GINEBRAS "Ya dormiré cuando me muera"

 

Hace ya tiempo que escuchamos las canciones pop que van difundiendo en internet el grupo Ginebras formado por cuatro chicas. Por fin llega su disco de debut "Ya dormiré cuando me muera", donde confiesan que tratan sin rubor los problemas de la calle, de los que también saben reirse: "Porque ya había demasiada música cantándole a la luna y el sol", aseguran.
Ginebras está compuesto por Magüi, vocalista y encargada de la guitarra rítmica, la alicantina Sandra (guitarra solista y coros), la madrileña Raquel (bajo) y la gaditana Juls (batería): "nosotras somos cuatro chicas tocando, una imagen que no acostumbra a verse, e intentamos ser referentes para otras niñas y demostrar que las mujeres no solo cantamos, que también tocamos instrumentos", apuntan. Con esa misma naturalidad tratan otros aspectos que son poco usuales en la música española, como la bisexualidad: "Eso es súper importante. En este grupo están representadas todas las sexualidades posibles. Como hablamos de lo que nos gusta, eso sale solo en las letras, pero no pretendemos abanderar nada ni ser iconos, ni tampoco buscamos llamar la atención hablando de ligar con una chica", explican ante temas como "Metro de Madrid informa".
Ginebras no quiere hablar de temas trascendentales, si no de lo que ven en las calles, por ello su estilo ha llegado a ser calificado de «tonti rock», término del que no rehuyen. Ellas hablan de "por qué una camiseta rota cuesta tanto dinero", como hacen en "Vintage", una caricatura del postureo, que ellas mismas reconocen que practican. No hay metáforas enrevesadas en su manera de escribir, como ocurre con "Cosas moradas", su tema favorito del disco por la energía que contiene y que nació de una idea tan sencilla como enumerar cosas de un color en particular.
El año pasado publicaron su primer EP, "Dame 10:36 minutos", con temas que ya se pueden calificar de éxito, como "Todas mis ex tienen novio", "La típica canción" o su versión roquera del "Con altura" de Rosalía, casi de forma inmediata eran contratadas para un buen número de festivales. y se avecinaba un verano prometedor... hasta que llegó el confinamiento y las cancelaciones de conciertos. Su primer disco largo llega en plena alerta sanitaria, con la segunda oleada de contagios. A la espera de posibles nuevos confinamientos han conseguido cerrar varios conciertos hasta junio de 2021, como el que el 31 de octubre tiene previsto en la sala Rem de Murcia, el 12 de febrero en Valladolid (Porta Caeli) y al día siguiente en Bilbao (Azkena). Anuncian que el 11 de marzo andarán de vuelta por Madrid, en la sala Ochoymedio.

BRIAN ENO "Film Music 1976 – 2020"

Brian Eno ha sido un pilar de la música popular de nuestro tiempo, primero como parte esencial de la formación Roxy Music en los años 70, como productor y colaborador de los músicos más importantes de las últimas décadas o como ese revolucionario capaz de dar forma a un nuevo concepto que se ha denominado ambient y desarrollar el minimalismo con la llegada de instrumentos electrónicos.  El aclamado músico anuncia que el próximo 13 de noviembre lanzará a la venta una compilación titulada Film Music 1976 – 2020 (2020), el primer material oficial que reúne los temas con los que ha contribuido al mundo del cine. A lo largo de sus cinco décadas como compositor de bandas sonoras, Brian Eno ha trabajado en más de veinte películas. Esta compilación es solo un repaso por algunos de los trabajos más significativos de su carrera, en la que se incluyen siete tracks totalmente inéditos
Entre las piezas se encuentran clásicos creados para "Dune" (1984) de David Lynch, "Trainspotting"(1996) de Dany Boyle, "The Lovely Bones" (2009) de Peter Jackson, "Heat" (1995) de Michael Mann y "For All Mankind" (1989) de Al Reinert, entre muchas más. Eno ha creado cientos de piezasque han sido utilizadas en películas, documentales y programas de televisión, además de 20 partituras completas para algunos de los directores más conocidos del mundo. 

