Capitán Sunrise actua hoy domingo, 31 de enero, en la sala Siroco en Madrid, dentro de Sesiones Vermú Bala, un ciclo matutino que se une a la tendencia de este formato, al alza debido a las restricciones impuestas en el ocio nocturno. Allí tocarán las canciones de su último trabajo, que también vio retrasado su lanzamiento por el Covid, "Dramas del primer mundo" ha conseguido captar la atención del público mejor que trabajos anteriores. “Hemos llegado a más gente y hemos subido un peldaño del escalón. Nos han pinchado mucho más en Radio 3, hemos salido en la tele, ha habido más revuelo con este disco que con otros incluso con la pandemia y es verdad que en ese sentido estamos muy contentos con el resultado”, señala Santi Diego, voz principal y compositor de esta banda de pop melódico. En este trabajo Capitán Sunrise, que lleva ya 10 años en esto de la música, coquetea con sonidos más electrónicos de la mano del productor Javier León.
Los integrantes Andrés Rebolledo (guitarra solista), Fran García (batería y percusiones) y Paco Cuenca (teclados, bajo y sintetizadores) se sumaron hace cuatro a las voces principales, en la formación más estable que han tenido hasta ahora. En el nuevo disco saltan de la balada, a ritmos ochenteros y más punks, cambios que también vienen acompañados en las letras que ahora resultan más irónicas y en canciones que llevan títulos como "Bésame antes de que acabe el gobierno" o "Confesiones de un tarado emocional" o "Me has convertido en el mes de enero". “Hablamos mucho de actualidad y de política, siempre con un poco de humor y de ironía. No de forma hiriente ni mucho menos, pero quiero darle ese punto socarrón a las letras que escribo”, reconoce Santi Diego, ya que a pesar de los obstáculos escribe inspirado en sus experiencias personales, siempre que sus tareas como profesor en un colegio público en el que imparte clases de música, se lo permiten.
El concierto de presentación se tendría que haber celebrado a finales de marzo, se retrasó a mayo y le han seguido sucesivas cancelaciones hasta llegar a enero. También fechas de conciertos que tenían cerradas por distintos puntos nacionales se han difuminado. Pero la pandemia no les paró en el entorno online donde hicieron directos por Instagram, participaron el algunos festivales celebrados desde las casas y animaron a sus seguidores a que se grabasen su propio tema de "Bésame después de la cuarentena", una versión adaptada para esos días cautivos.
El mexicano Andrés Sánchez, bajista de la mítica banda Zoé, retoma su proyecto como solista con el nombre de Sanchez Dub, un alias con el que aprovecha todas las vivencias musicales que han conformado su trayectoria musical. Tras varios meses de encierro da rienda suelta a esos 'beats' y bajos muy profundos, a los sonidos experimentales, en una exploración sonora que va de la música electrónica o el funk al reggae. "Humans" es el primer sencillo que mostró del nuevo EP, se trata de un tema muy bailable y funky. Para esta pista, el músico y productor mexicano, convocó a Adryanna para darle vida a los coros, mientras que Sergio Acosta Russek y Chab colaboraron tanto en la producción como en la masterización de la misma. Una fusión de música electrónica con sonidos caribeños es lo que compone a "Humans"; un tema bailable 100% que intenta materializar cómo la música puede llegar a desconectarte del mundo real y aterrizarte en uno mucho más libre y menos complejo. El segundo sencillo, "Deep sound", es un tema más oscuro que rememora a bandas como Pink Floyd en donde también mezcla sonidos electrónicos. "Es un poco más 'downtempo', más profunda en bajos, un poco más psicodélica", apunta el músico fundador de la banda Titán, actualmente bajista de Zoé y musicalizador de proyectos audiovisuales, Sanchez Dub es una mezcla de todos y cada uno de las experiencias que le han dejado. Hasta ahora son cinco las canciones que componen esta entrega, pero Sánchez dice que sigue componiendo y espera que a la larga se convierta en un álbum. Por ahora está en planes de Andrés presentar esta música de forma digital con su respectivos videos y de forma física en un vinilo. El compositor también adelanta que estos primeros dos sencillos que se han mostrado dan un panorama bastante amplio de lo que se trata el material en su totalidad, y asegura que es el resultado de varios días reflexivos y los estados anímicos que ha tenido durante esta época tan incierta. "El mensaje que quiero dar es un poco meditativo, un mensaje muy poderoso de lo que he sentido todo estos días", dice Andrés quien espera que para inicios del 2021 pueda salir el tercer sencillo. Otro de sus planes, es poder llevar a cabo de forma presencial conciertos en un formato pequeño para que pueda llegar a diversos festivales, aunque tiene claro que habrá que esperar para ello. A la par que Sanchez Dub, Andrés se prepara para poner música a varios proyectos audiovisuales, como las películas "Cosas imposibles" del director Ernesto Contreras y "Pole Dance" de Maryse Sistach, así como de las segundas temporadas de las series "Control Z" de Netflix y "Los Espookys" de HBO.
El legendario grupo británico de rock The Kinks estrenará hoy 29 de enero en su canal de Youtube la obra de teatro musical "The Moneygoround: A One Man Show for One Night Only", que adapta su disco de 1970 Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One, recientemente reeditado, con motivo de su 50 aniversario y se han sacado diferentes formatos Deluxe en vinilo, CD o digital. La pieza ha sido escrita por el cantante y líder de la banda, Ray Davis, y el dramaturgo británico Paul Sirett y será difundida de forma gratuita en streaming a partir de las 17.00 hora GMT. Según han informado en un comunicado, la obra, de 45 minutos de duración, está interpretada por el actor Ben Norris, especialmente conocido por su faceta como monologuista, e incluye también material de archivo en vídeo de los Kinks. El disco en el que se inspira la pieza es el octavo álbum de la banda y contiene alguno de sus clásicos como Lola o Apeman. Un álbum conceptual que refleja recurriendo a la sátira y el humor cómo funciona la industria musical.
El dúo de punk digital vuelve a escupir a la cara de la biempensante sociedad británica. Su discurso caustico y abrasivo encuentra argumentos suficientes en la situación actual, con la pandemia que nos hace ver un futuro incierto o la llegada del anunciado Brexit, que ha acrecentado la brecha social en el Reino Unido. Sleaford Mods, formado por el vocalista Jason Williamson y su fiel productor Andrew Fearn, lanza su sexto disco de estudio con letras abrasivas que sirven de conciencia de la maltrecha clase trabajadora. Su propuesta es concisa y directa, bases minimalistas sobres las que fluyen las letras amargas de Williamson, crudas y sin concesiones. En esta ocasión han permitido entrar voces femeninas como las de Amy Taylor de Amyl & The Sniffers y Billy Nomates,(en “Nudge It” y “Mork n Mindy” respectivamente), algún estribillo y hasta alguna guitarra. Todas esas concesiones han contribuido a que los de Nottingham nos ofrezcan algunos de sus mejores canciones hasta la fecha: de la irresistible electrónica punk de “Spare Ribs” a las melodías vocales de “Monk N Mindy”, el tonolúgubre de “Fishcakes” o el bajo sampleado de “Shortcummings".
