FLORENCE + THE MACHINE "Everybody Scream Tour Live"

 

El pasado viernes se publicaba el nuevo disco en directo de Florence + the Machine. El álbum recogerá hasta veintidós canciones de la gira de presentación de "Everybody Scream". Parece que le han cogido el gusto a lanzar grabaciones en directo, el año pasado ya lanzaron “Symphony of Lungs – BBC Proms at the Royal Albert Hall”.
Su música siempre ha tenido algo de ceremonia pagana, de celebración desbordada, de exorcismo emocional y de comunión colectiva. Sobre un escenario, esa personalidad adquiere una dimensión todavía más fascinante. Y ahora tenemos la oportunidad de conservar una parte de esa experiencia con el nuevo álbum en directo de Florence + The Machine.

El repertorio combina las nuevas composiciones con algunas de las canciones fundamentales de su discografía. Ahí están “Shake It Out”, “Seven Devils”, “Cosmic Love”, “Spectrum (Say My Name)” y “Dog Days Are Over”, piezas que ya forman parte del imaginario colectivo de sus seguidores y que adquieren una nueva lectura cuando se enfrentan a la energía de un escenario. También encontramos “Big God”, “King”, “Free” y “Howl”, demostrando que el universo de Florence no entiende demasiado de fronteras entre pasado y presente.
Pero buena parte del interés del álbum reside precisamente en las canciones de "Everybody Scream": “Witch Dance”, “Daffodil”, “You Can Have It All”, “Music By Men”, “Sympathy Magic” y “One of the Greats” forman parte de ese nuevo capítulo creativo que encuentra en directo un espacio especialmente apropiado para desarrollar toda su intensidad. El cierre con “And Love” y la inclusión de “Perfume and Milk (Live)” como pista adicional completan un recorrido de 22 temas. La edición física está prevista en triple vinilo para marzo de 2027, con una presentación especial que incluye fotografías de la gira realizadas por Lillie Eiger.
"Everybody Scream Tour Live" parece querer recoger precisamente ese espíritu. Un disco para quienes estuvieron allí y desean regresar a aquellas noches, pero también para quienes todavía no han tenido la oportunidad de experimentar en directo la fuerza de una artista que convierte cada concierto en algo parecido a una celebración colectiva.

HOLOGRAMMA “Amigos”

 

Hologramma siguen desvelando las canciones de su próximo álbum con "Amigos", un nuevo sencillo en el que la banda barcelonesa vuelve a demostrar que detrás de las guitarras y las atmósferas de su propuesta hay mucho más que una simple colección de canciones de indie rock. Esta vez ponen el foco en algo tan necesario como la amistad, ese refugio al que siempre podemos regresar cuando las cosas se tuercen.
El grupo se mueve entre el indie alternativo, el pop rock, el shoegaze y ciertos impulsos post-punk, construyendo un sonido que combina electricidad y sensibilidad. En "Amigos" utilizan ese universo sonoro para hablar de los días complicados, de la dificultad de recuperar el ánimo y de esas pequeñas victorias cotidianas que, aunque puedan parecer insignificantes, terminan siendo las más importantes.
La canción reivindica precisamente esa capacidad de los amigos para ayudarnos a recuperar cierta normalidad cuando uno ha perdido las ganas de casi todo."Amigos" es el tercer adelanto del próximo álbum homónimo de Hologramma, previsto para principios de 2027 a través del sello Delirics. Un trabajo que irá reuniendo doce canciones alrededor de distintas formas de vulnerabilidad emocional y que continúa el camino iniciado con "Prometo estar bien" y mi favorita "Últimas palabras", dos composiciones en las que ya habían explorado la soledad, los silencios y el duelo.
La banda formada por Ignasi Boldú, Daniel Hernández, Carles Pineda y Jorge Palomino sigue consolidando una personalidad propia dentro de la escena alternativa. Después de su debut con "Mundos Rotos" (2024), y de pasar por escenarios y festivales como Primavera Sound, Vida Festival, White Summer o Razzmatazz, parece que han encontrado un territorio en el que las emociones no están reñidas con las guitarras ni con las buenas melodías.

GABRIEL PASCHAL BLAKE "Everythin’ About You"

 

Gabriel Paschal Blake, conocido principalmente por ser el bajista de The Murder Capital, acaba de dar el paso al frente con "Everythin’ About You", su primer sencillo en solitario. Tema que se presenta con un videoclip, dirigido por el propio músico, en el que aparece Bronagh Gallagher, actriz de 'The Commitments' y 'The End'. Mientras en la planta baja de una casa se celebra el velatorio de la madre de Gabriel, un grupo de veinteañeros permanece en una habitación apostando en carreras de caballos. Una situación inspirada en acontecimientos reales que pone sobre la mesa esa peculiar manera que tenemos de enfrentarnos a la tragedia, refugiándonos a veces en cualquier distracción para evitar mirar directamente al dolor.
Una magnífica carta de presentación en la que el músico irlandés deja a un lado el contundente post-punk de su banda habitual para adentrarse en un territorio mucho más íntimo, melancólico y personal.
Natural de Letterkenny, en el condado de Donegal, Blake también ha formado parte de proyectos como Thumper y For Foresters, pero ahora parece dispuesto a explorar otras posibilidades creativas. Y lo hace con una canción que tiene bastante más profundidad de lo que su aparente sencillez podría hacernos pensar.
"Everythin’ About You" comienza con una instrumentación acústica contenida, una guitarra que marca el paso y una interpretación vocal de tono grave y rasgado que transmite cierta sensación de desorientación. Poco a poco, la composición va adquiriendo una intensidad emocional que termina por envolver al oyente. Las guitarras se vuelven más turbias y las voces de acompañamiento, con la colaboración de Megan Nic Ruairí, aportan un contrapunto delicado, casi infantil, que acentúa todavía más el carácter agridulce de la canción.
En sus cinco minutos de duración encontramos referencias al duelo, al paso del tiempo, a la pérdida de la inocencia y a esa confusión que aparece cuando intentamos comprender determinadas experiencias vitales. También hay espacio para el absurdo, porque no siempre las situaciones más dolorosas vienen acompañadas de comportamientos solemnes. A veces la vida tiene un sentido del humor bastante retorcido.

ALCALÁ NORTE "Dejémoslo como estaba"

 

Alcalá Norte acaban de publicar su segundo álbum de estudio. "Dejémoslo como estaba" es el título elegido por la banda madrileña para dar continuidad a su exitoso debut homónimo de 2024, un trabajo que les ha permitido convertirse en una de las formaciones más interesantes y personales del panorama independiente nacional.
El nuevo disco llega después de tres adelantos: "El Hombre Planeta", "Los Llamados Pitagóricos" y "El Endemoniao", tres canciones en las que ya podíamos comprobar que el grupo sigue empeñado en construir un universo propio, donde las referencias históricas, filosóficas y literarias conviven con personajes extravagantes, situaciones cotidianas y bastante sentido del humor.
En esta ocasión son once las canciones que forman el álbum: "En Valmy", "El Endemoniao", "Claudia", "El Hombre Planeta", "Los Llamados Pitagóricos", "El Contador de Muertes", "Campos de Golf", "Arturo Soria", "Icare (LFDL)", "Oscar the Tiny One" y "La Venta Nueva". Un recorrido bastante particular en el que podemos encontrarnos desde referencias a Nietzsche y Pitágoras hasta personajes y escenarios mucho más cercanos a la vida cotidiana. El álbum incorpora también canciones con títulos y referencias en otros idiomas, como "Icare (LFDL)", en francés, y "Oscar the Tiny One", en inglés. Un guiño que amplía el imaginario del grupo y que demuestra que sus inquietudes culturales y musicales no entienden demasiado de fronteras lingüísticas.
La banda vuelve a demostrar su afición por mezclar cultura popular, filosofía y acontecimientos históricos sin necesidad de pedir permiso a nadie, todo ello pasado por el filtro imaginativo de Álvaro Rivas. El título del álbum procede de un dibujo de Francisco de Goya, "Esto dejémoslo como estaba", perteneciente a su Cuaderno C. La portada, obra del artista Carle Naide, también tiene como protagonista a Arturo Soria, urbanista que ideó la Ciudad Lineal madrileña. Una referencia que conecta directamente con el barrio de Ciudad Lineal, donde nació la historia de Alcalá Norte y donde el grupo encontró su nombre en el centro comercial del mismo nombre.
Musicalmente, la formación sigue desarrollando esa combinación de rock alternativo, post-punk, guitarras afiladas, bajos angulosos y teclados de inspiración ochentera que ya encontramos en su primer trabajo. Sin embargo, parece que esta segunda entrega apuesta por ampliar su particular imaginario, con composiciones que buscan diferentes interpretaciones y letras que juegan constantemente con el oyente.
También hay espacio para la muerte, uno de los asuntos que atraviesan buena parte del álbum. Los propios integrantes han reconocido que ahora mismo les interesa más explorar ese territorio que escribir sobre el amor. Y viendo la cantidad de personajes históricos, episodios épicos y situaciones disparatadas que son capaces de introducir en sus canciones, parece que material no les falta.
Alcalá Norte han pasado en apenas dos años de ser una formación de culto dentro de la escena madrileña a actuar en festivales como Primavera Sound, Mad Cool, BBK o Sonorama. El éxito de canciones como "La Vida Cañón", "La Calle Elfo" o "La Sangre del Pobre" les ha situado en una posición privilegiada, aunque su propuesta sigue conservando ese carácter imprevisible que les diferencia de otras bandas de su generación.

