en espacios destacados como el Premio Klemm, el Salón Nacional de Artes Visuales del Palais de Glace y ArteCo. Actualmente, su obra se exhibe de forma permanente en la galería Azur Contemporáneo de Buenos Aires.  
Como lo viene realizando en sus últimos videoclips Hana elige a artistas visuales que pueden aportar un plus a su obra musical, en el cruce entre el campo del arte y el sonido. Actualmente se encuentra en la postproducción de su segundo cortometraje "Este verano quiero tener romances" y en el desarrollo de su primer largometraje de ficción "En revistas en la tv", en el que casulamente participa Hana como actriz y en su banda sonora. La alianza de ambos artistas está más que demostrada.

PJ Harvey "Voyager"

 

PJ Harvey siempre está dispuesta a sorprendernos. Han pasado tres años desde su último lanzamiento discográfico y ahora llega con una nueva perspectiva musical. siempre dispuesta a renovarse."Voyager" es una canción que podemos definir como ambiental que nace por la petición expresa del físico Brian Cox, quien pidió una canción como base musical para la gira de sus espectáculo divulgativo "Emergence". 
Tomando su nombre de la nave que la NASA lanzó al espacio en 1977, "Voyager" ha sido escrita por la propia PJ Harvey, que se encarga de sintetizadores, voces y percusiones, con los arreglos orquestales de la The Miraval Orchestra, dirigida por Dario Marianelli, y la participación del propio Brian Cox encargándose de algunos sintetizadores. El tema rinde, además, homenaje a Carl Sagan a través de una referencia a su concepto "pale blue dot", que sería cómo se ve nuestro planeta desde el espacio exterior, y que forma parte de la letra de la canción.

MAITEQUIERO "Montauk"

 

Tal como ha declarado hace poco: "Sin muchas florituras, esta canción habla de follar". Por contra la nota de prensa no es tan explícita: "La experiencia erótica de la que parte se diluye con el paso del tiempo. Ya no queda claro qué ocurrió realmente y qué ha construido la memoria".
Las cosas hay que llamarlas por su nombre, en estos tiempos de correcciones se agradece que MaiteQuiero no se ande por las ramas. La intención de Maite Gallardo Alba era alejarse del habitual punto de vista masculino de las canciones sobre sexo y acercarse a ese tema desde su punto de vista. Abandonando cualquier perspectiva romántica ella nos habla de vapor, cristales empañados y textualmente "puro amor como el fuego", de pasión desatada.
La ex-integrante de Shego sigue mostrando piezas de su próximo EP "Un ángel y yo", por lo que vamos descubriendo será una grabación intensa, donde no duda en usa guitarras distorsionada para crear un sonido áspero en ocasiones.

BRUCE SPRINGSTEEN "Land Of Hope and Dreams"

 

Bruce Springsteen nos acaba de regalar en formato streaming un video con siete de las canciones que el veterano rockero ofreció en mayo de este año en el marco estadounidense de su gira 'Land Of Hope and Dreams', un tour marcado por un fuerte tono político, concebido como respuesta musical al segundo mandato de Donald Trump y con fuertes críticas a las fuerzas armadas del ICE.

Como cuenta el músico: "Estoy encantado de lanzar nuestro concierto final de la gira americana Land of Hope and Dreams, grabado en el lugar de nacimiento de la libertad estadounidense, Filadelfia, Estados Unidos", declara Springsteen. "Durante la gira hicimos vibrar al público de un extremo al otro del país y, al mismo tiempo, alzamos la voz en defensa de nuestra Constitución, nuestra Declaración de Derechos y nuestra sagrada democracia, que están siendo atacadas por un presidente que actúa al margen de la ley y por su régimen. Todo ello ha quedado recogido en nuestro Philadelphia Freedom Cut. Espero que lo disfrutéis".

Grabado íntegramente durante el concierto del pasado 30 de mayo y con lanzamiento previsto en cuatro partes a lo largo de 2026, Bruce Springsteen and the E Street Band: Land of Hope and Dreams American Tour (Philadelphia Freedom Cut) muestra a un Springsteen fuertemente concienciado contra el gobierno de su país.

Este último tramo de la gira se inició tras los asesinatos de dos ciudadanos por parte de las fuerzas del ICE, a los que Springsteen respondió con la canción "Streets of Minneapolis", uno de los temas que se pueden disfrutar ya en streaming. Además, se incluyen en esta primera entrega canciones propias como "Born in the U.S.A.", "Death to My Hometown", "No Surrender" y "Darkness on the Edge of Town", junto con versiones del clásico de "Motown War" (compuesto por Barrett Strong y Norman Whitfield, y popularizado por Edwing Starr y The Temptations) y "Clampdown" de The Clash.
Los músicos que participaron en la gira americana Land of Hope and Dreams incluyeron a los miembros de la E Street Band Roy Bittan (piano y sintetizador), Nils Lofgren (guitarra y voz), Garry Tallent (bajo), Stevie Van Zandt (guitarra y voz) y Max Weinberg (batería), junto con Soozie Tyrell (violín, guitarra y voz), Jake Clemons (saxofón) y Charlie Giordano (órgano, teclados y acordeón).
Además, contaron con la participación de The E Street Horns and Percussion (Anthony Almonte, Barry Danielian, Eddie Manion, Ozzie Melendez y Curt Ramm) y de The E Street Choir (Ada Dyer, Curtis King, Lisa Lowell y Michelle Moore). Tom Morello actuó como invitado especial junto a Bruce Springsteen y la E Street Band en cada uno de los 20 conciertos de la gira.

ONA MAFALDA Y LA BIEN QUERIDA “Quiero”

 

Ona Mafalda publicará muy pronto su próximo EP titulado "Todo en orden". Para que nos hagamos una idea concreta de este trabajo nos presenta su cuarto adelanto después de "Nada", "Otra" y "Anthem"  vuelve a contar en la producción con Daniel Belenguer (Bearoid, Alavedra, Niños Bravos).

En esta ocasión la canción "Quiero" es una colaboración con La Bien Querida. Todo un himno al agradecimiento, al apoyo incondicional y a esos vínculos que nos sostienen cuando más los necesitamos. La unión de sus voces da vida a una canción llena de fuerza y emoción. Juntas han escrito este tema que ha sonado en directo por primera vez en el Festival de la Luz de Boimorto, celebrado a finales de agosto donde ambas formaban parte del cartel, y Mafalda invitó a Fernández-Villaverde a subir durante su concierto para interpretar juntas la canción.

