ILEGALES "Mi copa y yo"

Andrés Calamaro se está conviritiendo en un cantante al que muchos compañeros de la música se rifan para que colaboré con ellos poniendo su voz en alguna de sus canciones. Los últimos han sido Ilegales que lanzan este single bajo el título "Mi copa y yo". Se trata, en realidad, de una nueva versión del tema del mismo nombre que grabaron para su álbum Rebelión, publicado en 2018. Este single estará incluido en "La lucha por la vida", disco que se publicará el próximo 25 de febrero de 2022, con el que Ilegales celebran su 40º aniversario. Como ya os comenté hace unos días en este álbum, que presentarán en directo a partir de marzo, Ilegales han contado con ilustres invitados: Enrique Bunbury, Loquillo, Andrés Calamaro, Luz Casal, Iván Ferreiro, Coque Malla, Guille y Juanma de Vetusta Morla, M Clan, El Niño de Elche, Carlangas (Novedades Carminha), Dani Martín, Josele Santiago, Evaristo Páramos (La Polla Records), Kutxi (Marea), y Kutxo (de los argentinos Auténticos Decadentes). Mientras llega la fecha del lanzamiento, Ilegales irán desvelando algunos de los temas de su nuevo álbum. El primer single, fue "Divino Imbécil" junto a M Clan, una pieza inédita que ha sido grabada junto a Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez.
En 2022 se cumplirán 40 años de actividad del grupo, durante los cuales han editado once discos de estudio, tres discos en directo, dos recopilatorios, una caja con la antología discográfica de la banda, un documental y ni se sabe cuántos singles. Con este aniversario, llega el momento de conmemorar la existencia de uno de los grupos más emblemáticos del rock de nuestro país. 

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LOW "Hey what"

Lo han vuelto a hacer. Low se sumergen en la más intensa distorsión, "Hey What" les lleva hasta el límite de la aspereza sonora. La banda ha pasado de trío a dúo tras la marcha del bajista Steve Garrington, así que se queda conformado por los que siempre fueron los líderes del grupo, el inseparable matrimonio de Alan Sparhawk y Mimi Parker. Así, el disco vuelve a acoger una amalgama de miedos e inquietudes de brutal intensidad: un peso que llevamos sobre los hombros persiguiéndonos allá donde vamos  que es "Hey"; la impaciencia y la ansiedad  en "I Can Wait" o el miedo a perder a quien más queremos en "Don’t Walk Away".
En pocos grupos encontramos una radicalidad tan extrema: por un lado los sonidos rotos y desagradables, por otro, esas voces angelicales. Siguen exprimiendo la experimentación, su seña de identidad desde los comienzos, cuidando la melodía pop, en el fondo sonoro, con esa actitud shoegazer. "Quiero destrozar tanto la tecnología, como la tecnología me ha destrozado a mí", declaraba hace poco Alan. Tal vez esa sea la esencia de este su décimotercero disco "Hey What", cincuenta minutos de música que viajan por un mundo distópico, a través de un canto de sirenas arrebatador. Hay distorsión y ruido, pero también delicadeza y calidez.  Se ofrecen las dos caras opuestas de la rugosidad de las canciones, con los cantos angelicales de la propia Parker, de modo que encajan sabiamente de forma sorpresiva. Atención a piezas Una secuencia que se abre con una llamada de atención tan poderosa como es “White Horses”, y que no pierde vigor en otras piezas como las emocionantes “Disappearing” y “Don't Walk Away”, el single “Days Like These”, la ya mencionada “Hey” que se aproxima al dream-pop y el cierre con “The Price You Pay (It Must Be Wearing Off)”, con sus siete minutos extendiéndose imparables hacia ese final  épico. Discografía aquí

 

ARCA "KICK iiiii"

Arca tiene la virtud de reinventarse constantemente. Hemos podido constatar sus coqueteos con la música electro, el folclore venezolano, el ambient, el reggaetón, la balada, IDM o los sonidos futuristas, así que reinventándose finaliza la pentalogía "KICK" desnudándose. "KICK iiiii" es el disco más minimalista de la serie y probablemente de toda la discografía de Alejandra Ghersi. La mayoría de las 12 canciones que lo componen son instrumentales y, contra todo pronóstico, la musicalidad no se enreda en laberintos sonoros como es costumbre, aunque sí irá enturbiando las sonoridades poco a poco, desde el arranque con "Pu", una nana tocada al sintetizador. Poco a poco nos va descubriendo esta colección de pequeñas piezas que son algo así como estudios sonoros, desde ese "Amrep" que es synth espacial, a la belleza de "Fireprayer", la balada al piano "Chiquito" en la que llama a "azotar" a la persona amada, hasta la composición electrónica de "Crown" que cierra el álbum.  

La música que Arca crea es absolutamente perturbadora. Se podría definir como electrónica post-digital trasgresora, pero también hay piezas fallidas como esa colaboración con Ryuichi Sakamoto que hacía presagiar que resultaría una experiencia excitante, lamentablemente "Sanctuary" es todo menos eso. La 

productora venezolana no se ha quedado corta a la hora de enseñar todas sus facetas artísticas. 

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NILÜFER YANYA "Stabilise"

 

"Stabilise" debería estar entre las canciones más destacadas del año 2021. Un tema perturbador que te atrapa con ese palpitar sonoro tan adictivo. La británica Nilüfer Yanya habla de la vida urbana, del caos que supone residir en una gran ciudad y del estrés que causa. El tema llega acompañado de un video musical dirigido por su hermana Molly Daniel, que se encarga de retratar la vida caótica de las urbes.
“El video se reproduce en el tema central de la canción de que nadie viene a salvarte nunca. Está ambientado en las profundidades de la realidad de la vida cotidiana, donde somos los únicos verdaderamente capaces de salvarnos o perdernos a nosotros mismos” señala Yanya en un comunicado de prensa. Ella concibe el pop-rock como un arma para actuar en el pensamiento social, más allá de que sea un arte.  