Brian Eno: Film Music 1976 – 2020

1. Top Boy (Theme) from Top Boy – Series 1, directed by Yann Demange, 2011
2. Ship In A Bottle from The Lovely Bones, directed by Peter Jackson, 2009
3. Blood Red from BBC Arena – Francis Bacon, directed by Adam Low, 2005
4. Under from Cool World, directed by Ralph Bakshi, 1992
5. Decline And Fall from O Nome de Morte, directed by Henrique Goldman, 2017
6. Prophecy Theme from Dune, directed by David Lynch, 1984
7. Reasonable Question from We Are As Gods, directed by David Alvarado / Jason Sussberg, 2020
8. Late Evening In Jersey from Heat, directed by Michael Mann, 1995
9. Beach Sequence from Beyond The Clouds, directed by Michelangelo Antonioni, 1995
10. You Don’t Miss Your Water from Married to The Mob, directed by Jonathan Demme, 1988
11. Deep Blue Day from Trainspotting, directed by Danny Boyle, 1996
12. The Sombre from Top Boy – Series 2, directed by Jonathan van Tulleken, 2013
13. Dover Beach from Jubilee, directed by Derek Jarman, 1978
14. Design as Reduction from Rams, directed by Gary Hustwit, 2018
15. Undersea Steps from Hammerhead, directed by George Chan, 2004
16. Final Sunset from Sebastiane, directed by Derek Jarman, 1976
17. An Ending (Ascent), from For All Mankind, directed by Al Reinert, 1989

PAU VALLVÉ "La vida és ara"

Pau Vallvé  sigue elaborando discos muy meditados, aunque en este caso haya sido creado durante el confinamiento, para el artista catalán, como para muchos de nosotros, el encierro le ha servido para aislarse del mundo. Este sexto trabajo firmado bajo su nombre, un disco, como ya es habitual compuesto, tocado, mezclado y producido por él mismo en su estudio. La producción también se ha visto limitada, de tal modo que ha prescindido de las  baterías y ha optado por introducir sonidos elaborados con maquinitas con las que lleva tiempo jugueteando. Esa sonoridad convierte a  “La vida és ara” en su trabajo más accesible y ligero, así que no es de extrañar que aparezcan ritmos de bosanova y boleros. Se nota que Pau se lo ha pasado bien durante su edición, así que no tiene perjuicios en cantar: “Si me hicieran volver a todos esos años, lo haría todo igual, pero lo haría disfrutando”. Esa es la filosofía del título del álbum "La vida es ahora" y hay que aprovecharla: es nuestro momento. Pau ha hecho un disco feliz. Cuenta que pocos días antes del confinamiento se separó y se fue a vivir  unos días a su estudio. El estado de alarma lo atrapó allí y ya no pudo salir hasta después de 75 días. Durante es período de más de dos meses grabó este disco encerrado con los instrumentos que tenía en el estudio. Esa fue su rutina y su única ocupación en aquellos 75 largos días."Contrariamente a lo que podría parecer, de todo aquello no ha salido un disco ni triste, ni oscuro, sino todo lo contrario", confiesa Pau. 

DOVES "The Universal Want"

La pregunta es ¿por qué hay bandas que regresan después de largos retiros para no aportar nada? Evidentemente en la mayoría de los casos para hacer caja. Por contra hay bandas que nunca deberían haberse marchado. Es el caso de Doves que retorna once años después con un disco esplendoroso. El trío de Manchester presenta “The Universal Want”, un catálogo de buenhacer musical. El álbum ha sido tan bien recibido que ha alcanzado el primer puesto de la lista de ventas de Reino Unido, superando a su principal competidor, "Shoot For The Stars Aim For The Moon" de Pop Smoke, en más del doble de copias.
Doves dejaron un legado muy notable gracias a cuatro discos editados a lo largo de la primera década del nuevo siglo: “Lost Souls” (2000), “The Last Broadcast” (2002), “Some Cities” (2005) y su último trabajo hasta ahora “Kingdom Of Rust” (2009). Este nuevo álbum fue grabado durante un período de dos años, entre 2018 y 2020 en distintos estudios de Inglaterra y con la ayuda del productor Dan Austin, quien ha trabajado con renombres como Robert Plant, Massive Attack, Placebo, entre otros.
Jimi Goodwin y los hermanos Jez y Andy Williams han creado un disco espléndido con diez canciones de ese elegante indie pop de guitarras, con sonoridad épica y un toque de shoegaze. Su música es imperecedera y llega en un momento que suenan rejuvenecidos. Piezas tan redondas para mi gusto como "Prisoners" y "Broken Eyes" ya merecían el regreso de una banda que nunca debió marcharse y que demuestra así verdadera vigencia en los agitados tiempos que vivimos. Calman nuestro espíritu y alimentan nuestra alma.