Ona Mafalda sigue adelante con sus directos y, tras girar con Girando Por Salas y pasar por diversos festivales, donde ha presentado "Reset", el álbum de once canciones que publicó en octubre de 2025, ahora la podremos ver con su banda (Erin Memento a la guitarra, Carlos Bueno al bajo y Alex Moreno a la batería) en Madrid el 22 de octubre en la sala Clamores (Entradas) y en Londres el 12 de noviembre en The Old Blue Last. Las entradas están disponibles a través de www.onamafalda.com

GLASSHOUSE RED SPIDER MITE "Ride or Die"

 

Esta canción me ha volado la cabeza. Glasshouse Red Spider Mite regresa con su segundo sencillo del año, "Ride or Die", un potente tema de shoegaze repleto de reverberaciones, guitarrazos y acoples. Un tema intenso que habla de amor sin necesidad de ponerse trascendentales, que habla de estar al lado de alguien, de compartir las cosas buenas y también las malas, pero que lo hace envuelta en una espesa nube de guitarras, ruido y melodías.
El guitarrista Ethan, la voz principal en esta canción, dice: "Siempre sé mi compañero de aventuras" es una forma tonta de decir "te quiero", pero espero que eso lo haga un poco más sincero. También es la canción con mi parte de guitarra favorita, así que era lógico que la dedicara a mi persona favorita: mi novia".
Después de “Hell 1000”, donde la banda británica apostaba por un alt-rock más directo y contundente, “Ride or Die” vuelve a acercarlos a ese territorio entre el shoegaze, el dream pop y el rock alternativo que tan bien conocen. Las guitarras se multiplican, se superponen y crean una atmósfera que parece estar a punto de desbordarse en cualquier momento. Hay distorsión, pero también melodía. Ruido, pero sin perder nunca de vista la canción.
La letra es sencilla. “Always be my ride or die” puede parecer una manera un tanto torpe de decir “te quiero”, pero precisamente ahí está parte del encanto. Una declaración de amor escondida entre guitarras que parecen expadirse por todas partes. Y es que Glasshouse Red Spider Mite saben combinar muy bien esa fragilidad emocional con una instrumentación que crece alrededor de ella. La voz queda atrapada entre las capas de guitarras mientras la canción avanza con esa sensación tan propia del shoegaze de estar escuchando algo cercano y lejano al mismo tiempo.

XOEL LÓPEZ "Voa"

Xoel López ha compusto el nuevo himno oficial del RC Deportivo de A Coruña. Un tema que ha titulado  "Voa" y que ha presentado con un videoclip que recrea el entusiasmo de su afición, con la técnica del plano secuencia. Nace para reforzar la identidad del club en el aniversario de su 120 aniversario y tras su vuelta a Primera División. El himno busca conectar con todas las generaciones de deportivistas a través de "la emoción, la tradición y el sentimiento compartido".
Xoel López firma así el himno del club de su ciudad y de "sus amores", como él mismo apunta. El vídeo 
recorre los lugares más emblemáticos de A Coruña que simbolizan el camino hacia Riazor en un día de partido. Es un viaje aéreo por la ciudad, conectando espacios icónicos como la Marina, los Jardines de Méndez Núñez y el propio paseo marítimo, grabado con un dron. 
Xoel López ha contado para esta canción con una larga lista de músicos entre los que podemos citar a Adrián y Julián Seijas, Caamaño & Ameixeiras, los Kilomberos de Monte Alto, Xacarandaina, el Coro Juvenil Cantabile y la Orquesta Sinfónica de Galicia, entre otros. 

SENDING HEARTS TO ALL DEARIES "A Tribute To The Smashing Pumpkins"

 

The Smashing Pumpkins vuelven a recibir un nuevo disco tributo, en esta ocasión preparado por el sello Sumerian Records, al que han titulado "Sending Hearts To All My Dearies – A Tribute To The Smashing Pumpkins", que reune a artistas del rock, el metal y la escena alternativa para reinterpretar temas clave de la banda. En total el álbum recoge quince versiones.
El título de este recopilatorio lanzado a mediados de agosto lo eligió el propio Billy Corgan, que también ha dado su visto bueno al proyecto. El álbum reúne a artistas de distintas generaciones: Yonaka (Today), Palaye Royale (Bullet With Butterfly Wings), Barns Courtney (1979), Alice Glass (Drown) y Starbenders (Tonight, Tonight), entre otros. La edición digital se lanzó el pasado 14 de agosto, mientras que el doble vinilo llegará el 16 de octubre, en una edición física deluxe con varios colores.
Entre las versiones más interesantes destacan Tame Impala, que abre la compilación con una versión reimaginada de "Hummer", donde los arreglos psicodélicos y la producción contemporánea de Kevin Parker reinterpretan la atmósfera del original, aunque cualquier parecido con la original es una mera coincidencia.
Otros  grupos que participan en este recopilatorio aportan enfoques variados, desde la electrónica retro de Carpenter Brut hasta el metal de Between The Buried and Me, pasando por aproximaciones pop-rock y oscuras de artistas como The Midnight, Yonaka o Alice Glass.

KIKO VENENO Y ESTOPA "Yo y mi manager"

 

Parece que la alianza de Kiko Veneno y Estopa tenía ganas de pasarlo bien. Entre amigos, unas risas y una guitarra. “Yo y mi manager”, la nueva canción es el tercer adelanto de su próximo álbum, que llegará el 6 de noviembre y será su primer disco en cinco años. Y si en “Helicrisum” y “Precisamente” ya encontrábamos a un Kiko recuperando la rumba desde una perspectiva actual, ahora la fiesta se completa con los hermanos Muñoz.
“Yo y mi manager” nació en realidad hace cuatro años, durante un encuentro entre Kiko Veneno y Estopa en el camerino del Sant Jordi Club de Barcelona, antes de un concierto de C. Tangana. Lo que empezó como una improvisación alrededor de las exigencias de un mánager terminó convertido en una canción que ahora, por fin, llega a nuestras manos. Mezclando humor, calle, rumba y una cierta filosofía de andar por casa que muchas veces termina diciendo mucho más que cualquier discurso solemne.
Aquí el mánager se convierte en el protagonista involuntario de una canción divertida y surrealista. Que si beber agua, que si acostarse pronto, que si cuidar la voz, que si la gira mundial, que si Miami... Todo sirve para construir una pequeña historia llena de ironía sobre la vida de un músico y esas obligaciones que supuestamente existen para que todo vaya bien.
La producción corre a cargo de Bronquio, mientras que Raúl Pérez se ocupa de las mezclas en La Mina. Una combinación que permite que la canción conserve ese espíritu rumbero y espontáneo, pero con un sonido actual. Kiko Veneno vuelve a demostrar que la edad no tiene absolutamente nada que ver con las ganas de experimentar. A sus 74 años, continúa buscando nuevas conexiones y rodeándose de músicos de diferentes generaciones. Estopa, por su parte, encuentra aquí un terreno en el que se mueve con una naturalidad absoluta.Dos generaciones, una misma forma de entender la rumba y una canción que llevaba cuatro años esperando su momento.
“Yo y mi manager” es probablemente eso: una buena excusa para juntarse, reírse de las cosas serias y hacer una canción que entra fácil, tiene mucho humor y deja ganas de volver a escucharla.

FONTAINES D.C. "Marianne"

 

Los irlandeses acaban de presentar “Marianne”, el primer adelanto de su quinto álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Romance”, la banda vuelve a demostrar que no tiene ninguna intención de quedarse instalada en la fórmula que les ha llevado hasta aquí.
“Marianne” es una canción inquietante, atmosférica, hipnótica. Hay algo seductor en ella, pero también una sensación de peligro que va creciendo poco a poco. Fontaines D.C. dejan atrás parte de la contundencia guitarrera de sus primeros trabajos para adentrarse en un territorio más frío y sintético. Las guitarras siguen estando ahí, pero ya no parecen tener el mismo protagonismo: ahora comparten espacio con sintetizadores, percusiones y una producción mucho más envolvente.
Y ahí aparece Grian Chatten, siempre capaz de convertir una canción en algo que parece estar ocurriendo en algún lugar entre un sueño y una pesadilla. “Marianne” habla de escapismo, hedonismo y de esa necesidad de desaparecer cuando la realidad empieza a resultar demasiado incómoda. Una huida hacia delante que puede parecer liberadora durante unos minutos, pero que también esconde algo bastante más oscuro.
Al parecer la canción está inspirada en la serie “Ripley” y encaja perfectamente con la atmósfera que Fontaines D.C. parecen querer construir para su nuevo disco. Si en “Romance” había una cierta fascinación por la pérdida de humanidad y por un mundo cada vez más dominado por la tecnología, ahora parecen querer llevar esa idea todavía más lejos. “Dopamine Chamber” nace precisamente alrededor de esa sensación de vivir atrapados entre la ansiedad, la sobreestimulación y la necesidad constante de escapar. Un mundo lleno de información, imágenes, violencia, entretenimiento y distracciones que nos mantiene permanentemente conectados mientras, paradójicamente, cada vez resulta más difícil conectar con algo real. Y “Marianne” funciona como una magnífica puerta de entrada a ese universo.
“Marianne” no necesita correr. Se toma su tiempo, crea tensión y consigue que sus casi cuatro minutos pasen dejando esa sensación de querer volver a escucharla inmediatamente. Una canción que entra poco a poco. De momento, parece que el viaje vuelve a merecer la pena.