Este disco airado, no podía ser de otro modo, resulta oscuro. El propio título nace de “la idea de la cantidad de personas que murieron en la primera ola del coronavirus. Las vidas humanas siempre son reemplazables para las élites… Siempre somos costillas descartables", indica el dúo. Sleaford Mods entregan doce piezas más una intro en la que arremeten contra el gobierno conservador: “Todos estamos tan cansados de los Torys / Y golpeados por las mentes pequeñas”, no dudan en aseverar. Los Sleaford Mods llevan una década criticando situaciones de desigualdad y el papel que juega la desprestigiada clase política, pero en esta ocasión se vuelven más afilados: “Nuestras vidas son prescindibles bajo la mayoría de los gobiernos, algo secundario bajo un sistema de regla monetaria. Somos mercancía por decirlo de algún modo, piezas colocadas en un estante con el objetivo de obtener beneficios, descartados en cualquier momento si la crisis, sea fabricada o no, amenaza la productividad. Esto es algo constante, obvia y notablemente en la pandemia actual”. Queda dicho.
El quinteto catalán Medusa Box inyecta otra buena dosis de rock de guitarras en su nuevo disco, el tercero al que han titulado "I Love Astronomy" un trabajo que gravita sobre conceptos científicos. El grupo lo explica así "No hay temas de amor en este disco, por ejemplo hablamos sobre el egoísmo de la especie humana de pensarse el centro de todo esto y que se pregunta qué hay más allá, mirando tanto al espacio como hacia nuestro interior". n el álbum destacan piezas como "Everybody's Tripping", con sus matices psicodélicos, "Claire" y el sencillo "Interferences". Para grabar "I Love Astronomy" han vuelto a contar como productor con Lluis Cots (Mourn, The New Raemon), quien les anima en una mejora del sonido, de modo que esta vez les llevó a meterse en los Estudios Nautilus y en los Estudios Music Lan, en la provincia de Girona, en busca de una sala más grande en la que resonaran especialmente bien las baterías. "Queríamos hacer un salto cualitativo respecto al anterior álbum, que todo suene bien", señalan. El aterrizaje de "I Love Astronomy" fue algo complicado a causa de la covid-19, ya que pretendía publicarlo inicialmente a principios de verano. Los pronósticos de partida no pudieron ser mejores, ya que agotaron las 50 copias de su edición especial limitada en menos de 48 horas, aún con la agenda de conciertos restringida por la pandemia y sin poder hacer toda la promoción que hubiesen querido. Esta formación nació en La Bisbal de l´Empordá (Girona) en 2011 y cantan en inglés por sus referencias musicales. "Intentamos en catalán, pero no funcionaba", se justifican. Con edades entre los 26 y los 28 años, esta tripulación espacial aparece conformada por Jordi Bosch (bajo), Nil Bribian (batería), Adrià Bravo (sintetizadores), Emili Bosch (guitarra) y Enric Mont, el vocalista que, además de la guitarra, pone también su formación de ingeniero al servicio del concepto del álbum. Explican que su nombre, Medusa Box, procede del animal más venenoso del mundo, una elección un tanto espontánea que les proporcionó un compañero de piso mientras leía la revista National Geographic. us trabajos anteriores son "Pay For It" (2015), "Nothing Behind All Of These Masks" (2017) y, más recientemente, el EP "The fall" (2018).
A los 80 años Tom Jones regresa al mundo de la música. Incombustible, el llamado Tigre de Gales, lanza el vídeo de esta canción que es un adelanto de su nuevo álbum “Surrounded by Time” que será publicado el 23 de abril por la discográfica EMI. "Talking reality television blues" es una versión de un tema original del cantautor estadounidense Todd Snider, en la que habla del papel de la televisión desde sus comienzos hasta hoy. Esta reinterpretación ha permitido a Tom Jones internarse en el ámbito del recitado o spoken word, como ya ocurría en la canción original. En esa narrativa de palabra hablada, sin cantar, la superestrella galesa habla de cómo la televisión trazó momentos clave de la cultura y la historia, desde la llegada de la primera estrella Milton Berle hasta las imágenes del hombre en la luna. “Yo estaba allí cuando comenzó la televisión, no sabía que me convertiría en parte de ella, pero podría ser que su poder sea recordarnos lo maravillosos, locos e inventivos que somos, pero también lo aterradora que puede ser la realidad que refleja”, asegura Jones. "Talking Reality Television Blues" fue escrita por el cantautor estadounidense Todd Snider, aparece incluida en su álbum de 2019 "Cash Cabin Sessions, Vol. 3". Un tema de aire folk en el que solo intervienen una guitarra y una armónica, con texturas melancólicas, la letra cuenta el papel que ha jugado la televisión a lo largo de los últimos 70 años de historia social y cultural. Describe cómo, a pesar del escepticismo que generó inicialmente se ha convertido en un medio de comunicación relevante y esencial en nuestras vidas.
A pesar de sus 80 años de edad, Tom Jones sigue con una fructífera carrera. En los años 60 y 70 fue considerado un sex symbol. Ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo y en el 2006 fue nombrado caballero de la corona británica por la Reina Isabel II que reconocía así su trabajo como artista. También ha sido distinguido por los Brit Awards por su contribución a la música, es considerado uno de los cantantes más destacados y populares de la historia. “Surrounded by time”, el 40º álbum de estudio de Tom Jones se lanzará el próximo 23 de abril, co-producido por Ethan Johns y Mark Woodward. Dará continuidad a sus anteriores publicaciones discográficas, “Long Lost Suitacase” (2015) y “Spirit In the Room” (2012). En el disco se incluyen versiones de canciones de Bob Dylan, Cat Stevens y Bobby Cole, así como temas más recientes como uno de Michael Kiwanuka.
Hace tiempo que la familia Followill había perdido el buen ritmo, ahora parece que vuelve a recuperarlo en su próximo disco. Kings of Leon anuncia la salida de su nuevo álbum de estudio, el octavo, para el 5 de marzo, al que han titulado "When You See Yourself". Grabado en los famosos estudios Blackbird de Nashville y producido por Markus Dravs, colaborador habitual de bandas como Arcade Fire, Coldplay, Bjork O Florence + the Machine, el disco supone una nueva evolución de su reconocible sonido de rock sureño. La banda formada por Caleb (guitarra y voz), Nathan (batería), Jared (bajo) y Matthew Followill (guitarra) ha vendido más de 20 millones de álbumes y casi 40 millones de singles en todo el mundo, La continuación de Walls (2016) llegará con once temas nuevos, aunque de momento solo han presentado dos primeros adelantos: "The Bandit" y "100,000 People", canciones que son un acierto y que prometen que estamos ante un disco estimulante. Desde su insuperable debut en 2003, la banda de Nashville ha publicado siete álbumes: "Youth & Young Manhood" (2003), "Aha Shake Heartbreak" (2004), "Because of the Times" (2007), "Only by the Night" (2008), "Come Around Sundown" (2010), "Mechanical Bull" (2013) y "WALLS" (2016).