MICHAEL KIWANUKA "Fudge"

 

Hay discos que parecen surgir de la necesidad de volver a encontrarse con uno mismo, de dejar a un lado las expectativas y recuperar el placer de hacer música sin más. FUDGE, el nuevo trabajo de Michael Kiwanuka, tiene mucho de eso, después de haber sufrido el derrame cerebral que le llevó a cancelar sus conciertos el año pasado. El músico británico regresa con doce canciones en las que el soul, la psicodelia, el folk y el rock de raíz setentera se dan la mano para construir un universo sonoro cálido, íntimo y lleno de matices.
Michael Kiwanuka se aleja de la influencia de sus dos principales productores, Inflo y Danger Mouse, para alejarse del sonido y las fórmulas que le propulsaron al estrellato con "Kiwanuka" (2019), con el que ganó el Mercury Priz. Publicado el pasado 23 de octubre a través de Polydor Records, "Fudge" es su quinto álbum de estudio y una nueva demostración de la personalidad de un artista que ha sabido encontrar un espacio propio entre la tradición del soul y una sensibilidad contemporánea.
La principal novedad está detrás de los controles. Por primera vez desde Home Again, su álbum de debut de 2012, Kiwanuka se pone al frente de la producción, apartándose de sus colaboradores habituales Danger Mouse e Inflo. Para terminar de dar forma a las grabaciones contó con el productor Dom Monks y con los arreglos de cuerda de Rosie Danvers. El resultado es un trabajo que parece respirar sin prisas, dejando que las canciones encuentren su propio camino.
El disco se abre con "Summer Clothes", una pieza de atmósfera delicada que marca el tono de este viaje introspectivo. A continuación llega "California", una de esas canciones que se instalan poco a poco en la memoria gracias a su melodía y a esa voz de Michael, tan reconocible por su manera de transmitir vulnerabilidad sin necesidad de levantar demasiado el tono.
A lo largo del álbum aparecen diferentes paisajes musicales. "Just Another Moment" y "Drowning In Your Heart" profundizan en su faceta más reflexiva, mientras que "Love In My Heart", una de las composiciones centrales del repertorio, se despliega durante siete minutos con esa combinación de emoción, arreglos envolventes y crecimiento pausado que tan bien maneja el músico londinense.
También hay espacio para dejarse llevar. "Across The Sky" evoca el espíritu de cierta psicodelia acústica de los setenta, "Stars" introduce nuevos contrastes y "You Sent Me Flying" se mueve por terrenos de guitarra sinuosa y sonido brumoso. Por su parte, "Sing" funciona como una reivindicación de la música entendida como una necesidad vital, una forma de seguir adelante incluso cuando aparecen las dudas.
No es casual que la libertad sea una de las ideas que recorren "Fudge". Kiwanuka ha explicado que la inspiración para afrontar el disco de otra manera llegó, en parte, después de escuchar unas palabras del pianista Chick Corea sobre la importancia de confiar en aquello que uno considera bello, sin preocuparse tanto por las expectativas ajenas. Esa filosofía parece impregnar unas canciones que priorizan la intuición y la expresión personal frente a cualquier búsqueda de perfección calculada.
El cierre con "Swings and Roundabouts" completa el recorrido y devuelve al oyente a ese territorio de incertidumbre y descubrimiento que atraviesa todo el álbum. Un final que encaja con la intención de un trabajo nacido de la necesidad de explorar nuevos caminos, sin renunciar a las raíces que han convertido a Michael Kiwanuka en una de las voces más personales del soul británico actual.
La publicación de "Fudge" llega, además, en un momento especialmente difícil para el músico, que ha hecho público el grave problema de salud que sufrió y el largo proceso de rehabilitación al que se enfrenta. Las canciones fueron grabadas antes de esos acontecimientos y su lanzamiento quedó aplazado durante meses. Sus compromisos en directo continúan suspendidos por el momento. Quizá por eso resulte inevitable escuchar este álbum con una sensibilidad diferente. En sus canciones hay melancolía, incertidumbre y fragilidad, pero también una profunda confianza en el poder de la música para acompañarnos.

BURNING "Directo"

 

La banda liderada por Johnny Cifuentes celebra medio siglo con un disco que rememora el mítico "En Directo" de Burning grabado en 1990, con los mismos temas y en el mismo orden en que se publicaron originalmente. Por aquel entonces el grupo ya era leyenda, pero nadie hubiera apostado porque treinta y cinco años siguieran en pie. Más cuando dos meses antes su ya por entonces ex cantante Toño Martín muriera por una sobredosis. Aquel trabajo en vivo ha sido el más venerado por los fans. Johnny Burning cantante y teclista ha querido celebrar el 50 aniversario de la banda con este otro "En Directo", grabado en La Riviera en marzo de 2024 repitiendo el repertorio de 1991. Vuelven a sonar temas tan reconocibles como "Mueve tus caderas", "Una noche sin ti", "No es extraño", "No pares de gritar", y las inmensas "¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?", que en el nuevo lanzamiento aparece interpretado con Coque Malla, o "Esto es un atraco", junto al recientemente fallecido Jorge Ilegal. Además Burning anuncia una gira que recorrerá el país a partir de marzo. Por si fuera poco señalan que este disco es un aperitivo del nuevo álbum de estudio "que vamos a sacar en 2027".

dEUS "Keptman"

 

dEUS regresan a sus orígenes con "Keptman". Este single es su primera canción nueva desde "How To Replace It" (2023), demostrando que tras más de tres décadas de trayectoria, la banda belga sigue dominando esa capacidad para transitar con habilidad entre la elegancia y el caos. Tom Barman a medio camino entre cantar y narrar, mientras el ruido lo ponen el nuevo guitarrista Simen Følstad Nilsen con un riff de guitarra torcido; Klaas Janzoons le responde con capas de teclado mientras la sección rítmica de Stéphane Misseghers y Alan Gevaert sostienen el pulso, sin aflojar ni un compás. Hasta desembocar en un explosivo cierre disonante que va ganando volumen hasta detonar.
El grupo presenta la canción como una oda a la dependencia y a la atracción por las cosas que uno sabe que no le convienen, y a pesar de todo quererlo. El título 'kept man' hace referencia a un hombre mantenido, el que vive a cuenta de otro. Barman describe esa premisa como un sueño perverso en el que surge el deseo por aquello que puede terminar haciéndote daño.
El resultado es un sencillo que rescata la energía cruda y experimental que definió los primeros trabajos de la formación belga, una combinación de art rock y guitarras. Deus recupera ese espíritu en el que será su nuevo trabajo, algo que se explica porque la banda acababa de terminar la gira 'Worst Case vs In a Bar, un viaje de revisión de su repertorio inicial de "Worst Case Scenario" (94) y "In a Bar, Under the Sea", donde tocaban canciones con treinta años de historia lo que ha reavivado la libertad creativa de sus comienzos, según confiesan y eso ha propiciando su fase creativa con el lanzamiento inminente de ese nuevo álbum que vendrá marcado por el sonido de antaño.

U2 "The Greatest Show On Earth"

U2 lanza el tercer sencillo del nuevo álbum en el que la banda irlandesa nos muestra que quiere renovarse con marcado brío. "The Greatest Show On Earth" (El espectáculo más grande sobre la Tierra) aparece en el marco del 50 aniversario del grupo y es también el nombre escogido para su próxima gira. 

El tema es el último adelanto de “Carnaval de Luz”, su decimosexto álbum de estudio, que se publicará el 13 de noviembre con 12 temas en total. La canción, coescrita por U2 y Brian Eno, habla de una pareja que lucha por mantener la fe el uno en el otro, y en sí misma. El videoclip con imágenes en blanco y negro, dirigido por Anton Corbijn y rodado en el desierto de California, retrata de forma satírica a la banda como una secta religiosa enmascarada en la que las mujeres cargan con todo el trabajo. En 1986, Anton Corbijn se llevó a U2 al desierto de California para hacer las fotos de "The Joshua Tree". Cuarenta años después han regresado al mismo paisaje, para burlarse de ellos. Pocos grupos han cargado tanto con la etiqueta de mesiánicos como U2, y que sean ellos mismos quienes se disfracen de secta tiene algo de autocrítica.
La elección de Corbijn no es casual porque es el fotógrafo que más ha marcado la imagen del grupo desde principios de los ochenta. Ha dirigido para ellos vídeos como una de las versiones de “One” (con el grupo vestido de mujer), “Please” o “Electrical Storm”. Detrás de la cámara también ha firmado Control, la película sobre Ian Curtis, y casi toda la estética de Depeche Mode.

La banda irlandesa de rock U2 anuncia que arrancará su gira mundial The Greatest Show On Earth el 23 y 26 de febrero de 2027 en el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México, su primera parada en los tres países latinoamericanos que visitará. 
Después de presentarse en México, la banda se trasladará a Brasil, donde ofrecerá dos conciertos el 10 y 12 de marzo, en el Estadio MorumBIS, en Sao Paulo; y seguirá hacia Argentina, donde se presentará el 23 y 25 de marzo en el Estadio River Plate de Buenos Aires.

AIRBAG "Una extraña fuerza"

 

El trío malagueño hace un retrato de amor a la música. "Una extraña fuerza" es su octavo álbum, en el que sigue fieles a su espíritu punk-pop, con canciones cortas y contundentes: 13 temas en 31 minutos, en los que recuperan la urgencia para retratar nuestro entorno deprimente, las falsas apariencias o la tecnología que nos absorve.
Veinte años llevan creando esos bálsamos terapéuticos que nos hacen reflexionar, porque a veces es bueno parar para contemplar nuestro alrededor. De ese modo podemos descubrir a cada paso la estupidez humana. En su noveno disco vuelven a recuperar la urgencia del pasado y el volumen de su registro, apuestan por un pop efervescente que nos recuerda a Weezer como en "La habitación del pánico", pero también se acercan al punk ramoniano en "La película que he visto más veces" o "Las nuevas esferas de lo moderno" para burlarse de aquellos que dicen crear contenido en internet: "plástico en la red / cerebros de Ali Exprés". Se tornan aún más críticos para hablar de las mentiras de los grupos cuando anuncian que dejan los escenarios en "Gira de despedida" solo para exprimir las carteras de sus fans con el reclamo de la última oportunidad cuando tienen planificado su regreso: el negocio de las entradas caras más gastos de gestión, algo que todos recordamos con desilusión.

