Lidia Damunt, la cantautora murciana afincada en Suecia acaba de crear su disco más pop. "Nacer en Marte" responde a esa necesidad de cambio constante, de modo que le ha salido un disco luminoso. Con cambio de discográfica y equipo, para la ocasión produce Sergio Pérez, de Svper y Joe Crepúsculo. Este sexto álbum, más de una década después de su debut, se puede calificar de madurez, como anuncia en el tema que abre el trabajo: "Soy la equlibrista/ no sé dónde voy/ solo donde estoy", dice el estribillo. Habla en este trabajo mucho del amor, como motor vital, no desde la perspectica romántica, como cuando canta en la canción que da título al disco: “y si la balanza me lanza a otra parte/ yo no quiero amarte/ Prefiero morirme/ y nacer en Marte/ Amarte no". Ella reside desde hace años en Suecia, con su pareja y tienen dos niñas.
Entre los temas que más me han gustado "Felicidad", "La equilibrista", "Tu presencia" o la divertida "Bella y bestia", que retrata la relación incomprendida entre dos outsiders. En ellas demuestra una imaginación desbordante, más inquieta que nunca y encima crea las piezas más pegadizas de su carrera.
Bat For Lashes pueden vanagloriarse de tener una carrera brillante, poco hay que reprocharles, pues ha sido artísticamente inspiradora y sonoramente poderosa. El nuevo álbum es también seductor “Lost Girls” es una apuesta por recuperar el pop de los ochenta con un nuevo envoltorio. Quizá no sea el mejor disco de su carrera, pero sí nos sirve para intuir por qué caminos se adentra ahora Natasha Khan. Inspirada en la ciudad de Los Ángeles, la artista crea su propia versión del mítico largometraje de 1987 “The Lost Boys” y lo convierte en un disco conceptual de marcado carácter femenino por donde vemos pasar luces de neón, carreteras infinitas, personas que pueblan la noche y puestas de sol. Un viaje que arranca con “Kids In The Dark”, una balada repleta de sintetizadores, que nos adentra en una historia de amor peligrosa que se corona en una pieza instrumental con saxo salvaje, “Vampires”, para la sexual "Jasmine" y otra relevante “Desert Man”. “Lost Girls” presenta un mundo irreal, a veces seductor y en otras ocasiones sobrecogedor, frío y oscuro.
Cate Le Bon presenta diez composiciones sedosas donde da rienda suelta a gritos y susurros que juguetean con guitarras, teclados, marimbas y un saxo que retrotaen a la The Velvet Underground, Pavement y David Bowie. Tras sus últimas experimentaciones post-punk Cate Le Bon se recluye durante un año en las montañas de Lake District, en el pueblo inglés de Cumbria,mientras aprende a fabricar muebles artesanalmente en un curso de carpintería durante el día, al tiempo que da largos paseos o acude a clases de natación, mientras que las noches las dedica en su cabaña acomponer canciones con su piano para dar forma a “Reward”, su quinto y más intimista trabajo. Una vez acabado se volvió a Los Ángeles para grabarlo con una banda.
La artista galesa después de abrazar la soledad nos muestra su intimidad y las heridas de una vida cargada de desencantos, así que el minimalismo se convierte en seductor, en piezas como ‘Home to You’ , ‘The Light’ o “Mother’s Mother’s Magazines”en las que destaca la pureza de su voz, por encima de sintetizadores, vientos envolventes y estridencias ensoñadoras. A todo ello le ayudan Kurt Vile, Stella Mozgawa (Warpaint) a la batería y Josh Klinghoffer (Red Hot Chili Peppers) a la guitarra.
Celebran los veinte años de un disco mágico 'The soft bulletin' -1999- con la relectura de una orquesta, en este caso la Sinfónica de Colorado, que aporta un apabullante despliegue de armonías y arreglos para mostrar el carácter atemporal de una obra cumbre de la psicodelia pop, donde los coros, cuerdas e instrumentos de viento llevan un paso más allá estas piezas imperecederas, de un álbum fruto de la experimentación, que viaja por un mar de sonido. Rock adulto que viene acompañado de un muro de sonido que arropa aquí las canciones de pop torturado de Wayne Coyne. Desde 'The Soft Bulletin' se recrean atmósferas y paisajes con instrumentaciones atormentadas como la inmensa 'A Spoonful Weights A Toon' a la sobrecogedora 'The Gash', los Flaming Lips crearon un álbum barroco como pocos. Celebralo con gusto.
