MAN/WOMAN/CHAINSAW "Cannonball"

Este joven sexteto formado por cuatro chicas y dos chicos surgen también en torno a la sala Windmill, en el barrio londinense de Brixton, un pub con apenas 150 personas de capacidad que se ha convertido en la incubadora de bandas caracterizadas por sus estructuras complejas, secciones de viento, letras semi-habladas (spoken-word) y directos catárticos. Muchas de ellas crecieron al amparo del sello independiente Speedy Wunderground del productor Dan Carey. De aquí surgieron grupos como Black Midi, Squid, Black Country, New Road, Fat White Family, Goat Girl, Maruja...
Man/Woman/Chainsaw son una joven formación londinense que llega por fin a su primer álbum después de varios años recorriendo la escena independiente británica. “Cannonball” es un disco difícil de encasillar, donde conviven el post-punk, el art-rock, el shoegaze, el pop y momentos más cercanos al rock experimental. La banda, como ya te he contado, está formada por seis músicos y cuenta además con tres voces principales, algo que aporta diferentes matices a unas canciones que cambian constantemente de dirección. “Only Girl” abre el álbum con guitarras, violín y una melodía que crece hasta convertirse en una de sus grandes bazas, mientras que “Canyons” o “Nosedive” muestran su capacidad para combinar estructuras poco convencionales con estribillos que funcionan. También hay espacio para el dramatismo de “Goddamn, Lizard Man!”, el sonido más oscuro de “Flick Of The Wrist” o la contundencia de “The Thing” y “Still Angry”. Producido por Margo Broom y Seth Evans, “Cannonball” suena como un disco de una banda que todavía tiene muchas cosas que descubrir, pero que ya sabe perfectamente que las canciones están por encima de las etiquetas. Once temas llenos de cambios, guitarras, violines, teclados y mucha energía. Man/Woman/Chainsaw son, sin duda, uno de esos nombres que conviene tener muy presentes en el efervescente panorama londinense.

MAIKA MAKOVSKI "I Live in a Boat"

 

Maika Makovski publicará el próximo 25 de septiembre un disco en directo titulado "Live-Palau!" que recoge el concierto con el que celebró sus 20 años de carrera el pasado 4 de marzo en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, junto a cinco bandas y una treintena de invitados.

Para presentar este álbum doble ha escogido el tema "I Live in a Boat", una canción que resume el espíritu festivo de aquella noche. Para que la fiesta no termine la publicación del disco, con una veintena de canciones en directo, dará paso además a la continuación de la celebración sobre los escenarios. Maika Makovski recorrerá 20 ciudades, regresando también a muchas de las salas y territorios que la acogieron en los primeros años de su carrera acompañada por su banda original: David Martínez a la batería, Juan Carlos Luque al bajo y Bobbi Relac a la guitarra. Fechas: 

25/9 VILAFRANCA DEL PENEDES Auditori
26/9 BARCELONA La Mercé
09/10 VALENCIA 16 Toneladas
10/10 CASTELLÓN Terra
13/10 ZARAGOZA Rock & Blues (Ciclo Petit Comité)
14/10 GASTEIZ Helldorado
23/10 SANTA CRUZ DE TENERIFE Tenerife Peñón Fest
06/11 BILBO Tbc
27/11 DONOSTIA Dabadaba
28/11 SEGOVIA Wic
16/01 LLEIDA Café Teatre
21/01 MURCIA Auditorio Victor Villegas
23/01 SEVILLA Sala X
04/02 ELCHE La Matinal
11/02 MADRID Lula Club

WESTSIDE COWBOY "It Goes On"

 