CLOUD NOTHINGS "Death Keeps Me Alive"

Cloud Nothings han cambiado sus prioridades, abandonan el indie rock para abrazar el metal más agresivo. Suben el volumen con “Death Keeps Me Alive” y el anuncio de un disco brutal que se titulará "What Kind of Hell Did You Survive?", previsto para el 29 de enero de 2027. Su cantante Dylan Baldi confiesa: "nos sentíamos un poco encasillados en el mundo del indie rock", algo poco habitual para una banda con quince años de trayectoria, que llevaba una sólida carrera con un sonido bien construido.
Su primer tema es una historia sobre una fuerza maligna que sobrevive alimentándose de la muerte, las guerras y el odio. Construyendo un relato en el que la violencia mantiene viva aquello que amenaza al mundo.
Las nueva canciones del disco abordarán temas como los gobiernos crueles, la importancia de la comunidad y la frustración por un entorno marcado por la hostilidad. La lista de canciones no deja lugar a dudas: “World Destroyer”, “Terror Multiplies” o “This World Is Shit”. La banda reconoce que las influencias que han marcado este álbum vienen de bandas como Queens of the Stone Age, Motörhead, Earth y Electric Wizard. El cantante reconoce haberse fijado especilamente en el metal y el hardcore de tono político para su nuevo trabajo.

PEQUEÑO MAL "Somos Pequeño Mal"

 

Por fin ha llegado el disco de debut de Pequeño Mal. Se han hecho de rogar pero ya tenemos este álbum que reúne once canciones de este proyecto nacido de la trayectoria de Saray Botella y Lolo González Molinier, vinculados anteriormente a Hazte Lapón.
Se dieron a conocer en marzo de 2025 con "Epilepsia de amor", un single doble en el que dejaban ver que su pasión por los sonidos new wave, power pop y noise pop. Desde entonces, no han dejado de compartir singles con dos canciones cada cierto tiempo, y ahora, han recopilado once de esas canciones para dar con su primer trabajo. A las piezas ya conocidas han incorporado “El escenógrafo” y “Lemniscata”, dos canciones nuevas que faltaban por escuchar del disco.
Saray Botella y Lolo González Molinier han encontrado una nueva manera de hacer lo que mejor saben: escribir canciones de pop con guitarras, inteligencia, mala leche y una sensibilidad que no necesita ponerse trascendente para acabar tocándote la fibra.
En "Somos Pequeño Mal" recuperan el gusto por las melodías bien construidas, los estribillos que se quedan a vivir en la cabeza y esas letras que parecen escritas por alguien que ha leído unos cuantos libros, ha escuchado demasiados discos y, pese a todo, todavía no ha perdido la capacidad de reírse de sí mismo. Que no es poco.Aquí hay power pop, hay new wave, hay noise pop y hay guitarras que no están dispuestas a quedarse en segundo plano. Pero, sobre todo, hay canciones. De esas que no necesitan un manual de instrucciones ni una campaña de marketing para justificar su existencia. Pequeño Mal parecen haber entendido que el secreto no consiste en inventar un idioma nuevo cada mañana, sino en tener algo que decir en uno que ya conocemos. Una querencia por el pop independiente que no necesita pedir permiso a las tendencias.
Desde "Epilepsia de amor", que abre el álbum con su particular combinación de desamor y melodía, hasta "Lemniscata", el grupo va desplegando un repertorio que alterna la electricidad guitarrera con momentos más delicados. "Balanza y espada" juega con la sensación de estar atrapados en una rueda de la que no sabemos muy bien cómo salir; "Golden Retriever" convierte las relaciones humanas y sus contradicciones en una pequeña colección de ocurrencias afiladas; y "Pompas de jabón" aporta otro matiz a un disco que no se conforma con disparar estribillos a quemarropa.
Entre sus grandes aciertos están las letras de Lolo, capaces de mezclar referencias culturales, juegos de palabras y observaciones bastante certeras sobre el mundo que nos ha tocado vivir. En "Vendrán a por ti", el punto de mira se dirige hacia los algoritmos y esa maquinaria digital que pretende conocernos mejor que nosotros mismos. En "Dos neuronas", el enredo sentimental se cruza con las paradojas del lenguaje y el pensamiento. Hay humor, sí, pero también una desconfianza saludable hacia la estupidez revestida de modernidad.
Y después está "Calaveras y diamantes", que demuestra que detrás de la ironía hay espacio para la emoción sin necesidad de subrayarla con rotulador fosforito. Porque una cosa es escribir canciones ingeniosas y otra, bastante más complicada, conseguir que además duelan un poco. Pequeño Mal sabe moverse entre ambas sin perder el equilibrio.
La banda se completa con Antonio y Carlos Fernández Hermana, de Living Camboya, y Fernando Bertola, vinculado a Súper Cadáver. Con Jordi Gil en la producción, el resultado tiene la contundencia necesaria para que las guitarras manden, pero también el cuidado por los arreglos y las voces que permite que las canciones respiren.
La jugada tiene además su gracia: varias de estas canciones habían ido apareciendo como singles desde 2025, de modo que el álbum no llega precisamente cargado de secretos. Lo interesante es escucharlas reunidas, comprobar cómo encajan y descubrir que, juntas, dibujan una personalidad mucho más definida de lo que podría sugerir una simple recopilación de adelantos.

HOT CHIP ‘Random Violence’

 

Hot Chip vuelven con nuevo single y anuncian su noveno álbum, "A Long Way From Kansas", que llegará el próximo 8 de enero de 2027. Los británicos siguen demostrando que el pop electrónico tiene muchas más posibilidades que poner a la gente a bailar, aunque después de tantos años sigan siendo garantía de ritmo y personalidad.
“Random Violence” en su primer adelanto apuestan por una atmósfera más emocional, sin buscar el estribillo inmediato. Es una canción especial, marcada por el recuerdo de Keith McIvor, conocido como JD Twitch, figura fundamental de la escena electrónica de Glasgow y cofundador de Optimo, fallecido en septiembre de 2025. Joe Goddard ha explicado que la letra nace en buena medida de esa pérdida y de los recuerdos compartidos en el mítico Sub Club. Una despedida que también reivindica la música como punto de encuentro y como espacio de resistencia. El tema suena entre New Order y LCD Soundsystem, Hot Chip nos dan "algo en lo que creer": la amistad y la necesidad de mantener cierta esperanza en tiempos bastante oscuros.
El videoclip, dirigido por Jack Cole, cuenta con la participación de Boss Morris, una agrupación femenina de danza tradicional inglesa que transforma la pieza en una celebración colectiva de la vida. Una imagen extraña, festiva y algo inquietante que encaja perfectamente con el universo de una banda que siempre ha sabido mezclar lo cotidiano con lo insólito. Hot Chip siguen a lo suyo, sin necesidad de perseguir tendencias ni de repetir fórmulas. Y eso, después de más de dos décadas de carrera, sigue teniendo mucho mérito.

LORI MEYERS "Disonancia"

 

Han tardado cinco años en publicar su nuevo trabajo "Disonancias". Lori Meyers vuelve a apostar por esas melodías brillantes habituales, pero ahora más que nunca introducen textos amargos. Tal vez esa sea precisamente la disonancia de este disco.
La banda granadina confiesa que el proceso creativo de este álbum les ha llevado tres años. Tanto tiempo sin grabar ha requerido "quitar algunas telarañas", aseguran. El lanzamiento por fin ha sido un alivio y regocijo a la vez, que quiseron celebrar cuatro días antes de que se pusiera a la venta en Madrid, en la sala El Sol, escenario que no pisaban desde 2011. Allí pudieron comprobar como funionaban las nuevas canciones en directo. Muchas ya se conocían caso de "Malafollá", sin duda su pieza más áspera con guitarras oscuras, con una letra muy acorde con estos tiempos que vivimos. Lo cierto es que en el disco abundan sintetizadores de colores más luminosos. "Tus Amigos" y "En lo total" demuestran que saben resolver los desencuentros amorosos en estribillos eficaces.
En aquel concierto de presentación se sorprendieron por la excelente recepción de "Hasta que llegaste", una canción que no había sonado antes y que ellos mismos no han sabido valorar convenientemente. Para mí es una de las mejores canciones del disco.
Preparan una gira de salas que arrancará entre enero y febrero, mientras otros se obsesionan con grandes estadios ellos van a optar por estar más cerca de su público.

CURRENT JOYS ft. NEVER GOODBOYE "Stay"

Hay canciones que suenan a una despedida aplazada, de ese instante en el que todavía queremos creer que alguien va a quedarse un poco más. "Stay" habla de esa necesidad de pedirle a alguien que se quede, de intentar retener una relación cuando las cosas empiezan a torcerse y de buscar una última oportunidad antes de que sea demasiado tarde.

El título funciona casi como una súplica. 'Stay' ("Quédate"). Una palabra sencilla que para reclamar otra oportunidad para fingir que todavía queda algo por salvar. Current Joys sigue explorando su particular universo emocional, en esta ocasión Nick Rattigan cuenta con la colaboración de Never Goodbye, alias del productor Danny Dwyer. Se trata del séptimo adelanto de "ROSEBUD", su próximo álbum a la venta el 6 de noviembre, y llega acompañado de un videoclip dirigido por Karsten Elliott Taylor y protagonizado por Lucy Evans-Rippy y Charlotte Rose Hansen. La canción parte de un tema muy reconocible, el éxito de The Kid LAROI y Justin Bieber, para llevarlo a su propio terreno.

