El grupo Talking Heads, entre otros, recibirán esta noche un premio en reconocimiento a su trayectoria artística en la edición de los Premios Grammy, que se celebrarán hoy 31 de enero. La institución que otorga los premios musicales destaca que con este galardón "el Premio Especial al Mérito nos da la posibilidad de premiar y reconocer la influencia que han tenido en la comunidad musical más allá del género", la banda que lideró David Byrne. Harvey Mason Jr., presidente interino de la Academia de la grabación indica en un comunicado: "Como creador y amante de la música estoy agradecido de haber podido evaluar a los que nos han inspirado y su impacto en un año en el que la música nos ha ayudado a mantenernos unidos". La Academia explicó que el conocido como The Lifetime Achievement Award (Premio a la Trayectoria Artística) celebra a artistas que han hecho "contribuciones destacadas de significado artístico en el campo de la grabación". En este sentido, el comunicado destacó la aportación del grupo Talking Heads, formado en la ciudad de Nueva York en 1975, fue uno de los pioneros de las fusiones musicales al crear su propio sonido con elementos de punk, rock, art pop, funk y ritmos de diversas partes del mundo. Estos reconocimientos se entregan en una ceremonia especial que se desarrolla durante la semana en que se celebran los Premios Grammy. Este año, no obstante, en el que la pandemia del coronavirus ha obligado a que muchas ceremonias y galas se posterguen o se celebren de forma virtual, la Academia aun no ha decidido como entregará los galardones en vista de las restricciones impuestas por la covid-19.
Ya en el disco "El viaje", editado en 2016, Juan Perro tuvo que grabar solo con voz y guitarra acústica, por cuestiones de reducir costes económicos. Ahora con "Cantos de ultramar" ha querido darles la vuelta a esas canciones, llegar a su germen y sacar una sonoridad que defina a la banda de Juan Perro como proyecto de futuro. Tras 4 años dándoles vueltas en conciertos, en el local de ensayo y en el estudio, escribiendo y reescribiendo preludios, interludios, metiendo vientos...Todo a pesar de que "no era el momento para alegrías" confiesa a sus sus 66 años Santiago Auserón (Zaragoza, 1954), el hombre al frente de este proyecto musical en torno a los palos de ida y vuelta con América. El noveno disco como Juan Perro no ha podido ver la luz antes, aunque estuviera masterizado desde el otoño de 2019, los orígenes de canciones como "Ámbar" o "A morir amores" se remonta mucho más atrás, al álbum que precedió a este, en el que se propuso hacer una demo más cuidada que las maquetas habituales. "Me di cuenta de que empezaban a sostenerse como una propuesta que se acercaba al terreno de las grabaciones callejeras de músicos de Nueva Orleans o de los primeros 'bluesmen' como Robert Johnson o Skip James, o incluso algunos de sus imitadores, como Dylan", indica que al final, lo que él pensaba que serían 30.000 euros de coste se fue mucho más allá. "Hemos tirado la casa por la ventana", Auserón se muestra aún reticente por unas prioridades comerciales que "no son tan permeables a la vibra de la calle como a comienzos de los años 80 con Radio Futura" y que en su opinión han llevado a la música española a convertirse en un "producto de invernadero, prefabricado y masivo, sin admitir apenas matices más allá de una sensiblería fingida"."Este disco no es una mercancía, es un proceso vital y de creación musical, una pequeña y humilde parte de la historia de España", señala sobre la génesis de "El viaje", un álbum en el que el Caribe, el jazz y la tradición se entremezclan.
El compositor, músico y productor de 86 años falleció ayer lunes tras varios días intubado por la covid-19 en un hospital de las afueras de Ciudad de México. Inmediatamente las redes sociales se han llenado de mensajes de cariño, tristeza y sorpresa por la pérdida del cantautor conocido como el rey del romanticismo. Dadas las circunstancias de su muerte se ha acordado que "no se llevará a cabo ningún acto funerario presencial, y se procederá a la cremación del cuerpo”. El Gobierno de México anunció que, cuando la pandemia del coronavirus lo permita, se celebrará un gran homenaje al cantante en Bellas Artes, lugar de despedida de los más grandes artistas que pasaron por el país, como José José, Juan Gabriel, Chavela Vargas o Gabriel García Márquez. La última aparición pública de Manzanero fue el 11 de diciembre pasado en su amada Mérida, capital de Yucatán, donde inauguró el Museo Casa Manzanero. Durante sus 70 años de carrera musical vendió millones de discos y compuso más de 600 canciones, de las cuales algunas fueron interpretadas por artistas de todo el mundo entre los que se encuentran Elvis Presley, Alejandro Fernández, Pancho Céspedes, Miguel Bosé, Omara Portuondo, Tony Bennett, Pablo Milanés, José José, Fito Páez o Christina Aguilera, entre muchos otros. Asimismo, publicó más de 30 trabajos discográficos y en 2014, la academia de la grabación de Estados Unidos lo reconoció con el Grammy a la trayectoria artística, siendo el primer mexicano en recibir este reconocimiento.