ANTONIO VEGA "Escapadas"

 

Escapadas es un disco de versiones y colaboraciones, un trabajo que se edita ahora en una versión más extendida con piezas no recogidas cuando se lanzó en 2004. La nueva producción recoge una veintena de canciones que ahondan en la faceta de intérprete de Antonio Vega, porque lleva las canciones a otro nivel y las convierte en otras piezas distintas.    

Fue un disco tardío, de 2004, que respondía al interés que generaba su figura,  un álbum de colaboraciones y versiones junto a otros artistas y añadió dos canciones que grabó expresamente para el lanzamiento hace ya más de 15 años: La de Amaral y "Me quedo contigo", de Los Chunguitos. La segunda fue, en realidad, una insistente propuesta de Margarita del Río la pareja de Antonio Vega, cuando ella enfermó, se decidió a hacerla, casi a modo de homenaje. Marga falleció en 2004, antes de que el disco apareciese publicado. Su pérdida fue devastadora para el artista. Sin embargo, el título "Escapadas" no generó el interés esperado y pronto cayó en el foso de la descatalogación. Ahora el disco vuelve a la vida con una edición añadida, un segundo volumen de colaboraciones perdidas y reunidas. "Escapadas" muestra a Antonio Vega sin prejuicios, con versiones de Amaral a Los Chunguitos y de Serrat a "La Tarara". Entre esas canciones sobresale el "Romance de curro “El Palmo”, de Serrat, que conmueve desde que apareciera en un álbum de homenaje al catalán en 1995. Tampoco tuvo problemas en cantar "Amor en vena", un tema sobre una yonqui que compuso Javier Álvarez para una campaña benéfica. En el álbum hay colaboraciones o versiones de Amaral («Cómo hablar»), Elefantes («Que yo no lo sabía»), Jarabe de Palo («Completo, incompleto»), Ketama («Se dejaba llevar por ti»), El Arrebato («Hoy me dio por ser honesto»), con Los Limones («Acelerado») y también con los malogrados Enrique Urquijo y Antonio Flores. 

 Antonio Vega murió hace 11 años. En una reciente entrevista en El País, su hermano Carlos contaba que "en los últimos años de su vida  nunca se tumbó en una cama a dormir. Lo poco que descansaba lo hacía sentado. La guitarra apoyada en sus muslos. Enfrente, un ordenador. Estudiaba el instrumento. Lo tocaba. Manipulaba los sonidos que extraía en el ordenador. Volvía a los acordes. Si le entraba sueño ponía el brazo derecho sobre la mesa para luego apoyar la cabeza. Dormitaba 10 minutos. Luego despertaba sobresaltado y regresaba al instrumento. Así toda la noche. No quería tumbarse, le daba pánico. Seguramente lo asociaba a no despertarse. Si se mantenía en pie seguía tirando para adelante”, 

Cuando falleció el músico, a su madre, Mari Luz, le salvó el clamor social. “Para mi madre fue un descubrimiento ver cómo la gente quería y admiraba a Antonio. Mi madre no había vivido eso, había vivido la parte más complicada de la vida de Antonio. Ella nunca se había metido a analizar su faceta artística. No sabía que era tan famoso como artista. Y cuando se murió y vio toda la reacción de la gente supuso un cierto consuelo”, confiesa Carlos Vega al diario.

MARILYN MANSON "We are chaos"

 