Nilüfer Yanya sorprendió en ambientes indies hace unos años con "Small crimes", la canción que compuso después de que le robaran una bici. "Soy una ladronzuela/ Lo que veo, me lo quedo", cantaba en un tema en el que pretendía llamar la atención sobre los pequeños crímenes y la curiosa indiferencia que empiezan a causarnos los verdaderos crímenes, como el bombardeo de países y ciudades, el robo masivo de datos, etcétera. Había nacido una artista reflexiva. Capaz de mezclar pop, electrónica, jazz y soul con toda la naturalidad y con una absoluta personalidad. Esa voz suntuosa volvería sorprendernos con canciones y estribillos melódicamente extraños pero adictivos, como los de "In your head", "Keep on Calling" o "Paralysed", contenidos en su primer disco "Miss Universe", de 2019. Supimos entonces que sería una artista que iba a dar que hablar.
“Stabilise” anuncia la llegada de "Painless", su segundo álbum de estudio que saldrá el 4 de marzo, y en el que quiere poner énfasis en la idea de que "nadie en el mundo puede salvarte, solo tú misma".

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EXTREMODURO "'Canciones 1989-2013"

 

Podríamos decir que esta es la colección definitiva de Extremoduro. Titulada "Canciones 1989-2013", contiene nada menos que 44 temas y se subtitula "No quiero ser como tú", como la mítica camiseta de Robe que ilustra la portada del disco. A pesar del amplio recopilatorio siempre habrá quien eche de menos alguna canción no incluida (caso de "Emparedado", "Otra inútil canción para la paz", "Hoy te la meto hasta las orejas", "Poema sobrecogido" o "Autorretrato"), eso resulta inevitable, pero es cierto que contiene la mayoría de sus mejores canciones, de sus diez discos de estudio, servidos en tres CDs: "Rock transgresivo" (1989), "Somos unos animales" (1991), "Deltoya" (1992), "¿Dónde están mis amigos?" (1993), "Agila" (1996), "Canciones prohibidas" (1998), "Yo, minoría absoluta" (2002), "La ley innata" (2008), "Material defectuoso" (2011) y "Para todos los públicos" (2013). "Canciones 1989-2013". El legado de Extremoduro es extenso y esta colección sirve para poner punto y final a una de las carrera más influyentes y exitosas del rock en español.
Además, se pone a la venta otro lanzamiento: la caja de 12 CDs "Discografía completa" es una integral de todas sus grabaciones, y actualiza la edición anterior del 2010 tras la publicación de los discos "Material defectuoso" (2011) y "Para todos los públicos" (2013). Incluye el disco en directo "Iros todos a tomar por culo" (1997) y el álbum "Pedrá" (1995), que contiene una única canción-río de casi media hora.
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ROBERT PLANT Y ALISON KRAUSS "Raise the roof"

El inglés Robert Plant (73años), fundador de Led Zeppelin, y la estadounidense Alison Krauss (50 años), estrella del mundo country, vuelven a reunirse para dar rienda suelta a esa asociación que crearon hace más de una década para desempolvar canciones de raíces americanas. Se reunieron por primera vez en 2007 con un disco titulado "Raising sand", lo que les valió duras críticas, porque muchos no entendían que el viejo rockero que representaba el lado más salvaje de la música y la delicada cantante vaquera se aliaran para rescatar viejas leyendas del cancionero. A pesar de todo, aquello fue un fenómeno: vendió un millón de copias y ganó seis premios Grammy, incluyendo 'Álbum del año'. Alison Krauss y Robert Plant se burlaron de las críticas. Se lo tomaron con calma y en 2009 intentaron hacer otras canciones juntos, pero los resultados no fueron buenos. Han tenido que pasar 14 años para que nuevamente se reunieran para grabar. "Raise the roof", estrenado en noviembre, aparece ya en algunas listas como uno de los discos del año. Atención a esas canciones de The Everly Brothers, Allen Toussaint, Betty Harris o Calexico que ellos reinterpretan con un gusto excelente, llenas de matices con  esos violines, guitarras y cítaras logran convertir este disco en una maravillosa exquisitez. 

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LA M.O.D.A "Nuevo Cancionero Burgalés"

La Maravillosa Orquesta del Alcohol vuelve a demostrar su interés por el folclore de su tierra y en esta ocasión con"Nuevo Cancionero Burgalés" se adentran en ese repertorio popular de la mano de unas letras extraídas de escritos de Federico Olmeda y Antonio José en 1903 y 1932. "Saltando de un vídeo a una entrevista, de ahí a una web de discos, de ahí a otra de bibliografía musical, acabamos dando con un pdf del libro de Federico Olmeda. Y fue un descubrimiento increíble, como subir al desván y encontrar en una caja llena de polvo el diario del abuelo al que nunca conociste. 
A raíz de eso, al poco tiempo descubrimos que había otro libro inspirado en el trabajo de Olmeda que profundizaba más en el tema, escrito por el compositor Antonio José", explica su cantante y guitarrista, David Ruiz. El resultado es este disco compuesto por ocho canciones inspiradas en el repertorio tradicional de la provincia, pero advierten: "No pretendemos con este disco ni reinventar ni renovar el folclore burgalés, ni colgarnos medallas que no nos pertenecen. Está hecho con el corazón y la emoción de ser conscientes de estar creando canciones nuevas a partir de unas letras vivas, que han ido transmitiéndose de generación en generación porque significaban algo para la gente".

La banda confiesa que se han encontrado con cosas que no esperaban: "Es un mundo fascinante porque hay canciones de siega, y de otros trabajo, en las que el compás marca el ritmo de la faena. Por un lado, al leerlas sentíamos que representa lo que sentimos como burgaleses, nosotros y nuestros abuelos. Pero también hay letras atemporales, que hablan de la desesperanza y de la miseria con un estilo coloquial con el que se puede identificar cualquier persona de otra región de España, porque la desesperanza ya la miseria son cosas que se han vivido en infinidad de pueblos de este país. También hablan del amor, de la alegría, de la familia, de una forma tan universal que sientes que están cubriendo todo el espectro de las emociones humanas. En nuestro disco, todas las canciones menos una combinan letras de distintas tonadas tradicionales, cogiendo un verso de una, dos versos de otra... Lo hemos hecho con toda la humildad y con mucho respeto". La verdad es que les ha quedado un disco muy curioso, de letras hermosas que dan para reflexionar como en esos versos que dicen: "Corazón que no se alegra/nunca cría buena sangre”. El cancionero popular es sabio y de él podemos aprender muchas cosas, porque a pesar del tiempo es vigente.