La influencia de Julian Casabalancas como productor marcó el sonido de sus dos últimos discos ("City Club" y los descartes de "Casual Acquaintances") y sigue vigente en este nuevo trabajo que por momentos recuerda al deje de The Strokes, con toque vintage, influenciados por sonidos de los 70 y 80. Las canciones suenan luminosas, una estética que resuena en canciones ahora más optimistas, intencionadamente abren las puertas para que entre aire fresco, hay que pensar que fueron los renovadores del garage rock gótico. "Natural Affair" suena solvente, muy equilibrado, así que te puede seducir desde el arranque porque es un disco sin estridencias. Se puede decir que es su disco más elegante, también el más cool. Magníficas canciones como "Natural Affair","Die and Live Forever" que recuerda a The Smiths, el funky amplificado de "Social man"o los coros de "Coinstar"que te mecen con arrulladora melancolía.
Ya con su primer trabajo Camellos sorprendieron, en la misma línea presentan este disco mordaz lleno de giros y dobles sentidos, donde triunfa como mensaje el humor, para contrarestar estos tiempos tan anodinos. El cuarteto formado por Fernado -voz y guitarra-, Frankie -voz y guitarra-, Tommy -bajo- y Jorge -batería- tiran por la calle de enmedio con letras satíricas en las que se burlan de muchas cosas de nuestro entorno. Dos tipos de Huesca, uno de Manzanares y otro de Kansas City, pero residentes en Madrid son capaces de ponerlo todo patas arriba. A mi me divierten y te los recomiendo vivamente porque si consiguen arrancarte una sonrisa ya será un éxito aunque sea con ese 'Me hiciste un Tarzán- cuando soltaste mi rama- tenías otra agarrada'. No te los pierdas.
Concierto en directo absolutamente apabullante que demuestra que el rock and roll sigue vigente. La banda de Atlanta demuestra que las canciones con aire sesentero funcionan a las mil maravillas, que no envejecen de ningún modo. Presentan un disco doble que se disfruta de principio a fin, con acordes que hemos oído mil veces y que funcionan a la perfección, con unas guitarras soberbias y una banda en estado de gracia, capaz de emocionar. Tanto si te gusta el sonido clásico del rock como si pretendes darte una vuelta por esos ritmos, en un excelente directo, resulta muy recomendable escuchar estas piezas de sólido clasicismo.
Pepe Sales fue un personaje singular, muy relevante en el underground barcelonés, 25 años después de su prematura muerte, víctima del sida, se le rinde tributo en "Amor etern alt grup de risc", un disco que reúne quince temas inéditos grabados por el propio autor y doce canciones interpretadas por Lulu Martorell. El disco surge de la iniciativa del sobrino de Pepe Sales, Martí Sales, Martorell y el sello discográfico Indian Runners. En la cara A nos predentan 15 temas grabados fuera de un estudio convencional por el propio Pepe Sales, que nunca fueron registrados con intención de convertirse algún día en un disco, lo que ha exigido un trabajo a conciencia de remasterización. "En esta primera cara escuchamos por primera vez el amor por el rock'n'roll de Pepe Sales: con Bob Dylan y Lou Reed en las venas y solo cuatro acordes de guitarra ya tiene bastante para hacer campar obsesiones y filias", señala Martí Sales. En la cara B encontramos 12 canciones reinterpretadas por Lulu Martorell, realizadora audiovisual y amiga íntima de Pepe Sales, que vio nacer las canciones y ahora las canta y las toca al piano, en una interpretación sentida y convincente. Pepe Sales es un poeta, músico y pintor, cofundador del grupo Bocanegra y autor del poemario "50 cançons d'amor i droga" que Albert Pla convirtió en un disco. También es el autor de la compilación de escritos "La passió segons Pepe Sales" y el protagonista del documental de Lulu Martorell "Pobres, pobres que els donguin pel cul". Según Martí Sales, la obra de Pepe es "pura lírica sobre su homosexualidad, los ídolos, las adicciones punzantes, Barcelona, la precariedad, la prisión, las desintoxicaciones, los hospitales, el sida, la pasión o la muerte, pero también sobre el entorno idílico de Mallorca o de la querida Vallcarca, el pueblo de los Sales, donde quiso reposar para siempre".
Zahara e Iván Ferrero ofrecerán en IFEMA, Feria de Madrid, un concierto conjunto el 20 de diciembre en el que compartirán "repertorio, invitados y músicos" antes de que el gallego se tome un largo descanso. En la presentación de esta actuación calificcaron este evento de una oportunidad única, ya que nunca se habían reunido en un escenario en un formato tan extenso como este. "Con él siempre voy sin miedo a tirarme donde sea y esa química había que desarrollarla", asegura Zahara sobre lo que les impulsó a organizar el concierto que llevará por título "Contrapunto". "Nos resulta muy natural tocar juntos", comenta el exintegrante de Piratas ante un proyecto en el que cruzarán sus respectivas bandas. También los repertorios de cada uno volarán a la voz del otro y así se podrán escuchar "Hoy la bestia cena en casa"en la reinterpretación de Ferreiro o "Turnedo" en la voz de Zahara. Advierten que por exitosa que resulte la velada no habrá más conciertos, sobre todo porque Ferreiro se toma un descanso trtas su recién concluida gira personal y para escribir el disco que sucederá al álbum de versiones de Golpes Bajos "Cena recalentada" (2018) y a su último trabajo de temas inéditos, "Casa" (2016). Tampoco Zahara ha estado quieta. La artista jienense, que sigue de gira con su exitoso "Astronauta" (2018), promociona también estos días su primer poemario, "Teoría de los cuerpos".