Westside Cowboy presentan su primer disco largo, “It Goes On”, un trabajo en el que el cuarteto de Manchester, ha experimentado una evolución significativa después de causar sensación con su EP de 2025, "This Better Be Something Great". Conocidos inicialmente por su sonido minimalista y por acuñar el género que ellos mismos denominan 'Britainicana', una mezcla de elementos country y rock indie. La banda ha madurado rápidamente, sus primeros temas dejaban entrever sus raíces country a través de la presencia ocasional del violín o de la guitarra de acero, aunque su verdadera energía nace de los ritmos contundentes, las guitarras de sonido cristalino y las armonías entrelazadas. 
El cuarteto formado por Reuben Haycocks, Jimmy Bradbury, Aoife Anson-O’Connell y Paddy Murphy da un paso adelante sin perder esa manera directa y espontánea de entender el rock. Indie británico, folk, americana, power pop y algo de ese sonido de guitarras que nunca pasa de moda se mezclan en canciones como “Kick Stones (The Boys)”, “Dobro”, “Worried Age” o “Pin Up Boys”, dejando también espacio para momentos más tranquilos como “Patchwork” o “Take My Leaving As I Love You”.
El disco mantiene esa sensación de estar escuchando a una banda tocando junta en una sala, con guitarras nerviosas, baterías contundentes y unas armonías vocales que son una de sus principales señas de identidad. Suena espontáneo, imperfecto y cercano. Hay ecos de Velvet Underground, The Feelies o Parquet Courts, pero también de ese indie americano que busca melodías sencillas y canciones que funcionan especialmente bien cuando suben de intensidad.
“Kick Stones (The Boys)” abre el disco con guitarras aceleradas y un ritmo que enseguida nos mete en su universo, mientras que “Paperchains” juega con sonidos más luminosos. En el otro extremo encontramos canciones como “Coyote” o “Worried Age”, donde aparece una cara más reflexiva y melancólica, hablando de la ansiedad, la incertidumbre y la sensación de no saber muy bien hacia dónde dirigirse.
También merece la pena destacar “Pin Up Boys”, uno de los momentos más intensos del álbum, frente a temas más desnudos como “Patchwork” o “Take My Leaving As I Love You”, donde la banda deja más espacio a las guitarras y a las voces. Esa variedad hace que el disco no se quede únicamente en el típico ejercicio de revival guitarrero. Un debut que precisamente confirma que desde Manchester siguen apareciendo nuevas bandas dispuestas a darle una vuelta al rock de guitarras.

VETUSTA MORLA "Si vuelves"

 

"Si vuelves", el título es premonitorio, un tema que sirve como la primera canción de su próximo proyecto discográfico tras más de dos años de reposo creativo, como ellos mismos indicaron. Vetusta Morla regresan y el lanzamiento llega acompañado de un videoclip rodado en formato de 16 milímetros y dirigido por Iván Blanco, quien explora la historia de dos amigas a través de una elipsis para reflexionar sobre el cuerpo como superficie donde se inscribe lo psicológico y lo social. Dos amigas que comparten unas cicatrices que no las definen ni señalan, sino que las construyen.

El grupo reaparece con un sonido más orgánico. Sobre esta nueva etapa, la banda reflexiona:"Las canciones solo nacen de verdad cuando las personas se encuentran. Al final, terminan siendo memoria compartida. Este regreso no es solo una gira, es reactivar ese mecanismo único donde la música sucede entre personas". Asimismo, añaden: "Juntarse alrededor de una canción sigue siendo una de las formas más reales de imaginar que las cosas pueden ir bien".

Para presentar este nuevo repertorio, el grupo se embarcará en la 'Gira de Vuelta – Canciones de Ida', un ciclo de conciertos en directo que arrancará el próximo 2 de octubre y recorrerá siete ciudades españolas.Toma nota:
2 de oct - Barcelona, Palau Sant Jordi
9 de oct - Valencia, Roig Arena
24 de oct - Pamplona, Navarra Arena
31 de oct - Málaga, Auditorio Municipal Cortijo de Torres
06 de nov - A Coruña, Coliseum
07 de nov - A Coruña, Coliseum
14 de nov - Sevilla, Live Sur Stadium
19 de nov - Madrid, Movistar Arena
20 de nov - Madrid, Movistar Arena
21 de nov - Madrid, Movistar Arena

EX:RE "Save As"

Elena Tonra, la voz de Daughter, retoma su alias Ex:Re , el mismo con el que editó un disco homónimo en 2018. Fue su proyecto en solitario y aunque aseguró que no pensaba editar más álbumes con ese nombre, pero en 2023 el productor Fabian Prynn, quien también había sido el productor de aquel disco, le llevó bocetos de canciones al estudio. Le gustaron tanto que se pusieron a trabajar y ha anunciado la publicación de un nuevo disco titulado "Save As", que llegará a las tiendas el 30 de octubre a través de 4AD.