El segundo trabajo de Le Voyeur, el proyecto liderado por Miguel Marcos, ha llegado con meses de retraso obligado por la pandemia. En varios sentidos Popnografía es muy distinto a su predecesor, "Episodio aparentemente letal" (2017), porque llega con aires de reinvención, una producción con tintes más modernos, desenfado y ritmos bailables. Para este nuevo disco, la banda reconoce influencias tan diversas como Gang Of Four, David Bowie, los primeros XTC o Lagartija Nick, pero se pueden extender a Talking Heads o El Columpio Asesino. En este álbum los teclados y sintetizadores ganan protagonismo a las guitarras.
Le Voyeur abandona el poso post-punk de anteriores producciones para volverse juguetones y eso se demuestra en los nuevos arreglos, así como en esos estribillos intencionadamente pop. Destacan la divertida "Democracia"; “Tarantino Resort Jazz Club” con su carácter glam; el sarcasmo de“Esclavos del pop” o en la electrónica de“Vidas concéntricas”. En todas ellas atentos a las letras finamente irónicas. El sexo es otro de los componentes inherentes a "Popnografía", con letras explítias en "Ikea en Itaca", "Los días inertes" o sucintamente en "Jardín de las delicias".
Rosalia se ha convertido en una artista internacional, una megaestrella a la que se rifan a ambos lados del Atlántico. No es de extrañar pues esta colaboración que ha surgido con Billie Eilish, juntas acaban de presentar esta nueva canción "Lo vas a olvidar", un tema de tono oscuro que va en consonancia con Euphoria, la serie en la que se podrá escuchar en su episodio especial "Part 2: Jules" que se estrenará hoy sábado 23 de enero, en HBO España. En este single se puede escuchar por primera vez a Billie Eilish cantar en español, de momento se trata de una colaboración puntual, pero no se descarta que en un futuro la catalana y la estadounidense vuelvan a unir sus voces en otro formato. Se sabe desde hace más de un año que son amigas y que estaban trabajando juntas. "Lo vas a olvidar" es la primera canción en español oficialmente publicada por Billie Eilish, quien, no obstante, sí tiene grabaciones caseras en internet en castellano, como una versión de "Eres tú" de la mexicana Carla Morrison. Otra noticia relacionada con la norteamericana es que el próximo mes se estrenará en todo el mundo el documental "Billie Eilish: The World's A Little Blurry". Dirigida por el cineasta R. J. Cutler, la película se estrenará en cines a través de NEON y a nivel mundial en Apple TV+ el 26 de febrero de 2021.
Donald Trump ha abandonado finalmente la presidencia de EE.UU. pero forzado, ya que no ha demostrado en ningún momento voluntad democrática. El hombre que no tiene la palabra perdedor en su particular diccionario se ha marchado, abandonado por su propio partido y pendiente de su segundo impeachment. En estas circunstancias Celtas Cortos ha escrito una canción para despedir despide al que ha sido el mandatario más poderoso del mundo y que lleva por título "Adiós presidente". La banda vallisoletana aprovecha para criticar su pésima gestión: "desenganchándose de la comunidad internacional o saliéndose de acuerdos con la OMS" ha criticado en la rueda de prensa de presentación el vocalista del grupo, Jesús Cifuentes. Según sus palabras el mensaje de la canción va destinado al "hartazgo y empacho de la bravuconada y el desencuentro político, la eterna discusión partidista de la que nunca florecen acuerdos".
Ha relatado que el tema se fraguó antes del asalto al Capitolio. En la canción, le acusan de decir mentiras, robar la ilusión al que se le acerca, mientras el videoclip muestra imágenes de la toma del Capitolio y otras donde Trump es protagonista. En el estribillo dicen sin cortapisas: "Ya no eres presidente y que te den por culo, cabrón". Cifuentes ha prometido que "no deja de ser esto un disparo con un cabreo potente detrás", pero el vocalista asegura que es el primer single del año, pero irán presentando canciones más o menos cada mes, y han dejado abierta la posibilidad de agruparlos en un disco a final de año.
El confinamiento le ha sentado bien a Weezer. La banda californiana acaba de anunciar que este año va a editar dos discos. El primero es "Ok Human", que estará disponible la semana que viene, en concreto el viernes 29 de enero, parqa celebrarlo lanzan un primer single titulado "All My Favourite Songs". Rivers Cuomo, líder del grupo, se ha referido a este álbum como un "disco orquestal que se inspira en un disco llamado "Nilsson Sings Newman" (1970) y que partía del piano como fundamento para su composición. El otro lanzamiento es mucho más hard rock. En una entrevista con Entertainment Weekly de 2019, Cuomo, aseguró que eran, en cierto modo, complementarios: "'Van Weezer está en un combate a muerte con "Okey Human", el primero está basado en un piano, pero tiene muchísimas características orquestrales. Grabamos la parte de cuerdas en 'Abbey Road'. Tiene melodías preciosas y letras extremadamente excéntricas". Ya se había confirmado la publicación el 7 de mayo del disco "Van Weezer", que vendría a ser como la contrapartida roquera de este otro lanzamiento. De hecho, el grupo ha afirmado que está inspirado en las bandas más míticas de los 80 y especialmente dedicado a la memoria del ya legendario músico Eddie Van Halen, fallecido en 2020. Weezer, la banda formada en Los Ángeles en 1992, editará así con pocos meses de diferencia los discos número 14 y 15 de su carrera. Se estima que a lo largo de estos casi 30 años de carrera han vendido más de 35 millones de copias en todo el mundo, a destacar especialmente el "Blue Album" o disco azul (1994) y el "Green Album" o disco verde (2001), conocidos así por el color de sus portadas. Discografía aquí
God Is An Astronaut están de vuelta con el que va a ser su décimo disco de estudio. Se titulará "Ghost Tapes #10" y está previsto que salga a la venta el 12 de febrero. Los irlandeses hasta el momento nos han mostrado dos de sus canciones, la primera apareció a principios de noviembre,"Burial", y ahora nos sorprenden con el vídeoclip de "Fade", un segundo single más brutal cargado de ruido intenso y música electrónica. El filme ha sido dirigido por Charlot de Black Moth. La formación de Wicklow reaviva la formación clásica de la banda, con Jamie Dean tanto al frente del piano como en la guitarra, de este modo el proyecto ha ganado en intensidad y hace más grande su intenso muro de sonido, con bajos furiosos y baterías colosales. Su sonido atmosférico se hace más agresivo en "Ghost Tapes #10", por lo que ehmos podido escuchar hasta ahora estamos ante uno de sus mejores trabajos. God Is An Astronaut siguen reinando como uno de los grupos experimentales de música instumental más destacados, con un legado que alcanza ya los veinte años, en los que han logrado mantener activo ese alto nivel de energía y vitaminas sonoras. La banda tenía previsto actuar en nuestro país a finales de 2020, pero por la pandemia han retrasado sus fechas a mayo de 2021. Si no hay cambios de úlima hora les podremos ver en Bilbao – Sala Stage Live (14/5), Madrid – Sala Caracol (15/5), Murcia – Garaje Beat Club (19/5) y Barcelona – Sala Apolo (20/5). Las entradas ya están a la venta a un precio que ronda los 25 euros.