Hasta ahora Current Joys nos han presentado "Wildfire", "Sufferer", "Hole", la agresiva "Chaos", "Blood on the stereo", "Night of swords" y "Halloween". Con "Stay", Current Joys y never goodbye se mueven precisamente en ese territorio: el de la nostalgia, la fragilidad de los vínculos y esa necesidad tan humana de detener el tiempo cuando algo empieza a escaparse de nuestras manos.Nick Rattigan lleva tiempo demostrando su facilidad para convertir las emociones más incómodas en canciones que conectan con nuestras propias experiencias. Su música se mueve entre la vulnerabilidad, la nostalgia y cierta sensación de desamparo, pero también tiene esa capacidad de transformar los sentimientos más oscuros en melodías que se quedan dando vueltas en la cabeza. Aquí, la palabra "stay" funciona como el centro de gravedad de una historia que todos podemos reconocer: querer que alguien permanezca a nuestro lado incluso cuando no tenemos muy claro qué va a pasar después.
La colaboración con never goodbye encaja en esta nueva etapa de Current Joys, que prepara en "ROSEBUD" un trabajo en el que amplía su habitual paleta sonora. Un proyecto que se mueve entre el slowcore, la electrónica, el emo y las guitarras más contundentes, sin renunciar a esos momentos de intimidad que han convertido las canciones de Rattigan en pequeñas confesiones generacionales.Y quizá por eso una palabra tan pequeña puede quedarse resonando durante tanto tiempo.
Quédate.

LOS PLANETAS "Dos cruces"

 

Alguien pensará que el indie ha muerto y otros creerán que lo que han hecho Los Planetas es lo más indie. La banda granadina, distinguida con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por toda su trayectoria, se arranca con una versión de "Dos cruces", el bolero de Carmelo Larrea de 1952 que popularizaron artistas como Antonio Molina o José Feliciano. 

En un comunicado Los Planetas reivindican su resistencia a las modas y las exigencias del mercado después de más de 30 años en esto. La banda se define como un "agente anómalo en la música popular en español" por su forma de mantenerse al margen de "la obsolescencia y (…) la previsible expectativa que la industria concede a una trayectoria de más de tres décadas".

La elección de "Dos cruces" también sirve para cuestionar la obsesión actual por la novedad y el papel de los algoritmos en la memoria musical. "Restituir “Dos cruces” es (también) un acto de insubordinación que atenta contra esa lógica", afirma el texto que acompaña este lanzamiento. Defienden la recuperación de canciones del pasado frente al flujo constante de nuevos lanzamientos.

Lo que no sabemos es si esa es la intención de su nuevo disco. Hasta ahora pocos detalles, ya que no se conoce su título, ni cuándo se publicará. "Dos cruces" es el adelanto después de que el grupo la haya interpretado en algunos conciertos de este verano. La canción cuenta la historia de dos amantes separados por el destino, con versos como "Por dos amores que han muerto".
Han pasado cinco años desde "Las Canciones del Agua", ese recopilatorio de singles y caras B publicadas entre 2020 y 2022. Por ahora, no hay muchos datos de esta nueva refencia, tan solo conocemos que no contará con la participación de Banin, teclista desde tempos de "Una semana en el Motor de un autobús" (1998). Y dejan atrás sus actuaciones de la celebración del 30º aniversario de su disco "Super 8", que han estado tocando en directo en festivales y salas de toda España los últimos años.

AMY WINWHOUSE Reedición de “Back To Black”

 

Esta reedición celebra las dos décadas de “Back To Black”, el testamento sonoro de la británica Amy Winehouse. Ella falleció cinco años más tarde, tras deslizarse por la pendiente de la autodestrucción y cuando había alcanzado el éxito y el reconocimiento mundiales. Había dejado una obra maestra y una biografía de final abrupto a los 27.
Amy se había adentrado en consumo de sustancias muy poco aconsejables, como el crack y la heroína, quemaba las noches en Camden abusando del alcohol y su tendencia a la depresión, junto a relaciones de pareja tóxicas no le ayudaron a sobrevivir. Todo aquello resucitaron los problemas alimentarios de Winehouse. Sus amigos y su manager trataron de ayudarla, pero fueron intentos inútiles. En aquel ambiente fue capaz de dar luz a un disco preñado de dolor. Vendió 4,5 millones de copias en Reino Unido y 25 millones en todo el mundo. Se convirtió en un fenómeno transversal y ganó cinco premios Grammy.
Mañana, viernes 23 de octubre, se publican las nueva reedición de "Back to Black", en formato de triple Cd o vinilo, y que incluyen demos inéditas, caras B y una actuación en directo desde Paradiso, Ámsterdam (8 de febrero de 2007), perteneciente a la gira "Back To Black". Además incluye las letras manuscritas por Amy y fotografías nunca vistas de Mischa Richter y Alex Lake. 

TALLERES MOLINA "“América Primero"

 

El trío mallorquín Talleres Molina ha publicado un single anti-Trump, al que han titulado "América Primero", una sátira musical que pone el foco en el actual presidente de Estados Unidos desde la ironía, el sarcasmo y la crítica. Un tipo que, comenta la banda, "parece más un villano de una película de Austin Powers que un presidente de verdad, y que si no fuese porque es real y nos da miedo, nos daría mucha risa".

La letra de "América Primero" cuestiona las contradicciones y decisiones del político estadounidense, como sus sugerencias sobre el uso de desinfectante durante la pandemia, su afán guerrero o la difusión constante de bulos. La formación describe al mandatario como un dirigente que ha construido un estilo político basado en el autoritarismo y la ignorancia. Pero la crítica de Talleres Molina no solo apunta a Washington, "también a algunos lideres ultras de nuestro país", advierten.
La canción llega acompañada de un videoclip concebido como una auténtica opereta rockera coral anti-Trump, en la que Talleres Molina llevan su particular universo visual y humorístico hasta las últimas consecuencias. Todo ello en su pegadizo y divertido estilo electro power pop. Musicalmente, el trío mallorquín recupera el sonido de sus orígenes. The Romantics, B-52’s, Devo y The Stranglers aparecen entre sus referencias, mientras los sintetizadores analógicos aportan ese aroma ochentero.

La banda mallorquina, formada por Julio, Gabi y Nando, aparca temporalmente las temáticas de desamor para enfocarse en la crítica política a través de la ironía. El nuevo tema se edita a través del sello discográfico Espora Records, con sede en Palma. La canción sirve como primer adelanto del que será su segundo álbum de estudio, cuyo lanzamiento está previsto para principios del año 2027.y con el que anuncian que pondrán fin a su carrera musical.

DYNAMITE SHAKERS "Par le vide"

 

Hay vida musical más allá del Reino Unido. Basta con mirar a nuestro alrededor, el grupo francés Dynamite Shakers ha lanzado nuevo sencillo titulado "Par Le Víde", en el que marcan un elegante indie rock. Este nuevo vídeo llega poco después del lanzamiento de "Marilyn", el segundo álbum de la banda, publicado en agosto de 2026 y es uno de los temas que incluía.
Producido por Lionel Limiñana, del dúo The Limiñanas, y grabado en Bruselas, este álbum de 14 temas marca una nueva etapa para los cuatro músicos, que ahora alternan canciones en francés e inglés y que  ha encontrado en el rock de guitarras su principal seña de identidad.
El cuarteto de la Vendée continúa desarrollando esa combinación de rock garajero, melodías pegadizas y actitud punk que ya pudimos disfrutar en su anterior trabajo, “Don't Be Boring”. Un sonido directo, sin demasiados rodeos, que encuentra en las buenas melodías la mejor manera de reivindicar su forma de entender la música que nunca pasa de moda, sin renunciar a esa electricidad que convierte sus canciones en una invitación a subir el volumen.
Con “Marilyn", Dynamite Shakers confirman que son una de las propuestas a tener en cuenta dentro de la nueva escena del rock francés. “Par le vide” es otra buena razón para acercarse a su música. Ellos reivindican un rock sin concesiones, influenciado en particular por The Stooges, The Libertines y Arctic Monkeys.

PINPILINPUSSIES "Cantar Motor".

 

Pinpilinpussies adelantan sus nuevas canciones que incluirán en su tercer álbum de larga duración.
Tras dar a conocer "No te olvides de mí", comparten "Cantar Motor", el segundo adelanto de su próximo trabajo que llegará el próximo 21 de octubre a través del sello barcelonés Aloud Music.
En esta ocasión las catalano-vascas Raquel y Ane ponen el foco en el trasfondo de la industria del entretenimiento para visibilizar la precariedad, el agotamiento extremo y la ansiedad que a menudo se enmascaran tras la vocación profesional: "Especialmente va dedicada a todas las técnicas del sector audiovisual, que pese a dejarnos con pasión la piel en lo que hacemos, aguantamos jornadas interminables, faltas de descanso, dificultades para conciliar la vida fuera del trabajo, abusos de distinta índole... Y aun así salimos a rodar con la mochila llena de redbulls, pero con una sonrisa, porque al menos la camaradería hace que juntos podamos mejorar nuestras condiciones. Poco a poco compañeras, pero lo lograremos. ¡Cantemos Motor!, pero esta vez a modo de celebración colectiva".

Pinpilinpussies apuestan de nuevo por el sonido crudo en "Cantar Motor" que se erige como una proclama y un homenaje directo a sus trabajadoras y lo que muchas veces se esconde entre las bambalinas del universo audiovisual. A veces la luz de los focos nos impide ver lo que hay detrás.