El grupo Cerezal acaba de publicar el disco "La cereza'l cielu", un trabajo entre el folk acústico y el pop-rock, con la novedad del uso de recursos más propios de la música electrónica. Este álbum incluye trece cortes que van desarrollando la evolución de la banda, con temas más profundos, como "Nun me dexar cayer" o "Na oriella Prieta", siguiendo la línea literaria de trabajos anteriores, con textos de Miguel Monteavaro, Xurde Fernández, el Padre Galo o Humberto Gonzali. También hay espacio para instrumentales de corte tradicional de aires de la Bretaña y hasta una versión muy personal de "Thriller", de Michael Jackson. En el disco, publicado con el sello Producciones Fitoria, el grupo ha contado con las colaboraciones de Juan Duarte y Ruboh a las voces, Nel Suárez (guitarra acústica), Alvaro Bárcena (guitarra elléctrica, Dobro y steel guitar), Fernando Oyagüez (Banjo), José Manuel Tejedor (Gaita), Rodrigo Joglar (acordeón), Xurde Fernández (Whistle), Pedro Santiago (Bodrhan), Javi Tejedor (acordeón), Marco A. Guardado (percusión), Rubén Alba (Gaita) y David Mori (xiblata).
Beck consiguió dos Grammy con su anterior disco "Colors" (2017) y en lugar de seguir en la misma onda ha decidido dar un vuelco a su trayectoria y reinventarse con una apuesta por el pop. El polifacético artista californiano apuesta por sonidos contemporáneos, apostando por rap, funk, r'n'b y sonidos del presente. Beck Hansen es un tipo inquieto y una de las figuras más destacadas y originales surgidas en la década de los noventa, con “Mellow Gold” (94), se convirtió en paradigma de modernidad. Un cuarto de siglo después, el californiano cuenta con una carrera sólida que se ha caracterizado por cambiar de registro permanentemente. Una carrera dilta, no en vano nos presenta ahora su decimocuarto álbum de estudio “Hyperspace” es un disco de ritmos dispares donde triunfa el electro-pop, en el que las canciones que mejor funcionan son: “Hyperlife”, el medio tiempo “Uneventful Days”, “Saw Lightning”, “Die Waiting”, “Dark Places” y “Star”. Un paseo por la vanguardia, el hedonismo, la experimentación y el intimismo de este autor que sigue siendo capaz de agitar.
"A Bailarina" es el primer sencillo del nuevo álbum de Rodrigo Leão, "O Método", que se publicará el próximo 21 de febrero. El mismo explica que “esta fue una de las primeras canciones que escribí pensando en este nuevo CD. La compuse con mi esposa Ana Carolina, quien a menudo me ayuda con la letra". La canción cuenta con la voz de su hija menor, Sofía, y la colaboración del coro de la Asociación de Música de Amigos de los Niños. "Está cantada por nuestra hija menor, Sofía, con Angela Silva, Viviena Tupikova y el coro juvenil de AMAC. Las palabras que están cantando están inventadas. Los escribimos a propósito en un idioma que no existe para subrayar el lado espiritual y soñador de la canción", explicaLeão.
"A Bailarina" es también el primer videoclip del álbum, animado por el estudio Oskar & Gaspar basándose en los dibujos originales de Rodrigo. La canción es un buen ejemplo de por donde van las nuevas composiciones de Rodrigo Leão. El uso de la electrónica está muy presente, pero funciona perfectamente "con el elemento humano de las voces, da un sentimiento de esperanza, alegría …"
La pareja formada por Lina y Raül Refree nos sorprendía el pasado mes de octubre con el lanzamiento de "Cuidei que tinha morrido", una singular reinterpretación del fado que anticipa lo que será un disco diferente a todo lo que has escuchado. Una apuesta arriesgada que nos presenta los clásicos de Amália Rodrigues con un sonido diferente y muy original. Ahora, como segundo adelanto, nos presentan Medo, una nueva maravilla sonora con letra de Reinaldo Ferreira, música de Alain Oulman y arreglos del propio Refree, un experimento musical que fusiona fado con electrónica. La guitarra portuguesa deja paso al piano y a los sintetizadores. Lina entona con desgarro fados que hablan de amores no correspondidos, marineros y destinos inciertos. Este álbum se lanzará internacionalmente el 17 de enero de 2020 Refree redimensiona el fado como en su momento lo hizo con el flamenco de Rosalía. El músico y productor de Sílvia Pérez Cruz, Rosalía y Rocío Márquez, entre otros artistas se lanza a esta nueva aventura en la que reinventa el fado con toques electrónicos. Convertido en poco menos que un talismán de voces emergentes, femeninas en particular, Raül Fernández es un tipo inquieto que no para. Anuncia otros dos discos a corto plazo con su firma de por medio: el del cantante asturiano Rodrigo Cuevas y uno a medias con Lee Ranaldo, ex-Sonic Youth, previsto para marzo.