Axolotes Mexicanos emergen más punkies que nunca en este tema "Que te pires", con una actitud rabiosa, que aderezan con autotune, reguetón, guitarrazos rock y algún guiño a bandas japonesas. Esta descontrolada canción es el tercer adelanto de su nuevo disco que han anunciado se titulará ":3". El videoclip realizado por el Colectivo Súper Sentai y con la colaboración del actor Manuel Macías se recrea en imágenes de terror y Halloween, gusanos, sangre y furia. De algún modo parece que su mundo sonoro se amplía, del mismo modo que sus experiencias en proyectos paralelos como Carolina Durante, Confeti de Odio, Temerario Mario, Stephen Please, No Fucks
La letra de "Que te pires" no tiene tapujos, ni medias tintas, está escrita con contundencia y despendole:
"Hace tanto tiempo que no sé nada de ti/ Y estoy tan contenta que ni si quiera quepo en mí/ Se me había olvidado lo que era ser feliz/ Pensé que nunca llegaría a volver a estar así/ Es que ya no te aguantaba/ Mi vida tan amargada/ Que te vayas, que te pires, no pienso volver ahí/ Que te mueras, que me olvides,/ como te he olvidado a ti".
¡Qué maravilla! Llega nuestras manos "Live in Maui", el disco de Hendrix que ha tardado 50 años en ver la luz. Un álbum y un video documental con la actuación que el trío Jimi Hendrix Experience brindó en julio de 1970 en el volcán Haleakala, ubicado en Maui, Hawaii. De hecho, esta box set, que incluye tres vinilos (o dos CD’s, según la versión), un blue-ray y un libro explicativo, es una prueba más de que, por increíble que parezca, no se han acabado las grabaciones ocultas del dios de la guitarra rock.
En esta ocasión tenemos que situarnos en julio de 1970, dos meses antes de morir, Jimi Hendrix volaba en un avión rumbo a Hawai. Su manager, Michael Jeffery, le había convencido para ir a las islas a dar un concierto que le había prometido que sería muy diferente a todo lo que había hecho hasta el momento, pero sin dar muchos más detalles. Al aterrizar se encontró con que la actuación iba a ser para un centenar de hippies desmadrados que formaban parte del elenco de actores y figurantes de una de las películas más alucinadas de la época, "Rainbow Bridge", película contracultural en la línea de Easy Rider absolutamente fallida y que algún crítico llegó a calificarla como "sin duda la película hippie más tonta jamás realizada". El trasfondo de aquel viaje no tiene desperdicio, tal como se narra en un documental titulado “Music, Money, Madness… Jimi Hendrix in Maui”. La película de Jeffery se centró en la idea de un "puente arcoíris" entre los mundos iluminados y no iluminados. Se concibió para presentar de todo, desde surf y yoga hasta meditación y Tai-Chi, y se filmó sin la ayuda de un guión o actores profesionales.
En el colmo del desvarío hippie, se montó un escenario en la ladera de un volcán de Maui, para captar así las energías del lugar, situándose además a los asistentes ordenadamente de acuerdo con su signo del zodíaco. Todo parecía indicar que la jornada sería un desvarío sin sentido, pero fue una actuación brutal: el trío estaba en plena forma Hendrix dio un concierto espectacular, junto a Billy Cox al bajo y Mitch Mitchell a la batería, la formación recuperaba temas de la Jimi Hendrix Experience original, para incluir otras más recientes. El misterio de que no se haya editado hasta ahora se explica porque el viento reinante de más de 60 kilómetros hora provocó numerosos problemas técnicos, de modo que tuvieron que hacer apaños improvisados en los micrófonos, como se puede ver en la grabación, y la batería de Mitch Mitchell no quedó registrada durante gran parte del concierto. El músico tuvo que volver a grabar sus pistas de batería en los Electric Lady Studios en 1971. Eddie Kramer, productor de Hendrix, recuerda: "Mitch trabajó muchísimo en las nuevas tomas. Si no lo conseguía en una toma, sin duda lo lograba en la segunda, me quedé completamente impresionado por su capacidad para duplicar las partes que ya había interpretado. ¡Estaba decidido a arreglar la mala calidad de las grabaciones debido a los vientos de 50 millas por hora porque habían tocado en la ladera de un maldito volcán! Después de la muerte de Jimi, pasó un tiempo antes de que yo pudiera volver al sitio donde guardaba todas las cintas. Mitch era un soldado con la mentalidad británica del «puedo hacerlo». Está muy bien volver a grabar la batería, pero hacerlo de manera que no se note... eso sí que es la magia. Conocía el material al dedillo y es un tributo a su sensibilidad como músico y compañero de Jimi".
Así que lo que escuchamos en este disco es un remezcla actual de lo que fue el directo de Hendrix (voz y guitarra) y de Billy Cox (bajo), más una pista de batería de estudio tocada meses después. Además se ha utilizado la tecnología actual para eliminar el ruido del viento, lográndose que ahora suene genial. Por lo tanto, estamos ante un documento histórico que permite acercarnos de nuevo a la figura y el legado de Jimi Hendrix.
Zahara ha logrado expulsar sus demonios interiores a través de la música, en un ejercicio de sinceridad y valentía más que admirable. El acoso, los trastornos alimenticios o la ansiedad se abren camino en "Merichane", canción que sirve de adelanto de un nuevo disco que verá la luz en primavera. La cantante jienense se sincera: "Merichane soy yo y Merichane somos todas mis historias. He querido contar lo que viví tal y como fue para mí. Llegar a hacerlo no ha sido fácil. He tenido que aceptar y asumir que aquellas historias que viví sucedieron de verdad, pero que el mantenerlas escondidas no solo no me hacía sentir mejor sino que protegía a las personas que me habían hecho daño. Por eso ahora, en este momento en el que me he visto con fuerza para hacerlo, he decidido compartirlas", ha explicado la propia Zahara en sus redes sociales sobre el single. Una canción que llega acompañada de videoclip y que se ha colado en el top10 de tendencias en YouTube, con más de 205.000 visualizaciones en solo dos días, lo que hace presumir que se pueda convertir en la primera gran canción de 202. La música de la canción ha sido compuesta junto a Martí Perarnau IV, amigos y colaboradores desde hace tiempo en el proyecto Juno. Este dúo fue también responsable de "Hoy la bestia cena en casa", una canción con la que obtuvieron el Disco de Oro. "Merichane" se caracteriza por unos sintetizadores ochenteros, en momentos agobiantes, que ponen la base sonora a esta historia de cino minutos donde repasa las historias más recónditas de su vida, incluido su desafortunado paso por la multinacional Universal a la que saluda en el videoclip con una manifiesta peineta: "Yo estaba ahí cuando todos bailaban/ Mojaban el dedo se creían eternos/ Yo estaba en el baño aguantando la puerta con mi espalda/ Mientras les besaba la lengua/ Yo estaba ahí en las oficinas de Universal/Tragando sermones sobre mi gran potencial/ Yo estaba ahí abrazada a la taza del váter/ Yo era incapaz de soltarla y ellos de mirarme/ Yo estaba ahí en urgencias acariciando el límite/ Necesitaba algo infalible/ Yo estaba de rodillas pidiendo perdón a vuestro Dios/ Por no saber decirle que no".