LORI MEYERS "Tus amigos"

 

Lori Meyers vuelven a la carga con un nuevo adelanto del que será su octavo disco de estudio. "Tus amigos" llega después de "En lo total" y "Malafollá" y nos permite seguir descubriendo por dónde van los tiros de una banda que parece haber recuperado las ganas de volver a publicar nuevas canciones.
En esta ocasión los granadinos bajan un poco las revoluciones y nos dejan una canción más pausada, pero sin perder esas melodías reconocibles que han convertido a Lori Meyers en una de las formaciones fundamentales del indie nacional. "Tus amigos" habla de volver a querer después de haber aprendido de las experiencias anteriores, de las inseguridades que aparecen cuando nos volvemos a enfrentar al amor y de esos momentos que, aunque duren apenas unos segundos, pueden parecer eternos. “Tus amigos” vuelve a situarlos en ese territorio que tan bien conocen: el pop de guitarras, las melodías luminosas y una mirada hacia las relaciones personales. Una canción que mantiene la esencia de la banda.
Lori Meyers se toman su tiempo entre disco y disco. No parece casualidad. Ellos mismos explicaban al presentar esta nueva etapa que solo regresan al estudio cuando sienten que tienen algo que decir. Después de años girando por escenarios y festivales, parece que ha llegado nuevamente ese momento.su esperado próximo disco, “En lo total”, que verá la luz el próximo 16 de octubre. Después de cinco años desde "Espacios infinitos", ya tenemos ganas de comprobar qué han preparado los de Loja.

RADIO FREE ALICE “Crying With You”

 

Hay canciones que llegan envueltas en guitarras y canciones que, además, traen consigo un estado de ánimo. Radio Free Alice pertenecen a esa segunda categoría. El cuarteto de Melbourne vuelve a la carga con “Crying With You”, un nuevo adelanto de ese esperado álbum de debut, "What’s In Between", que verá la luz el próximo 30 de octubre a través de Atlantic Records.
Y sí, vuelven a hacerlo a su manera: tensión, nervio, guitarras afiladas, bajo con querencia por la new wave y ese espíritu post-punk que manejan con una naturalidad sorprendente. Pero en “Crying With You” hay algo más. Algo que se esconde detrás de esa energía casi frenética que recorre la canción. porque aquí se habla de compartir el dolor de alguien cercano, de acompañarle cuando las cosas se tuercen, de sentir sus lágrimas casi como propias. Pero también de ese momento en el que uno comprende que no puede quedarse instalado eternamente en la tristeza ajena. La vida continúa. Hay que seguir adelante, volver a reír, bailar, encontrar pequeños espacios de felicidad aunque alrededor todo parezca tambalearse.Y ahí está buena parte del encanto de Radio Free Alice: consiguen convertir esa contradicción: La tristeza y las ganas de vivir, en música. Una música que parece avanzar hacia delante mientras mira de reojo todo aquello que dejamos atrás.
“Crying With You” nació durante una semana de creación en Joshua Tree, California, donde la banda estuvo trabajando con demos y jams. Curiosamente, verso y estribillo procedían originalmente de canciones diferentes y terminaron ensamblándose en una sola pieza, una forma de trabajar que el grupo ya ha utilizado anteriormente.
El resultado son cuatro minutos de electricidad contenida, melodías que se agarran a la memoria y una interpretación que vuelve a demostrar por qué Radio Free Alice se han convertido en uno de los nombres más interesantes de la nueva escena australiana. Hay ecos de aquella tradición ochentera que va de la new wave al post-punk, pero también una personalidad propia que evita que todo esto suene simplemente a nostalgia.Una canción para llorar con alguien, sí. Pero también para secarse las lágrimas y seguir bailando.
“Crying With You” llega acompañada de un videoclip dirigido por Milo Hume, confirmando la importancia que la banda concede también a su dimensión visual. Después de varios singles y EPs, el último apenas hace un mes bajo el título de "Kick in the Shins" que les han ido colocando cada vez más arriba en el radar internacional, Radio Free Alice afrontan ahora el verdadero examen: su primer larga duración. "What’s In Between" reunirá once canciones y promete ser la confirmación definitiva de todo lo que llevan tiempo apuntando.

CHARNEGO "Antropofreno"

 

Charnego estrena "Antropofreno", nuevo adelanto de lo que será su próximo trabajo. la canción es "una reflexión crítica sobre el colapso social y el avance de las corrientes asociadas a la llamada Ilustración Oscura", según señala el grupo. Entre el noise -punk y el grunge. En un contexto marcado por la incertidumbre: "Vuelve el miedo. Vuelve lo real. ¡Jacques Lacan con grelos!", reza una de las frases más destacadas del tema.
El grupo, integrado por Pablo Garnelo (conocido por su paso por Biznaga), Marco Lipparelli, Juan Flores, Álvaro Marcos y David Moralejo (estos dos últimos también miembros de Atención Tsunami) ha apostado desde sus inicios por letras que exploran la descomposición social y la crítica a las estructuras de poder. Este adelanto confirma la evolución del grupo, que sigue apostando por un sonido contundente y un discurso comprometido, sin perder de vista su esencia más combativa.

"Antropofreno" viene acompañado en su cara B por el tema "Ganar dinero".

TRICKY "Different When It’s Silent"

 

Reaparece Tricky en su primer trabajo como solista en seis años, después de "Fall to Pieces" (2020). Este ha sido un disco difícil que le ha servido como catarsis tras el duelo por la muerte de su hija en 2019. El artista confiesa que tras ese duro proceso ahora se siente preparado para "seguir adelante". "Different When It's Silent" es el álbum número quince de su carrera y lo ha editado a través de su propio sello, False Idols, un trabajo grabado entre su residencia en Francia y sesiones en su Bristol natal.
Aquí hay rabia y dolor. La voz principal recae en el joven cantante Mitch Sanders, cuyo falsete contrasta con los susurros del músico. Hay una buena capa de electrónica que sirve para cimentar un disco por el que aparecen trip-hop, pop, soul, hip hop e incluso slowcore. Interesantes piezas como “Cannon Fodder”, el magnífico single “I’m Yours”, “I Tried”, la preciosa “Piano” o la delicada “Hengrove Blues”. Atención especial al cierre con Out Of Place” con la voz de la polaca Marta Zlakowska que aparece exclusivamente en este tema dedicado a la memoria de su hija.