Estas son algunas de sus canciones más conocidas y por las que será recordado: 1.- "Adoro" (1965) "Adoro la calle en que nos vimos. La noche, cuando nos conocimos. Adoro, las cosas que me dices. Nuestros ratos felices. Los adoro, vida mía”. Con estos versos de la canción "Adoro" se ha despedido este lunes el presidente de México, Andrés Manuel López Obrador, del rey del romanticismo Armando Manzanero. Una de las canciones más exitosas de la carrera del yucateco, que compuso en su viaje de regreso a México, tras visitar Perú. Inspirada en el vals peruano y bajo la influencia de voces como Chabuca Granda y Augusto Polo Campos. El primero en interpretar este éxito fue Carlos Lico, cantante mexicano que contaba con renombre en Latinoamérica, sin embargo, poco tiempo después el cantautor decidió grabarla en versión balada.
2.- "Somos novios" (1950) Se trata de su primera composición, que surgió en una cuarentena por gripe antes de presentarse en Aguascalientes, en el centro de México. Una balada que habla del amor y la distancia. “Somos novios. Pues, los dos sentimos mutuo amor profundo. Y con eso ya ganamos lo más grande de este mundo”, fueron versos que no solo cantó Manzanero, sino que también encumbrados cantantes como Luis Miguel y Elvis Presley interpretaron esta melodía.
3.- "Contigo aprendí" (1967) La canción favorita de Armando Manzanero. Él decía que con esta canción alcanzó la madurez como compositor. “Contigo aprendí, a ver la luz del otro lado de la luna. Contigo aprendí, que tu presencia no la cambio por ninguna…”, uno de los versos más profundos con los que confesó darse cuenta de que “el amor no es solo el gusto, sino cuando esa persona te impacta y te sacude”.
4.- “Esta tarde vi llover” (1990) Elegida como la mejor canción latina de la historia, según el listado de las 50 mejores canciones de la música latina entre 1920 y 2015, elaborado por la revista estadounidense Billboard.
5.- "Por debajo de la mesa" (1997) “No hay una mujer que no ame, que no le guste, que el hombre que ama la acaricie y la alague”, declaró Manzanero en 2015 al ser abordado por periodistas en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México donde habló de su canción que recientemente había sido interpretada por Luis Miguel. “Por debajo de la mesa, acaricio tu rodilla. Y bebo sorbo a sorbo tu mirada angelical. Y respiro de tu boca, esa flor de maravilla”, versaba. También cantó este tema a dúo con artistas como Tania Libertad y Susana Zabaleta.
"Qué demonios hago yo aquí" es un extraño título para esta banda que ha editado ya tres discos de estudio, desde su debut en 2013, ha recorrido toda nuestra geografía con sus muchos conciertos y hasta ha teloneado a los mismísimos Rolling Stones, para abrir su último "show" en el Estadi Olímpic de Barcelona ante más de 50.000 personas. Los Zigarros se han llegado a erigir, por parte de algunos críticos, como la gran esperanza del rock en España. Los valencianos grabaron este disco el pasado mes de enero en una doble cita en el Teatro Circo Price de Madrid, junto a ellos estuvieron artistas de la talla de Carlos Tarque, Fito Cabrales, Leiva, Ariel Rot, Aurora García, Carlos Raya y Angel Wolf. "Nos preguntábamos cómo podía ser que estuvieran todos nuestros héroes de infancia tocando con nosotros" comentan los hermanos Ovidi y Álvaro Tormo: "Los álbumes en directo nos encantan y hay bandas que son muy de concierto. Nosotros creo que lo somos y que ganamos puntos extras sobre lo grabado". Los Zigarros plantearon un criterio para sus invitados y fue darle a cada uno el que mejor le iba de acuerdo con su gusto, pero aún así hubo sorpresas, como Aurora García al asumir "Dispárame" o Cabrales con "Voy a bailar encima de ti". Para un grupo tan marcado por el directo como ellos, estos meses de parón no han sido fáciles. Sobreviven porque tienen una banda de versiones y tocan "en bares, amenizando cenas", según nos confiesan. Últimamente, además, han conseguido volver a escribir canciones para el que será su cuarto disco de estudio.
Eminem ha querido sorprendernos estas navidades publicado sin previo aviso una reedición del álbum que ya lanzó a principios de este año, "Music To Be Murdered By", convertido ahora en un disco doble que incluye 16 temas nuevos. Uno de los que más comentarios ha suscitado es "Zeus", en el que el rapero pide perdón a Rihanna por una canción filtrada el pasado año en la que decía ponerse "del lado" de Chris Brown, condenado en 2009 por agredirla y proferir amenazas de muerte contra ella. Se da la circunstancia de que Eminem colaboró en el pasado dos veces con la cantante de Barbados para crear dos de sus grandes éxitos, "Love The Way You Lie" y "The Monster", que tratan precisamente sobre relaciones tortuosas. Entre los cortes inéditos recogidos en este segundo volumen de "Music To Be Murdered By" aparecen colaboraciones nuevas junto a otras figuras del hip hop como Ty Dolla $ign ("Favorite Bitch") o el que es además el productor del trabajo, Dr. Dre ("Guns Blazing"). "El tío Alfred os escuchó pidiendo más... disfrutad esta cara B", publica en su perfil de Twitter el artista llamado en realidad Marshall Mathers y que abre y cierra su álbum con dos piezas a modo de introducción y epílogo tituladas precisamente así, "Alfred", en homenaje a Alfred Hitchcok. Junto con la reedición del disco, Eminem ha lanzado el videoclip de uno de los temas de estreno, "Gnat", que incluye referencias a la pandemia actual: "Dicen que estas barras son como covid/ Las obtienes desde el principio/ Infectado con SARS y corona/ Como si le hubieras dado un mordisco a eso (Maldita sea)". "Music To Be Murdered By" fue publicado originalmenteel 17 de enero de 2020 con un verso que ya generó polémica. "Estoy considerando gritar 'bombas fuera' en medio del juego, como si estuviese esperando fuera de un concierto de Ariana Grande", rapeaba en "Unaccommodating", alusión directa a Salman Ramadan Abedi, el terrorista suicida que atentó en Manchester en 2017. El undécimo trabajo de su discografía tomaba el relevo en el mercado a "Kamikaze" (2018) e incluía colaboraciones de Juice Wrld, Ed Sheeran, Skylar Grey, Anderson Paak y Q-Tip, entre otros.