The Cure vuelven a la carga y nos deleitan con su reciente gira conmemorativa de los 30 años de "Disintegration". La banda británica actúó durante cinco noches en el Sydney Opera House, para celebrar el aniversario del que fue su disco más vendido.El último de estos conciertos se transmitió en vivo por YouTube y fue dirigido por el viejo colaborador de la banda Nick Wickham. Es por eso que Robert Smith, líder de The Cure ha decidido difundir recientmente tres vídeos registrados durante ese espectáculo en la Opera House de Sydney de la capital australiana: “Pictures of You”, “Plainsong” y “Disintegration”. The Cure recreó el álbum de estudio de forma íntegra y además tocaron para el público algunas canciones que se lanzaron como caras B, caso de “Delirious Night”,”Fear of Ghosts”, “No Heart”, “Esten”, “2 Late”, “Out of Mind”, “Babble” o “Pirate Ships”.Cinco shows que concluían el 30 de mayo con el último de los conciertos que fue retransmitido en directo a través de Facebook y Youtube. Dos horas y media en las que The Cure nos recordaban su disco más memorable y que ahora se editará en formato disco y DVD.
La mítica banda de pop británico The Zombies ofrecerá este viernes, día 13, un concierto en el Playa Club de A Coruña. El grupo asegura que han regresado "para celebrar el lanzamiento de su último álbum, 'Still Got That Hunger', y su reciente inclusión en el Salón de la Fama del Rock and Roll de 2019, La formación actual está liderada por los miembros fundadores el vocalista Colin Blunstone y el teclista Rod Argent. The Zombies fue la segunda banda británica tras The Beatles en conseguir un hit número 1 en América, "se infiltró en las ondas con las melodías sofisticadas, voces entrecortadas, armonías de respaldo corales y riffs de teclado de sus exitosos singles de la década de 1960", recuerdan los promotores del concierto. Tras la ruptura de la banda original, el vocalista Colin Blunstone desarrolló su carrera solitario para, hace unos años, retomar de nuevo el proyecto del grupo junto a Rod Argent. La banda con alma de psicodelia continuará su gira por España, después del concierto en A Coriuña, en Madrid el domingo 15 de diciembre en la sala Independance Live y el lunes 16 de diciembre en la sala BBK de Bilbao.
El grupo bilbaino Doctor Deseo presenta su primer disco con letras íntegras en euskera, "Maketoen iraultza". El disco es en realidad un recoplitario que recoge una selección de 12 canciones que ya fueron incluidas en otros trabajos del grupo publicados entre 1995 y 2018, además se incluye un tema inédito. Fue en 1995 cuando el grupo empezó a incluir en su repertorio piezas en euskera y han ido incluyéndolas constantemente en todos sus posteriores trabajos discográficos. El cantante y líder de la formación, Francis Díez, ha señalado en la presentación del disco que Doctor Deseo "está emocionalmente unido al euskera. Ese compromiso firme se tradujo el 3 de diciembre de 2011 en Vitoria cuando ofrecieron su primer concierto íntegro en euskera", al que siguió otro en el marco del Kilometroak 2016, en Bergara, recital también que dieron con repertorio íntegramente en euskera. El disco "Maketoen iraultza" (La venganza del maqueto) debe entenderse dentro de esa línea en favor del euskera. El repertorio elegido incluye una versión del "Mi naiz" de Xabier Lete y una versión de un clásico de la literatura vasca como Lauaxeta en el tema "Eta moxua eman nahezinez", que incluye la colaboración de Sorkun en la segunda voz. Las letras en euskera de los 13 temas incluidos en el álbum incluye la colaboración de los escritores Edorta Jiménez, Unai Iturriaga y Sonia González además de la ya habitual colaboradora del grupo, Marta Ortiz, incluida una adaptación al euskera de una versión del grupo de Joy Division.
Para Francis Díez, "Maketoen iraultza" es un canto de orgullo de lo que en su tiempo fue un insulto porque hoy lo podemos asumir como orgullo por los que fuimos, somos y serán los nuevos maketos que nos llegan". Para el cantante, los denominados en su día "maketos fuimos una revolución, lo cambiamos todo y hemos transformado para bien cosas básicas de lo que ha sido lo vasco".