LAVIC “Verdades Verdaderas”

 

Las siglas LAVIC se traducen como La Alucinante Vida Imaginada Contigo, un modo como se identifica la banda madrileña que publica su quinto adelanto "Verdades Verdaderas", antes que lanzen su disco de debut. La canción no pretende agradar a todo el mundo. Es posible su canción más directa, con verdades incómodas, que retrata a una generación que se siente engañada, a la que le prometieron un futuro que ahora está roto, con ansiedad, incertidumbres y con los alquileres por las nubes. Un tema con el que muchos se verán identificados, para reflexionar sobre la política, la identidad, la clase social y las contradicciones de una generación desencantada.
Tras sus primeros singles: "Tu Artista Favorito", "Viernes", "Besos Esquimales" y "La Polilla", llega esta "Verdades Verdaderas" que con un ritmo contagioso se transforma en una descarga de punk afilado que cuestiona la política, la identidad, la clase social y el malestar de una generación que se siente engañada. LAVIC dispara sin distinciones: contra la izquierda, la derecha, los gurús, a industria cultural y tantos y tantos salvapatrias. 

GRUMPY "Unfindable Ring"

 

La banda neoyorquina Grumpy está formada íntegramente por personas trans. La falta de tolerancia hace que no siempre sean bien recibid@s sus propuestas sonoras. Aquí eso no va a ocurrir. Han anunciado su próximo y esperado nuevo disco, "Unfindable Ring", que se lanzará el próximo 23 de octubre. Para que podamos saborear su contendio han adelantado el tema "Twenty Five" y el anuncio viene acompañado, además, de un segundo adelanto, titulado "OBL".
El grupo, que comenzó originalmente como el proyecto en solitario de Heaven Schmitt, se ha convertido poco a poco en una banda completa integrada por Anya Good, Ellie Long, Austin Arnold, Diego Clare y Lane Rodgers. Sobre el significado del nuevo single, Schmitt ha explicado que "estando de gira por todo el país como una banda formada por personas trans, a menudo nos preocupa cómo nos van a recibir y a veces nos preguntamos si estaremos a salvo. Pero lo que solemos encontrar es amor. Nos cuidamos mutuamente, nos reímos y llevamos nuestras vidas con normalidad. OBL trata sobre cómo experimentamos la alegría ("soy tan feliz que me podría morir") a pesar de quienes no quieren que podamos existir ("están tan felices de que nos podamos morir")".
La canción viene acompañada de un videoclip dirigido por Alex Tepper en el que se ha querido mostrar la tensión cotidiana que viven en la carretera cuando salen a tocar, donde siempre se encuentran con miradas indiscretas, mientras se refugian en la alegría y las esperanzas de la banda.

BLONDE REDHEAD "Blood Spilled"

 

El trío formado por Kazu Makino y los hermanos Amedeo y Simone Pace continúa moviéndose por ese territorio en el que conviven el indie, el dream pop y las atmósferas más inquietantes. En "Blood Spilled" la voz de Kazu Makino vuelve a ser uno de los elementos fundamentales de una canción que avanza de manera contenida, hacia oscuros derroteros.
Hay cierta sensación de distancia y desencanto, pero también una belleza extraña en la manera en que la banda convierte esos sentimientos en música. Una nueva muestra del buen estado de forma de Blonde Redhead, capaces de seguir haciendo canciones personales y reconocibles sin necesidad de recurrir a fórmulas demasiado evidentes. "Blood Spilled" es un tema que publicaron hace unas semanas y que ha sido el que anunciaba el regreso del grupo, su nueva referencia desde "Sit Down For Dinner", publicado en 2023. Tres años hemos tenido que esperar.
"Blood Spilled" mantiene el sonido exuberante y atmosférico tan característico del trío. Su líder Kazu Makino, quien también se ha encargado de diseñar la portada del sencillo, ha comentado: "Los últimos años han sido para el mundo y para mí una temporada implacable de pérdida. Devastada a través de esta era, aprendí que la muerte significa el fin del cuerpo pero no del alma. Sigo conectada a aquellos que ya no forman parte de este mundo y a los espíritus que nunca formaron parte de este mundo. Les hablo y los escucho. Me muestran señales para hacerme saber que somos mucho más que nuestros cuerpos y, sobre todo, siento su amor. Hay personas que tienen tanto miedo a morir y a la descomposición que van en contra de sus propios intereses y de la ley de la naturaleza. Si bien sé que la muerte no es el final, también he llegado a reconocer el poder y la magia del cuerpo que alberga el alma".
La letra gira pues en torno a la muerte, el duelo y el vínculo con quienes ya no están. Makino canta sobre la "sangre derramada sobre el océano", se pregunta "¿Me abandonaste?" y acaba encontrando consuelo en la idea de un reencuentro: "algún día volveré a verte". Antes reivindica que "mi tiempo, mi dolor y mi alegría" pertenecen a esta vida "hasta que abandone este cuerpo".

KIKO VENENO "Precisamente"

 

Kiko Veneno estrena "Precisamente", el segundo adelanto del que será su próximo álbum, previsto para el 6 de noviembre. Será el vigésimo primer disco de su carrera, el primero en cinco años desde que lanzara "Hambre". El artista vuelve a mostrar a sus 74 años que se encuentra en plena forma y en esta ocasión vuelve a reecontrarse con la rumba: “Precisamente” es una llamada a una revolución particular, a una resistencia para todo, y para todos. Así como somos y estamos por acá: toma lumbre".
La canción plantea la importancia de afrontar la vida con honestidad en un mundo marcado por la incertidumbre. Con versos como "Y me levanto del suelo, y cada día yo me enamoro", todo un alegato a vivir la vida con amor, un antídoto para enfrentarnos a este mundo lleno de falsedades y medias verdades.
Tras "Helicrisum", llega este segundo single. Kiko sabe rodearse de artistas mucho más jóvenes para darle una rejuvenecida dimensión a su música. En concreto el nuevo álbum estará producido por Bronquio y mezclado por Raúl Perez en su estudio La Mina.

DIIV "The Fountain"

 

La banda neoyorquinaDIIV adelanta el que será su quinto álbum de estudio, titulado "ZIRP!", cuya publicación está prevista para el 30 de octubre, junto con este anuncio, llega el primer sencillo, “The fountain”. Una canción que el vocalista, Zachary Cole Smith, describe así: "Esto es new alternative: un nuevo género para el siglo XXI. Más concretamente: un nuevo género para la música de los años 2020, una era del “salvaje oeste” optimizada, financiada por capital riesgo, superdeluxe, remezclada, mejorada con IA y perfeccionada algorítmicamente (…) Abrazamos con énfasis y entusiasmo el pedigrí underground y el instinto pop".
La sorpresa llega con la producción de A.G. Cook, figura clave del pop experimental contemporáneo a quien recientemente hemos vuelto a ver vinculado a Charli xcx. Toda una transformación para un grupo que, hasta ahora, había basado su sonido como deudor del shoegaze, el dream pop y el indie rock.
El álbum tomará el relevo de "Frog in Boiling Water" (2024), uno de los discos más alabados de la banda por su retrato del colapso social que sujfrimos, también llegará pocos meses después de la publicación de "Boiled Alive", el directo en el que DIIV interpretó en vivo aquel trabajo en Los Ángeles.

LOVE OF LESBIAN “Ámame lindo (oda a la antropofagia)”

Love of Lesbian han lanzado “Ámame lindo (oda a la antropofagia)”, el segundo sencillo de su próximo álbum recopilatorio, "Nouvelle Cuisine Caníbal Vol. 3". Llega tras el estreno de “Ojalá”,  pero en este  nuevo tema cambian de registro hacia la música electrónica y de club, apostando por un sonido synth pop. En la producción el nominado al Grammy Camilo Lara (Instituto Mexicano del Sonido) y la colaboración vocal de Andie Gago. 