Tal y como explica Tonra, el álbum "funciona como una nueva muestra del pulso narrativo que fluye en mi interior para describir los detalles más angustiosos de la conciencia humana: los pensamientos que consumen y los lugares a los que uno viaja para escapar de ellos. El eje central del disco es, precisamente, la manera en la que recordamos aquellos momentos". Volver a escucharlas o interpretarlas, en sus palabras, "es como viajar atrás en el tiempo".
El álbum cuenta con Josephine Stephenson en el chelo, Hinako Omori en sintetizadores, Ben Reed en el bajo y Jethro Fox en la guitarra eléctrica. El sencillo de adelanto, "Radio Station", usa la imagen de una estación de radio que cambia como metáfora de cómo Tonra siente su propia mente, con esos recuerdos y el regreso a ellos.
Ex:Re hará una serie de shows en tiendas durante la semana de lanzamiento: Rough Trade East en Londres el 30 de octubre, Resident en Brighton el 31 de octubre, Jumbo Records en Leeds el 4 de noviembre, Jacaranda Basement en Liverpool el 5 de noviembre y Truck Store en Oxford el 6 de noviembre.

ALCALÁ NORTE "El Endemoniao"

Alcalá Norte acaban de compartir "El Endemoniao", tercer y último avance de su segundo disco. Esta nueva canción de los madrileños formará parte de "Dejémoslo como estaba" recupera esos bajos angulosos, sintes ochenteros y guitarras afiladas para construir una historia que retrata a Federico Nietzsche en un arrebato de paganismo. El filósofo alemán tiene un encuentro con el escritor Stephan Zweig, al que acusa de “traicionar” su confianza, después de desvelar éste en sus stories de Instagram una serie de audios en los que Nietzsche glosa la vida mediterránea, pero confiesa “no entenderse favorablemente con los italianos”, a los que considera “peores que los bárbaros”.
En su encendido discurso, Nietzsche utiliza el verso de Alcalá Norte para ganarse el favor del Sol y coger rápidamente algo de color, después de “mustios meses en Turín corriendo tras de mi propia alma como en espiral, en círculos cada vez más vastos”. Deseoso también de zambulirse en nuestra orilla del Mediterráneo, “y también en el Cantábrico”, Nietzsche ofrece a la banda Alcalá Norte estrofas de acalorada dlefensa de la dieta mediterránea, así como controvertidas declaraciones pseudocientíficas sobre el control consciente de los niveles de cortisol.

Hace menos de 24 horas han estrenado este vídeo casero, sin florituras ni grandes costes de grabación.
“El endemoniao” se une a “Los llamados pitagóricos” y “El hombre planeta” como el tercer adelanto de un disco, "Dejémoslo como estaba", al que ya le vamos viendo las costuras. Mientra “Los llamados pitagóricos” tiraba del post-punk más oscuro de sus comienzos, “El hombre planeta”, se movía en un terreno más cercano al pop rock, y ha tenido una vida propia más allá de la música al ser elegida para incluirla en el videojuego FC27.
El lanzamiento de "El Endemoniao" coincide con el anuncio del concierto más grande de su carrera, ya que debutarán en el Movistar Arena de Madrid, un recinto para más de 15.000 personas, el próximo 20 de febrero de 2027. Las entradas para la cita ya están a la venta a través de lasttour.org, la promotora que organiza la gira.

NEIL YOUNG "Second Song"

 

Neil Young no quiere quedarse quieto a sus 80 años y sigue publicando discos interesantes fiel a su sonido, como si el tiempo no transcurriera. Mañana, 18 de septiembre, publicará su nuevo álbum de estudio, "Second Song", grabado junto a The Chrome Hearts en el estudio Shangri-La de Rick Rubin. El álbum contiene cinco canciones totalmente nuevas con composiciones de su archivo escritas en los años 60. En la producción ha utilizado la grabación simultánea en formatos analógico y digital de alta resolución para rescatar la calidez y profundidad sonora tradicional de aquellos tiempos, que ahora resultan tan añorados.