Hoy os traigo un impresionante vídeoclip rodado en plano secuencia. Jehnny Beth, líder de Savages, acompaña de imágenes el impresionante tema "I’m The Man”, que forma parte de la banda sonora de la serie de la BBC “Peaky Blinders”, en concreto de un capítulo emitido en septiembre. El vídeo ha sido dirigido por por Anthony Byrne en un callejón de la ciudad de Manchester e incluye una colaboración, a modo de narrador, del actor Cillian Murphy. Se puede ver a la cantante francesa caminando por un callejón, en un papel visceral, y su encuentro con distintas personas, donde no faltan enfrentamientos y personajes mal encarados. Acerca de “I’m The Man”, Beth ha declarado: “Es un intento de estudio de la humanidad y el conflicto interno de la moralidad. Porque es mucho más fácil catalofar a la gente que está claramente atormentada por obsesiones y monstruos que discernir el universo personal que han detrás de lo que es visible en ellos. Sin embargo, esta canción no tiene ni una remota coneccion con ningún tipo de estudio sociológico, de psicología colectiva o política; es una obra poética ante todo. Su objetivo es hacerte sentir, no pensar”.
Savages lleva sin publicar nada ni subirse a un escenario desde hace más de dos años, cuando dieron por finalizada la gira de presentación de “Adore Life”. pero Jehnny sigue muy activa colaborando con numerosos artistas, desde Gorillaz hasta Chelsea Manning, siempre inquieta e interesada por la experimentación musical. Se habla de que está trabajando en su debut en solitario.
El cuarteto femenino de Boiro (Galicia) demuestra fuerza y tensión eléctrica. En su segundo disco, tras "Incoming Noise" en 2017, llevan su sonido un paso adelante, con más contundencia. Una fórmula que gusta y que explica porqué acaban de terminar su gira británica. Las guitarras de Sabela suenan antronadoras, la bateria de Paula más que efectiva, el bajo de Lucía robusto y la voz de Susana imponente. Una mezcla explosiva que bebe del punk, el hardcore y cierto tono gótico. Diez canciones en un disco de impacto, desde “Salvation”, el tema que abre el disco, hasta los compases finales de “Nine” el disco se disfruta. Entre medias “Smokescreen”, los estribillos de “Slow Goodbye” y los registros melódicos de "Remain Unchanged”, que pasande la calma a la tormenta, están entre lo más destacado. Atención porque tienen un directo apabullante, muy intenso.
Caribou confirma que está trabajando en un nuevo disco que publicará el 28 de febrero de 2020, un álbum al que ya ha puesto nombre "Suddenly". Esta obra será la primera que Caribou edita desde el lanzamiento de "Our Love" en 2014. Dan Snaith ha confirmado que incluirá aquella "Home" presentada en octubre, que sampleaba un clásico de Gloria Barnes, como ‘You And I‘, orgánico nuevo adelanto en el que Snaith apuesta por una ensoñadora electrónica que recuerda a sus inicios. Al hablar sobre esta nueva canción el canadiense afirma que: "You And I fue uno de los primeros temas del álbum en los que empecé a trabajar. También fue uno de los últimos temas que llegué a finalizar. Existió de una manera u otra en todo el arco de creación del disco. También muestra gran parte de lo que va el disco, y de lo que queda reflejado en el título. La canción cambia de forma súbita e imprevisible. Va sobre los cambios vitales que surgen sin apenas verlos venir".
Caribou estará presentado este nuevo álbum en el Bilbao BBK Live 2020, de momento es la únia fecha confirmada en nuestro país.
El cantautor tarraconense Albert Jordà, líder de la banda de pop-rock Papa:Noes, acaba de publicar su quinto disco en solitario, "La grandesa d'un silenci", un trabajo íntimo de carácter reflexivo que contiene ocho temas de pop intimista, escritos y producidos por Jordà, que representan "la constante búsqueda de espacios de silencio e intimidad para hacer frente al tiempo ruidoso en el que vivimos", según se indica en un comunicado de prensa. Un trabajo reposado que se ha inspirado en el libro de Erling Kagge "El silencio en la era del ruido", con es mismo espíritu pretende audar a ecvadir a sus oyentes del bullicio de su entorno y las redes sociales. Todo un canto a la intimidad y a la soledad. Los títulos de las canciones evidentemente ya resultan evocadores: "El somni permanent", "Lluna plena", "Ara ets aquí", "Enviats del cel" o "La grandesa d'un bell silenci", como anecdota en el "Blanc silenciós" las dos hijas de Jordà han puesto voz al tema. El disco ha sido grabado en La Guarida (Tarragona) y masterizado por Yves Roussel.