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PAUL WELLER "An Orchestrated Songbook With Jules Buckley & The BBC Symphony Orchestra"

 

Parece que la Navidad es el momento propicio para estos lanzamientos un tanto acaramelados. Ahora le toca el turno a Paul Weller que no se ha resistido a revisitar su obra bajo la batuta de Jules Buckley y junto a la Orquesta Sinfónica de la BBC. La verdad es que no hacía falta, resulta un ejercicio innecesario y sinceramente no aporta nada a su magnífica carrera. Por contra, en los últimos tiempos ha demostrado que no está falto de creatividad, todo lo contrario en el último año nos ha ofrecido dos discos: "On Sunset" (2020) y "Fat Pop, Vol.1" (2021), en los que ha demostrado buen pulso. El caso es que Paul Weller decide dar un repaso a su amplia carrera acompañado de orquesta y recupera dieciocho temas tanto de su cancionero en solitario como de The Jam y de The Style Council. No todas las canciones soportan bien este formato, así que el resultado es decepcionante, a pesar de que los temas elegidos son ya clásicos como: “English Rose”, “Equanimity”, “Movin On”, “Rocket”, “You Do Something To Me”, “My Ever Changing Moods”,  “Carnation”, “It’s A Very Deep Sea” o “White Horses”. La cosa no se salva ni con las colaboraciones de Celeste en "Wild Wood” o la de James Morrison en “Broken Stones” y Boy George en “You’re The Best Thing”. Un disco totalmente fallido. 

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ANTÒNIA FONT "Un minut estroboscòpica"

Es un regreso muy esperado por sus numerosos fans. Tengo que confesar que, en 2013, me perdí su concierto de despedida en el Teatre Principal de Palma, después de una larga cola cuando solo me quedaban dos personas delante para acceder a la venta en la taquilla cerraron la ventanilla y me quedé como un pasmarote. Así pues, la noticia de que Antònia Font publica su primera canción después de nueve años de silencio es una alegría. Además anuncian que "Un minut estroboscòpica" es el primer adelanto de su próximo elepé. El grupo mallorquín volverá a los escenarios en 2022.
A pesar de esos nueve años transcurridos, desde la edición de su último disco, "Lamparetes", tanto el sonido como el imaginario de la banda sigue intacto. Para reforzar esa sensación de continuidad, el vídeo de "Un minut estroboscòpica", dirigido por Antonio Lara, introduce algunos guiños a los discos anteriores del grupo. Una carrera que quedó interrumpida después de nueve discos que convirtieron al grupo balear en una de las referencias más destacadas del pop en catalán. Los miembros de Antònia Font: Joan Miquel Oliver, Pau Debon, Joan Roca, Jaume Manresa y Pere Debon anunciaron el verano pasado su intención de volver a trabajar juntos y de retomar sus actividades. Parecía que su líder era el más reticente a esta reunión, tras haber trasladado su residencia a Barcelona, el resto de la banda era más receptivo, después de que algunos de ellos se dedicaran a la hostelería, en un local próximo a la iglesia de Santa Eulalia en Palma. Según dijeron entonces la banda volvería a tocar junta de nuevo por una necesidad creativa más que comercial. El regreso de Antònia Font es uno de los grandes alicientes del cartel de la próxima edición del festival Primavera Sound, el 11 de junio. También tiene programadas por el momento otras tres actuaciones: el 18 de junio en el polideportivo Mateu Cañellas de Inca, el 9 de julio en València, en un local aún sin concretar y el 15 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
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SAINT ETIENNE "Her Winter Coat"

 

El trío londinense Saint Etienne se deja seducir por el espíritu navideño y edita un EP con cuatro canciones muy apropiadas para estas fechas. "Her Winter Coat" contiene dos versiones de este tema, uno de casi siete minutos y el otro una versión comprimida a casi cuatro minutos. El EP se completa con las navideñas "Lillehammer" y la pegadiza "A Kiss Like This" cargada de sintetizadores.
Bob Stanley, teclista del trío, comenta sobre el sencillo Her Winter Coat: "Nos encantan las Navidades, como seguramente sabréis, y ha pasado mucho desde nuestro último trabajo realmente navideño. Creo que Pete Wiggs ha realizado un trabajo bonito, helado, escarchado y festivo".
El sencillo viene acompañado de un vídeo rodado en blanco y negro, dirigido por Alasdair McLellan, colaborador habitual de la banda. El cortometraje se localiza en las islas occidentales escocesas y "cuenta la historia de una chica huyendo de sus problemas en tierra firme y que consigue escapar hacia un viaje espiritual para conseguir algo de tiempo para pensar".

No es la primera vez que Saint Etienne se decantan por temas navideños ya lo hicieron con aquella “I Was Born On Christmas Day” que grabaron con Tim Burgess, de The Charlatans, o el álbum completo "A Glimpse of Stocking", de 2010. 

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LA ÉLITE "Bailando"

 

La Élite es un dúo gamberro de synth-punk compuesto por Nil Roig y David Burgués, dos amigos de Lleida los que les une su gusto por el punk y la new wave de los 70 y 80. Les conocimos con "Sorry Not Sorry", su mini álbum de 2019, en el que se incluían temas como "Niño rata" con sus gritos desquiciados, la crítica mordaz de "Neo Hippie" sobre pijos que van de «hippies» pero que en realidad "trabajan en el BBVA" o la desquiciante "Siempre sale mal".
Este año La Élite han fichado por Montgrí, el sello de Cala Vento, y han publicado "Bailando", que habla sobre perder el control en la pista de baile y sobre entregarse al ritmo de la música a toda costa. "Por qué no buscas un trabajo, todo el mundo tiene uno, por qué no dejas ese grupo, no sabes cantar", cantan, para responder: "perdón si te he ofendido, es que me cago en Dios, esta música me vuelve loco, he vuelto a perder el control". Otro de los temas recientes de su repertorio es "Nuit Folles" en el que recitan en su estribillo: "déjame vivir, Carla Bruni".