El título "Ámame lindo (oda a la antropofagia)" sugiere una reflexión sobre las relaciones humanas, el amor y la complejidad inherente a las emociones. La antropofagia, entendida aquí en sentido metafórico, alude a la idea de consumir y ser consumido, de una interacción intensa y a veces conflictiva entre individuos. El propio grupo ha confesado en un comunicado: "los versos de esta canción están inspirados en el famoso y truculento caso del caníbal de Rotemburgo. ¿Lo recuerdan? ¿Aquella pareja que había quedado para seccionar el miembro viril de uno de ellos y luego cocinarlo para comérselo? Pues ¿cómo no iba a haber una canción así dentro de Nouvelle Cuisine Canníbal?
Ha sido una grabación realizada en apenas 72 horas, aprovechando uno de nuestros viajes a México para jugar con nuestro admirado Camilo Lara. También aprovechamos para pedirle unas cuantas líneas de voz sensual a la prometedora Andie Gago".

Precisamente, el lanzamiento coincide con un hito histórico para la banda porque acaban de agotar todas las localidades para su esperado concierto del 25 de noviembre en el Auditorio Nacional de México.

DOMINIQUE A "Spirales"

Dominique A está de regreso con "Spirales", un disco  con disciséis nuevas canciones que será lanzado el próximo 9 de octubre. De momento ya ha ido anticipando su contendio con algunas piezas que ha dado a conocer, la última es esta “La terre à personne”, que llega tras “Un jour j’ai disparu”, y la sombría“Bromure”.
En palabras del artista: “el tema “La terre à personne” aborda el concepto de “Spirales”. La palabra resonó en mí desde el momento en que surgió. En geometría, el término en singular se refiere a “una curva plana que describe revoluciones alrededor de un punto fijo mientras se aleja progresivamente de él”. Lo vi como una posible metáfora del proceso de composición, especialmente cuando las canciones se basan en recuerdos que, como cualquier recuerdo que se precie, tienden a escaparse justo cuando intentas aferrarte a ellos”.

Un jour j'ai disparu (Un día desaparecí ), habla sobre amistades perdidas y desvanecidas. Como suele ser habitual, el videoclip de esta última canción está dirigido por Gaëtan Chataigner. En el disco "Spirales" Domique A está acompañado por los músicos Julien Noël (teclados), Sébastien Boisseau (contrabajo) y Étienne Bonhomme (batería).

Revendless “Amanecer”

 

El músico valenciano Adrián Camáñez, conocido por ser compositor, guitarrista y teclista de la banda Gazella lanza su nuevo proyecto en solitario al que ha denominado Revendless, con un álbum de debut, “Nostalgia”, en el que explora los límites del sonido, combinando lo analógico y lo digital, sintetizadores y voces que se acercan al pop de los años noventa. Una propuesta personal en la que se plantea cómo serían los recuerdos si tuviesen música de fondo.

Adrián ha viajado a su infancia para recrear sus recuerdos, sus emociones, con ritmos de ambient electrónico, IDM y electrónica experimental, a los que ha ido cubriendo con capas sonoras huyendo de las estructuras convencionales, así el resultado es muy abstracto. Los títulos de las diez canciones también refuerzan esa idea de búsqueda en la memoria, como la ensoñadora “Interior”, la luminosa “Todos esos días que decides ignorar” (con la voz de Raquel Palomino, de Gazella), el sonido shoegaze de “Némora”, la oscura "Caronte", la melancólica “Historia familia” o la fúnebre "Requiem", que ponde fin a este disco.

El quinteto valenciano, Gazella está ahora de parón tras dos espléndidos álbumes, aunque sí han prometiendo un tercero. Además de este proyecto de Adrián Camáñez  tiene otro paralelo con Jose De La Fuente llamado Hiss y atentos también a Rey Don Perro, el del batería Lluisen Capafons.

GREEN STAR "Teeth"

 

Green Star se ha convertido en uno de mis grupos favoritos, su debut el año pasado con 'bleeding swirls' fue toda una sorpresa al desencadenar la belleza del ruido. Un trabajo más que interesante en el que fusionaban la emoción del noise rock con las texturas sonoras del shoegaze, todo ello unido por las bases del pop. Originalmente, la banda estaba formada por tres miembros antes de convertirse en un cuarteto, un grupo mu internacional porque sus integrante proceden de distintos puntos del mundo, aunque sorpresivamente la mayoría son españoles: Lila Bobak es de Los Ángeles, el guitarrista Pedro Soler de Mallorca, Alberto De Torre de Madrid, y encontraron al nuevo integrante Daniel Rowson en su base de Londres. Se conocieron en una plataforma llamada joinmyband.com y rápidamente descubrieron su pasión compartida por bandas indie vanguardistas como Sonic Youth y Swirlies.
Acaban de compartir su nuevo sencillo 'teeth', el primer sencillo desde su primer EP. En esta ocasión apuestan por menos asperezas y un sonido más compacto, aunque sin perder esa cruda energía. Pedro Soler es el narrador de esta historia, aunque la voz de Lila Bobak se incorpora en el tramo final. La banda explica en un comunicado: "Teeth fue el primer tema que compusimos después de «Bleeding Swirls» el año pasado. Adoptamos un enfoque mucho más narrativo, creando un personaje ficticio cuya historia se desarrollará tanto musical como visualmente en los próximos lanzamientos, inclinándonos hacia una exploración más contemplativa de este mundo ficticio. Queríamos retratar este romanticismo roto con la realidad a través de las diferentes etapas de la vida de este personaje; en «Silver», vemos el mundo por primera vez como un retrato de erosión emocional, vulnerable y desafiante a la vez.
Es una canción que queríamos que transmitiera una sensación de suspensión, como si el tiempo se estirara mientras el resto del mundo se derrumba. La canción se sitúa en algún punto entre el deseo y la devastación, forjada a través del acto de aferrarse a algo que ya se está deshilachando".

El tema presenta a Silver, un personaje ficticio cuya historia continuará en la música y los vídeos que la banda lanzará próximamente. El vídeo que acompaña a la canción, dirigido por Edu de Miguel, sitúa a Silver dentro de una ciudad brutalista en miniatura construida a mano. "Construir a mano nos permitió mantener un artificio visible que la tecnología digital y la IA borran, haciendo que el mundo parezca artificial y surrealista", explica la banda.

EIRA "¿Y el resto del día?"

 

Eira, el proyecto personal de Miquel Allué fusiona indie, electrónica y pop alternativo. Su nueva etapa viene marcada por algunos sencillos que está editando como versos libres. El pasado julio publicaba "¿Y el resto del día?" y hace unos días daba a conocer "Interior", donde combina pop con un sonido luminoso. Cada tema explora una reflexión sobre las incertidumbres y la complejidad de la sociedad actual.
Después de 6 años al frente de Pull My Strings, Miquel Allué decide que es el momento de iniciar su proyecto en solitario. Su primer disco llega en 2016 “Magritte”. Dos años más tarde , graba en Dublín su segundo disco "EXO"(2018). Ya en 2020, en plena pandemia, Eira decide grabar su tercer disco "Manantial". Todas las canciones de Eira son propias. Compone, graba y produce todos sus temas en su pequeño estudio situado en Lleida. Además, también ha producido a algunos artistas locales como Abril o Jeanra.