La canción "Second Song", que da al título, resulta tan íntima que derrumba muros, con esa melodía contagiosa en la que bailan las guitarras y la armónica. Este lanzamiento garantiza la continuidad de su trabajo con The Chrome Hearts tras el álbum "Talkin To The Trees"(2025) y el directo "As Time Explodes" (2026). A pesar de que Neil sigue empeñado en recuperar grabaciones guardadas e inéditas que acaba de anunciar con "Archives Volume IV", la penúltima entrega de su histórica serie de archivos que abarcará el periodo entre 1987 y 2004, e incluirá temas nunca publicados, mezclas alternativas y el esperado concierto completo de 1995 en Dublín junto a miembros de Pearl Jam. Aunque tenía programada una gira europea con The Chrome Hearts para el verano de 2026, decidió cancelarla en febrero alegando que prefería tomarse un descanso, por lo que su actuación de septiembre en Farm Aid a finales de septiembre marcará su regreso a los escenarios.

HANA “Otra vez”

Hana (Florencia Ciliberti) vuelve al electropop y al synthpop Con “Otra vez” , una canción planteada como una historia de resiliencia, anticipa el disco que la artista visual porteña publicará en noviembre. Este es el segundo sencillo del nuevo álbum de la artista, un tema creado para ser bailado en las pistas. El colorido videoclip que lo acompaña está dirigido por Pablo Gómez Samalea, artista visual, director cuya obra ha sido expuesta en espacios destacados como el Premio Klemm, el Salón Nacional de Artes Visuales del Palais de Glace y ArteCo. Actualmente, su obra se exhibe de forma permanente en la galería Azur Contemporáneo de Buenos Aires.  
Como lo viene realizando en sus últimos videoclips Hana elige a artistas visuales que pueden aportar un plus a su obra musical, en el cruce entre el campo del arte y el sonido. Actualmente se encuentra en la postproducción de su segundo cortometraje "Este verano quiero tener romances" y en el desarrollo de su primer largometraje de ficción "En revistas en la tv", en el que casulamente participa Hana como actriz y en su banda sonora. La alianza de ambos artistas está más que demostrada.

PJ Harvey "Voyager"

 

PJ Harvey siempre está dispuesta a sorprendernos. Han pasado tres años desde su último lanzamiento discográfico y ahora llega con una nueva perspectiva musical. siempre dispuesta a renovarse."Voyager" es una canción que podemos definir como ambiental que nace por la petición expresa del físico Brian Cox, quien pidió una canción como base musical para la gira de sus espectáculo divulgativo "Emergence". 
Tomando su nombre de la nave que la NASA lanzó al espacio en 1977, "Voyager" ha sido escrita por la propia PJ Harvey, que se encarga de sintetizadores, voces y percusiones, con los arreglos orquestales de la The Miraval Orchestra, dirigida por Dario Marianelli, y la participación del propio Brian Cox encargándose de algunos sintetizadores. El tema rinde, además, homenaje a Carl Sagan a través de una referencia a su concepto "pale blue dot", que sería cómo se ve nuestro planeta desde el espacio exterior, y que forma parte de la letra de la canción.

MAITEQUIERO "Montauk"

 

Tal como ha declarado hace poco: "Sin muchas florituras, esta canción habla de follar". Por contra la nota de prensa no es tan explícita: "La experiencia erótica de la que parte se diluye con el paso del tiempo. Ya no queda claro qué ocurrió realmente y qué ha construido la memoria".
Las cosas hay que llamarlas por su nombre, en estos tiempos de correcciones se agradece que MaiteQuiero no se ande por las ramas. La intención de Maite Gallardo Alba era alejarse del habitual punto de vista masculino de las canciones sobre sexo y acercarse a ese tema desde su punto de vista. Abandonando cualquier perspectiva romántica ella nos habla de vapor, cristales empañados y textualmente "puro amor como el fuego", de pasión desatada.
La ex-integrante de Shego sigue mostrando piezas de su próximo EP "Un ángel y yo", por lo que vamos descubriendo será una grabación intensa, donde no duda en usa guitarras distorsionada para crear un sonido áspero en ocasiones.

BRUCE SPRINGSTEEN "Land Of Hope and Dreams"

 

Bruce Springsteen nos acaba de regalar en formato streaming un video con siete de las canciones que el veterano rockero ofreció en mayo de este año en el marco estadounidense de su gira 'Land Of Hope and Dreams', un tour marcado por un fuerte tono político, concebido como respuesta musical al segundo mandato de Donald Trump y con fuertes críticas a las fuerzas armadas del ICE.