THE SMASHING PUMPKINS "Black Stars"

 

The Smashing Pumpkins regresan. Sería un eficaz titular, pero tiene trampa. La banda han lanzado "Black Stars", un nuevo tema original que en realidad se ha creado específicamente para la banda sonora de 'Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha'. En la canción participan Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin, con el productor Butch Vig en su primera colaboración desde el álbum "Siamese Dream" de 1993.
El tema llega poco más de un mes antes del estreno de la película en cines el 20 de noviembre. Según un comunicado de prensa, Black Stars comenzó a gestarse cuando Billy trabajaba en un disco en solitario. Cuando The Smashing Pumpkins recibieron la invitación para componer una pieza original para la película, Corgan incorporó a Butch Vig al proceso. Vig ayudó a identificar el tema que mejor se adaptaba al tono y la atmósfera de Sunrise on the Reaping. La grabación tuvo lugar en los estudios Chaplin de Los Ángeles, y posteriormente se realizaron sesiones adicionales en Chicago.
"Black Stars" es una de las 29 contribuciones nuevas e inéditas recopiladas para el álbum "Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha". La banda sonora se lanzará el 13 de noviembre, una semana antes del estreno de la película en cines el 20 de noviembre. Producido por Dave Cobb, el álbum reúne a una amplia gama de artistas que compusieron y grabaron material original inspirado en el mundo de Panem.
Actualmente, The Smashing Pumpkins encabezan conciertos en estadios de toda Norteamérica con la gira The Rats in a Cage Tour. "Black Stars" ya se ha incorporado a su repertorio en directo, lo que brinda al público la oportunidad de escuchar el nuevo material en vivo antes del lanzamiento de la banda sonora.

VETUSTA MORLA "Bailar en Beirut"

 

El grupo madrileño Vetusta Morla continúa mostrando algunas canciones de su nuevo proyecto discográfico y estrenan esta vez "Bailar en Beirut", una canción con la que la banda pretende realizar "un acto de resistencia y dignidad" a través de la música. Una canción inspirada en la imagen que hace unos meses se convirtió en viral en internet en la que el violonchelista libanés Mahdi Sàhêli tocaba su instrumento sobre las ruinas de la ciudad de Beirut, en el Líbano, un vídeo grabado en una pausa entre dos ataque israelíes.

El concepto de la canción se reafirma en el videoclip, , dirigido por Iván Blanco, que recrea aquella imagen tras un ataque israelí. "Conectando asimismo con la memoria del propio grupo, que en 2004 actuó en la capital libanesa en una experiencia colectiva que marcó su decisión de dar continuidad al proyecto musical", indican desde su oficina de representación en un comunicado.

Han sido los propios artistas los que han recordado el impacto que tuvo en su carrera aquella estancia en el festival Anti-Crise de 2004, Hasta el punto de que en la última noche en la ciudad sellaron el juramento de hacer siempre todo lo que estuviera en su mano por continuar "esta aventura".

Después de la publicación de "Si vuelves", Vetusta Morla  muestra este segundo anticipo de su próximo trabajo que llega tras más de dos años de parón creativo.

FLEA 'Honora'

 

Flea tenía una deuda que le carcomía en su interior, el bajista tenía una deuda con el jazz y consigo mismo. No lo podía resisitir por más tiempo en su interior y tuvo que expulsarlo materializandolo en un disco que condesara sus vivencias y vibraciones más íntimas. Su pecado es "Honora", el bajista de Red Hot Chili Peppers debuta en solitario, recuperando su vieja pasión por la trompeta, con un disco que transita por los sonidos de un jazz que va de los clásicos a los sonidos más novedosos, recoge de aquí y de allá para crear su personal banda sonora. Para ello cuenta con la participación de amigos como Nick Cave, quien contribuye en "Wichita Lineman", una vieja canción country de Jimmy Webb; Thom Yorke, Warren Ellis y un grupo de músicos de lujo.
"Morning Cry", es el tema que más se acerca a los clásicos del be bop y el hard bop, a revoluciones añejas y reconocibles. Canciones propias como "A Plea" (Una súplica), con una letra entre la desolación y la esperanza y un arrebatador desarrollo musical, se combinan con versiones como Maggot Brain, que George Clinton registró en el tercer disco de Funkadelic; "Thinking Bont You", de Frank Ocean, y la muy versionada "Willow Weep For Me", escrita en 1932 por Ann Ronell. El disco se cierra con una pieza que hace honor a su título, "Free As I Want To Be", que resulta la más próxima al rock de todo el álbum, con Flea a la trompeta, Josh Jeff Parker a la guitarra y Josh Johnson al sintetizador Mog.
Es un disco curioso, sin lugar a dudas, muy distinto a su actividad con su banda habitual. Flea es un tipo inquieto. El jazz entró como un torrente en sus venas antes que el rock, el funky con músicos como George Clinton, Freddie Hubber o Charlie Parker. Evidentemente a los seguidores de RHCP no les va a interesar, pero no creo que eso a Flea le importe mucho. Pero es cierto que es un trabajo inspirador. 

FONTAINES D.C. Y ROSALÍA "Where Is Gone?"

 

Rosalía expande sus fronteras musicales con una colaboración con la banda de rock Fontaines D.C. La artista catalana acompaña con su voz en "Where Is Gone?" junto al cantante Grian Chatten en esta balada orquestral. Se trata del tercer sencillo del nuevo álbum del grupo irlandés "Dopamine Chamber", que verá la luz el próximo viernes.
Es uno de los temas más esperados de "Dopamine Chamber", el quinto álbum de la banda irlandesa, su disco más oscuro e intimista en el que viran hacia un pospunk más electrónico, con ecos por momentos que pueden recordar a Depeche Mode o The Cure en un disco a publicación que gira en torno a una “advertencia catastrófica”..el álbum de la banda: “Ha hecho por España lo que nosotros por Irlanda”.
La cantante catalana se une por primera vez a la banda irlandesa en un tema melancólico que aborda la dificultad de dejar atrás una relación. El resultado es una balada melodramática que plantea recuerdos de felicidad que se resquebrajan. Musicalmente, "Where Is Gone?" se mueve a un ritmo pausado con un sonido de guitarras, violines y una batería marcada que deja espacio a las voces de Rosalía y Grian Chatten. El estribillo arranca con: “I remember when they held me up against the summertime” (“Recuerdo cuando me ponían a prueba contra el verano”), para después reconocer con dolor que es el fin de esar relación amorosa: “No hay nada de malo en decirlo / Déjalo, deja que muera”.

Es la primera vez que la banda de Dublín decide incluir la colaboración de una vocalista en uno de sus discos, lo que nos hace dimensionar el reconocimiento que está recibiendo la cantante de Sant Esteve Sesrovires a sus 34 años. Aunque no es su primera participación con otros artistas, ya lo hizo con Normal, de Carolina Durante, publicada en 2024. La cantante ha cruzado a lo largo de su carrera géneros y escenas muy diferentes, desde el reguetón de Bad Bunny, Ozuna o J Balvin hasta la experimentación de Ralphie Choo, Björk o James Blake.
Tras finalizar recientemente su Lux Tour con 57 conciertos con todas las entradas agotadas, Rosalía fue galardonada por el Ministerio de Cultura y Deporte con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2026 de España. Además, Rosalía recibirá el 22 de octubre el Premio Billboard Salón de la Fama 2026 en reconocimiento de “una carrera extraordinaria definida por la innovación musical, una visión artística singular y una influencia que ha trascendido géneros, idiomas y fronteras”.
Por su parte Fontaines D.C. nos visitan próximamente. Actuarán en España este mes de octubre en dos fechas: jueves 22 de octubre: Movistar Arena, Madrid, y sábado 24 de octubre: Sant Jordi Club, Barcelona.

VAPORS OF MORPHINE NOS VISITAN

 

Morphine ha sido uno de mis grupos favoritos, una banda arriesgada que ofrecía en los 90 un sonido único. Su líder Mark Sandman decidió arrancar a su bajo dos cuerdas y con las dos que quedaban optó por ofrecer una música singular acompañado de un saxofón barítono y una batería sorprendieron al mundo del rock. Uno de mis discos de cabecera y que recomiendo encarecidamente es "Cure for pain". Lamentablemente Mark  falleció en 1999 sobre el escenario en un concierto, a los 46 años, a causa de un infarto en el festival Nel Nome del Rock en Palestrina, cerca de Roma, Italia.

Aquel trágico acontecimiento acabó con la carrera de una banda que combinaba rock alternativo, blues y jazz con una personalidad tremenda. Poco después se editó un disco con grabaciones guardadas y Dana Colley, miembro fundador de Morphine y saxofonista del grupo, puso en marcha un nuevo proyecto bajo el nombre de Vapors Of Morphine. Además de recuperar repertorio de Morphine, Vapors Of Morphine muestran su propia discografía, que cuenta con los álbumes "A New Low" (16) y "Fear & Fantasy" (21). Nada destacable comparado con el orignal, no obstante si te interesa su propuesta musical vendrán a actuar a nuestro país: en Madrid (5 noviembre, Sala Copérnico; ciclo Mazo), Badalona (6 noviembre, Sala Dosrombos), Zaragoza (7 noviembre, La Lata de Bombillas) y Valencia (8 noviembre, 16 Toneladas).

TRONKAS! “Me da igual”

 

Ha llamado mi atención esta canción porque escupe verdades como puños. Tronkas! regresan con “Me da igual”, un tema que desde su propio título deja bastante claras sus intenciones. Porque pocas expresiones resultan tan contundentes como ese “me da igual” que utilizamos cuando queremos marcar distancia, cuando algo ha dejado de importarnos o, quizá, cuando intentamos convencernos precisamente de lo contrario.
La canción juega con esa idea y convierte la indiferencia en una especie de mecanismo de defensa. Pero también hay algo de desafío en ese “me da igual”. Tronkas! construyen una canción que habla de esa necesidad de soltar lastre, de dejar atrás aquello que nos condiciona y de intentar recuperar el control sobre nuestras propias decisiones. La letra se mueve entre la rabia, el cansancio y una actitud aparentemente despreocupada que termina revelándose mucho más emocional de lo que podría parecer en un primer momento.