Seguimos con canciones navideñas, que para eso estamos en fechas. Los Planetas nos sorprenden con esta "Navidad de reserva", una versión de la canción que en 2013 editaron El Mató a un Policía Motorizado, grupo con el que mantiene una excelente relación desde que el grupo granadino voló por primera vez a Argentina en 2008. En aquella gira coincidieron y ellos a su regreso se convirtieron en los mejores embajadores de la banda platenense. Aquí no acaba la cosa ya que los argentinos harán lo propio con un tema de los granadinos. Próximamente se editará un single contendrá los dos temas creados por las dos bandas. La portada que puedes ver en esta entrada ha sido diseñada por Javier Aramburu. Esta es la segunda canción que Los Planetas han editado en este complicado 2020, a mediados de año nos regalaron el tema “La nueva normalidad” que no podía ser más actual. Cierran este año tan convulso con un regalo para todos sus fans y para los fans del grupo argentino.
Hoy es Nochebuena y era inevitable poner un villancico, el último que nos ha llegado es este "Noche de unión". Se trata de una colaboración, en principio impensable. Dos estilos tan diferentes como los de la soprano Ainhoa Arteta y el músico de synth-pop Joe Crepúsculo se han unido solidariamente para interpretar una particular versión de "Noche de Paz", para la ocasión titulada "Noche de unión", una canción cuyos beneficios irán destinados a Aldeas Infantiles SOS. Bajo el lema "un villancico diferente para una Navidad diferente", la música indie, la electrónica y la ópera no tienen por qué estar reñidos. Eso es, al menos, lo que piensan estos dos artistas, que, con su canción navideña, además de alegrar las fiestas ayudan a esta ONG. La recaudación íntegra que se genere con las reproducciones y los donativos directos serán para ayudar a los niños y las niñas en situación de vulnerabilidad. La versión del popular villancico cuenta con la reconocida voz de Arteta, que aporta la clave lírica en una composición electrónica a cargo de Crepúsculo, nombre artístico del músico catalán Joël Iriarte.
Tengo que reconocer que siento debilidad por esta banda, siempre humildes y capaces de crear canciones con verdadera emoción. Los focos del éxito nunca les iluminaron como merecían, a pesar de que reunían suficientes méritos para que se fijaran en ellos. El trío inglés debutó cuando aún eran unos adolescente y estaban en el instituto, aquel espíritu contestatario les ha llevado 25 años después a poder celebrar este aniversario, aún en activo y en plena forma. Este recopilatorio recoge sus grandes éxitos, repleto de hits de power vitaminado. Su cancionero es uno de los más completos del britpop y curiosamente mantiene intacta su frescura. El trío formado por Tim Wheeler (guitarra y voz), Mark Hamilton (bajo) y Rick McMurray (batería) son mucho más que cuatro hits por todos conocidos como "Girl From Mars", "A Life Less Ordinary", "Shining Light" y "Burn Baby Burn" canciones capaces de levantar el ánimo en cualquier momento. Ellos han sabido convertirse en una fuente inagotable de temas pegadizos de indie rock y punk pop. "Teenage Wildlife: 25 Years Of Ash" en su versión estándar, de doble compacto, recoge 36 temas, espléndidos pero sin ningún orden, las canciones se han distribuido de forma aleatoria, sin respetar un rigor cronológico. Es la única pega que se le puede poner, ya que sí han acertado con los temas escogidos. Si pensamos en la cifra 36 temas puede parecer algo desmesurado, pero la verdad es que sus temas sólidos, con poderosas melodías, bien merecen este doble álbum. No es desproporcionado, desde el impresionante single debut “Jack Names The Planets” (1994) hasta su último hit “Buzz Kill” (2018). Los norirlandeses incluyen “Patrol” y “Uncle Pat”, igualmente extraídos de Trailer (94),“Kung Fu”, “Oh Yeah”, “Goldfinger” y, por supuesto, “Girl From Mars”, del disco "1977" (96), “Jesus Says” o “Numbskull” de "Nu-Clear Sounds" (98), “Shining Light” y “Burn Baby Burn”.de Free All Angels (01), las pegadizas “You Can’t Have It All”, “Cocoon” o “End Of The World”, procedentes de su trilogía menor "Meltdown" (04), "Twilight Of The Innocents" (07) y "Kablammo!" (15) Por el camino también quedó la serie A-Z (09), en la que la formación decidió publicar un nuevo single digital cada dos semanas y a lo largo de un año entero, acertando con composiciones como “Return Of White Rabbit”. Hace menos de dos años llegó el que hasta ahora es último disco de estudio del grupo, un "Islands" (18) bien recibido gracias a canciones como “Annabel” o “Confessions In The Pool”. Todas ellas y muchas más –como la magnífica “A Life Less Ordinary” grabada para la película Una Historia Diferente (97) de Danny Boyle– se incluyen en "Teenage Wildlife: 25 Years Of Ash". Además como gancho adicional el inédito “Darkest Hour Of The Night”. Así pues podemos disfrutar de un nuevo tema, además de sus 13 singles que fueron Top40 de singles en Gran Bretaña, Alemania, Escandinavia y medio mundo. También una increíble colección de rarezas donde destaca, entre muchas sorpresas, una versión de The Buzzcocks (“Everybody’s Happy Nowadays”) interpretada junto a Chris Martin de Coldplay.