KIM GORDON & J. MASCIS "Abstract blues"

 

Kim Gordon (ex-Sonic Youth) y J Mascis (Dinosaur Jr.) son amigos desde hace décadas y aunque han actuado juntos en vivo en un puñado de ocasiones, nunca habían lanzado música juntos. “Abstract Blues” marca la primera colaboración grabada como dúo, fue escrita e interpretada originalmente en 2020 para SMooCH, que busca recaudar fondos para el Seattle Children's Hospital. En el video de la canción, Fred Armisen, músico y actor, toca el bajo y el hijo de Mascis, Rory, toca la batería. Este año, el SMooCH también contó con la presencia de Angel Olsen, Mark Lanegan, Clipping y Ben Gibbard.

Kim Gordon y J Mascis han compartido dos pistas colaborativas como parte del Sub Pop Singles Club, la serie de sencillos de siete pulgadas de solo suscripción del sello indie, además de “Abstract Blues”, el tema "Slow boy" más intenso y atronador todavía con Kim cantando absolutamente desatada. “Chico lento”, como podríamos traducirlo fue lanzado originalmente en 2015 por la pareja en un EP comisariado por la marca de zapatos Converse, llamado CONOS EP Vol. 3.

Como novedad también a principios de este mes, Gordon compartió una nueva pista llamada “Grass jeans” en ayuda de Fundación Texas Choice, una organización que ofrece a las mujeres de Texas viajes a clínicas de aborto. “A menudo me preguntan: ‘¿Puede la música cambiar las cosas para la gente en un panorama político?’”, explicó en un comunicado. “Demonios, sí que puede … pero se necesita un oyente, una audiencia para hacer cualquier cosa. Así que por favor únase a mí para ayudar a proteger y mantener accesible el derecho de la mujer a elegir su destino comprando esta canción y apoyando a Fund Texas Choice y sus esfuerzos colectivos para asegurar el acceso al aborto para todos. Gracias. Significa mucho". Esta inciaitiva arranca después de que Texas introdujo nuevas leyes restrictivas sobre el aborto bajo la legislación del Proyecto de Ley del Senado 8.

LA PLATA "Hacia el vacío"

 

La banda valenciana ya está preparando su segundo álbum de estudio, que anuncian saldrá a lo largo del próximo año, pero aún sin fecha. Se está alargando la salida de este disco, lo que lo está convirtiendo en uno de los más esperados del nuevo año. En mayo conocimos los interesantes singles "Victoria" y "Aire Nuevo", que ya portaban emociones fuertes, entre el punk y el art rock, como señas de su particular sonido.

La Plata se han convertido en toda una revelación desde su primer disco "Desorden", con esas guitarras afiladas y melodías contagiosas, no exentas de cierta melancolía. Después de aquel debut entregaron nuevas canciones en forma de EP, que llegó con el nombre de "01 03 2019". Hasta ahora esas son todas sus referencias discográficas de rock efervescente, pero eso es poco comparado con su frenético directo. Si tienes ocasión no dudes en acudir a ver algunas de sus actuaciones.

CAT POWER "Covers"

 

Cat Power, Chan Marshall es su verdadero nombre, ha demostrado que es ya una estrella de la música, tal vez por eso ha decidido embarcarse en un disco de versiones, Sospecho que solo estás autorizado a hacer un álbum así, después de años creando tus propias canciones. La cantante lanzará un álbum en enero bautizado simplemente como "Covers", donde entrega otras lecturas de composiciones que han marcado tanto sus inicios como su vida reciente, según ella misma confiesa, con fecha de estreno para el 14 de enero. La sorpresa viene con los temas que ha ido escogiendo, en octubre presentó sus respectivas lecturas para "Bad Religion", de Frank Ocean, y "A pair of brown eyes", de The Pogues. Ahora hace algo similar con Billie Holiday, una de sus influencias declaradas, "I’ll Be Seeing You" se llama el cover elegido. 
“Cuando te arrebatan a la gente que quieres, siempre hay una canción que retiene su recuerdo en tu mente,” reflexiona Cat Power en un comunicado, mientras habla de la importancia de esta canción para ella. “Es una conversación con aquellos que están del otro lado y es muy importante para mí poder llegar a la gente de esa manera”. El tema ha sido seleccionado por pérdidas recientes que sufrió entre ellas, la del colaborador de Sun, Philippe Zdar, quien falleció trágicamente en 2019.
Además, la artista acaba de lanzar una versión de su propia canción, "Hate", parte de The Greatest (2006), ahora bajo el título "Unhate" para el álbum que llega el próximo mes.
El listado completo del trabajo es:
*Bad Religion - Frank Ocean
*Unhate - Cat Power - Chan Marshall
*Pa Pa Power - Dead Man’s Bones
*A Pair Of Brown Eyes - The Pogues
*Against the Wind - Bob Seger
*Endless Sea - Iggy Pop
*These Days – Jackson Browne
*It Wasn’t God Who Made Honky Tonk Angels - Kitty Wells
*I Had A Dream Joe - Nick Cave
*Here Comes A Regular - The Replacements
*I’ll Be Seeing You - Billie Holiday

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MARÍA RODÉS Y LAS ESTRELLA DE DAVID "Contigo"

 

Maria Rodés y La Estrella de David han hecho un precioso disco. "Contigo" demuestra la buena química existente entre ellos, porque hablamos de un feliz romance artístico. Los dos músicos catalanes y con interesantes carreras en solitario se han unido para crear este álbum cantado a dúo en clave country-folk . Maria Rodés, primorosa cantautora de dulce voz y David Rodríguez, alias La Estrella de David, productor de gente como La Bien Querida e integrante de bandas indies como Beef se abrazan para contarnos las diferentes fases de una relación amorosa, desde el primer título "Hacer el amor" hasta "Nos vamos a divorciar", que lo cierra. Por medio iremos conociendo los distintos avatares de esa relación, unas veces tratados con humor y otros, como no puede ser de otro modo, desde el trauma. Así que es inevitable que nos veamos todos reflejados en algún momento, a lo largo de estas 12 composiciones, entre banjos, armónicas, mandolinas y violines. A pesar de que se trata de un disco conceptual, hay canciones atemporales que brillan por sí solas caso de la preciosa "Un mundo ideal", "Venga va", la divertida ‘Zombi’ o "Eres". La vida es así.