Y es precisamente ahí donde funciona “Me da igual”. Porque detrás de una frase que podría parecer sencilla se esconde una situación muchas veces reconocible: ese momento en el que uno decide que ya ha tenido suficiente, que no quiere seguir dando explicaciones y que ha llegado la hora de mirar hacia otro lado. Es, en definitiva, una canción sobre cortar con aquello que pesa demasiado. Una canción directa, con una letra que busca conectar desde situaciones reconocibles y que convierte una frase de uso cotidiano en una declaración de intenciones. Porque hay momentos en los que seguir dando vueltas a las cosas no sirve de nada y lo único que queda es levantar la cabeza, respirar y decirlo: me da igual.

ARAB STRAP "Half-Told Tales"

 

Arab Strap continúan como uno de los grandes emblemas del pop escocés. De hecho su nuevo disco se edita bajo el sello Rock Action, propiedad de los de Mogwai, otro grupo con el coinciden en nacionalidad y gustos musicales. En su noveno disco de estudio, "Half-Told Tales", Aidan Moffat y Malcolm Middleton siguen demostrando que nadie como ellos sabe convertir el desencanto, el paso del tiempo y las miserias cotidianas en canciones brillantes.
El disco arranca con "I Get Noise", una canción que recupera ese Arab Strap más áspero, con Moffat recitando sus historias de siempre mientras la música se va cargando de tensión. Aquí aparece por primera vez los vientos, a cargo de John Burguess, que interviene al menos en cinco temas.
Su tercer disco en poco más de un lustro es una centrifugadora de emociones que combina los ritmos bailables "You You You", su siguiente canción, con una base casi disco y una letra que mezcla humor, cabreo y esa capacidad de Moffat para convertir las preocupaciones de cada día en pequeñas historias. Pero también hay post-punk y sorpresas como "Gape" que se mueve por terrenos de apatía y aburrimiento contemporáneo, mientras "Dollar Park" recupera su lado más político. Y entre guitarras, electrónica, saxos y pasajes más ambientales aparecen "Basic Physics", "Sunsong", "Mr. Splitfoot" o "Ampersand", demostrando que el dúo todavía tiene ganas de explorar.
El cierre llega con "Beats Per Minute", una pieza más atmosférica que parece detener el tiempo después de todo lo que hemos escuchado. Es un final perfecto para un álbum que precisamente reflexiona sobre cómo se nos escapa la vida mientras intentamos contarla.
Arab Strap siguen siendo ellos mismos, pero no viven de repetir el pasado. "Half-Told Tales" recupera parte de la crudeza de sus primeros años y la mezcla con una producción más abierta y una variedad de sonidos que les permite seguir avanzando. Tres décadas después de sus comienzos, Moffat y Middleton continúan hablando de sexo, frustraciones, pérdidas, política, envejecimiento y todas esas pequeñas miserias que forman parte de nuestra existencia.
Quizá por eso siguen resultando tan cercanos. Arab Strap nunca prometieron que las cosas fueran a mejorar, pero al menos siguen poniendo música a todo este desastre. Y así lo cantan en una de las nuevas canciones: “Quiero un foso envenenado, infectado de tiburones, estar aislado, recluido, más allá de lo remoto, de cualquier forma de domicilio, sin nota de despedida”...

AVIADOR DRO “El día de la IA”

 

Aviador Dro regresan con “El día de la IA”, su primer single en 14 años, que ya está disponible en las plataformas digitales. Ellos lo presentan indicando que "el Aviador DRO os saluda desde su sala de mandos para informaros de que los Obreros Especializados y sus máquinas han arrancado nuevamente sus motores y planean una vez más salvar al mundo de la desidia humana, la codicia bancaria, el nuevo orden fascista mundial y la carroña pasadista que invade nuestra brillante esfera de ciencia y conocimiento".

Llevan décadas intentando imaginar el futuro. Por eso no deja de tener cierta lógica que ahora pongan el foco en uno de los grandes asuntos de nuestro presente: la inteligencia artificial. “El día de la IA” vuelve a situar a la banda en ese territorio donde la electrónica, la ciencia ficción, la cultura tecnológica y la mirada pop se encuentran. No se trata únicamente de hablar de máquinas, algoritmos o futuros posibles. En el universo de Aviador Dro, la tecnología siempre ha servido también para hablar de nosotros mismos: de nuestras obsesiones, nuestros deseos y esa extraña relación que mantenemos con las máquinas que construimos para hacernos la vida más fácil.
La inteligencia artificial ya no pertenece a las novelas de anticipación. Está en los teléfonos, en los trabajos, en las conversaciones cotidianas y, por supuesto, también en la creación artística. “El día de la IA” juega precisamente con esa frontera cada vez más difusa entre lo humano y lo tecnológico.
Y ahí está una de las constantes que hacen reconocible a Aviador Dro: convertir los cambios tecnológicos en materia pop. Donde otros ven solamente una herramienta, ellos encuentran un tema, una imagen, una pregunta o incluso una pequeña distopía cotidiana. Porque quizá lo interesante de la IA no sea preguntarnos únicamente qué será capaz de hacer una máquina, sino qué vamos a hacer nosotros cuando las máquinas empiecen a hacer cada vez más cosas.
“El día de la IA” es, en ese sentido, muy Aviador Dro: electrónica, ciencia ficción y cultura pop para hablar de un futuro que, esta vez, ya está llamando a la puerta.
Aviador Dro regresa y además anuncian una gira también titulada El Día de la IA.
03/10 – Madrid – Sala UNI. Entradas
09/10 – Barcelona – Sala Razzmatazz 3
10/10 – Zaragoza – Sala López
14/11 – Valencia – Sala 16 Toneladas
21/11 – Salamanca – Sala Music Factory
05/12 – Sevilla – Sala Hollander

MATT BERNINGER "Type It Up"

 

Matt Berninger está demostrando una interesante carrera en solitario, más allá de su banda The National. Acaba de publicar en plataformas digitales un nuevo EP al que ha titulado "Type It Up", para la edición en vinilo habrá que esperar hasta el 4 de diciembre, como sorpresa incluye además una grabación acústica en directo.
"Type It Up" reúne tres canciones originales inéditas y dos versiones, entre ellas “Blue Monday” de New Order y “Who Loves the Sun” de The Velvet Underground, esta última acompañado de Rosanne Cash. El EP es un trabajo singular porque muestra muy diferentes registros que van desde la energía de “Martini Me Fatso” hasta la intimidad de la canción que da título al EP y la calma de “Ask For Water”.

Matt lo explica asegurnado que “Estas canciones surgieron del impulso y la energía de la gira de Get Sunk. Cada noche cambiaba las letras y las estructuras, y recibíamos comentarios en tiempo real del público y de las redes sociales. En la canción ‘Type It Up’ (que originalmente se llamaba ‘Black Letter Font’), la gente entendía mal la letra ‘That would look good in a black letter font’ y escuchaba ‘I would look good in a black leather thong’, así que decidí cambiar el coro. Yo soy más de usar un traje negro de lino”.

MEMOCRACIA “Diferente”

Memocracia vuelven a la carga con “Diferente”, el último adelanto de su esperado cuarto disco, “Cada vez más cerca”, que verá la luz el próximo 8 de octubre. Después de “Pum Pum”, “Siempre igual” y “Heridas de juventud”, la banda burgalesa sigue mostrando las diferentes caras de su nuevo trabajo.
"Diferente” habla de algo bastante cercano: el conflicto entre sacar adelante un proyecto que exige cada vez más y no perder por el camino a las personas que tenemos cerca. Hay decisiones que obligan a elegir, momentos en los que parece que no llegamos a todo y esa sensación de estar dejando demasiado tiempo y demasiadas cosas por el camino. “Elijo perder si así puedo verte, ya no sé si soy tan fuerte” resume perfectamente esa parte más vulnerable de la canción.
Musicalmente, Memocracia siguen avanzando sin renunciar a la contundencia que les ha acompañado desde el principio. En esta ocasión aparecen nuevos matices que acercan su sonido a terrenos como los de Soul Blind, Fleshwater o Deftones, con guitarras pesadas, una base rítmica con mucha presencia y una producción especialmente limpia y potente. Santi García se ha encargado de la producción en Ultramarinos, consiguiendo que toda esa intensidad llegue con mucha claridad, sin perder la energía ni las ganas de hacer ruido.
Ellos mismos reconocían recientemente que el nuevo disco supone una evolución respecto a “Rabia & Ternura”, con una dirección más cercana al hardcore punk y con mayor protagonismo de la batería, y el bajo.

CHVRCHES "Roses"

 

La banda escocesa Chvrches regresa cinco años después de su último álbum, el decepcionante disco-pop "Screen Violence" (2021). Su nueva canción "Roses" viene marcada por un sonido oscuro e industrial con letra de calado político, en la que se reflexiona de manera crítica sobre el impacto de la memoria histórica en la sociedad británica actual. Habla de las teorías de la conspiración y los bulos de las redes sociales: "muerto de miedo ante los horrores de tu propia mente". En la canción se usan voces de niños que remiten a la pérdida de la inocencia, y finalmente se afirma que "una mujer es una mujer, aunque quieras verla muerta", en un claro mensaje feminista.