Ash es un grupo imprescindible, si a alguien le quedan dudas de su importancia basta decir que ha sido la única banda cabeza de cartel dos noches, en el mismo año, en el llamado 'festival de festivales', el Festival de Glastonbury. Gracias a su magnífico directo y la gran conexión con el público de nuestro país se hicieron asiduos a Festimad. Ash llegaron a grabar un álbum, en España, en El Cortijo, en Ronda. En 1997, llenaron cinco noches consecutivas la Astoria Londinense. Robbie Williams y Manic Street Preachers fueron sus teloneros en 1998. Ash grabaron una película de terror “Slashed” donde aparecían Moby, Chis Martin, The Hives, The Vines, Dave Grohl o Neil Hannon. Y para sumar a su anecdotario sus componentes aparecieron en campañas de Calvin Klein.
"Tucho", fue el cantante de "Lex Makoto", ahora el artista salmantino está afincado en Madrid. Acaba de lanzar esta canción que es el adelanto de un EP, titulado "Canciones desde El Sol", y en el que está acompañado de artistas como Iseo, Cris Méndez, Young Forest, Biuti Bambú y Luis Fercán. Se trata de un trabajo grabado en directo, sin público en la mítica sala "El Sol", cerrada desde el pasado 12 de marzo, de la que Tucho es uno de los socios y director de programación, completamente vacía para denunciar el "terrible" momento que atraviesan las salas de concierto debido a las restricciones por la pandemia y a la falta de apoyo al sector cultural, argumenta. "Las salas son fundamentales en el desarrollo cultural de un país y están abandonadas a su suerte", explica el artista, quien ha elegido su tema "Las Raíces" como adelanto y en el que se rodea de la banda "Young Forest", un trío de violín, mandolina y banjo, para llevar a esta canción al mundo del folk. Tucho, que en septiembre de 2019 publicó su primer disco en solitario, producido por Toni Brunet, se ha convertido en un habitual de los discos de Coque Malla, Quique González o Carmen Boza.
José Feliciano ha entrado por primera vez en la lista recopilada por la prestigiosa organización Billboard de las 10 canciones más escuchadas de Estados Unidos, pero no por una canción nueva, sino gracias al tema “Feliz Navidad”, cincuenta años después de su lanzamiento. La famosa pieza, tema bilingüe del cantautor puertorriqueño ocupó el décimo lugar de la cotizada cartelera musical estadounidense, después de haber estado en el número 12 el año pasado y dentro de las 100 más populares en el país desde que salió al mercado en las navidades de 1970. Según Billboard, el logro de “Feliz Navidad” viene impulsado por las celebraciones del medio siglo de su lanzamiento, que incluyeron la presentación de Feliciano en populares programas de televisión como “The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”, en la cadena NBC, y “CBS Sunday Morning”. Además, en asociación con Amazon Music LAT!N, el servicio de música latina del gigante de las ventas por internet, Feliciano sacó una nueva versión del tema, acompañado de 30 artistas. En la “Feliz Navidad” de 2020, el artista puertorriqueño está acompañado por las de los integrantes de CNCO, Shaggy, Jon Secada, Jason Mraz, Lin-Manuel Miranda, Rachael Ray, Gloria Gaynor, Big&Rich, Michael Bolton, Jencarlos Canela, Patricia Manterola, La India y Julio Iglesias Jr., entre otros. Sin embargo, fue la versión clásica la que logró colocar a Feliciano por segunda vez en las 10 más populares. Esta es la segunda vez que José Feliciano tiene una canción en el Top 10 de la lista de las HOT 100 canciones de Billboard. El artista lo había logrado en la semana del 3 agosto de 1968, cuando su versión de la canción de The Doors“Light My Fire”se colocó en el tercer lugar. El tema también fue reconocido este 2020 como una de las mejores canciones navideñas por la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores.