El singular Marilyn Manson nos ofrece su disco más pop y el más oscuro, aunque no hay cambio de rumbo en su pasión por el rock gótico. Ha roto con Tyler Bates, que le ha acompañado en la banda durante el último decenio y eso se nota en que adereza sus canciones con menos tonos macabros y más emocional. Así nos encontramos con glam al estilo T.Rex en baladones como "Paint you withmy love" o esa sorprendente "We are chaos", casi espectral. Canciones más digeribles, pero dentro de su estilo personal, grandilocuente y oscuro.
En su undécimo disco de estudio, vuelve Marilyn a mostrar su gran personalidad y deja que entre un poco de aire fresco, una vez superados los 50. “We Are Chaos” ("Somos caos") es un título, pese a haber sido decidido antes del inicio de la pandemia, refleja a la perfección la situación que padecemos. El propio artista confesaba: “Al hacer este disco tuve que pensar en mí mismo: ‘Domesticar tu locura, coser tu traje. Tratar de fingir que no eres un animal’, pero sabía que la humanidad es el peor animal de todos. Practicar misericordia es como hacer un asesinato. Las lágrimas son la mayor exportación del cuerpo humano”. Sin embargo, la mayor parte de sus temas se muestran mucho más accesibles, menos impetuosos y más reflexivos de lo que nos tiene acostumbrados. Ese traje pop que por momentos se convierte en algo así como en Suede cargado de oscuridad gótica, no le sienta mal. Tres años después de su último trabajo el iconoclasta Manson vuelve a sorprender.

FUTURO TERROR "Sangre"

Futuro Terror lanza su cuarto disco fieles a ese sonido post-punk y en esta ocasión con un mensaje político muy marcado, que tal vez afecte a sus composiciones, menos frescas en esta ocasión. "Sangre" contiene diez canciones de carácter crítico y furia sonora, con esa característica crudeza inmediata. Alguien puede llegar a pensar que suenan más melódicos tras escuchar el arranque con "Frío" o "Territorio devastado" donde se acercan al garage. Estas últimas son las que parecen dejar una puerta abierta a la evolución estilística del grupo, pero la cosa queda compensada con la contundencia de "Komsomol" o "Armen". La rabia va creciendo según avanza el disco hasta "Qué Hacer y Matar" y "Dejar Morir", dos cortes frenéticos y directos, como un puñetazo en el estómago.                                "Sangre" es su disco más político donde hablan sin tapujos del compromiso social, la crítica hacia la globalización, de los fantasmas del pasado, la conciencia de clase, con constantes referencias soviéticas. Otro aspecto a destacar dentro del disco es la incorporación en este último disco de un nuevo miembro al conjunto, Óscar Mezquita, baterista militante en bandas como Zanussi o Cuello, que con su presencia fortalece las bases del sonido de Futuro Terror.  

THE SMASHING PUMPKINS "Cyr"

   

Desde su resurrección, The Smashing Pumpkins no solo han vuelto a los escenarios, ahora nos ofrecen nuevo material por partida doble. El próximo 27 de noviembre llegará lo nuevo de Billy Corgan y compañía, un disco que tendrá 20 canciones y llega con el título de "Cyr". El álbum ha sido grabado en Chicago y producido por el propio Corgan.
The Smashing Pumpkins confirman que Cyr se publicará este próximo otoño. Hace pocos días llegaban dos nuevas canciones de los norteamericanos, “Cyr” y “The Colour of Love”. Dos composiciones que formarán parte de un nuevo álbum que ha grabado la nueva alineación titular de la banda, que cuenta con Billy Corgan,  James Iha, a la guitarra, el batería Jimmy Chamberlain y el bajista Jeff Schroeder. Un 75% de la original, a excepción de D’Arcy Wretzky.
La banda ha cambiado de sonido, la prueba es el tema que da título al disco, una canción con aire rewtro hy sintetizadotres inspirados en los 80. Sobre “Cyr”, Corgan ha comentado: "Es una locura distópica, un alma contra las cosas del mundo, en un contexto de lealtades cambiantes y tiempo acelerado. Para mí, es tanto esperanzador como despectivo de lo que es y no es posible con fe".

JAKKO JAKSZYK "Secrets & Lies"

 

El actual vocalista y guitarrista de King Crimson, Jakko Jakszyk, anuncia que va  a publicar en octubre un disco al que ha titulado "Secrets & Lies", su nuevo trabajo en solitario, además nos ofrece un segundo single, 'It Would All Make Sense', que acompaña de vídeoclip. El tema versa sobre "cuando la verdad te estalla en la cara pero no quieres creerlo... cuando las evidencias tienen más sentido que las mentiras, llega un punto en el que todo cobra sentido", explica el músico.                                                          "Secrets & Lies" se publicará el 23 de octubre. Tres de las canciones: "Separation", "Under Lock & Key" y "Uncertain Times" tuvieron origen en las sesiones de composición con King Crimson. Además Jakszyk ha contado con sus compañeros de Crimson Robert Fripp, Gavin Harrison , Tony Levin y Mel Collins, además de otros invitados como Peter Hammill (Van der Graaf Generator), John Giblin (Peter Gabriel, Kate Bush, Simple Minds), Mark King (nivel 42) y Al Murray, todos ellos colaboran en este disco intimista que según adelanta el caqntante tratará temas como la obsesión, la traición, los motivos cambiantes de la política contemporánea y los hilos enredados de la historia familiar.  