El trío conformado por Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty están de vuelta: "Este es el descanso más largo que jamás habíamos tomado entre álbumes y, cuando nos reunimos para componer nueva música, queríamos esforzarnos de verdad y no desandar caminos que ya habíamos recorrido antes. Realmente creo que lo conseguimos. Se siente como la visión más coherente que hemos tenido como banda. Estamos muy emocionados de estar de vuelta...", ha declarado Lauren Mayberry en un comunicado de prensa.

En este largo lapsus Lauren Mayberry ha lanzado un decepcionante álbum en solitario,  "Vicious Creature" , publicado a finales de 2024 e Iaian Cook se ha dedicado a remezclar viejos hits de Cranberries como "Linger" y "Ode to My Family". De nuevo centrados en su banda Chvrches anuncian que para celebrar el lanzamiento, van a reralizar algunos conciertos íntimos en recintos secretos de Glasgow y Londres los días 26 y 29 de octubre, respectivamente, cuyos beneficios irán destinados a causas benéficas.

APARTAMENTOS ACAPULCO "Todos quien ser los campeones"

Apartamentos Acapulco nos presenta su obra más autorreferencial, concebida como una celebración de los 10 años de carrera que llevan recorridos. Por eso precisamente "Todos quien ser los campeones" recoge influencias y sonidos de distintas etapas de la banda. El proyecto liderado los granadinos Ismael Cámara y Angelina Herrera edita su quinto disco con un arsenal de bonitas melodías repletas de distorsión, frescas, en las que repasan sus influencias, desde Los Planetas, La Buena Vida o Los Motorizados.
“Sólo quiero descansar” y “Fiesta transparente” muestran esa capacidad para construir melodías aparentemente sencillas que terminan creciendo gracias a las guitarras y los sintetizadores. Hay canciones más luminosas y otras en las que vuelve a aparecer ese punto de melancolía que siempre ha acompañado a la banda. “Paracaidistas en la playa” continúa por ese camino, mientras que “21 Versiones” juega con las texturas y las diferentes capas sonoras.
Una de las características más interesantes del disco es precisamente esa sensación de estar recorriendo distintas etapas de Apartamentos Acapulco sin que parezca un recopilatorio. Ellos mismos lo explican como una evolución de su sonido durante estos diez años: desde las primeras canciones más etéreas hasta un presente en el que las guitarras tienen todavía mucho peso, aunque convivan con nuevos espacios electrónicos.
El tramo final nos deja “Scarlett (versión 10 años)”, una nueva mirada a una de las canciones más importantes de su trayectoria, “Siempre es de noche” y “Quien tiene pena no entiende”. Esta última conserva además ese aire de posible despedida que había aparecido en trabajos anteriores, aunque en esta ocasión Apartamentos Acapulco han decidido mirar hacia delante.
Diez años después, Apartamentos Acapulco siguen haciendo lo que mejor saben: canciones de guitarras, ruido, melodías y emociones que parecen estar siempre a punto de desaparecer entre la niebla para volver a aparecer unos segundos después. Quizá por eso el título del disco tenga algo de ironía. Aquí no parece importar demasiado quién gana. Lo importante es seguir haciendo canciones, a pesar de que siempre han rozado pasar a ligas mayores nunca han conseguido ser un grupo de grandes éxitos, como recuerdan en "Solo quiero descansar" cuando dicen: "Los días pasan y nada llega, los días pasan y todo sigue igual". 

THE ROLLING STONES "Mr Charm"

 

The Rolling Stones estrenan el videoclip de "Mr Charm", una canción juguetona y provocadora incluido en su último disco de estudio “Foreign Tongues” lanzado el pasado 10 de julio, el número 25º de su carrera. Como curiosidad hay que destacar que en el arranque del clip hay un personaje que aparece bailando al ritmo de “Start Me Up”, lo que convierte este vídeo en un elemento autorreferencial y un guiño al propio pasado de la banda.

En esta canción Mick Jagger nos habla de un hombre dotado de un magnetismo irresistible que interpreta Alexander Skarsgård, conocido por sus trabajos en series como ‘True Blood’ y ‘Succession’. En el vídeo, dirigido por Henry Scholfield, el actor sueco entra contoneándose, medio vestido, en un pequeño restaurante de carretera de un pueblo del desierto y pone a todo el mundo enloquecido con su encanto personal. Un tipo irresistible que es un gigoló, un buscavidas de verbo fácil que va tras el dinero de una mujer rica, como canta  Jagger le dice a una amante adinerada: "La vida es demasiado corta para pasársela haciendo dinero / Enséñame cómo gastarlo, cariño".

"Mr Charm" es el tercer sencillo de "Foreign Tongues", y el tercero consecutivo cuya promoción gira en torno a una estrella de la pantalla, en lugar de al propio grupo. Con este videoclip, Alexander Skarsgård se suma a una serie de actores que han protagonizado recientemente vídeos de los Rolling Stones. Antes que él, Anya Taylor-Joy y Charles Melton aparecieron en el videoclip de "Jealous Lover", mientras que Odessa A’zion protagonizó el de "In The Stars". Ellos han adaptado el papel interpretativo en sustitución de un cantante que ha cumplido ya los 83 años, ceder el papel del seductor a un actor más joven es una broma que la propia canción ya hace sobre sí misma.

SEÑOR TORRANCE "Maniobras"

"Maniobras" es el nuevo single de la banda Señor Torrance, un tema que habla sobre el amor, el desgaste y las difultades de la convivencia. Tan real como la vida misma, hasta el punto de que más de unos se puede sentir identificado. La canción cuenta con la colaboración vocal de Sandra, de Juniper Moon. 

El tema está producido por Carlos Hernández Nombela, quien propuso incorporar la voz de Sandra, vocalista de Juniper Moon, la emblemática banda indie de los 90. Su participación aporta un contrapunto especial a la canción y convierte "Maniobras" en un interesante diálogo entre dos voces y dos maneras de enfrentarse a una misma historia, con un cruce de reproches y complicidades. Cantan las verdades a la cara sin perder el sentido del humor.
En la canción, Señor Torrance convierte una relación de pareja en una pequeña partida de estrategia: movimientos, silencios, desencuentros y esa sensación de que, cuando todo parece perdido, todavía queda una última jugada.
"Maniobras" es uno de los adelantos que formarán parte de su nuevo álbum, para un disco que combina rock y pop. Tras una etapa marcada por los directos y una gira que les ha llevado por escenarios de toda España, Señor Torrance continúa avanzando hacia su próximo trabajo discográfico.

FONTAINES D.C. “Tongue”

Fontaines D.C. refuerzan su intensidad. Acaban de presentar “Tongue”, el segundo adelanto de su próximo álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Marianne”, los irlandeses vuelven a demostrar que no tienen ninguna intención de quedarse quietos ni de repetir la fórmula de “Romance”.
“Tongue” es una canción mucho más física, oscura y extraña. Desde el principio hay algo que incomoda. El bajo tiene un protagonismo enorme y avanza con ese ritmo casi hipnótico mientras la voz de Grian Chatten aparece transformada, deformada, como si estuviera intentando escapar de la propia canción. La banda juega con la velocidad de la cinta, los samplers y diferentes tratamientos de la voz para conseguir un sonido que por momentos resulta casi irreconocible. Y ahí está precisamente una de las cosas más interesantes de “Tongue”. Fontaines D.C. siguen alejándose poco a poco del post-punk de sus primeros discos. Las guitarras continúan presentes, pero ya no tienen que llevar todo el peso de las canciones. Hay piano, cuerdas, percusiones y una producción mucho más retorcida que convierte el tema en algo que parece estar a medio camino entre el rock alternativo, la electrónica y una especie de funk oscuro.
La canción empieza contenida y va creciendo poco a poco hasta terminar explotando. No buscan el estribillo fácil ni el golpe inmediato. Todo parece estar colocado para generar tensión, para que tengamos la sensación de que algo está a punto de ocurrir. Y cuando finalmente llega, Fontaines D.C. vuelven a demostrar que saben construir canciones que crecen con cada escucha.
“Tongue” encaja perfectamente dentro de la idea de “Dopamine Chamber”. Grian Chatten ha explicado que el nuevo disco pretende funcionar como una especie de espacio en el que la banda juega con diferentes estados de ánimo y sensaciones, en un mundo cada vez más dominado por la tecnología, la sobreestimulación y la pérdida de humanidad.
Después de “Marianne”, este segundo adelanto confirma que Fontaines D.C. están buscando algo diferente. “Romance” ya suponía un paso adelante respecto a sus primeros trabajos, pero todo apunta a que “Dopamine Chamber” va a llevar esa transformación todavía más lejos. Menos guitarras, más sintetizadores, voces manipuladas, arreglos orquestales y una producción que deja bastante espacio para la experimentación.
“Tongue” es, de momento, otra magnífica pieza de este nuevo universo de Fontaines D.C. Una canción incómoda, hipnótica y oscura que necesita varias escuchas para descubrir todo lo que esconde. Si “Marianne” abría la puerta, “Tongue” parece invitarnos a entrar un poco más en esa “Dopamine Chamber” que la banda ha construido.
Y cada vez tengo más ganas de comprobar qué nos espera al otro lado.

ARDE BOGOTÁ "Manufacturas del club de la gente sola"

Arde Bogotá está a punto de publicar su tercer disco, "Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS)" las expectativas son tan altas que se ha convertido en un acontecimiento esperadísimo. Se pondrá a la venta el próximo viernes 2 de octubre. Once canciones que llegan después de "La noche" y "Cowboys de la A3", y en las que la banda de Cartagena amplía su propuesta musical. Un trabajo que han llegado a definir como un álbum "triste, jodido y profundo".