Como cuenta el músico: "Estoy encantado de lanzar nuestro concierto final de la gira americana Land of Hope and Dreams, grabado en el lugar de nacimiento de la libertad estadounidense, Filadelfia, Estados Unidos", declara Springsteen. "Durante la gira hicimos vibrar al público de un extremo al otro del país y, al mismo tiempo, alzamos la voz en defensa de nuestra Constitución, nuestra Declaración de Derechos y nuestra sagrada democracia, que están siendo atacadas por un presidente que actúa al margen de la ley y por su régimen. Todo ello ha quedado recogido en nuestro Philadelphia Freedom Cut. Espero que lo disfrutéis".

Grabado íntegramente durante el concierto del pasado 30 de mayo y con lanzamiento previsto en cuatro partes a lo largo de 2026, Bruce Springsteen and the E Street Band: Land of Hope and Dreams American Tour (Philadelphia Freedom Cut) muestra a un Springsteen fuertemente concienciado contra el gobierno de su país.

Este último tramo de la gira se inició tras los asesinatos de dos ciudadanos por parte de las fuerzas del ICE, a los que Springsteen respondió con la canción "Streets of Minneapolis", uno de los temas que se pueden disfrutar ya en streaming. Además, se incluyen en esta primera entrega canciones propias como "Born in the U.S.A.", "Death to My Hometown", "No Surrender" y "Darkness on the Edge of Town", junto con versiones del clásico de "Motown War" (compuesto por Barrett Strong y Norman Whitfield, y popularizado por Edwing Starr y The Temptations) y "Clampdown" de The Clash.
Los músicos que participaron en la gira americana Land of Hope and Dreams incluyeron a los miembros de la E Street Band Roy Bittan (piano y sintetizador), Nils Lofgren (guitarra y voz), Garry Tallent (bajo), Stevie Van Zandt (guitarra y voz) y Max Weinberg (batería), junto con Soozie Tyrell (violín, guitarra y voz), Jake Clemons (saxofón) y Charlie Giordano (órgano, teclados y acordeón).
Además, contaron con la participación de The E Street Horns and Percussion (Anthony Almonte, Barry Danielian, Eddie Manion, Ozzie Melendez y Curt Ramm) y de The E Street Choir (Ada Dyer, Curtis King, Lisa Lowell y Michelle Moore). Tom Morello actuó como invitado especial junto a Bruce Springsteen y la E Street Band en cada uno de los 20 conciertos de la gira.

ONA MAFALDA Y LA BIEN QUERIDA “Quiero”

 

Ona Mafalda publicará muy pronto su próximo EP titulado "Todo en orden". Para que nos hagamos una idea concreta de este trabajo nos presenta su cuarto adelanto después de "Nada", "Otra" y "Anthem"  vuelve a contar en la producción con Daniel Belenguer (Bearoid, Alavedra, Niños Bravos).

En esta ocasión la canción "Quiero" es una colaboración con La Bien Querida. Todo un himno al agradecimiento, al apoyo incondicional y a esos vínculos que nos sostienen cuando más los necesitamos. La unión de sus voces da vida a una canción llena de fuerza y emoción. Juntas han escrito este tema que ha sonado en directo por primera vez en el Festival de la Luz de Boimorto, celebrado a finales de agosto donde ambas formaban parte del cartel, y Mafalda invitó a Fernández-Villaverde a subir durante su concierto para interpretar juntas la canción.

Ona Mafalda sigue adelante con sus directos y, tras girar con Girando Por Salas y pasar por diversos festivales, donde ha presentado "Reset", el álbum de once canciones que publicó en octubre de 2025, ahora la podremos ver con su banda (Erin Memento a la guitarra, Carlos Bueno al bajo y Alex Moreno a la batería) en Madrid el 22 de octubre en la sala Clamores (Entradas) y en Londres el 12 de noviembre en The Old Blue Last. Las entradas están disponibles a través de www.onamafalda.com

GLASSHOUSE RED SPIDER MITE "Ride or Die"

 