DIIV presentan su disco más interesante hasta la fecha, con el paso del tiempo han ido madurando hasta ser capaces de crear una densidad melódica que resulta deslumbrante. Los neoyorquinos han dejado atrás el dream pop, desde su debut “Oshin” de hace siete años, para acercarse al shoegaze, a las capas de sonido y a la arquitectura de distorsión más cercana a My Bloody Valentine. El tercer álbum de Zachary Cole Smith y compañía, se sumerge en las brumas de la psicodelia y el noise furioso. Me parece que este es un buen momento para reivindica la tensión eléctrica y disfrutar de temas como la inicial “Horsehead”, el single “The Spark”, el acercamiento al dream-pop de “Between Tides”, el kraut-rock de “Blankenship”, “For The Guilty”, o una“Skin Game”encantadoramente deudora de Sonic Youth. 45 minutos de duración, corto, pero contundente. A estas alturas no van a descubrir ninguna nueva fórmula, pero dan en la diana, con acierto, algo que se agradece en estos tiempos anodinos.
Loquillo sigue pidiendo guerra. No se rinde. Para entender ese concepto basta releer el manifiesto que publicó hace solo unos días en redes sobre su filosofía creativa, en el que afirmaba que compone discos "enfadado con el mundo". "Siempre lo estoy; si no, seguiríamos en la Edad de Piedra. El conformismo es mal compañero de viaje, sobre todo para un creador. Hay que ser audaz, valiente y no mirarse el ombligo. Escapar todo el rato de tu zona de confort", explica. José María Sanz (Barcelona, 1960) publica su noveno disco de estudio desde que consolidara su etapa en solitario. En esta ocasión ha contado con el buen hacer de Gabriel Sopeña, Igor Paskual, Luis Alberto de Cuenca; Marc Ros, Carlos Zenón o Leiva, no sin cierta coña admite: "Soy un buen gestor de talento". Son diez canciones, su mejor disco adulto dice él, de todos los "conceptos musicales" relacionados con su pasado, hasta concluir con un guiño discotequero con ecos de Paul Weller llamado "Resucitado" que firma Santi Balmes y que es de lo más festivo.
Loquillo se reivindica como "el último de un género y una estirpe. Se pasa a ser clásico cuando deviene en cultura popular y sus canciones logran traspasar el tiempo y acaban formando parte de la memoria emotiva y sonora de varias generaciones", afirma. No habrá de momento gira que acompañe este lanzamiento. La idea de Loquillo es aprovechar lo que gane para financiar la grabación el próximo año de su siguiente iniciativa, musicar el poemario "Europa" de Julio Martínez Mesanza y, en 2022, llevar a los teatros sus cuatro discos dedicados a la poesía contemporánea. No obstante ya ha confirmado su presencia en Sonorama 2020, ahora además anuncia un concierto especial para el sábado 19 de diciembre de 2020 en el WiZink Center de Madrid. Las entradas para este recital se pueden comprar desde el martes 3 de diciembre en los siguientes puntos oficiales: El Corte Inglés, Ticketmaster España, WiZink Center y PROACTIV. Las entradas cuestan desde 35 hasta 65 euros (más gastos) en función de la zona. La pista tiene un precio de 50 euros (más 6,10 de gastos).
Swans son ya una institución, una banda de post-rock muy personal. su sonido de catedral es grandilocuente y se expande como bóvedas espaciales. No suelen decepcionar, pero este no es un buen disco, a mi particularmente me ha decepcionado. Michael Gira, líder de la banda, ha querido marcar un nuevo punto de inflexión en su proyecto, tanto en estructura como en contenido. Lo primero que ha hecho ha sido prescindir de la formación con la que llevaba trabajando desde su regreso al ejercicio editorial, allá por 2010. Por contra se ha rodeado de un nuttrido grupo de músicos elegidos expresamente para materializar estas composiciones, entre ellos Thor Harris o Phil Puleo, ya habían militado anteriormente en el conjunto, otros como Anna y Maria von Hausswolff, Baby Dee, la banda de jazz The Neckso Fay Christen han sido llamados especialmente para la ocasión.
Este nuevo experimento "Leaving Meaning" está compuesto de doce temas hipnóticos que superan los siete minutos. Piezas repletas de matices que forman en sí mismas un cosmos con identidad propia, desde "Amnesia" con ese tono de Leonard Cohen metafíscio, "The Hanging man" donde los cánticos se convierten en un mantra psicótico a ese "The nub" con misteriosas sirenas.
Han pasado ya tres años desde el último lanzamiento en estudio de la banda de “The Glowing Man” (2016), Michael Gira ha dado una vuelta de tuerca al proyecto que a algunos gustará, pero que ha perdido fuerza y ruido. Adiós a esos largos paisajes sónicos, aquí las nuevas canciones están al servicio de las letras y caen inevitablemente en la letanía. Sin duda su disco más accesible, también el menos arriesgado.