Este será un disco escrito a seis manos por The New Raemon, David Cordero & Marc Clos. De momento conocemos "Lanzo Piedras Al Mar", el primer adelanto del álbum "A los Que Nazcan Más Tarde". El disco se compuso y grabó simultáneamente en abril de 2020, durante el confinamiento. Cuenta la discográfica que los tres músicos completaron el álbum en tres semanas, así con un estricto método de trabajo compusieron diez hermosas canciones que tienen previstas publicar a principios de 2021. Ramón, David y Marc irán adelantando algunas de esas canciones. "A los Que Nazcan Más Tarde" gira en torno a una misma idea, habla sobre la esperanza, cómo si se tratase de un poema digital. Todo el concepto lírico se mueve sobre la idea de no dejarse arrastrar por el pánico y la derrota personal. De mutuo acuerdo los tres autores han querido adelantar primero la canción que cerrará el álbum. "A Los Que Nazcan Más Tarde". Hay que recordar que Ramón Rodríguez fue miembro del grupo de culto Madee, arrancó su proyecto en solitario The New Raemon en 2007, entre su prolífica discografía (18 discos publicados desde 2002); por su parte David Cordero es uno de los nombres nacionales más importantes del genero “ambient” internacional. Desde 2012 Tras diluir su primera banda Úrsula edita trabajos para los sellos mas importantes del panorama internacional: Home Normal (Jpn), Archives (Esp), Plop (Jpn), Dronarivm ( Urss), Lontano Series ( De), Muzan Editions (Jpn), etc ... Colabora con bandas como McEnroe, Viento Smith (proyecto junto a Ricardo Lezón), Niño de Elche, Pumuky, Frank Rosaly, GAF, The New Raemon, Orthodox, etc… Tras su última gira por Japón, edita durante este 2020 cuatro álbumes para sellos internacionales y Marc Clos: Percusionista y multiinstrumentista, se mueve entre la música clásica, el jazz, el rock y la música antigua, de hecho ha colaborado con Jordi Savall & Le Concert des Nations, Jaume Sisa, Nueva Vulcano, The New Raemon, Love of Lesbian, Standstill, Orquestra de Cambra del Teatre Lliure, Forma Antiqva, Orquesta Barroca Catalana, Orquesta de Cadaqués, Orquesta Simfónica del Vallés, entre muchos otros proyectos.
Ya era hora, The Kills lanza un disco recopilatorio, pero atención no se trata de sus temas más exitosos, el dúo formado por Alison Mosshart y Jamie Hince han decidido recuperar un total de veinte temas procedentes en su mayoría de caras B de singles, alguna que otra toma en directo para la radio, versiones e incluso una pieza nueva presentada bajo el título de "Raise Me”. La carrera de esta banda irreductible, a lo largo de casi dos décadas, no ha sido fácil y su sonido áspero, directo y brutal, carente de revestimientos, no es tampoco nada comercial. Ni falta que les hace son originales e inimitables.
Tras cinco discos de estudio y un buen número de EP’s se han decidido a rescatar este material. Las canciones de "Little Bastards" van desde los primeros sencillos de 7" de la banda en 2002 hasta el 2009, justo antes de que la industria discográfica decidiera que no había hueco para el formato de single físico y decidieran matarlo. Todo el material ha sido remasterizado y esta es la primera vez que algunas de estas canciones están disponibles en vinilo por primera vez, así nos permiten descubrir algunas piezas que no se entienden que quedaran fuera de sus discos. La compilación incluye algunas canciones destacadas como: "Half of Us", "Weed Killer", Forty Four”, “I Put A Spell on You” y “Sugar Baby”. También efectivas tomas en directo de “Love Is A Deserter” para la emisora XFM, además de interesantes relecturas del “I Call It Art” de Serge Gainsbourg, “Forty Four” de Howlin ‘Wolfs, “I Put A Spell on You” de Screamin o “Sugar Baby” de Dock Boggs.
El título del álbum Little Bastard responde al apodo cariñoso que el dúo le puso a la caja de ritmos que permitió su existencia como banda de sólo dos integrantes durante la primera mitad de su carrera. “Era una Roland 880,” dice Jamie, “que estrictamente no es una caja de ritmos – es un secuenciador y una grabadora de ocho pistas con su propia caja de ritmos integrada, y con eso grabábamos todos nuestros beats.”. Su mezcla de indie-rock, garage, shoegaze y por supuesto dosis de blues les hace irresitibles. Alison Mosshart y Jamie Hince forman un dúo inimitable que hace fluir la bunea química, si alguien les puso en duda esta colección no hará más que aplacar cualquier duda.
Varry Brava vuelven a Madrid, lo hacen casi un año después de su último concierto en Madrid, el que protagonizaron junto a Miss Caffeina en Ifema. Llegan con su flamante nuevo disco bajo el brazo "Hortera", cuyos temas sonarán este sábado en la sala La Riviera. El disco se puso a la venta en septiembre y cuneta ya con algunas canciones que se han convertido en verdaderos éxitos, como "Luces de Neón", "PlisDonGou", "Mi Mejor momento", "Loco" u "Hortera", que invitan a bailar con marcados sonidos de teclados y esa esencia de indie pop. El trío conformado por Oscar, Aarön y Vicente llevan más de una década en la música. Su primer hit "No gires" fue su tarjeta de presentación allá por 2012 y, desde entonces, no han dejado de presentar temas tan bailables como "Playa", perteneciente a su segundo álbum "Arriva" (2014) o "Salta", elegido en su momento para animar a la Selección Española. La cita de presentación del disco en la sala La Riviera de Madrid tendrá lugar el próximo día 19 de diciembre a las 20:30 horas, y contará con dos tipos de entradas: pista y primera planta, garantizando así todas las medidas de seguridad oportunas. El concierto está patrocinado por Vibra Mahou y las entradas pueden comprarse en la plataforma Wegow.