WEEZER "C.E.O."

 

Este nuevo tema "C.E.O." es el tercer adelanto del vigésimo álbum de estudio de Weezer, titulado de forma homónima pero que ya es conocido extra oficialmente como el 'Gold Album' , previsto para su lanzamiento el próximo 21 de agosto. La canción rinde homenaje y funciona como una secuela temática y musical de uno de sus mayores éxitos de 1994, "Undone (The Sweater Song)".
En el tema ironizan sobre el paso del tiempo y la presión por responder a las expectativas que uno mismo se impone con versos como: "Cranking out another nineties jam / Wish I could do something new / But nobody wants to hear that, They just want the classics". Un tema que han escrito conjuntamente Rivers Cuomo y Patrick Wilson, algo que no ocurría desde el debut de 1994.llega acompañado de un videoclip en el que recrean parte del vídeo de "Undone (The Sweater Song)" y en el que aparecen haciendo cameos, entre otros, el skater Tony Hawk, los actores Giovanni Ribisi y Christopher Mintz-Plasse (el famoso McLovin de Supersalidos), o Curry Barker, director de Obsessions que ejerce como realizador en el propio vídeo.
La banda inciará el 8 de septiembre en Sacramento una gira denominada "Weezer: The Gathering" que recorrerá el continente norteamericano hasta el 24 de octubre, fecha en la que cerrarán ese bloque de conciertos con un show ya agotado en Los Ángeles. Tras una pausa a finales de año, Weezer ha extendido su gira mundial añadiendo nuevas fechas programadas para 2027. Este nuevo bloque de presentaciones dará inicio el 12 de febrero en Tokio e incluirá conciertos en varias capitales y ciudades europeas como Dublín, Glasgow, Londres, París, Ámsterdam y un show final en Helsinki el 1 de junio. Lamentablemente no pasarán por nuestro país.

RAQUEL LÚA "Eclipse"

 

Hoy es el día, 12 de agosto, por fin ha llegará el tan cacareado eclipse y más allá de recordarte seguir las recomendaciones para verlo sin poner en riesgo la salud de tus ojos te traigo una canción muy adecuada para ver este fenómeno astronómico. La artista barcelonesa Raquel Lúa ha decidido ponerle banda sonora. La pieza cómo no se titula "Eclipse" y usa el acontecimiento como metáfora para hablar de esperanza, de que la luz no desaparece aunque haya algo que nos impida verla en ciertos momentos. La compositora ha querido poner música a ese momento, creando una canción que nace precisamente de la necesidad de convertir en sonido una experiencia tan especial como es ver cómo la luz desaparece durante unos instantes. Una propuesta que une música y naturaleza y que encuentra en el eclipse su punto de partida.
“Eclipse” llega así como una pieza concebida para una fecha concreta, pero con vocación de permanecer más allá de ese día. Raquel Lúa, después de presentar su último disco en Sudamérica, arranca el camino hacia un nuevo trabajo discográfico previsto para mediados de 2027.

BLOOD RED SHOES "Useless Sentiment"

 

Blood Red Shoes están de regreso vuelven con una nueva canción, “Useless Sentiment”, demostrando que después de tantos años siguen teniendo una manera muy particular de entender el rock alternativo. El dúo formado por Laura-Mary Carter y Steven Ansell, originarios de Brighton con esa sección de "guitarra-batería" es sin duda una de las bandas más infravaloradas del panorma musical, a pesar de que llevan 20 años de carrera.
"Useless Sentiment” recupera esa combinación tan característica de la banda entre delicadeza y tensión, en una canción que avanza de manera contenida, mientras las guitarras construyen una atmósfera envolvente y ligeramente oscura. Sorprenden con "Useless Sentiment" que me recuerda mucho al estilo de The Ting Tings.
El título, “Useless Sentiment”, parece resumir bastante bien el carácter emocional de la canción. Hay cierta sensación de distancia y desencanto, pero también una belleza extraña en la manera en que la banda convierte esos sentimientos en música. Una nueva muestra del buen estado de forma de Blood Red Shoes, capaces de seguir haciendo canciones personales y reconocibles sin necesidad de recurrir a fórmulas demasiado evidentes. En la cara B incluyen otro tema nuevo titulado "Don't Say A Word" mucho más relajado y menos interesante.

POMME "Le village"

 

La cantautora francesa Pomme acaba de estrenar un videoclip para la versión integral de "Le village", un precioso tema cargado de simbolismo. La canción fue coescrita con Aaron Dessner de The National, quien también ha trabajado con Taylor Swift, Bon Iver o Girl In Red. El sencillo surgió a partir de un proceso creativo espontáneo, en el que la letra fue tomando forma al mismo tiempo que la grabación. Originalmente inspirado en el relato del hombre lobo, la canción se transforma en una poderosa metáfora que denuncia la violencia sexual y sus consecuencias para las mujeres y las personas queer, así que cuenta con una destacada carga política y emocional.
La canción se fundamenta en los depredadores, representados por los aldeanos para abordar temas como la violencia sistémica y el miedo al que se enfrentan habitualmente las mujeres y las personas queer, convirtiendo este sencillo en una reflexión sobre la vulnerabilidad. Para acompañar este lanzamiento, se ofrecen discos de vinilo de 45 rpm y camisetas de edición limitada, cuyas ganancias se donarán a una asociación que apoya a las víctimas del síndrome de estrés postraumático violento (VSS, por sus siglas en inglés).
Como artista, utiliza su plataforma para promover activamente la visibilidad LGBTQ+, el feminismo, la concienciación sobre la salud mental y la defensa del medio ambiente. Este sentido de responsabilidad social, sumado a sus recientes incursiones en la actuación y el cine, eleva su obra más allá de la música pop convencional. Con "Le village", continúa cultivando un diálogo genuino con una generación que busca tanto contenido artístico como conexión con la realidad. Pomme es una artista cuya identidad sonora y visual sigue redefiniendo los límites de la música francófona contemporánea. Esta colaboración junto a Aaron Dessner le aporta riqueza sonora a su estilo, fusionando con naturalidad su delicada sensibilidad folk-pop con la sutil producción de Dessner.

FRANCISCA VALENZUELA "Maldita"

 

"Maldita" es el séptimo disco de Francisca Valenzuela, cantautora y pianista chilena. El álbum condensa la experiencia vivida por la artista durante su primer año como madre. Toda una declaración de intenciones honesta y sin concesiones que encarna el núcleo emocional del álbum. El disco desmonta la imagen idealizada de la maternidad. Francisca busca reclamar el derecho de las mujeres a narrar la maternidad desde la vulnerabilidad, la rabia y la contradicción. El resultado es un disco de electro-pop oscuro y directo que muestra tanto el aislamiento y el terror como la ternura que conviven en ese momento. La artista lo explica así: "Creé este trabajo con el objetivo de comprender y conectar con el proceso; con el hecho de que estoy aprendiendo a ser madre y, al mismo tiempo, aprendiendo a seguir siendo yo. Todo a la vez y todo por primera vez, una experiencia con la que muchas madres primerizas podrán identificarse.
Este álbum es la casa en la que estás atrapada. Es el viaje de ver cómo tu realidad se desmorona y el proceso de volver a reconstruirte. Lo hice durante el posparto, con el pelo recogido de cualquier manera, una sudadera manchada de leche materna y, probablemente, también de vómito de bebé, entre siestas, biberones y cambios de pañal. Grabé todo el disco junto a mi productor y gran amigo Francisco Victoria, que venía a mi casa y trabajaba con infinita paciencia adaptándose a mis horarios caóticos. Es un álbum muy crudo y muy orgánico".
Visitará nuestro país el próximo otoño, para presentar este nuevo trabajo. La artista actuará el 18 de octubre en Barcelona (Razzmatazz 3), el 22 en Sevilla (Sala X), el 24 en Palma de Mallorca (Es Gremi), el 25 en Madrid (Sala UNI Madrid) y el 26 en Valencia (Loco Club), y las entradas ya están disponibles en lasttour.org.