NUEVA VULCANO "Ensayo"

 

Hoy por fin sale a la venta el nuevo álbum de Nueva Vulcano. Han pasado más de tres meses desde que dieron a conocer el primer adelanto titulado "Las rotondas", luego llegaría "Disney y resaca padre", y hace unos días daban a conocer un nuevo single, “La pedra oscil·lant” (La piedra oscilante), todo un temazo. Lo curioso de esta última canción es que La Pedra Oscil·lant existe realmente. Se trata de un monumento megalítico situado en la localidad de Capmany, cerca de la frontera con Francia, y en torno al cual los hombres y mujeres celebraban sus primeras celebraciones y ritos. Cuentan que que cuando sopla fuerte el viento o que si se la empuja con mucho empeño desde un cierto punto, puede llegar a moverse, de ahí su nombre, aunque la verdad es que logra mantener siempre su singular equilibrio.  "Ensayo" se publica hoy en digital y a finales de octubre en físico. Han pasado cinco años desde su entrega anterior, "Novelería", demasiado tiempo, pero hoy por fin desvelarán el contenido de su nuevo artefacto sonoro, porque ellos aseguran que siguen siendo punkies.

BENJAMIN BIOLAY "Grand Prix"

"Gran Prix" es un disco con aires retro y de una hermosa sensibilidad pop. El artista francés concentra unas composiciones melancólicas, llenas de glamour, en el que las referencias al automovilismo con en realidad una metáfora de la vida. A través de la referencia a la Fórmula 1, rinde Biolay homenaje a los caídos en los circuitos, como Ayrton Senna (fallecido en 1994, a los 34 años) y Jules Bianchi (2015, 26 años), a la vez que traza un singular paralelismo entre la profesión de piloto y la vida de artista. Lo hace conduciendo este artefacto sonoro plagado de cierta modernidad neoclásica, en la que resalta su figura de crooner y donde no hace ascos a ritmos disco-funk. Biolay se atreve con sintetizadores en "Visage pâle", guitarras a lo New Order en "Regret", ritmos para la pista de baile en "Commentestta peine?" , una balada al piano en "La roue tourne" o el ritmo de bossa nova incluido en "Interlagos", el circuito en el que el joven Ayrton Senna se coronó en el 91, sin sospechar cuál sería su trágico final.

Benjamin Biolay se mantiene como digno heredero de Serge Gainsbourg, un título que se le otorgó sin su beneplácito, por lo que significa de responsabilidad. Sin duda vuelve a crear buenas canciones, con su característica voz rota y siempre con el poso melodramático de unas letras cargadasde mensajes agridulces esta vez para homenajear el glamuroso imaginario de la Fórmula 1 y especialmente a sus mitos caídos en plena carrera.

UMA "Bel·li"

La artista catalana Uma tiene la virtud de actualizar la tradición folk llevándola a la modernidad. Desde muy pequeña empezó a interesarse por la música, y a los 4 años empezó a tocar el violín. Años después su pasión musical se extendió a la composición y a las letras de las canciones, sobre todo tras descubrir los discos de Norah Jones o Laura Marling. Buscando su propia identidad encontró su inspiración en otras artistas como Ella Fitzgerald, Joni Mitchell, Nico, Buika, Macy Gray o Bebel Gilberto.
Uma debutó en 2018 con una canción llamada “Mockingbird” que tuvo buena acogida en diversos medios sobre todo del Reino Unido. Posteriormente publicó otros dos sencillos: “Astronaut” y “Standing in the sun”. Tras estas tres primeras piezas, finalmente el pasado mes de abril vio la luz el primer EP de Uma, "Bel·li", que incluye las tres canciones mencionadas además de una intro que sitúa al oyente en un mundo de folk onírico. Las otras dos canciones nuevas son la frágil “Silver tongue” y “Pride”, el corte más elaborado con bonitos coros, arreglos de cuerda y otros efectos sonoros, con una letra en la que se habla de la parte más quebradiza de la vida.