La banda de Cartagena asegura que “este disco es un manual de instrucciones para hacerte un corazón que no sienta nada". Nos hemos podido hacer una idea con las canciones que han ido adelantando: "Instrucciones", el primer adelanto y carta de presentación de esta nueva etapa de la banda; "Antifiesta" otro de los temas clave que ya se encuentra disponible en plataformas digitales y "El Club de la Gente Sola" lanzado como el tercer adelanto oficial a finales de agosto, dándole además parte del título al álbum.

Antonio García (vocalista), Dani Sánchez (guitarra), Pepe Esteban (bajo) y José Ángel Mercader (baterista) se consideran más que una banda, cuatro amigos que hacen música. Y en este momento han decidido que tocaba hablar de "aislamiento, deseo, pertenencia y búsqueda", así que han tomado como protagonistas a ese gente que se siente sola, algo lamentablemente demasiado habitual en nuestra sociedad. De modo que en "Asidero" se preguntan: "¿Quién montó este porvenir,/ quién montó este viaje sin retorno/ ni nadie a bordo?".
Es un disco que reflexiona y que no presenta un futuro esperanzador. "El Club de la Gente Sola" es una canción de desamor que habla de una pareja que se rompe y que proclama la necesidad de que exista un club de la gente sola. Esa es la idea que rodea al disco, por mi descorazonadora que resulte.
Este nuevo trabajo lo presentarán en Madrid en La Riviera el 26 y 27 de noviembre, con las entradas ya agotadas.El 29 de octubre inician una gira llamada 'Hervideros', con la que la banda vuelve, a excepción de algún gran recinto como la plaza de toros de El Bibio en Gijón, a salas de tipo medianas. Después de actuaciones con decenas de miles de personas, tocar en sitios más pequeños es para ellos muy reconfortante.

PLACEBO " Helen Keller"

 

El próximo jueves voy a verles en directo en Madrid. Es una de esas bandas que me han acompañado a lo largo de la vida y que ya son como compañeros de viaje. Coincidiendo con el inicio de su gira 30 aniversario ayer compartían este nuevo y melancólico sencillo titulado "Helen Keller". El tema se inspira en la pieza instrumental oculta de 1996 "HK Farewell", un tema que surgía cuando ya pensabas que su disco de debut, de título homónimo de 1996, ya había acabado. Conserva la atmósfera etérea de «HK Farewell», pero la lleva a un terreno de rock más pesado y angustioso.
“Esta es una nueva canción de rock inspirada en la melodía de piano de 'HK Farewell' y que lleva el nombre de una de mis personas favoritas de la historia”, ha asegurado Brian Molko sobre el tema.
Keller fue una autora estadounidense, defensora de los derechos de las personas con discapacidad y activista política que quedó sordociega en su infancia y llegó a ser una escritora y activista de renombre internacional.
La canción se interpretará todas las noches durante la gira actual de la banda. El sencillo da continuidad a las celebraciones de Placebo por el 30 aniversario de su debut. En junio pasado, la banda lanzó "Placebo RE" , una reinterpretación de su álbum homónimo, para el cual Molko y Stefan Olsdal retomaron las cintas maestras originales y reelaboraron las 10 canciones del disco de 1996, junto con "Drowning By Numbers" y "HK Farewell". La banda describió el proyecto como una "versión del director", una forma de reflejar tres décadas de presentaciones en vivo sin borrar ni reemplazar el álbum original.

CATENACCIO "Pájaro negro”

 

Catenaccio es el último supergrupo patrio. La banda está formada por Javi Ferrara, líder y vocalista de Parquesvr, y Fernando Naval, líder, vocalista y guitarrista de Camellos, junto a componentes de Vera Fauna y los propios Camellos. Todos juntos en esta colaboración singular resentan su primer single, que lleva por título "Pájaro negro”.

Esta canción firma esa alianza que es un homenaje a Robe Iniesta, quien fuera líder de Extremoduro, al que pretenden rendir culto, en un tema con guiños al rock urbano. Se conocieron entre bambalinas, en los camerinos y en los espacios de salas y festivales, congeniaron y ahora han decidido juntarse en estudio, en el local de ensayo y crear algo juntos."Pájaro negro", mezclada y producida por Raúl Pérez en Grabaciones en La Mina, es la primera piedra de Catenaccio, un proyecto que coge su nombre de una estrategia futbolística ultradefensiva para un proyecto que, claramente, va al ataque. Pronto prometen dar más sorpresas. Hay que estar atentos.

U2 "Silencio"

 

Porque U2 llevaba nueve años sin publicar un álbum de material nuevo. Nueve años de silencio son suficientes para que una banda pueda convertirse en una institución, una marca, un recuerdo o las tres cosas a la vez. Ahora, en cambio, llega con título en español,"Carnaval De Luz", un disco que se publicará el 13 de noviembre y que reunirá doce canciones.
El título del álbum tampoco parece casual. "Carnaval De Luz": celebración y oscuridad, carne y espíritu, fiesta y amenaza. Bono lo ha explicado con imágenes de luces, criaturas, guitarras altas y fuegos. El comunicado de la banda habla, además, de espiritualidad, amistad, libertad y resistencia frente a fuerzas oscuras.
Su nuevo lanzamiento "Silencio" encaja en ese paisaje. La canción juega con una palabra que en U2 siempre ha tenido peso. Silencio como ausencia. Silencio como amenaza. Silencio como refugio. Silencio como aquello que queda cuando ya no sabemos qué decir. La letra se mueve entre imágenes religiosas, violencia, deseo y pérdida, mientras el estribillo convierte el título en una especie de consigna.
Y claro está tenemos ese detalle mexicano. "Silencio" llega después de "Street of Dreams", publicado en julio como primer adelanto del nuevo álbum. Entre ambos temas hay una diferencia interesante: mientras aquel servía como presentación más reconocible del regreso, este segundo movimiento parece interesado en recordar que U2 todavía puede permitirse ensuciarse saltando al barro, con vibrantes guitarras. Antes de que llegue el carnaval completo, U2 ha decidido hacer algo bastante más sencillo: subir el volumen.
El videoclip vuelve a México y está dirigido, al igual que el anterior, por Cliqua, el dúo formado por Pasqual Gutiérrez y Raúl “RJ” Sánchez. Pero el disco traerá más sorpresas y eso, para una banda que cumple cincuenta años de historia precisamente esta semana, no es poca cosa. "Carnaval De Luz" contará con colaboraciones llamativas, entre ellas Rosalía en "The Mirror Maker" y Dolly Parton, fallecida el pasado agosto, en "Torn", además de nombres como Brian Eno, Martin Garrix y Daniel Lanois vinculados al proyecto. El el decimosexto álbum de estudio de U2 según adelantan abordará asuntos como la espiritualidad, la libertad y “la resistencia frente al avance de fuerzas oscuras”.

LOS PUNSETES "El año del caballo"

 

 Los Punsetes celebraban hace poco veinte años de carrera con un disco en que invitaban a grupos amigos a que reinterpretaran sus canciones en "Que Le Den Por Culo A Tus Amigos". En total han publicado siete álbumes llenos de himnos, el último de ellos "AFDTRQHOT" (2022). Pero eso va a cambiar pronto, lo anuncian con “El año del caballo”, el segundo single de su próxima grabación, tras "Una persona triste". El quinteto madrileño ha querido explicar esta nueva canción indicando que "es la narración de una persona desesperada, al borde del abismo, a la que solo le queda soñar con un movimiento astronómico capaz de cambiar de una vez su miserable suerte". Entre los riffs de guitarra de melancolía surge la voz clara de Ariadna: “¿Qué me está pasando últimamente? Tengo miedo todo el rato de morirme de repente”. Una reflexión con la que muchos nos podemos sentir identificados.
El disco ha sido producido por Paco Loco y Los Punsetes y cuenta con la mezcla de Sergio Pérez García (Svper) y el máster de Greg Obis (MJ Lenderman, Slow Pulp, Duster…) en Chicago Mastering Service. Un tema para burlarte de los supersticiosos mientras envidias su ilusión.

MAN/WOMAN/CHAINSAW "Cannonball"

Este joven sexteto formado por cuatro chicas y dos chicos surgen también en torno a la sala Windmill, en el barrio londinense de Brixton, un pub con apenas 150 personas de capacidad que se ha convertido en la incubadora de bandas caracterizadas por sus estructuras complejas, secciones de viento, letras semi-habladas (spoken-word) y directos catárticos. Muchas de ellas crecieron al amparo del sello independiente Speedy Wunderground del productor Dan Carey. De aquí surgieron grupos como Black Midi, Squid, Black Country, New Road, Fat White Family, Goat Girl, Maruja...
Man/Woman/Chainsaw son una joven formación londinense que llega por fin a su primer álbum después de varios años recorriendo la escena independiente británica. “Cannonball” es un disco difícil de encasillar, donde conviven el post-punk, el art-rock, el shoegaze, el pop y momentos más cercanos al rock experimental. La banda, como ya te he contado, está formada por seis músicos y cuenta además con tres voces principales, algo que aporta diferentes matices a unas canciones que cambian constantemente de dirección. “Only Girl” abre el álbum con guitarras, violín y una melodía que crece hasta convertirse en una de sus grandes bazas, mientras que “Canyons” o “Nosedive” muestran su capacidad para combinar estructuras poco convencionales con estribillos que funcionan. También hay espacio para el dramatismo de “Goddamn, Lizard Man!”, el sonido más oscuro de “Flick Of The Wrist” o la contundencia de “The Thing” y “Still Angry”. Producido por Margo Broom y Seth Evans, “Cannonball” suena como un disco de una banda que todavía tiene muchas cosas que descubrir, pero que ya sabe perfectamente que las canciones están por encima de las etiquetas. Once temas llenos de cambios, guitarras, violines, teclados y mucha energía. Man/Woman/Chainsaw son, sin duda, uno de esos nombres que conviene tener muy presentes en el efervescente panorama londinense.