THE WARMBABIES "Let’s Live Underground"

 

The Warmbabies es una banda francesa muy poco conocida en nuestro país y son  el último descubrimiento power pop de la escudería Snap Records. El grupo está formado, no obstante, por experimentados músicos de la escena gala caso de Bratchmen, Dum Dum Boys o Les Playboys. "Let’s Live Underground" es un disco de power pop con agradables estribillos como demuestra ese arranque con "It’s Not Her", una excelente canción capaz de levantarnos el ánimo de buena mañana. Provenientes de Niza, en la Riviera francesa, The Warmbabies es en realidad una banda de amigos que se reúnen en el estudio para grabar las canciones que les apetece escuchar bajo la influencia de The Beatles, Big Star o The Plimsouls, más que un grupo de directo. Temas originales de pop con melodías irresistibles construidas sobre las armonías de sus guitarras Rickenbacker y que pueden resultar todo un deleite para tus oídos.

NORDE "Marea"

 

Norde es una nueva banda gallega. Hasta ahora sólo teníamos una referencia de ellos, cuando fueron elegidos para cantar con el grupo Izal, que quiso celebrar el aniversario de su disco "Autoterapia" invitando a sus seguidores a participar a través de una convocatoria que lanzaron en redes. De aquel casting online salieron elegidas cuatro propuestas, entre ellas la que hizo Aroa Ferreiro, cantante y compositora del grupo junto a su amiga María Ferreirós, con su versión de "Pausa". Norde está liderada por la viguesa Aroa Ferreiro y acaban de editar su primera canción, en la que hablan de la salud mental. Hace apenas un mes se publicó en plataformas digitales el primer single, titulado "El reflejo", un tema que pretende sensibilizar sobre el deterioro cognitivo, asunto poco habitual en las canciones que consumen la gente de sus edad: "Trata sobre las emociones, habla de los gigantes que a veces ocupan nuestras cabezas, de eliminar estigmas sobre los procesos mentales que sufren las personas a lo largo de la vida", explica Aroa. Su última canción la acabamos de conocer, la colgaban  hace cuatro días en las plataformas digitales. Es su segundo tema, "Marea", con videoclip incluido en su canal de YouTube.

La banda está formada actualmente además de por Aroa y María, por Dani González, al que conocían porque iban a la misma escuela de música, y que es la segunda guitarra; Lucas San Teodoro y Mateo Fernández, que se incorporaron como bajista y batería. El nombre del grupo es un homenaje a sus orígenes, cuenta Aroa: "Norde es, además, parte del título de una obra de Álvaro Cunqueiro, y es la antigua nomenclatura gallega de la palabra Norte". 

THE NATIONAL "Somebody desperate"

 

The National se acerca al cine con "Somebody Desperate", canción que forma parte de la banda sonora del musical "Cyrano". Hacía tiempo que no teníamos noticias de la banda de indie rock norteamericana, desde 2019 cuando estrenaron el álbum "I'm Easy To Find", así que se agradece escuchar algo nuevo. El próximo año se estrena esta versión de 'Cyrano de Bergerac', protagonizada por Peter Dinklage de "Juego de Tronos". El pasado mes de octubre se anunció que Bryce y Aaron Dessner, miembros del quinteto The National, habían compuesto la banda sonora del musical. Sabemos que "Somebody Desperate", con su piano melancólico y la profunda voz de Matt Berninger aparecerá en Cyrano durante los créditos finales de la película.

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ENRIQUE OCTAVO "Está prohibido bailar"

 

"Está prohibido bailar en la ciudad...es una medida oficial. Hoy lo han dicho en el informativo. Yo no soy científico, pero me parece mal que esté prohibido bailar. Lo ha dicho hasta el ministro". La banda granadina Enrique Octavo se revelan contra lo establecido: "Quiero volver a bailar" en esta canción sencilla que tiene aire de clásico. Suena como un mantra "Está prohibido bailar" y lo acompañan de un 

videoclip que fue rodado con la participación del equipo de fútbol americano Granada Lions, con la ayuda de Sergio Gil y Alberto Gutiérrez y las chicas de gimnasia rítmica de Julia López Cámara, además de la extraña presencia de ese Seat Coupé de 1977. El tema es el primer single del que será su quinto álbum, que viene acompañado de "El día que haga limpieza" en el que se atreven a decir: "Estaré orgulloso/El día que haga limpieza/Una pena que no huela mal", así que siguen enigmáticos con sus retorcidos pensamientos.

BLOOD RED SHOES "Ghosts on tape"

Blood Red Shoes acaban de estrenar este vídeo de "Morbid fascination", un tema perteneciente a su último disco "Ghosts on tape" con el que anunciaron su regreso a mediados de este año. Estas composiciones fueron concebidas durante la primera etapa del distanciamiento social, Laura-Mary Carter y Steven Ansell han querido tomar las riendas de la producción, la grabación y las mezclas, cansados del continuo ninguneo de las discográficas. La banda dice que "Ghosts on tape"  son ellos "liberando nuestras energías improvisando en voz alta y escribiendo canciones sobre asesinos psicópatas, sobre la muerte que viene a buscarte en la noche, sobre el miedo a la intimidad, sobre esas malditas personas aburridas que se quejan en línea las 24 horas del día, los 7 días de la semana, pero nunca abandonan su sillón ".
Después de casi quince años de vida musical, el dúo de Brighton Blood Red Shoes son sin duda una de las bandas más infravaloradas. Siempre han estado en un segundo plano, pero la contundencia de sus temas y ese impactante sonido de indie rock rasposo les habría tenido, por justicia poética, llevar a ser mucho más reconocidos. Desde que editaron "Box Of Secrets" en 2008 su sonido resultaba original, bien diferenciado de las bandas de su entorno, con esa propuesta a la que han sido fieles de combinar una batería contundente con una guitarra electrizante y las voces chico-chica combinadas con efectividad que se entrelazan a la perfección. "Ghosts on tape" les servirá como excusa perfecta para salir de gira el próximo año 2022 que arrancará en el Reino Unido, para luego seguir por otros países europeos.