BRUCE SPRINGSTEEN "Letter to you"

 

Bruce Springsteen llevaba seis años de silencio, demasiado tiempo para sus millones de fans en todo el mundo. Por fin llega su vigésimo trabajo de estudio de su dilatada carrera, "Letter to you", de nuevo acompañado de la icónica The E Street Band. De momento solo ha desvelado este tema que da título al álbum y parece que el Boss ha vuelto a la senda del rock, en sus propias palabras: "Me encanta el disco, estoy feliz por cómo ha quedado la parte emocional impresa en él. Lo grabamos en solo cinco días y resultó ser una de las mejores experiencias de grabación que he tenido en mi carrera. El sonido de la E Street Band tocando en mi estudio completamente en vivo y sin regrabaciones es espectacular, algo que nunca antes habíamos hecho".
El nuevo trabajo discográfico saldrá a la venta el  próximo 23 de octubre e incluye nueve temas de reciente creación más tres grabaciones que datan de los años setenta: "Janey Needs a Shooter", "If I Was The Priest" y "Song For Orphans". Temas conocidos desde hace años ya que suelen formar parte de su repertorio en directo pero que nunca antes habían sido recogidas en un estudio hasta este álbum.

"Letter To You" ha sido grabado en el estudio del músico en New Jersey junto con el productor Ron Aniello. Además, ha contado con Bob Clearmountain (The Rolling Stones, Bon Jovi) para las mezclas y ha sido masterizado por Bob Ludwig (Led Zeppelin, Queen).

En una conversación con Martin Scorsese en mayo de 2019, Springsteen reveló que había estado luchando por escribir canciones que se pudieran considerar apropiadas para una banda de rock. "He pasado unos siete años sin escribir nada para la banda. Y luego, hace aproximadamente un mes, escribí el material para casi un álbum entero para la banda ... simplemente salió de la nada. Tuve casi dos semanas de esas visitas diarias de las musas y fue tan agradable, tan feliz", aseguraba.
Con cuarenta años de carrera a sus espaldas, Springsteen ha ganado 20 premios Grammy, un Oscar y un Tony, ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, ostenta una distinción del Kennedy Center, en 2013 fue nombrado Persona del Año por MusiCares y en 2016 se le concedió la Medalla Presidencial por la Libertad.

ReMission International “TOS2020”

El líder de The Mission, Wayne Hussey, uno de los abanderados del rock gótico más épico ha decidido revisar uno de sus temas más clásicos con fines benéficos para todos los trabajadores que investigan sobre el Covid-19 en todo el mundo. Se trata del tema de 1988 “Tower of Strength”, que ha sido rebautizado como “TOS2020” e interpretado por ReMission International, una agrupación en la que partyicipan grande nombres de la hisotria del rock como: el cofundador de The Cure Lol Tolhurst, Martin Gore de Depeche Mode, Gary Numan, Andy Rourke de The Smiths, Julianne Regan de All About Eve, Midge Ure, Budgie de Siouxsie and the Banshees y The Creatures, Billy Duffy de The Cult, Kevin Haskins de Bauhaus, Tones on Tail y Love and Rockets, Rachel Goswell de Slowdive, Richard Fortus y Robin Finck de Guns N’ Roses, Miles Hunt de The Wonder Stuff y los miembros de Gene Loves Jezebel Jay y Michael Aston.

Sobre esta inciativa colaborativa Wayne Hussey comenta: “Cuando llegó el COVID-19, comencé a recibir mensajes que preguntaban ‘¿por qué no reeditas Tower Of Strength para los trabajadores que están en primera línea?’ La canción aparentemente había sido adoptada como himno por algunos trabajadores del Sistema nacional de salud, y me hizo pensar que me gustaría contribuir con algo a la causa mayor en este momento sin precedentes y lo único que realmente podría contribuir es la música. Así que, junto con mi buen amigo Michael Ciravolo, se me ocurrió la idea de grabar una nueva versión de Tower Of Strength con fines benéficos solicitando la ayuda de amigos y conocidos músicos”.
El sencillo está disponible digitalmente desde el 28 de agosto y en medios físicos, vinilo dorado de 12 pulgadas y CD a partir del 2 de octubre.