Esta canción me ha volado la cabeza. Glasshouse Red Spider Mite regresa con su segundo sencillo del año, "Ride or Die", un potente tema de shoegaze repleto de reverberaciones, guitarrazos y acoples. Un tema intenso que habla de amor sin necesidad de ponerse trascendentales, que habla de estar al lado de alguien, de compartir las cosas buenas y también las malas, pero que lo hace envuelta en una espesa nube de guitarras, ruido y melodías.
El guitarrista Ethan, la voz principal en esta canción, dice: "Siempre sé mi compañero de aventuras" es una forma tonta de decir "te quiero", pero espero que eso lo haga un poco más sincero. También es la canción con mi parte de guitarra favorita, así que era lógico que la dedicara a mi persona favorita: mi novia".
Después de “Hell 1000”, donde la banda británica apostaba por un alt-rock más directo y contundente, “Ride or Die” vuelve a acercarlos a ese territorio entre el shoegaze, el dream pop y el rock alternativo que tan bien conocen. Las guitarras se multiplican, se superponen y crean una atmósfera que parece estar a punto de desbordarse en cualquier momento. Hay distorsión, pero también melodía. Ruido, pero sin perder nunca de vista la canción.
La letra es sencilla. “Always be my ride or die” puede parecer una manera un tanto torpe de decir “te quiero”, pero precisamente ahí está parte del encanto. Una declaración de amor escondida entre guitarras que parecen expadirse por todas partes. Y es que Glasshouse Red Spider Mite saben combinar muy bien esa fragilidad emocional con una instrumentación que crece alrededor de ella. La voz queda atrapada entre las capas de guitarras mientras la canción avanza con esa sensación tan propia del shoegaze de estar escuchando algo cercano y lejano al mismo tiempo.

XOEL LÓPEZ "Voa"

Xoel López ha compusto el nuevo himno oficial del RC Deportivo de A Coruña. Un tema que ha titulado  "Voa" y que ha presentado con un videoclip que recrea el entusiasmo de su afición, con la técnica del plano secuencia. Nace para reforzar la identidad del club en el aniversario de su 120 aniversario y tras su vuelta a Primera División. El himno busca conectar con todas las generaciones de deportivistas a través de "la emoción, la tradición y el sentimiento compartido".
Xoel López firma así el himno del club de su ciudad y de "sus amores", como él mismo apunta. El vídeo 
recorre los lugares más emblemáticos de A Coruña que simbolizan el camino hacia Riazor en un día de partido. Es un viaje aéreo por la ciudad, conectando espacios icónicos como la Marina, los Jardines de Méndez Núñez y el propio paseo marítimo, grabado con un dron. 
Xoel López ha contado para esta canción con una larga lista de músicos entre los que podemos citar a Adrián y Julián Seijas, Caamaño & Ameixeiras, los Kilomberos de Monte Alto, Xacarandaina, el Coro Juvenil Cantabile y la Orquesta Sinfónica de Galicia, entre otros. 

SENDING HEARTS TO ALL DEARIES "A Tribute To The Smashing Pumpkins"

 

The Smashing Pumpkins vuelven a recibir un nuevo disco tributo, en esta ocasión preparado por el sello Sumerian Records, al que han titulado "Sending Hearts To All My Dearies – A Tribute To The Smashing Pumpkins", que reune a artistas del rock, el metal y la escena alternativa para reinterpretar temas clave de la banda. En total el álbum recoge quince versiones.
El título de este recopilatorio lanzado a mediados de agosto lo eligió el propio Billy Corgan, que también ha dado su visto bueno al proyecto. El álbum reúne a artistas de distintas generaciones: Yonaka (Today), Palaye Royale (Bullet With Butterfly Wings), Barns Courtney (1979), Alice Glass (Drown) y Starbenders (Tonight, Tonight), entre otros. La edición digital se lanzó el pasado 14 de agosto, mientras que el doble vinilo llegará el 16 de octubre, en una edición física deluxe con varios colores.
Entre las versiones más interesantes destacan Tame Impala, que abre la compilación con una versión reimaginada de "Hummer", donde los arreglos psicodélicos y la producción contemporánea de Kevin Parker reinterpretan la atmósfera del original, aunque cualquier parecido con la original es una mera coincidencia.
Otros  grupos que participan en este recopilatorio aportan enfoques variados, desde la electrónica retro de Carpenter Brut hasta el metal de Between The Buried and Me, pasando por aproximaciones pop-rock y oscuras de artistas como The Midnight, Yonaka o Alice Glass.