Dos años ha empleado La Maravillosa Orquesta del Alcohol en el proceso de composición y grabación de su nuevo disco, "Ninguna ola", que viene acompañado de novedades en lo sonoro y en lo conceptual. Adelanta la banda que su nuevo disco expresa lo que sienten "ante los cambios en la vida personal, en la sociedad y en el medio. Ante el movimiento constante y el paso del tiempo". Reconocen que este su sexto disco, en sus diez años de trayectoria, es el que mejor les representa. A ello no ha sido ajena la labor de Raül Refree, artífice de discos de Rosalía, Silvia Pérez Cruz, El Niño de Elche, Josele Santiago o Rodrigo Cuevas, entre otros. "Ha conseguido extraer lo máximo de nosotros recurriendo a los mínimos elementos", comenta su teclista, Jacobo Naya. El sentir común de la banda, manifestado desde su web, es que Refree les ha ayudado a transformar esos pensamientos en sonidos, abriéndose a nuevos caminos y formas de hacer música sin perder su identidad. Las diez canciones que componen "Ninguna ola" fueron grabadas entre Lisboa, Barcelona, Madrid y Andoain. El vocalista David Ruiz ha adquirido protagonismo, así como un sonido experimental denso, con letras quizá demasiado pretenciosas pos sus cargas filosóficas. El disco viene cargado de un ambiente pesadumbroso, los burgaleses han dado un giro y voluntariamente han deciddio no abrir la puerta a lo festivo, quizá marcados por estos tiempos oscuros de la pandemia que nos tocan vivir. Sí que podríamos decir que estamos ante el punto de inflexión más importante desde que decidieran abrazar el castellano dejando atrás el inglés de sus comienzos. Es un cambio en la trayectoria de La M.O.D.A, un cambio de rumbo. Tal vez como cantan en "Un bombo, una caja", aseguran:“No gustan canciones tristes porque hablan de gente que apartasteis”.
Directo de 1988 con extras no incluidos en el original, entre los que destaca un descomunal "Welcome the machine". Todo acompañado por un DVD tanto tiempo descatalogado y ahora restaurado, que nos vuelve a confirmar que Pink Floyd siempre serán una de las grandes bandas del rock sinfónico. Este nuevo lanzamiento llega en formatos Blu-ray, DVD, 2CD, vinilo 3LP y edición deluxe de 4 discos con bonus tracks. En los distintos formatos, Delicate Sound Of Thunder recoge a la banda en un excelente momento. A pesar de que en aquelas fechas Pink Floyd estaba partida en dos, tras la espantada de Roger Waters, lo que supuso uno de los grandes divorcios en la historia del rock cuyos ecos siguen resonando más de tres décadas después. Parecía que su huida, cabeza creativa desde "The dark side of the moon" en adelante, parecía reducir a los floyds restantes en meros explotadores de la marca. Pero ¡sorpresa!, David Gilmour, el último en llegar, se erigió en nuevo líder. Aquel golpe de mando llevo al guitarrista a la supervivencia del grupo hasta nuestros días. Junto al baterista Nick Mason se pusieron a trabajar en el álbum multiplatino "A Momentary Lapse Of Reason", un éxito mundial que ocupó los primeros puestos de las listas de ventas, y que vio el regreso de Richard Wright a la banda, que se fue después de las sesiones para The Wall en 1979, Y, sobre todo, recuperó el épico sonido clásico de la banda frente a los devaneos experimentales y poco melódicos de "The final cut" que en 1983 propició la escisión y dejó un regusto amargo, para un grupo que llevaba funcionando desde 1967. Lanzado originalmente en septiembre de 1987, "A Momentary Lapse Of Reason" fue rápidamente acogido por los fans de todo el mundo, que acudieron en masa para asistir a las fechas de la gira, que comenzó pocos días después del lanzamiento del álbum. Aquellos conciertos llegaron a congregar a más de cuatro millones de fans durante más de dos años. Filmado en el Nassau Coliseum de Long Island en agosto de 1988 y dirigido por Wayne Isham, el lanzamiento en 2020 de Delicate Sound Of Thunder, nominado al premio Grammy, ha sido extraído de más de 100 latas de negativos originales de 35 mm, cuidadosamente restaurados y transferidos a 4K, editado por Benny Trickett a partir del metraje restaurado y actualizado, bajo la dirección creativa de Aubrey Powell. Entre las incorporaciones figuran las cinco piezas de "A Momentary Lapse Of Reason" que se habían quedado fuera del corte: las dos partes de "A new machine, Terminal frost", la muy ambiental y apasionante "Signs of life" y la interesantísima "One slip". De esta manera, el decimotercer álbum en estudio de la banda queda reflejado de manera íntegra. Añadamos otros tres títulos clásicos, "On the run", "The great gig in the sky" y "Welcome to the machine". El reparto estelar de Pink Floyd para las fechas en vivo incluyó a Jon Carin (teclados, voz), Tim Renwick (guitarras, voz), Guy Pratt (bajo, voz), Gary Wallis (percusión), Scott Page (saxofones, guitarra), Margret Taylor (coros), Rachel Fury (coros) y Durga McBroom (coros). Hasta ocho músicos adicionales para que no faltase detalle en aquellos conciertos. Junto con el clásico álbum grabado en directo y la película completa del concierto, ahora restaurada y reeditada a partir de la película original de 35 mm y mejorada con sonido envolvente 5.1, incluidas en la caja de The Later Years, todas las ediciones incluyen un libreto de 24 páginas con fotos. La caja deluxe de 4 discos incluye un libreto de 40 páginas con fotografías, un póster de la gira y postales. El triple vinilo de 180 gramos incluye 9 canciones adicionales no incluidas en el lanzamiento original, publicado en 1988, mientras que el doble CD incluye 8 grabaciones extra.