No está claro perola palabra Merichane podría hacer referencia a Cleopatra, ya que era uno de os apodos que recibía aquella reina por su habilidad en la práctica del sexo oral. Al final del vídeo la propia Zahara aclara que Merichane: "Era el nombre con el que se conocía a la puta del pueblo. Ese fue mi apodo en el colegio. Tenía 12 años". Una canción desnuda y valiente que nos ha sorprendido en todos los sentidos. Gracias Zahara.
Sylvain Sylvain, el que fuera guitarrista de la banda de rock New York Dolls, ha muerto a los 69 años debido a un cáncer. Su perfil en Facebook indica que murió ayer, 13 de enero, pero no aclara el lugar de su muerte: "Como la mayoría de vosotros sabéis, Sylvain batalló contra el cáncer durante los últimos dos años y medio. Aunque luchó con valentía, ayer falleció por esta enfermedad", asegura el comunicado, escrito por su esposa Wanda O'Kelley Mizrahi, que añade: "Aunque lamentamos su pérdida, sabemos que ahora está finalmente en paz y libre de dolor. Por favor, dadle caña a su música, encended una vela, decid una oración y enviemos a esta hermosa muñeca en su camino".
El Olimpo del rock ha vuelto a perder a una figura clave. David Johansen, el cantante de New York Dolls y el único miembro de la formación clásica de la banda que sigue con vida, se despidió hoy de su excompañero. "Te voy a echar de menos, viejo colega. Mantendré los fuegos de casa ardiendo. 'Au revoir', Syl, 'mon vieux copain'", ha escrito en Instagram. Nacido en 1951 en El Cairo como Sylvain Mizrahi, el músico pasó con su familia por Francia antes de mudarse a Nueva York. Tocó en varias bandas antes de sustituir al guitarrista Rick Rivets en los recientemente formados New York Dolls a comienzos de los 70. Con David Johansen como cantante, Johnny Thunders y Sylvain Sylvain a las guitarras, Arthur Kane como bajista y Jerry Nolan en la batería (que reemplazó al fallecido por una sobredosis Billy Murcia), New York Dolls fueron un excitante grupo que sirvió de puente entre diferentes estilos. Ellos representaban el rock callejero de bandas como The Rolling Stones y usaban la ambigüedad sexual del glam-rock, pero también anticipaban la provocación y rebeldía que el punk traería en la segunda mitad de los 70. De hecho Malcolm McLaren formó los Sex Pistols después de verlos actuar en Nueva York en uno de sus últimos conciertos. Su fantástico disco debut "New York Dolls" (1973), con canciones como "Personality Crisis", suele aparecer en las listas de mejores discos de rock de la historia, se considera como un precedente claro del punk, y fue una importante influencia para grupos como Ramones. Muy dados a usar looks andróginos en sus apariciones, New York Dolls editaron un año después su segundo álbum, "Too Much Too Soon" (1974), antes de entrar en crisis y disolverse finalmente en 1977. Tras la ruptura, Sylvain se embarcó en una carrera en solitario que arrancó con un álbum debut homónimo en 1979, y continuó con varios discos hasta los noventa. En 2004, Morrissey, el excantante de The Smiths, invitó a los tres miembros con vida de New York Dolls (David Johansen, Sylvain Sylvain, y Arthur Kane) a que actuaran en el Meltdown Festival. Esta reunión tuvo un epílogo muy triste puesto que Kane murió pocas semanas después debido a una leucemia.«Adoro a Morrissey por lo que hizo», diría Sylvain Sylvain como agradecimiento. "Le dio a New York Dolls su último momento de brillantez. Nos afectó tanto que nos llegamos a plantear si era una señal de Dios para que no siguiésemos, a pesar de que el teléfono no dejaba de sonar para que volviésemos. Nos preguntábamos si era honesto hacerlo. Fue otra vez Morrissey quien nos dijo que el mundo necesitaba una banda de auténtico rock and roll". Ya solo con Johansen y Sylvain Sylvain al frente, New York Dolls editaron tres discos con material nuevo en el siglo XXI: "One Day It Will Please Us to Remember Even This" (2006), "Cause I Sez So" (2009) y "Dancing Backward in High Heels" (2011).
Cuando el músico anunció en 2019 que tenía cáncer, se lanzó una campaña en la página GoFundMe para ayudarle con los gastos de la cirugía. La noticia tuvo impacto en la comunidad musical, y además del crowdfunding, figuras de la música rock como Keith Richards, Myles Kennedy, Slash, Michael Monroe y Mike Tramp firmaron una guitarra para ser subasta, y con la que se recogieron los suficientes fondos para el tratamiento de la enfermedad.La historia de los comonentes de New York Dolls ha sido trágica. Su primer baterista, Billy Murcia, murió en 1971 por una asfixia accidental, cuando una groupie intentó reanimarle obligándole a beber café tras desmayarse por la ingesta de alcohol. Su sucesor, Jerry Nolan, sufrió en 1991 un derrame cerebral que lo dejó en coma hasta su muerte, el 14 de enero de 1992. El bajista Arthur Kane falleció el 13 de julio de 2004, 22 días después de haberse reunido con The New York Dolls. Y el mítico guitarrista Johnny Thunders fue encontrado muerto por sobredosis de metadona, en un cuarto de hotel de Nueva Orleans en abril de 1991.
Para el que no conozca a The Pogues hay que decir que resultaron revolucionarios. Hasta que ellos irrumpieron nadie se imaginaba que en plena efervescencia punk de los ochenta pudiera surgir un grupo como este con la música folclórica de raíces celtas para darle una patada a todo lo establecido y codearse con Sex Pistols o The Clash. Ellos rompieron moldes porque hasta entonces el folk irlandés era un género respetable apegado a las tradiciones, pero eso lo cambiaron The Pogues con un discurso revolucionario con origen en la lucha de clases y con una actitud rebelde, de ese modo se encontraron en plena colisión el punk y la música de raíces.