KIKO VENENO Y ESTOPA "Yo y mi manager"

 

Parece que la alianza de Kiko Veneno y Estopa tenía ganas de pasarlo bien. Entre amigos, unas risas y una guitarra. “Yo y mi manager”, la nueva canción es el tercer adelanto de su próximo álbum, que llegará el 6 de noviembre y será su primer disco en cinco años. Y si en “Helicrisum” y “Precisamente” ya encontrábamos a un Kiko recuperando la rumba desde una perspectiva actual, ahora la fiesta se completa con los hermanos Muñoz.
“Yo y mi manager” nació en realidad hace cuatro años, durante un encuentro entre Kiko Veneno y Estopa en el camerino del Sant Jordi Club de Barcelona, antes de un concierto de C. Tangana. Lo que empezó como una improvisación alrededor de las exigencias de un mánager terminó convertido en una canción que ahora, por fin, llega a nuestras manos. Mezclando humor, calle, rumba y una cierta filosofía de andar por casa que muchas veces termina diciendo mucho más que cualquier discurso solemne.
Aquí el mánager se convierte en el protagonista involuntario de una canción divertida y surrealista. Que si beber agua, que si acostarse pronto, que si cuidar la voz, que si la gira mundial, que si Miami... Todo sirve para construir una pequeña historia llena de ironía sobre la vida de un músico y esas obligaciones que supuestamente existen para que todo vaya bien.
La producción corre a cargo de Bronquio, mientras que Raúl Pérez se ocupa de las mezclas en La Mina. Una combinación que permite que la canción conserve ese espíritu rumbero y espontáneo, pero con un sonido actual. Kiko Veneno vuelve a demostrar que la edad no tiene absolutamente nada que ver con las ganas de experimentar. A sus 74 años, continúa buscando nuevas conexiones y rodeándose de músicos de diferentes generaciones. Estopa, por su parte, encuentra aquí un terreno en el que se mueve con una naturalidad absoluta.Dos generaciones, una misma forma de entender la rumba y una canción que llevaba cuatro años esperando su momento.
“Yo y mi manager” es probablemente eso: una buena excusa para juntarse, reírse de las cosas serias y hacer una canción que entra fácil, tiene mucho humor y deja ganas de volver a escucharla.

FONTAINES D.C. "Marianne"

 

Los irlandeses acaban de presentar “Marianne”, el primer adelanto de su quinto álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Romance”, la banda vuelve a demostrar que no tiene ninguna intención de quedarse instalada en la fórmula que les ha llevado hasta aquí.
“Marianne” es una canción inquietante, atmosférica, hipnótica. Hay algo seductor en ella, pero también una sensación de peligro que va creciendo poco a poco. Fontaines D.C. dejan atrás parte de la contundencia guitarrera de sus primeros trabajos para adentrarse en un territorio más frío y sintético. Las guitarras siguen estando ahí, pero ya no parecen tener el mismo protagonismo: ahora comparten espacio con sintetizadores, percusiones y una producción mucho más envolvente.
Y ahí aparece Grian Chatten, siempre capaz de convertir una canción en algo que parece estar ocurriendo en algún lugar entre un sueño y una pesadilla. “Marianne” habla de escapismo, hedonismo y de esa necesidad de desaparecer cuando la realidad empieza a resultar demasiado incómoda. Una huida hacia delante que puede parecer liberadora durante unos minutos, pero que también esconde algo bastante más oscuro.
Al parecer la canción está inspirada en la serie “Ripley” y encaja perfectamente con la atmósfera que Fontaines D.C. parecen querer construir para su nuevo disco. Si en “Romance” había una cierta fascinación por la pérdida de humanidad y por un mundo cada vez más dominado por la tecnología, ahora parecen querer llevar esa idea todavía más lejos. “Dopamine Chamber” nace precisamente alrededor de esa sensación de vivir atrapados entre la ansiedad, la sobreestimulación y la necesidad constante de escapar. Un mundo lleno de información, imágenes, violencia, entretenimiento y distracciones que nos mantiene permanentemente conectados mientras, paradójicamente, cada vez resulta más difícil conectar con algo real. Y “Marianne” funciona como una magnífica puerta de entrada a ese universo.
“Marianne” no necesita correr. Se toma su tiempo, crea tensión y consigue que sus casi cuatro minutos pasen dejando esa sensación de querer volver a escucharla inmediatamente. Una canción que entra poco a poco. De momento, parece que el viaje vuelve a merecer la pena.