EVARISTO PÁRAMOS Y SU TROPA DO CARALLO "Que hostias andáis"

 

Evaristo Páramos después de liquidar La Polla Records se embarca en una nueva aventura a la que ha llamado Tropa do Carallo. Es verdad que la pandemia ha hecho que los planes de regreso y despedida dese hayan dilatado más de lo que estaba previsto en un principio, pero mientras se pone el broche a la gira el 29 de diciembre en el Velódromo de Donostia, Evaristo Páramos ha lanzado ya este nuevo proyecto junto a esta banda formada por: Abel Murua (bajo) y siguiendo con Tripi (batería) y Alberto Salgado (guitarra), con la que explotan su habitual punk rock. "Sálvame patata", "7000 millones de personas no pueden tener un rancho en California", "Solo para españoles" o "Fora da terra" son algunos de los 18 temas que van a dar forma a un trabajo que se grabó el pasado mes de octubre en Itxura Records (Altsasu) con Fran Pérez a los mandos técnicos y algunas colaboraciones como la del también alavés Javi Free. Las letras están en plena sintonía con la filosofía siempre expuesta de Evaristo, entrre las más destacadas: "Simios en armas", con ese mensaje de "vuela Madrid"; "Vente a la mierda"; "Solo para españoles" con esa letra crítica donde asegura: "No eres mi compatriota/ No es la patria, ni el color/Eres un asqueroso/ cómete tu compasión"; "Inmortal podrido" en la que Evaristo canta "Quiero ser multimillonario/ más poderoso que el Gobierno/y cometer cualquier delito/Financiar a los partidos/y a la industria militar/Quiero que el puto Parlamento/ no se entremezca en mis negocios/ y haga las leyes oportunas/ Quiero jueces babeando/ y a la pasma currando para mi"
Después de liquidar las actuaciones correspondientes a la gira de La Polla, en 2022 se centrará en Tropa do Carallo. Su primer concierto está previsto para el 22 de enero en la sala Jimmy Jazz de Gasteiz, aunque tengo que avisarte que ya ha agotado todas las entradas. Otras fechas confirmadas son: el 29 de enero en el gaztetxe de Altsasu y el 9 de abril tomará parte en un festival que se llevará a cabo en el Wizink Center y que estará liderado por Cock Sparrer en la celebración de sus 50 años. Además, la banda también está confirmada en el cartel del Rabolagartija Festival que a mediados de agosto tendrá lugar en Villena (Alicante).

BRUCE SPRINGSTEEN & THE E. STREET BAND "The Legendary 1979 No Nukes Concerts"

 

El Boss estaba en su mejor momento, apenas tenía 30 años, y acababa de  publicar dos discos monumentales "Born to Run"(1975) y "Darkness on the Edge of Town" (1978) y estaba a punto de editar su obra más destacada "The River" (1980). Bruce Springsteen en compañía de su formidable banda, The E. Street Band, acometen dos espléndidas actuaciones "The Legendary 1979 No Nukes Concerts", en estado de gracia. Estamos ante el mejor Springsteen en directo de todos los tiempos. Dos conciertos benéficos, de motivación antinucleares, en el Madison Square Garden (Nueva York). Las canciones suenan rotundas, sudorosas, emocionantes y la selección es impecable, en un incendiario directo de rhythm & blues con Bruce y la versión más fogosa de la E Street Band. El saxofonista Clarence Clemons es un monstruo sobre el escenario y se complementa a la perfección con el jefe. Canciones como "The Pomised Land", "Thunder Road" o "Jugleland" y el estreno de piezas de "The River" como "Sherry Darling" o la misma "The River" suenan como nunca las habías escuchado, pero es que además en la parte final del álbum aparecen versiones de temas que popularizaron ídolos de Bruce como Little Richard, Buddy Holly o Elvis. "The Legendary 1979 No Nukes Concerts" es una joya que se acaba de editar en todos los formatos: doble CD más DVD, doble CD con Blu-Ray y doble vinilo. Es decir se puede escuchar y contemplar al genio de Nueva Jersey en un momento cumbre de su carrera. Espectacular.

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ALIZZZ "Tiene que haber algo más"

 

Estos días todo el mundo habla de este disco de Alizzz, "Tiene que haber algo más". Un trabajo que recoge la música urbana y la adapta al pop, en su sentido más comercial. El catalán Cristian Quirante, de nombre artístico Alizzz, es productor, compositor e instrumentista, sobre todo conocido por trabajar a las órdenes de C. Tangana. Este es su primer disco en solitario. Lo primero que escuchamos fue una apuesta segura “El encuentro” junto a Amaia, meses después hemos ido descubriendo “Tiene que haber algo más”, con Rigoberta Bandini, en “Amanecer” a los mexicanos Little Jesus en “Fatal”, pasando por ese J de Los Planetas que colabora en “Luces de emergencia”. Ahora llega ese disco de apenas treinta minutos, con diez canciones de las que ya habíamos escuchado cinco, y enrtre las que no puede faltar la participación del propio C.Tangana en "Ya No Vales", que nos menciona la fugacidad de la fama. Alizzz nos habla sobre noches eternas llenas de alcohol y sustancias, de amores rotos y otros que llegan. Nada nuevo. He oído decir que es un disco moderno, que recoge las  nuevas tendencias, pero ni en el fondo, ni en la forma, me parece el disco del año. Pretencioso sí, original no.