THE DRUMS & MAREUX “It Didn’t Matter”

 

Jonny Pierce se ha quedado como responsable único de The Drums y en esta ocasión se ha aliado con el músico iraní-estadounidense Mareux para crear esta maravilla titulada “It Didn’t Matter”, un nuevo sencillo de synth-pop, absolutamente pegadizo. El tema sirve también de estreno de Abysmal Records, el sello que acaba de crear Jonny Pierce. El nombre escogido no es casual, ya que remite a "Abysmal Thoughts", el disco de 2017 con el que Pierce, ya convertido en único miembro de The Drums, inauguró la etapa más confesional del proyecto. En este nuevo sello el músico tiene previsto editar una serie de sencillos procedentes de sesiones de grabación que Pierce ha ido acumulando junto a distintos artistas durante los últimos dos años. “It Didn’t Matter” es la primera entrega de esa serie, que se extenderá durante seis meses y que acabará en un nuevo álbum completo de The Drums previsto para 2027.

Sobre esta canción Pierce ha comentado: "Desde que escribí mis primeras canciones, ninguna había surgido con tanta naturalidad. Cuando eso sucede, me da la certeza de que la canción estaba destinada a existir, que tenía que estar aquí, para todos nosotros. La maestría de Mareux con los sintetizadores me transportó a mi adolescencia, cuando casi todo lo que escuchaba era música basada en sintetizadores, especialmente synth-pop. Sus sonidos, texturas y cambios de acordes pop perfectos me recordaron la banda sonora de una época tan tierna de mi vida, cuando anhelaba el amor, pero no lograba encontrarlo, y los sintetizadores se convirtieron en la banda sonora de mi tristeza. Esta canción es para aquellos que seguimos chocando con el muro de otro corazón sin recibir nada a cambio".

VIVA BELGRADO "Súper futuro"

 

Viva Belgrado tiene a punto su nuevo disco "Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye", el que será su quinto disco. Lo presentaron con la ruidosa "Un andalucito más" y con esta nueva canción reducen la tensión. "Súper futuro" será el tema que cierre el disco, una pieza nostálgica en la que echan la vista atrás para recordar otros tiempos en los que "Anguita estaba vivo/Y yo solía merendar/ Mucho más"

A pesar de todo la banda cordobesa apuesta por el porvenir como indican en la letra: "El futuro te persigue hasta el final / por los días que vendrán y que se irán". En palabras de la banda: “Súper futuro empezó como una maqueta que bebía mucho más del shoegaze, con unas guitarras eléctricas fundidas en phaser y las voces mucho más hundidas. Sin embargo, en el estudio nos fuimos dejando llevar por Ricky y Jordi, que la llevaron a un terreno más accesible.
Curiosamente, las rítmicas fueron grabadas. con una guitarra de doce cuerdas, la primera en una grabación de Viva Belgrado. Mención especial para el precioso mellotron, uno de mis instrumentos favoritos, que grabó Ricky y va entrando y saliendo a lo largo de toda la canción”. Ricky Falkner es también responsable de la producción del disco. 

SLOW FICTION "Turning down flowers"

 

Slow Fiction publican "Turning down flowers", el tercer y último sencillo de su álbum de debut, "Dollhouse", que saldrá a la venta el próximo viernes 7 de agosto a través de Tight Knit. El tema viene acompañado de un videoclip con imágenes de la gira grabadas por Samantha Caballero. Esta será la canción que cierre el álbum, comienza suavemente pero se expande gradualmente a lo largo de seis minutos hasta convertirse en una explosión sonora cargada de guitarras potentes. La cantante Julia Vassallo describe la canción como una expresión de vulnerabilidad sin complejos en la que habla de la feminidad y la autopercepción. Ella lo explica así: "Hoy en día, es poco realista esperar que cada canción que una mujer canta sobre la feminidad o sobre la exploración de la existencia en un cuerpo determinado sea edificante y abiertamente empoderadora. Eso no es igualdad. Deberíamos poder expresar nuestra profunda depresión existencial sobre nuestro lugar en una habitación y comportarnos de forma extraña al respecto. No creo que normalmente se nos conceda ese espacio, especialmente en ciertos géneros musicales y artísticos".

La banda está compuesta por la cantante Julia Vassallo, los guitarristas Paul Knepple y Joseph Skimmons, el bajista Ryan Duffin y el baterista Akiva Henig. El quinteto neoyorquino ha pretendido reflexionar en su nuevo disco sobre cómo la identidad cambia cuando cada persona se observa a sí misma o queda expuesta a la mirada de los demás, ya sea en el ámbito cotidiano o a través de internet. Desde esa perspectiva, las letras recorren la influencia de las expectativas externas, la crueldad de determinadas relaciones y el proceso de construir una imagen propia mientras cada vivencia transforma la percepción personal.

DECLIVE "Desaparecer (¿Qué has soñado?)"

 

Nuevo sencillo de la banda valenciana Declive,en realidad el segundo adelanto tras "Deseo fugaz" de su inminente disco de debut. Tras publicar el EP "Nuestro Abrazo" en 2025, se encuentran preparando su primer álbum. Desaparecer (¿qué has soñado?), es en sus propias palabras una "carta de amor al presente". La canción es una combinación de dream pop, con melodías poperas y elementos noise. Se ha presentado con un videoclip dirigido por Van Hausen, con una propuesta visual en torno a la ensoñación.
Ultiman el lanzamiento de su LP de cara a otoño. Declive se formó en 2022. Sus integrantes son Rafa Mansanet (guitarra y sintetizador), Pablo Villegas (guitarra, segunda voz y piano), Pablo Gil (bajo y coros), Jordi Sendra (batería) e Irina Navarro (voz principal y guitarra acústica). Han actuado como teloneros de VVV y Pálida Tez, pero pronto tendrán voz propia y un prometedor futuro musical. Atentos a Declive.

BECK "Ride Lonesome"

 

El músico estadounidense Beck anuncia el lanzamiento de Ride Lonesome, su primer álbum de estudio en siete años, tras "Hyperspace" un disco que se publicó en noviembre de 2019, apenas unos meses antes de la pandemia mundial. Su gira por Reino Unido y Europa continental tuvo que ser cancelada a causa del coronavirus. Es cierto que a lo largo de estos años ha publicado varios sencillos y ha colaborado con artistas tan dispares como Phoenix o Hinds, pero ahora es cuando indica que lanzará un nuevo disco que que estará disponible el próximo 18 de septiembre a través de Capitol Records.
El primer adelantollegó en abril con "Ride Lonesome", que por su título podemos entrever que será un giro hacia la música de raíces estadounidenses. La canción, construida sobre guitarras acústicas, dará nombre al disco. En su nuevo sencillo "In the Night", Beck se vale de guitarras acústicas y sutiles arreglos de cuerda para construir esta sosegada balada que vuelve a incidir en el sonido americano. El tema habla de una persona que se ha convertido ya en un recuerdo, cuenta con un videoclip protagonizado por el actor francés Denis Lavant.
Este trabajo incluirá un total de 12 canciones y marca el reencuentro del artista con sus colaboradores hanituales: Smokey Hormel, Joey Waronker, Justin Meldal-Johnsen, Roger Joseph Manning Jr. y Jason Falkner, los músicos que trabajaron con él en "Mutations", "Sea Change" y "Morning Phase". El propio Beck ha comentado sobre su nuevo álbum: "Había pasado una década desde que entramos al estudio a grabar Morning Phase. Esta vez, la interpretación y la química se habían consolidado, creando un sonido que se ha ido forjando a lo largo de décadas de trabajo conjunto. Si bien revisamos un espacio musical y físico, también sentíamos que descubríamos nuevos sonidos y texturas emocionales en el proceso".