LORI MEYERS "Tus amigos"

 

Lori Meyers vuelven a la carga con un nuevo adelanto del que será su octavo disco de estudio. "Tus amigos" llega después de "En lo total" y "Malafollá" y nos permite seguir descubriendo por dónde van los tiros de una banda que parece haber recuperado las ganas de volver a publicar nuevas canciones.
En esta ocasión los granadinos bajan un poco las revoluciones y nos dejan una canción más pausada, pero sin perder esas melodías reconocibles que han convertido a Lori Meyers en una de las formaciones fundamentales del indie nacional. "Tus amigos" habla de volver a querer después de haber aprendido de las experiencias anteriores, de las inseguridades que aparecen cuando nos volvemos a enfrentar al amor y de esos momentos que, aunque duren apenas unos segundos, pueden parecer eternos. “Tus amigos” vuelve a situarlos en ese territorio que tan bien conocen: el pop de guitarras, las melodías luminosas y una mirada hacia las relaciones personales. Una canción que mantiene la esencia de la banda.
Lori Meyers se toman su tiempo entre disco y disco. No parece casualidad. Ellos mismos explicaban al presentar esta nueva etapa que solo regresan al estudio cuando sienten que tienen algo que decir. Después de años girando por escenarios y festivales, parece que ha llegado nuevamente ese momento.su esperado próximo disco, “En lo total”, que verá la luz el próximo 16 de octubre. Después de cinco años desde "Espacios infinitos", ya tenemos ganas de comprobar qué han preparado los de Loja.

RADIO FREE ALICE “Crying With You”

 

Hay canciones que llegan envueltas en guitarras y canciones que, además, traen consigo un estado de ánimo. Radio Free Alice pertenecen a esa segunda categoría. El cuarteto de Melbourne vuelve a la carga con “Crying With You”, un nuevo adelanto de ese esperado álbum de debut, "What’s In Between", que verá la luz el próximo 30 de octubre a través de Atlantic Records.
Y sí, vuelven a hacerlo a su manera: tensión, nervio, guitarras afiladas, bajo con querencia por la new wave y ese espíritu post-punk que manejan con una naturalidad sorprendente. Pero en “Crying With You” hay algo más. Algo que se esconde detrás de esa energía casi frenética que recorre la canción. porque aquí se habla de compartir el dolor de alguien cercano, de acompañarle cuando las cosas se tuercen, de sentir sus lágrimas casi como propias. Pero también de ese momento en el que uno comprende que no puede quedarse instalado eternamente en la tristeza ajena. La vida continúa. Hay que seguir adelante, volver a reír, bailar, encontrar pequeños espacios de felicidad aunque alrededor todo parezca tambalearse.Y ahí está buena parte del encanto de Radio Free Alice: consiguen convertir esa contradicción: La tristeza y las ganas de vivir, en música. Una música que parece avanzar hacia delante mientras mira de reojo todo aquello que dejamos atrás.
“Crying With You” nació durante una semana de creación en Joshua Tree, California, donde la banda estuvo trabajando con demos y jams. Curiosamente, verso y estribillo procedían originalmente de canciones diferentes y terminaron ensamblándose en una sola pieza, una forma de trabajar que el grupo ya ha utilizado anteriormente.
El resultado son cuatro minutos de electricidad contenida, melodías que se agarran a la memoria y una interpretación que vuelve a demostrar por qué Radio Free Alice se han convertido en uno de los nombres más interesantes de la nueva escena australiana. Hay ecos de aquella tradición ochentera que va de la new wave al post-punk, pero también una personalidad propia que evita que todo esto suene simplemente a nostalgia.Una canción para llorar con alguien, sí. Pero también para secarse las lágrimas y seguir bailando.
“Crying With You” llega acompañada de un videoclip dirigido por Milo Hume, confirmando la importancia que la banda concede también a su dimensión visual. Después de varios singles y EPs, el último apenas hace un mes bajo el título de "Kick in the Shins" que les han ido colocando cada vez más arriba en el radar internacional, Radio Free Alice afrontan ahora el verdadero examen: su primer larga duración. "What’s In Between" reunirá once canciones y promete ser la confirmación definitiva de todo lo que llevan tiempo apuntando.