"The BBC Sessions 1984-1986 (Live)" es una excelente oportunidad para descubrirlos y para otros es la ocasión perfecta para añorarlos con este compacto que recopila las sesiones que grabaron en la BBC entre abril de 1984 y noviembre de 1986. En realidad, sólo siete de los veintitrés cortes son inéditos, ya que el pasado mes de agosto apareció un vinilo incluyendo cuatro de estas mismas seis sesiones radiofónicas, aunque en esta ocasión ofrecen la espontaneidad y la frescura de ser interpretadas en directo. Aquí suenan temas como: “Streams Of Whiskey”, “Poor Paddy On The Railway”, “Dirty Old Town” o “Sally MacLennane”. Eran los buenos tiempos de The Pogues, años después todo se precipitaría con el rápido deterioro físico y psíquico de su vocalista Shane McGowan, aquel tipo altísimo de orejas grandes y dientes podridos. Todo en su vida fue excesivo por culpa del alcohol y las drogas: pasó por psiquiátricos, fuereponedor de supermercados en Londres, cobró por realizar masturbaciones en sucios callejones,... A sus 63 años está postrado en una silla de ruedas después de años enganchado a los psicotrópicos y los opiáceos, hasta haberse convertido en una sombra de sí mismo, en un anciano prematuro que necesita oxígeno para poder respirar. Julien Temple rodó un documental, “Crock Of Gold”, que presentó en festivales el año pasado y que muestra esa triste decadencia. Puedes comprar el disco aquí
Anuncian el lanzamiento de una reedición del descatalogado e histórico álbum en directo del grupo de rock orensano Los Suaves titulado "29 años, 9 meses y 1 día”, un disco muy destacado de nuestra escena rock. Para la ocasión incluirá dos temas extras, audios inéditos en CD, grabados en "La Reunión" (Festival Derrame Rock 2013) en una reedición única y exclusiva de tan solo 500 copias. Santo Grial indica que se trata de los temas “Viajando al fin de la noche” y “Nena te voy a dejar”, que se suman a éxitos conocidos como “Palabras para Julia” o "Dolores se llamaba Lola". Este disco surgió el 18 de septiembre del año 2010 con motivo del concierto conmemorativo de los 30 años de carrera de la banda. Aquel día más de 10.000 personas de todo el mundo se desplazaron a la ciudad gallega para acompañar a los músicos Yosi Domínguez, Alberto Cereijo, Charli Domínguez, Fernando Calvo y Tino Mojón. Una década después, han decidido reeditar este “histórico directo”, descatalogado en tiendas, en el mismo formato, con los mencionados dos temas extras. Puedes comprar el disco aquí
Este es otro de los discos destacados de 2020. Mark Oliver Everett llega al decimotercer disco de los Eels con algunas de sus mejores composiciones en años, con una producción que pone buena cara a estos tiempos convulsos, aunque hay que decir que el álbum estaba escrito antes de la pandemia, únicamente el single "Are We Alright Again" ha sido compuesto después. Mark Oliver Everett nos tiene acostumbrado a exorcizar sus vivencias, así que tiende a compartir sus tragedias o sus pesares, pero sorprendentemente estas composiciones brillan con luz propia. Es cierto que su vida esta rodeada de circunstancias dramáticas que ya nos ha contado: él encontró el cuerpo de su padre fallecido, un científico que trabajó para el gobierno estadounidense; su hermana se quitó la vida en 1996, y dos años después su madre falleció víctima de un cáncer de pulmón; su prima murió en el vuelo que los terroristas islámicos secuestraron para estrellar después contra el Pentágono...
"Earth to Dora" es un disco de pop con suaves melodías, incluyendo algunos arreglos orquestales. Canciones que hablan de amor o de desamor indistintamente , como cuando canta: "Por qué no tomas mi mano y le das una oportunidad al amor" en "Waking Up". Las canciones más tristes y folkies son las peores del disco, por contra merece la pena recomendar “Anything For Boo”, “Are We Alright Again” “The Gentle Souls”, “Baby Let’s Make It Real”, ‘The Gentle Souls" o esa “Earth To Dora” que da título al elepé. El disco fue grabado en Los Feliz, el propio estudio de la banda situado en California, y ha sido co-producido entre Koool G Murder, The Chet, P-Boo y el propio Mr.E.
“Crónicas Consonantes” es un EP gamberro, divertido y sobre todo lleno de mala baba, en el que no dejan títere con cabeza: críticas a la clase política, a las caras conocidas de los platós de televisión, al fútbol, los influencers, las tendencias de moda... Así se presenta Flan, el nuevo proyecto musical de Guille y Rober, miembros de SEÑORES y Perky Pat respectivamente. Un bajo, un ordenador, un pedal de distorsión y una caja de ritmos y sus voces bastan para dar forma a su ácida propuesta. El EP de los bilbaínos contiene cinco píldoras efectivas que no superan los 2:45, así que se nos ha hecho sumamente corto. Su fórmula es la sencillez y el mensaje directo, porque todos sabemos de lo que hablan; desde Bertín Osborne a Julen Guerrero pasando por Terelu Campos y Mendes o el “CaraAnchoa” y la tan ansiada búsqueda del reconocimiento en las redes sociales. Por eso Flan se divierten y convencen. Atención especial a los vídeos que construyen para sus canciones: “Vinito con Berlín”, “Princesa de las Mañanas" e “Influencer”, tema en el que participa Mona Rora. Como ellos dicen: “carta blanca para la tontería”. Necesitamos más voces críticas como las de Flan. Por favor. Puedes comprar el disco aquí
Duran Duran ha hecho una versión sentida del clásico de David Bowie “Five Years”, quizá demasiado parecida a la original, pero con unos bonitos coros. La canción es parte del evento tributo de streaming mundial que tuvo lugar el pasado viernes 8 de enero, en conmemoración del que hubiera sido el cumpleaños 74 de Bowie y el quinto aniversario de su fallecimiento. El líder de Duran Duran, Simon Le Bon, asegura en una nota que acompaña a la presentación del tema:“Mi vida como adolescente giraba en torno a David Bowie. Él es la razón por la que comencé a escribir canciones. Una parte de mí todavía no puede creer en su muerte, pero tal vez sea porque hay una parte de mí donde todavía está vivo y siempre estará… Cuando compramos el disco en vinilo de Ziggy Stardust, nuestra primera prueba de su perfección fue la canción “Five Years”. No puedo explicar lo honrado que me siento que Duran Duran tenga la oportunidad de interpretar a este ícono y colocar nuestro nombre junto a Bowie para esta conmemoración de su música “.
Duran Duran presentó “Five Years” en vivo en lo que ha sido presentado como una experiencia virtual cinematográfica: A Bowie Celebration: Just For One Day! en un show de tres horas de duración. Entre los artistas que participaron en este homenaje están Trent Reznor, Peter Frampton, Ricky Gervais, Billie Corgan, Perry Farrell, Ian Astbury, Carlos Alomar, Gail Ann Dorsey, Tony Levin, Rick Wakeman, Earl Slick y Tony ViscontiYungblud, Adam Lambert y Gary Oldman, entre otros. Una parte de lo recaudado se destinará a Save The Children, organización benéfica con la que colaboró muchas veces David Bowie.
"Five Years" no es la primera versión de Bowie con la que se atreven Duran Duran, anteriormente ya lo hicieron con "Fame", "Diamond Dogs" y "Boys Keep Swinging". Además en 1987, la banda participó en algunas fechas de la gira del Duque Blanco del Strange Behaviour Tour en Estados Unidos. Puedes comprar el disco aquí
Estamos ante un disco que figura en numerosas listas como uno de los más destacados del año 2020. Los australianos han conseguido por tercera vez, con esa hábil técnica del corta y pega, situar su luminosa propuesta que mezcla soul, hip hop, el downtempo, disco y psicodelia en la categoría de exquisitez. Tres discos en 20 años, así que cuando los de Melbourne se plantearon volver al estudio de grabación, no faltaron colaboradores dispuestos a participar en este "We Will Always Love You" que salta de estilos y que se enriquece con una tremenda cantidad de músicos participantes desde el dance de “Interstellar Love” con Leon Bridges; el soul de “Reflecting Light” (con Sananda Maitreya, antes Terence Trent d`Arby– y Vashti Bunyan), el trip-hop de “Until Daylight Comes” (con Tricky); el funky “Oh the Sunn!” (con Perry Farrell de Jane’s Addiction); el hip hop de “Take Care In Your Dreaming” con Denzel Curry y Sampa The Great; los ritmos africanos de “Wherever You Go” (con Jamie XX y Neneh Cherry); la espléndida “Gold Sky” con Kurt Vile, “Overcome”, “Running Red Lights” con Rivers Cuomo de Weezer o esa maravilla titulada “The Divine Chord” que cuenta con MGMT y el ex The Smiths, Johnny Marr. Hablamos de veinticinco canciones con magia, aunque evidentemente en un disco tan extenso también encontramos altibajos. No obstante Robbie Chater y Tony Di Blasi han regresado para conquistar.