Freedonia han presentado en dos conciertos este fin de semana, 29 y 30 de noviembre, en el Joy Eslava de Madrid, su nuevo disco, "Conciencia" diez músicos sobre el escenario (batería, congas, bajo, piano, guitarra, trombón,trompeta, saxo tenor, flauta travesera y voz) que ofrecieron ritmo y soul a raudales, en unas actuaciones que durante hora y media pusieron a todo el público a bailar. Desde la más absoluta independencia y autogestión, como siempre en sus trece años de trayectoria, este nuevo álbum se ha podido editar gracias al mecenazgo de sus fans, el al crowdfunding, al igual que en sus tres anteriores entregas: "Freedonia" (2012), "Dignity and Freedom" (2014) y "Shenobi" (2017). La banda consiguió más de 17.000 euros para grabar el disco en muy poco tiempo. Este sistema les permite libertad absoluta en su trabajo.
"Conciencia" mantiene los estandartes del soul y del funk, pero en esta ocasión también se adentran en el rock de los setenta y la psicodelia, de la mano de Deborah Ayo, su tercera cantante. La hemos podido escuchar en uno de los coros más cotizados del panorama nacional, Gospel Factory, doblando canciones de Disney como 'Vaiana' o 'La Bella y la Bestia' e incluso liderando su propio proyecto: Deb E and The B. La idea del disco "surge de una charla de José Saramago en la que explica cómo la conciencia es la única herramienta para vencer la multitud de peligros que nos acechan como sociedad", afirman, así que para ellos la música tiene capacidad para "unir a la gente", por lo que puede servir de "motor de cambio".
Recorrerán todo el país durante los próximos meses. Así, tras la capital, Freedonia llevará su espectáculo en una primera tanda por Cáceres (7 diciembre), Málaga (13 diciembre), Algeciras (14 diciembre), Valladolid (20 diciembre), A Coruña (21 diciembre), Zamora (27 diciembre), Valles (Asturias, 28 diciembre), Avilés (10 enero), Bilbao (11 enero), Salamanca (17 enero), Vitoria (18 enero), Córdoba (7 febrero), Sevilla (8 febrero) y Azpeitia (24 abril).
Sam Sheperd regresa a sus raíces sonoras como Floating Points, con un requiebro estilístico a la pista de baile. "Crush" está basado en las improvisaciones que fue creando en 2017, en la gira con The XX, unas creaciones afiladas y algo insólitas en su carrera. Ha decidido grabar lo que tocaba como telonero de la banda londinense; su material más experimental hasta la fecha, su factura técnica, su combinación de recursos electrónicos clásicos y jazz resultan estremecedores, probablemente también ese cariño por los detalles.
A diferencia de sus anteriores trabajos“Elaenia” en 2015, "Nuits sonores" o “Reflections” aquí brillan con luz propia las canciones más rítmicas, con texturas sonoras asombrosas, caso de "Last Bloom", "Environments", "LesAlpx", "Anasickmodular" o "Bias". Tal vez no lo sepas pero el músico de Manchester es doctor en neurociencia, quizá eso te ayude a entender su concepción musical y la imaginería que Floating Points exhibe y que llegan a noquear al oyente. Sin haber alcanzado la popularidad de sus colegas Four Tet y Caribou, Floating Points se ha convertido en uno de los productores de electrónica más prestigiosos del momento.
Ha tardado cuatro años en regresar, lo ha hecho después de renovar su estudio y la maquinaría electrónica que allí almacena. Se ha apropiado de un sintetizador Rhodes Chroma, tan difícil de tuvo pedir a su ingeniero que construyera una aplicación de iPad para controlarlo y el sintetizador modular BUCHLA. Sam Shepard reconoce que no es un disco perfecto y la verdad es que escucharlo de tirón se hace difícil.
Los australianos Hoodoo Gurus regresan de gira por nuestro país, en unos concierto que prometen serán memorables, porque como ellos dicen le tienen un especial cariño a España. Serán cuatro actuaciones que arrancan hoy en Valencia (martes 3, Loco Club), Madrid (miércoles 4, Sala El Sol), Vitoria – Gasteiz (jueves 5, Sala Helldorado) y León (sábado 7, Purple Weekend). Considerados como una de las más destacadas bandas de rock and roll que ha producido Australia, siguen en plena forma desde 1981 cuando se unieron para tocar en una fiesta en el Año Nuevo. Siempre han reconocido que sus influencias esenciales han sido: The Cramps, T. Rex, Ramones, Flamin´ Groovies, Suicide, Gene Vincent, Nancy Sinatra, The Sonics o Gary Glitter entre otros muchos más. Estas influencias las nombran en la canción de inicio de su primer LP "Stoneage Romeos": "(Let´s All) Turn On". Puro power pop y jangle melódico.