Es el décimo disco del compositor, guitarrista y cantante Eduard Iniesta, en "Trajecte animal" se adentra en el mundo del rock acompañado por su hermano, Xavier autor de las letras del disco, que porta voces y toca también la armónica. El batería Àlex Tenas (Jarabe de Palo), la bajista Cristina Membrive y el organista y pianista Gerard Nieto acompañan a Iniesta. La discográfica ha descrito el disco como un trabajo "maduro, directo y potente", en el que destacan las inflexiones narrativas, en muchos casos autobiográficas. Iniesta vira hacia un rock contundente y que pone acento en el sonido de su guitarra eléctrica Gibson. Un proyecto producido por él mismo y asistido por Dani Vega de Mishima, una propuesta intimista de apenas 40 minutos en los que nos habla de sueños, deseos y vivencias.
Al finalizar el año me gusta aventurar el nombre de algunas bandas que pueden ser una promesa en la nueva temporada, si hace unas semanas te recomendaba fervientemente a Tv Priest, déjame que ahora te hable de estos otros chicos también procedentes de Londres. Hacía años que las alcantarillas de la capital del Reino Unido no sonaban con tanta fuerza y brutalidad. La llegada de Chubby And The Gang ha sido como una explosión que está arrasando con su sonora onda expansiva. Este quinteto se dio a conocer hace poco menos de dos años y puede convertirse en una de las bandas de la temporada. liderada por ‘Chubby’ Charlie Manning-Walker y que surge de las cenizas de algunos grupos hardcore. El propio Charlie ha pasado por Violent Reaction, Arms Race o Crown Court y los otros tres miembros, Luke Austin, Ethan Stahl y Joe McMahon provienen de Gutter Knife, una banda de Brighton. Juntos han perpetrado este tremendo disco donde mezclan hardcore y punk rock callejero, con doce temas sin respiro que apenas despachan en 26 minutos, canciones que son escupitajos de apenas dos minutos de duración. Ellos reivindican la música inglesa de los setenta, con un fuerte componente social y político, de aquellos pozos surgen para reclamar el cetro de la mugre y la furia de 1976. "Speed Kills" fue editado a principios de año por un pequeño sello pero ahora por fin cuentan con una nueva edición a cargo de Partisan Records (casa entre otros de Idles y Fontaines D.C.) Poco respiro podemos encontrar a lo largo de las 13 canciones que conforman el álbum. Temas repletos de intensidad como "Pariah Radio", "Speed Kills","Can’t Tell Me Nothing" o "Moscow", pero también son capaces de sorprenderte con "Trouble (You Are Always On My Mind)", una canción de amor con un deslumbrante órgano Hammond.
Solo ha pasado medio año desde su último disco, "Posible", pero Enrique Bunbury publicaba el viernes un nuevo álbum, "Curso de levitación intensivo", que llega afectado por lo que ha sucedido en 2020. "Decidí que el disco estuviera empapado de todo lo que estábamos viviendo", aseguraba en una rueda de prensa virtual, que se alargó más de una hora. El álbum llega influido, como su hermano de 2020 "Posible", por la combinación de sintetizadores y aromas electrónicos con su inconfundible sonido rock. Eso sí, las diez canciones que contine son pura crítica social. Así, canción a canción. Es una llamada a la reflexión porque, según cree, la sociedad está adormecida y poco inquieta ante la realidad. En este sentido, asegura que "es un disco que considero urgente, que necesitaba sacar, que pensaba que las canciones tenían que salir en 2020 porque hablan de una forma o resuenan de alguna manera con respecto a esto que nos ha ocurrido a todos". Confiesa que se metió en el estudio aconsejado por su manager para intentar dar a sus fans un álbum necesario y que de alguna forma pueda sustituir a la gira, que en tiempos de pandemia es impensable. El álbum fue grabado tras la salida del confinamiento en La Casamurada, estudio bastante conocido situado en Tarragona, donde han grabado grandes grupos del indie español como Love of Lesbian, por cierto ha desvelado que ha colaborado en el disco que próximamente lanzarán los catalanes. La mezcla y mastering se ha realizado entre España y México. Entre las diez canciones del álbum, con más tonos sombríos que luminosos, figuran títulos con carga social como "N.O.M." (Nuevo Orden Mundial), "El día de mañana", "Tenías razón en todo", "El precio que hay que pagar" o "Malditos charlatanes", esta última sobre las redes sociales. Bunbury se siente defraudado porque los músicos no alerten y se hagan eco de la situciación de crisis cultural que vivimos, se sorprende de que "no haya más discos y más artistas hablando de estos momentos confusos y complicados. Me extraña mucho el silencio cultural que ha habido en 2020. Tengo mucha esperanza en que 2021 no sea así y que la gente empiece a hablar", indicó. Bunbury ya ha anunciado que el próximo 24 de enero de 2021 se emitirá en streaming un único concierto disponible para todo el mundo en el que se centrará principalmente en canciones de esta última etapa y más concretamente de estos dos últimos discos. El show no reparará en gastos y será un gran espectáculo de luces y sonido, un concierto de rock retransmitido en directo. Tras este concierto espera poder comenzar a planificar una gira si la situación sanitaria lo permite.
Kristin Hersh es una de las voces más destacadas del rock alternativo, capaz de pasar de lo chirriante a los más delicado. Resulta reconfortante comprobar como treinta años después los Throwing Muses logran agitar con este "Sun rackett" que supone su décimo álbum. La nueva entrega llega siete años después de "Purgatory/ Paradise" y a diferencia de aquel álbum nítido y ambicioso presentado en forma de libro, con contenido multimedia, ahora vuelven con un tono sonoro rasposo, con un shoegaze nada cómodo. Ajenos a modas su música atemporal viene abanderada por esa poderosa mezcla de afiladas arquitecturas de guitarras y texturas oscuras que nos llevan por ambientes tormentosos. Un cancionero telúrico en el que la privilegiada voz de Kristin Hersh resulta impactante y a la vez impenetrable.