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TRIBUTO A THE CRANBERRIES "Salvation"

The Cranberries fueron una gran banda, gracias en parte a su vocalista Dolores O’Riordan, tristemente fallecida. En los últimos tiempos hemos podido asistir a lanzamientos póstumos, como el último disco del grupo "In the end" y también discos de homenaje como el que contenía 15 de sus canciones en un disco que titularon "Remembering Dolores" . Ahora le toca el turno al consabido álbum de versiones, en esta ocasión "Salvation" es algo más original pues se trata de artistas irlandeses quienes rinden homenaje al grupo, destacando por su notoriedad Sinéad O’Connor. Dolores la admiraba como artista, de hecho cantó una canción de Sinéad en la primera audición que hizo para entrar en el grupo, cuando los chicos buscaban vocalista. Nunca hubo relación entre Dolores O’Riordan y Sinéad O’Connor, y no existe siquiera una foto de las dos juntas. Este disco se abre de hecho con esa adaptación de "No Need to Argue", una composición casi a capella que solo contaba con un órgano y que aquí aparece en formato piano. Daba título al álbum que vendió en su momento 17 millones de ejemplares, tras ser siete veces platino en Estados Unidos. Fue también el álbum más vendido en España del año 1995.
El disco se completa con artistas completamente desconocidos como Kellie Lewis, los algo más conocidos Kodaline, que interpretan en vivo "Zombie" con Noel Hogan, guitarrista de Cranberries. Muy bonita la versión de "I Can't Be With You" a cargo de ROE, mientras que Walking on Cars, convierten "Promises" en una balada grunge, pero entre las curiosidades cabe destacar la versión de Aimée de "Linger" en clave italodisco o "Salvation" realizada por Wyvern Lingo en formato balada.
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UKE "Au revoir les enfants"

 

Como ellos dicen en su facebook: "Roberto toca la guitarra y canta con susurros. Laura toca el piano y canta al oído". Uke son Roberto Martín y Laura Soriano viejos conocidos de nuestra escena musical que se lanzan a este proyecto con un primer disco titulado "Au revoir les enfants", nombre que recoge la imborrable película de Louis Malle de1987. El álbum que  sólo aparecerá en formato digital ha sido autofinanciado, por el odio visceral que Roberto siente por las discográficas, después de su lamentable experiencia con ellas durante la trayectoria de la añorada banda Niza, a la que recuerda en su filosofía de dúo y su dedicación por el pop delicado. Este trabajo contiene diez canciones etéreas, gravitacionales, de una sublime  fragilidad. Grabado entre 2020 y 2021 en el Barrio de Roca, Valencia, Madrid, Nashville y Posadas (Argentina) lo que nos puede dar una idea de la dedicación y dificultades que han pasado para lograr editarlo. Todos los instrumentos y voces son de R. Martín y L. Soriano, pero también han contado con la ayuda de granes amigos como mi estimado Jesús Horror (Generador, Reverbduo, Baby Horror) que ha aportado guitarras eléctricas y slide en "La destrucción o el amor", "Autoroute" y "El tiempo de los regalos"; Javier Colis: Guitarras eléctricas en "La Culpa"; Matthew Swanson: Bajo y wurtlitzer en "La Culpa" y "La destrucción o el amor"; Tony Crow: Sci synth en "La destrucción o el amor"; Alex MacManus: Guitarra eléctrica en "La destrucción o el amor"; Ernest Aparici: Trompetas en "Coltrane", "El tiempo de los regalos" e "Hinojo"; Manuela Giménez: Batería y percusión en "La destrucción o el amor" e "Hinojo"; Frank Gálvez: Arreglos de cuerda en "El tiempo de los regalos" y -Javier Vercher: Produce, masteriza y toca la bateria, hammond, sintes y saxo en "La Culpa".
Quien se pregunte por el siginificado del nombre del dúo, la palabra Uke deriva del verbo japonés Ukeru y significa “recibir”. Se le llama Uke al chico que suele desempeñar el papel pasivo o sumiso.

THE MUSLIMS ‘Fuck These Fucking Fascists"

The Muslims es una banda de punk y hardcore de Durham, Carolina del Norte que, acaban de publicar su tercer álbum de estudio, "Fuck These Fucking Fascists". Lo tienen todo para triunfar en este género: actitud, juventud, ganas de gritar y desparpajo. El título del disco ya nos indican por dónde van los tiro, "A la mierda esos putos fascistas" y para rematar una portada provocativa en la que le arrancan un ojo a Johnny Rotten de un puñetazo, por ser un reconocido partidario de Trump. Por si todo eso no resulta suficiente para aclarar su discurso baste decir que los temas más escuchados de la banda en Spotify se llaman "Fuck the Cistem" y "Punch a Nazi". Sus letras no dejan dudas sus letras no dejan espacio al error: "Fuck these fuckin’ fascists, Fuck their family and friends, If they defend a fuckin’ fascist, They can fuck off ‘til they’re dead" dice el estribillo de la canción titular. Probablemente una banda que se llamara Los Mulsumanes y gritando esos mensajes ya estaría denunciada por VOX en los tribunales. Su biografía oficial explica que está conformada por "tres moros negros y morenos". Sus canciones deberían estar en las listas de éxitos de nuestro país, ahora que andamos a vueltas con la Ley Mordaza ellos se marcan un "Crotch Pop a Cop" , un título que vendría a traducirse en algo así como "Pégale una patada en los huevos a la poli", en el que ellos critican la violencia racial con la que se prodigan los agentes de la ley en Estados Unidos: "Actuáis como si fuerais necesarios, vuestro trabajo no es necesario, la gente os desprecia pero sois unos engreídos, todos los negros están en el cementerio por culpa de vuestro orgullo blanco" reza la letra de "Crotch Pop a Cop".
The Muslims son reivindicativos, pero es que además su música es divertida, respira frescura y es pegadiza. Nada puede fallar para que triunfen o ¿no? QADR (voz/guitarra), Abu Shea (bajo) y Ba7Ba7 (batería) se bastan para escupir sus soflamas urgentes. No te los pierdas.
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ILEGALES "La Lucha por la vida"

Ilegales está a punto de cumplir 40 años de carrera, así que para celebrarlo, lanzan un nuevo álbum y anuncian gira, para que la festividad resulte más redonda. Bajo el título de "La Lucha por la vida", título que han tomado prestado de la trilogía del escritor Pío Baroja, donde se encuentran algunas de las novelas que más han influido en sus letras y la personalidad de Jorge Martínez, por el espíritu crítico y la rebeldía contenida en sus textos como postura vital. En 1982 editaron su primera grabación después de Jorge Ilegal formó la banda junto a su hermano Juan y el batería David Alonso, el próximo año llega el aniversario de estos chicos que llevan ya : once discos de estudio, tres discos en directo, dos recopilatorios, una caja con la antología discográfica de la banda, un documental y un número indeterminado de resplandecientes singles. Lejos de recurrir a la nostalgia han decidido celebrar su dilatada vida musical con este álbum, que incluye nuevo material; pero también varias canciones recientes del repertorio ilegal (solo hay en el disco un tema anterior al regreso del grupo, en 2015), todas ellas reinterpretadas por grandes artistas de muy diverso estilo. El nuevo disco aparecerá en febrero de 2022, pero sin ánimo de sonar a testamento o despedida. El primer tema que nos han descubierto hoy mismo es "Divino imbécil", una pieza totalmente inédita hasta el momento, que ha sido grabada junto a Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez, o lo que es lo mismo: M Clan.