Su segundo álbum, "Mars Needs Guitars", fue todo un éxito y les lanzó a la fama, gracias a temas como "Bittersweet" o "Death Defying" que aún funcionan como píldoras vitamínicas en sus conciertos. "Blow Your Cool" se lanzó en 1987 y los Hoodoo Gurus se hacen aún más grandes, llenando estadios y recibiendo premios. En este disco se incluyen dos canciones que son por derecho propio parte esencial de la historia del rock australiano: "What´s My Scene" y "Good Times", donde sus amigas The Bangles colaboran en los coros. Después de la extensa gira para promocionar el álbum, Clyde Bramley abandona la banda y es sustituido por Rick Gossman, asentando una formación que dura desde entonces hasta nuestros días. Los álbumes se suceden – "Magnum Cum Louder" (1988), "Kinky" (1991), "Crank" (1994), "Blue Cave" (1996). También dos recopilatorios como "Electric Soup / Gorilla Biscuit" (1992) y "Electric Chair / Armchair Guru" (1997). En 1997, después de 16 años grabando y tocando sin parar por todo el mundo, la banda cesó su actividad sin que quede muy claro si fue un simple descanso o una separación en toda regla. En 2004 unos revitalizados Hoodoo Gurus vuelven a escena para editar "Mach Schau" y salen a la carretera, ya sin parar. En 2009 editaron su novenos álbum de estudio "Purity Of Essence", giraron por todo el mundo y Sony Music editó sus grandes éxitos en el álbum "Goldwatch". Hoodoo Gurus han demostrado que son resistentes, pronto celebrarán su cuarenta aniversario como banda. Con tres de sus socios fundadores aún en la formación, llevan casi una década sin gtrabar material nuevo, pero su directo sigue siendo imprescindible.
El próximo 13 de diciembre verá la luz "Ni tan joven ni tan viejo", un disco doble de homenaje a Joaquín Sabina en el que una cuarentena de artistas reinterpretan 25 de sus canciones. Entre los participantes destacan Joan Manuel Serrat, Leiva, Bunbury, Amaral, Fito y Fitipaldis, Pablo Alborán, Ismael Serrano, Alejandro Sanz, Estopa, M Clan, Coque Malla, Robe, Manuel Carrasco, Dani Martín, Manolo García, Melendi, Vanesa Martín, Zahara o Los Rodríguez, reunidos para la ocasión. Completan el plantel Rufus T. Firefly, Rozalén, Travis Birds, Benjamín Prado, Niño de Elche, Guitarricadelafuente, Alejo Stivel, Funambulista, Marwan, Kany García, Mikel Erentxun, Rubén Pozo, Lichis, Macaco, Carlos Sadness, Mara Barros, Andrés Suárez y Elvira Sastre. La versión coral de 'Y nos dieron las diez' es el primer anticipo de este tributo a una de las figuras más destacadas de la música española de las últimas décadas.
Estamos a las puertas de recibir el duodécimo álbum de la legendaria banda británica, al que van a llamar simplemente “Who”. Casi con cuentagotas han ido dando a conocer algunos temas: “Ball & Chain”,sobre el centro de detención de Guantánamo y los poderes que rodavía lo tienen abiertoy “All This Music Must Fade”, sobre el plagio en el rock. Ahora va por el tercero, titulado “I Don’t Wanna Get Wise”. Según lo han definido es “la canción más retrospectiva del nuevo álbum”. A través de un comunicado, Townshend afirmó que el tema “tiene un estilo de mediados de los 70, como una canción de un álbum como Who By Numbers. Advertencia: no envejezcas. Puede ser sabio”. En tanto el resto de canciones del nuevo disco “cubren una variedad de temas que incluyen el incendio de la Torre Grenfell, el robo musical, la espiritualidad, la reencarnación, el poder de la memoria y una vieja estrella de rock que ha perdido la cordura”. El primer disco en trece años "Who" llegará el próximo 6 de diciembre. Daltrey y Townshend han dicho sobre Who: "Creo hicimos nuestro mejor álbum desde Quadrophenia en 1973. Pete (Townshend) no lo ha perdido, sigue siendo un escritor fabuloso y sigue teniendo ese filo cortante", a lo que el guitarrista añade: "Este álbum tiene canciones nuevas escritas el año pasado, con dos excepciones. No hay un tema, concepto, historia, solo un set de canciones que escribimos para dar a Roger alguna inspiración, retos y alcance a su nueva y revivida voz. Roger y yo somos hombres viejos, he tratado de estar lejos del romance y de la nostalgia, si es posible. No quiero sentir a nadie incómodo. Los recuerdos están bien y algunas canciones se refieren a las cosas explosivas de hoy".
The Who vive un gran momento de actividad. Roger Daltrey y Pete Townshend recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Londres y Townshend, de 74 años acaba de presentar su novela, “La era de la ansiedad”, en la que abundan los pasajes sobre sexo, drogas y rock & roll. “Diría que el libro surge a 80 por ciento de la realidad. He observado mucho lo que me rodeaba y también hay bastantes hechos autobiográficos”, afirma el músico.