Hay que prestar atención este año que comienza a bandas jóvenes como este cuarteto procedente de Manacor, en Mallorca, llamado Reïna que muestran un pop resplandeciente. En noviembre pasado ganaron el concurso Sona9 2020 en la final en directo celebrada en la sala La Mirona de Salt (Girona) a puerta cerrada. El primer galardón supone la grabación de un EP y un videoclip, material musical, una pequeña gira de varios conciertos en festivales musicales como la Acústica de Figueres, el Mercado de la Música Viva de Vic, el BAM-La Mercè y las Fiestas de Santa Tecla de Tarragona. Además, los organizadores del concurso., iCat, TV3 y Enderrock le ofrecen una campaña de publicidad y promoción en sus medios. Reïna nace tras la escisión del grupo Galindons, cuando Pere Amer, su cantante y guitarra, decidió crear un proyecto nuevo junto a Carme Vives, cantante de Manacor que habia comenzado a componer sus propios temas. Actualmente la formación está compuesta por: Adrià Mayordomo (bateria), Biel Riera (bajo y sintetizadores), Carme Vives (voz, teclados y guitarra) y Pere Amer (voces y guitarra). Son un grupo de amigos que practican un pop abierto que nace de canciones desnudas a las que van añadiendo capas de sonido. Da Souza o Antònia Font, Ferran Palau o Renaldo i Clara son algunos de sus referentes más próximos. Atentos a Reïna porque 2021 puede ser su año.
Pink Floyd son desde hace tiempo clásicos imperecederos, así que cualquier novedad sobre la banda siempre es bien recibida. En este caso vuelven a este blog porque lanzan por primera vez de manera oficial el videoclip de animación de "One of These Days", aunque fue creado en 1973, un vídeo que forma parte de la caja "The Early Eyes", el recopilatorio más completo de la banda indicado para los grandes coleccionistas y con buen bolsillo. El filme está dirigido por Ian Emes, quien es un habitual colaborador de Pink Floyd tras su película de animación llamada "French Windows", ambientada con la música del mítico tema "One Of These Days" del grupo. Ian creó animaciones para las imágenes de la gira del disco "The Dark Side Of The Moon" (1972-1974), y su trabajo apareció recientemente en la exposición "Pink Floyd: Their Mortal Remains" en el Victoria and Albert Museum "One of These Days" es la canción que abre el disco "Meddle", el sexto álbum del grupo, en el que se adentraban sin tapujos hacia el rock progresivo. El tema arrancaba con el sonido de dos bajos que tocaban Roger Waters y David Gilmour. Es aquí cuando se excucha la voz distorsionada del baterista Nick Mason citar la ya mítica frase: "One of these days, I'm going to cut you into little pieces" ("Un día de estos, te voy a cortar en pedacitos"). La frase estaba dedicada a un DJ de la 'BBC Radio 2' llamado Jimmy Young. Pocos segundos antes de la frase se puede escuchar de fondo la melodía de la sintonía de la legendaria serie 'Doctor Who', aproximadamente en el minuto 3:37. Puedes comprar el disco aquí
Ojete Calor pueden ser por mérito propio el grupo que anime el día de Reyes, porque algo de magia tiene sus canciones. Suelen ser divertidos, cínicos y como los niños aparentar inocencia. Qué mejor banda sonora para despertar esta mañana y abrir los regalos, con sorpresa en los rostros. Por si fuera poco te dan los consejos adecuados para encarar con humor uno de los más frecuentes propósitos para el nuevo año que surgen con inusitada frecuencia en las encuestas todos los medios de comunicación por estas fechas: aprender un idioma. Vamos encara estas fechas con buen ánimo y mejores propósitos: Cada vez que imitas mal/ el acento de un lugar/ se muere un delfín/ en el zoo/ Si al hacer de Catalán/ se te da bastante mal/ mejor que no me cuentes/ el chiste". El dúo formado por Carlos Ojete (Carlos Areces) y Aníbal Calor (Aníbal Gómez), los reyes del subnopop, han regresado con este nuevo single. Fieles a su unipersonal estilo el estribillo te atrapará hasta que no pares de tararearlo. ¡Bon any 2021! Lo puedes adquirir aquí
Hinds serán las protagonistas el próximo 5 de enero del ya habitual concierto que la víspera de Reyes acoge el Teatro Real protagonizado por una estrella de la música popular y lo harán acompañadas de la Banda Sinfónica de Madrid. Un total de 48 instrumentos dirigidos por el maestro Jan Cober arroparán las canciones del cuarteto madrileño, que ha manifestado en redes su "ilusión infinita" por este proyecto ante el que se presentan como unas Reinas Magas. Hinds, integrado por Carlota Cosials, Ana García Perrote, Ade Martín y Amber Grimbergen, lanzó el pasado mes de junio su tercer y último disco de estudio hasta la fecha, "The Prettiest Curse", que promete ocupara buena parte de la actuación. En el álbum que toma el relevo a "Leave Me Alone" (2013) y "I Don't Run" (2016) asumen retos que dan nuevos aires a su música, empezando por la incorporación decidida de versos en castellano a sus letras para "poner emociones en su lengua materna". Además, al rock garajero que caracterizó sus primeras entregas, en este nuevo trabajo introdujeron teclados y sintetizadores que colorearon sus melodías hasta darles un corte más pop. Con solo tres discos, Hinds han conseguido convertirse en una de las bandas españolas con mayor proyección internacional, que las ha llevado por ejemplo a tocar en festivales de gran prestigio como Glastonbury, en Reino Unido, o Coachella, en EE.UU. Puedes comprar el disco aquí
Paul McCartney ha grabado un disco notable durante su confinamiento, de hecho es un trabajo que surgió durante la cuarentena. El álbum de estudio en solitario número 18 de la leyenda de los Beatles se puso a la venta el pasado 18 de diciembre y acaba de llegar al número uno en Reino Unido, algo que no conseguía desde hace 31 años después de "Flowers in the Dirt" (1989). El décimo octavo álbum de estudio en solitario de McCartney es el tercer y último capítulo de una trilogía de álbumes que incluye su álbum debut McCartney de 1970 y McCartney II que siguió diez años después en 1980; el primero alcanzó el número 2 en la lista de álbumes oficiales, con el segundo logró el número 1. El músico tenía la intención de celebrar sus 78 años de vida saliendo de gira, una forma de vida habitual para una leyenda de la canción, pero la llegada del Covid le obligó a una forzada reclusión, eso sí en su inmensa mansión de Essex, donde no le quedaban más que dos soluciones dedicarse a la vida contemplativa y al jardín o crear música. Optó por la segunda: lo grabó en el estudio de su casa y para ello se puso a tocar todos los instrumentos y las programaciones, desde la batería, a las guitarras y bajos, hasta