SR CHINARRO “El deseo del genio”

 

Sr Chinarro ofrece nueva música dos años después de "Cal viva". Lo hace con una canción que habla sobre el paso del tiempo, las ocasiones perdidas y todo aquello que nos queda pendiente. "El deseo del genio" nos habla de todo ello jugando con la figura del genio de la lámpara como metáfora de la creación artística.

Este tema es el primer avance del que será su vigésimo disco, "Las fuerzas y los cuerpos", del que además presenta la portada.Junto a Sr. Chinarro vuelve Sandra Rubio a cantar en los estribillos y a tocar la pandereta, Alfonso López al bajo, Juande Jiménez a la batería e Isra Diezma a la guitarra solista.
Por otra parte, coincidiendo con el eclipse de sol del próximo 12 de agosto, Sr. Chinarro publicará al completo en plataformas "El año de la pera", el álbum de regrabaciones de sus cuatro primeros discos, los publicados antes del año 2000,  que hasta ahora solo estaba disponible en formato físico. Ese álbum reescribe su cancionero pop temprano con nuevos matices, podríamos decir que son 12 canciones recuperadas, con nuevas lecturas sonoras y colaboraciones como las de J de Los Planetas y también de Sandra Rubio.

FRIKO "Something Worth Waiting For"

 

Su disco de debut fue todo un bombazo, así que las perspectivas para escuchar nuevas canciones de Friko eran muy altas. "Something Worth Waiting For" no defrauda, pero tal vez no sea tan variado como su primer álbum. Dos años después suenan más caóticos, en una clara apuesta por el noise-rock
En esta ocasión los de Chicago amplían la paleta sonora, con arreglos orquestales entre guitarras eléctricas escalofriantes y cortes más introspectivos, algo que se justifica en gran parte por la incorporación al grupo del guitarrista Korgan Robb y el bajista David Fuller. La voz de Niko Kapetan sigue como hilo conductor exprimiendo su sonoridad a veces hasta el extremismo, desde el inicio con "Guess" un tema que expone lo mejor de ese estruendo noise.
La intensidad emocional de este disco se demuestra en canciones como “Still Around”, la acelerada “Choo Choo”, “Certainty” o la misma "Something Worth Waiting For", quizá el mejor tema del disco. El ritmo se desacelera con la atmósferica “Alice” o la balada “Seven Degres” y el pop de “Hot Air Balloon”, una de esas canciones que no podrás dejar de tararear.

CARLOS CANO "A las 5 de un 5 de junio"

 

La Asociación Memoria Carlos Cano recuperan una canción inédita de Carlos Cano por los 50 años del primer homenaje a Lorca. El título es "A las 5 de un 5 de junio" y ya fue grabada en su día por María Dolores Pradera. En este caso es una canción inédita del cantautor granadino, que nunca llegó a grabar en estudio, inspirada en el primer homenaje popular que se realizó a Federico García Lorca y que tuvo lugar el 5 de junio de 1976 en Fuente Vaqueros (Granada). Coincidiendo con el cincuenta aniversario de aquel primer homenaje que reunió a miles de personas en Granada han recuperado esta composición mediante una nueva versión realizada por el grupo granadino El Hombre Garabato y producida expresamente para la celebración del cincuentenario.

El videoclip cuenta con la participación de artistas como Miguel Ríos, Amparo Sánchez, José Antonio García, Antonio Arias, Paulina del Carmen y Aitor Velázquez junto a los niños y niñas del coro del IES Fernando de los Ríos de Fuente Vaqueros. Como ha indicado la Asociación Memoria Carlos Cano, con esta canción pretenden rendir homenaje a aquella histórica jornada del 5 de junio de 1976, cuando miles de personas se reunieron en el municipio granadino para recuperar públicamente la figura de Lorca y reivindicar las libertades democráticas, en los primeros meses de la transición.

ZOH AMBA "Eyes Full"

 

Zoh Amba es conocida sobre todo como una de las saxofonistas más destacadas del free jazz americano, pero singularmente tiene una segunda vida como líder de esta formación de folk áspero, por momentos nos puede recordar a Adrianne Lenker de Big Thief pero desde la pequeña ciudad de Kingsport (Tennessee) quiere demostrar que lo suyo es otra cosa, con guitarras violentas que ensucian la composición y un acompañamiento memorable con el batería Jim White (Nick Cave and The Bad Seeds, The Dirty Three) y el bajista Landon George (MJ Lenderman). 

Ofrece 13 temas en tan solo 40 minutos de música donde apuesta descarademente por el country. A destacar temas como  "Eyes Full", "Dead End Street", "Southern Soul", "Emahoy" y la canción que da nombre al disco podrían conciliar su concepto musical con la liberación de perjuicios indies. Eso es precisamente lo que han resaltado la autenticidad de Zoh Amba en diarios como ‘The Guardian’ o ‘The New York Times’ que se han fijado en ella ella con titulares como ‘Donde el jazz vive ahora’. También ha conquistado a John Zorn, ahí es nada, sin olvidar a los músicazos que la acompañan en esta aventura: nada menos que Así, nada puede salir mal.

SILVIA PÉREZ CRUZ "Oral_Abisal"

Reaparece Silvia Pérez Cruz para volver a fascinar. Décimo disco en el que vuelve a fianzar su madurez artística, la cantante catalana sorprende con un rico repertorio de timbres, resonancias y melodías acentuadas por su privilegiada voz. Vuelve a crear canciones en varios idiomas, incorpora cuerdas y metales para rememorar sus raíces y darles vida con nuevas alas. Aunque pueda abrumar canciones como “Chundwa (Chacarera)”, “Capitana”, "El golpe bajo" y "La perla", pero para mayores, bastarán para convencerte.
"Oral_Abisal" exige, eso sí, el pequeño esfuerzo por tu parte de abrirte a un “poema de todos los mares abisales” y escuchar esas olas en castellano, catalán, inglés y portugués. Quince canciones en las que vuelve a contar son su grupo de confianza: Marta Roma (violonchelo), Carlos Monfort (violín) y Bori Albero (contrabajo). Juntos pueden convocar el amor en "Moreno" para cantar sin prejuicios: “Desde entonces las heridas son espejos que me alumbran y me recuerdan que hay que amarse, que hay que amar, acompañar y acompañarse”.
Silvia es una cantante única, que puede gustarte o no, pero que resulta una voz original. Además puede salvar tu verano, en todos los sentidos. Si ahora te vas de vacaciones y vas a abandonar tus plantas te recomiendo “Líquido” en la que ella se transforma en agua para sanar tantos males:  “Yo quisiera ser agua para regarte las flores y los amores… No canto mi pena, canto la pena de todos y ahí me encuentro a mí”. Ella puede ser la salvación para tus males.