Resultan sorprendentes las colaboraciones con El Niño de Elche, Andrés Calamaro, Luz Casal, Iván Ferreiro, Vetusta Morla (colaboran Guille y Juanma, no el grupo al completo), Carlangas (Novedades Carminha) o Dani Martín, que en principio pueden parecer ajenos al sonido de Ilegales, pero ahí no acaban las sorpresas que se completan con otros artistas más rockeros como Josele Santiago, M Clan, Evaristo Páramos (La Polla Records), Loquillo, Kutxi (Marea), Coque Malla, Kutxo (de los argentinos Auténticos Decadentes) o Enrique Bunbury... El resultado puede ser interesante, más allá de los estilos.
También en 2022, a partir de marzo, el grupo iniciará una nueva gira en España y América, desde la frontera de Canadá hasta la Patagonia... Las entradas para los primeros conciertos confirmados, estarán disponibles a partir de diciembre de 2021.
Mientras llega la fecha de publicación del álbum, a partir de diciembre de 2021 empezaremos a descubrir algunas de las canciones, en forma de singles digitales, que nos anticiparán la obra completa, que será publicada en formatos LP, CD y digital.

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SNAIL MAIL "Valentine"

Snail Mail, la banda de Baltimore comandada por la cantante y compositora Lindsey Jordan se dio a conocer hace 3 años con "Lush", disco que recuperaba el grunge y el indie-rock de los años 90, desde aquel momento se convirtió en toda una promesa. Este nuevo álbum tiene que ratificar aquellas esperanzas que se depositaron en el grupo y el resultado es algo decepcionante, porque no encontramos novedades en su sonido. Han optado por volver a explotar esas canciones de desamor acurrucadas entre guitarras eléctricas y letras tristes que apuestan por escenas de desazón como en la titular "Valentine": "Odio imaginar a alguien contigo / Me tumbo y empiezo a llorar". Una canción que abre el disco y fue la elegida como primer single, pero que no es mi favorita. Ahí está "Glory", también llena de desencanto y enfado, que espero se convierta pronto en un hit. "Ben Franklin", es otra pieza destacada en la que nos habla de engañarse a una misma y nos confiesa su hundimiento, cómo tuvo que ingresar en un centro durante mes y medio para recuperarse y cómo fue ese proceso de rehabilitación ayudada por sanitarios. Lindsey Jordan se nos muestra como un ser atormentado porque en "Headlock", nos vuelve a hablar de suicidio.
Los aportaciones más destacadas en su sonido llegan con "Forever (Sailing)", creada sobre un sample de una canción sueca de los años 80 llamada ‘You & I’, de Madleen Kane, que deja cierto sabor funky, "Madonna", que anima al conjunto en una canción sobre la influencia de la religión en su vida y "Mia" con sus bellos acordes de guitarra y piano que no suena absolutamente distinto al resto del disco, quizá el tema más emocional que sirve para cerrar el disco y en que canta: "Mia, no llores. Te quiero, pero ahora tengo que crecer". Algo que sin duda, comprobaremos en su próximo álbum.
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LA HABITACIÓN ROJA "Años Luz II"

"Años Luz II" es probablemente el álbum más introspectivo de La Habitación Roja. Se trata del decimotercer álbum del grupo, que se proyectó con la premisa de llegar al estudio sin ideas preconcebidas, sin maquetas y sin ensayos previos. “Teníamos once buenas canciones escritas, pero había que darles la forma que las melodías, las letras y el estado de ánimo nos sugirieran. Las fuimos armando desde cero en el mismo estudio, por lo que el resultado final era del todo imprevisible, algo muy estimulante y espontáneo que convirtió el proceso de grabación en una aventura”, explica Jorge Martí, vocalista y líder de La Habitación Roja. El cantante sostiene que "el disco es una mezcla equilibrada de clasicismo y modernidad al servicio de las canciones". "Nos hemos volcado en la composición y tal vez algunas de las canciones sean más introspectivas y se hayan visto afectadas por un tiempo .. que ha sido extraordinariamente duro y excepcional, pero no versan sobre la pandemia. Lo que sí que creo es que este tiempo de introspección nos ha puesto delante del espejo y nos ha hecho reflexionar sobre nuestros sentimientos más íntimos y la manera en la que nos relacionamos”, añade.

Producido y grabado por Paco Loco en su estudio de El Puerto de Santa María, "Años Luz II" contiene tres nuevos temas de la banda. "El Día Internacional de los Amantes" es una canción que destila toda la añoranza de contemplar la ciudad del Turia, el barrio del Carmen y las escenas costumbristas valencianas que retrataba Sorolla en la playa de la Malvarrosa, desde la distancia de Noruega”, cuenta. Por otro lado, "Hasta el fin", el segundo adelanto, es un homenaje íntimo a las personas que se enfrentan con todas sus fuerzas a los problemas de salud o de cualquier otra índole y levantan orgullosas la bandera de la dignidad, así como a las parejas, amigos, compañeros, familiares y desconocidos que acompañan en esa recuperación. Finalmente, "No estuviste allí" es, en palabras del cantante, probablemente la canción más directa, ruidosa y guitarrera del grupo en los últimos años, “tres minutos de electricidad, distorsión y disonancias que evocan y mezclan el sonido y las melodías de los primeros Teenage Fanclub y la estética ‘shoegaze’ de grupos como My Bloody Valentine. Una reivindicación del pop de guitarras y del poder de la música, la amistad y el amor”.

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