los sintetizadores. El resultado es bastante minimalista, alejado del concepto de "hits". "McCartney III" se compone de once nuevos temas y muestra a un músico veterano que domina los tiempos, con buen gusto y el dominio de la orquestación, sin adornos en esta ocasión, lo que le lleva a crear canciones con aroma clásico, sin complicaciones. El de Liverpool arranca con ese excitante y crudo riff de guitarra que es "Long tailed Winter bird", pieza casi instrumental de acordes pegadizos para seguir por el single “Find My Way”, uno de esos éxitos instantáneos, que recuerda a Wings. Prosigue con el medio tiempo de “Pretty Boys”, pura melancolía que invade también “Women And Wives", donde aparece por primera vez el piano, dice Paul que es su canción favorita. Sigue con puro rock and roll en “Lavatory Lil", donde resalta el trabajo de la guitarra con un bonito riff. A continuación el tema más experimental y extraño del álbum, “Deep Deep Feeling” se extiende a lo largo de 8 minutos como si fuera una cancion dentro de otras. A continuación "Slidin" que es otro vibrante momento de guitarras. "The Kiss of venus" es puro contraste, ya que McCartney regresa a su vertiente más sentimental. “Seize The Day” recuerda a los Beatles, con coros que recuerdan a los años 60. “Deep Down” aporta sección de vientos, pero poco más, antes de cerrar con “Winter Bird;When Winter Comes”, canción que es continuación de la apertura "Long tailed Winter bird" y en la que juega a enumerar una lista de tareas como: arreglar la valla del jardín, comprobar los cierres de la casa o plantar árboles. Paul demuestra que sigue muy vivo a sus 78 años, en plenas condiciones y con un ingenio envidiable. Esperemos que aún nos ofrezca más sorpresas, antes de dar por finalizada su brillante carrera. Puedes comprar el disco aquí
Es una alegría que Los Planetas arranquen el nuevo año con otra canción por sorpresa, tras "La nueva normalidad" y como en aquella ocasión se involucren en la actualidad para criticar la situación que vivimos en estos extraños momentos. Además vuelven con su mejor pop y con esa distorsión guitarrera que tanto nos gusta para cantar a los cuatro vientos: “Voy a convertirme en un negacionista, en un seguidor de Miguel Bosé./ No voy a ser ningún colaboracionista de un régimen a punto de caer./ Vuestras tácticas de disidencia programada no os van a servir./ Son las propias de un régimen que se agota y se revuelve antes de morir”
En la nota de prensa que acompaña a la canción señalan: “música popular contra la propaganda, la incompetencia, el conformismo y la pereza, para decir no. Al estúpido, no. Al malvado, no. Al Estado, no. A las corporaciones, no. A la incertidumbre, no. A la desinformación, no. Al ventajista, no. A la angustia, no. A la disidencia programada, no. Insistiendo con ahínco en su propuesta de retribución proporcional al sistema, Los Planetas se ofrecen a dar al César lo que es del César, a Dios lo que es de Dios, a la comunidad lo que es de la comunidad y al capitalismo, que es uno y trino, lo que es del capitalismo: la idea de un mundo plano, arrogancia, fiereza de ánimo y ausencia de compasión. Y, aunque no se lo merezca, un poquito de humor”, como si de un manifiesto revolucionario se tratara. ¡Salud camaradas!
Miguel Bosé es uno de los personajes al que dirigen sus dardos envenenados. Recordemos que el cantante ha realizado distintas apariciones a lo largo de la pandemia del covid para mostrar su rechazo a los argumentos científicos y llegar a negar la existencia del virus. El quinteto granadino se muestra activo, tras su última entrega "Navidad de reserva", una versión de la canción que en 2013 editaron El Mató a un Policía Motorizado, grupo con el que mantiene una excelente relación desde que el grupo voló por primera vez a Argentina en 2008. La cosa promete y es de esperar que nos vuelvan a sorprender próximamente con el lanzamiento de algún nuevo tema.
"Trip" se puede considerar un pequeño capricho. Kurt Wagner y compañía han creado un disco de versiones, en el que revisan y acercan a su mundo seis temas, que para la ocasión ha escogido personalmente cada uno de los miembros del grupo. El decimotercer álbum de estudio de Lambchop discurre por el lado más experimental, en el que se recrean con pequeños artefactos sonoros, juguetes como el auto-tune. Desde el arranque con "Reservations", original de Wilco incluida en el disco "Yankee Hotel Foxtrot", editado en 2002, una canción ya extensa y que aquí se permiten alargar perezosamente hasta los trece minutos. Muy personal es también la pieza “Love Is Here And Now You’re Gone” que popularizaron The Supremes, con una relectura muy a lo Bowie. No tienen reparos tampoco en atacar el clásico “Golden Lady” de Stevie Wonder, que consiguen hacerlo propio. Tampoco les ha quedado nada mal la garagera "Shirley", original de los Mirrors. Son las cuatro canciones más logradas, porque las versiones de“Where Grass Won’t Grow” de George Jones y “Weather Blues” de James McNew resultan más fieles a las originales, como si en este caso los de Nashville no se hubieran esforzado. "Trip" es una curiosidad en su discografía que va a encantar a sus seguidores más apasionados, al resto les dejará más fríos. No es por restar méritos a estos veteranos que llevan tres décadas en activo, pero el común de los mortales vamos a preferir esperar a su próximo disco.
El violinista Ara Malikian recibe el nuevo año año con la presentación de su nuevo disco, "Petit Garage", en una actuación que tendrá lugar hoy 1 de enero en el aeropuerto de Madrid-Barajas Adolfo Suárez. El disco de Ara Malikian (Líbano, 1968) ha sido creado durante la pandemia después de que tuviera que detener su gira "Royal Garage World Tour" con la que tenía previsto actuar en más de 60 países. El nuevo álbum nace así de un proceso de transformación que ha convertido una gira mundial por grandes escenarios en una gira personal con aforos reducidos y que le han llevado a tocar en un teatro vacío en Guadalajara, en los jardines del Teatro Real en Madrid, en la Almudaina de Palma o pasear por la escalinata de la plaza de España en Roma e incluso a compartir un concierto con los difuntos en el Panteón de Arocutín en Michoacán, en México. Experiencias que ha plasmado en las canciones de su nuevo disco en el que se mezclan composiciones propias de Ara Malikian con homenajes a grandes músicos como Mozart o canciones emocionales como "La Llorona". Un disco que, explica el comunicado, es "un agradecimiento a todos aquellos que siguen luchando por la música, la cultura, y la vida". Puedes comprar sus discos aquí