El asturiano Nacho Vegas presenta“Oro, salitre y carbón”, doble álbum antológico que combina rarezas, piezas en directo y cinco temas inéditos, en total veintiséis canciones. El título de este trabajo procede de un verso de Violeta Parra que figuraba en “Arriba quemando el sol”, canción de la chilena en la que denunciaba las condiciones laborales de los mineros de La Pampa. Nacho lo ha tomado porque para él tiene un significado que va más allá: “Aunque este tema rinde tributo de algún modo a esa parte de la clase obrera, no es una canción política en sí misma. Es una canción sobre la negrura de la vida”. El cantautor asturiano es un hombre de perfil atormentado y este trabajo ahonda en la idea con esa caja sobria y negrísima que envuelve el disco o en la inédita "Fabulación" donde no se muerde la lengua para criticar los avatares políticos e ideológicos de este tortuosos año 2020 que estamos a punto de despedir, donde los embaucadores siguen “tejiendo como arañas la unidad de España”. Nacho Vegas tiene la virtud de ser incómodo, un artista que ha demostrado su compromiso social, desde hace ya dos décadas cuando publicó su atrevido debut, aquel "Actos inexplicables" (2001), con el que el cantautor convulsiono el indie patrio. "Oro, salitre y carbón", es un sabroso recopilatorio con abundante material para todos los públicos. Aquí se incluyen todos los cortes de "Cómo hacer crac" (2011) y el EP "Canciones populistas" (2015), al completo, su período más comprometido políticamente, además del tema antifascista “A les rexes de la cárcel”, rindiendo homenaje a todas las personas perseguidas por hacer activismo político, y las caras B de “La gran broma final”, con “Me lo dijo un ángel”, inspirado en la obra del poeta Ángel González y que, como dice el propio autor, “habla de la vida, de coger la cultura popular para encontrar pistas emocionantes de lo que está ocurriendo, para quitarnos de encima el desconcierto”. y “Actores poco memorables” (“Reality”). También encontrarás la versión asturiana de la emocionante “Lluz d’agostu en Xixón” o la escrita en 2018 para celebrar el vigésimo aniversario de Ecologistas en Acción, (“No me voy a Marte”) o para el disco infantil Bestiariu II en el que aportó “Hipopótamu Llambionótamu”, hasta el momento su única canción infantil grabada junto al coru Al altu la lleva. Destacan igualmente las tomas en directo de esa declaración de amor que es “Brujita”, el guiño al Nick Cave más descarado en “La última atrocidad” junto a Cristina Martínez o esa emocionante “La pena o la nada”. Aunque lo más jugoso para sus fans llega con los seis temas inéditos que contiene, empezando con la instrumental “Oro Salitre y Carbón” , siguiendo con los aires tradicionales de “El Carmín de la Pola”, en adaptación pop, o el personal tinte folk de “El ruido y las estrellas”, con letras empapadas del dulce veneno de amores perdidos. Atención a la versión con estallidos de distorsiones en clave The Velvet Underground del “Arriba quemando el sol” de Violeta Parra o esa oda al ansiolítico en “Lyrica”. Más recientes y rompedores suenan las dos canciones elegidas para cerrar el disco, grabaciones en vivo rescatadas del fin de gira “Violética”, el pasado enero en el Circo Price: “La última atrocidad” junto a Cristina Martínez (El Columpio Asesino) y “La pena y la nada”, una pieza que rezuma una tristeza infinita.
Pocos artistas han conseguido a lo largo de los últimos años el respeto y la admiración de su gremio como el australiano Nick Cave, autor torturado de un legado indiscutible, quien ha sido capaz de mostrar su lado más salvaje desde finales de los setenta con The Birthday Party, para evolucionar después y ofrecer su personalidad más sensible en los últimos tiempos, marcada por el fallecimiento de su hijo Arthur Cave a los quince años de edad, bajos los efectos del ácido lisérgico. “Idiot Prayer: Nick Cave Alone At Alexandra Palace” recoge el concierto que ofreció en streaming el pasado 23 de julio desde el Alexandra Palace londinense, sin presencia de otros músicos, ni público, con la única compañía de un piano de cola. En estas circunstancias la grabación se convierte, en su desnudez, en un desgarrador relato de dolor contenido, de una lírica monstruosa que golpea nuestros sentimientos como si fueran un saco de boxeo. Brutal y arrebatador. Su cavernosa voz y las notas que surgen del piano convierten este disco en una de sus obras más líricas. Una interpretación durante la que se llega a escuchar la respiración del músico, en un realismo extremo que estremece al oyente y vuelve a revelar esa capacidad redentora que poseen las canciones firmadas por Nick Cave. Aquí suenan solemnes, tanto que inevitablemente, te dejas mecer y sin ser consciente cerrarás los ojos para comulgar con esta experiencia casi mística por el que se van desgranando canciones tan sublimes como: "Spinning Song”, “He Wants You”, las obligadas “Jubilee Street”, “The Mercy Seat” o “Into My Arms”, la inédita “Euthanasia”, “Papa Won’t Leave You, Henry”, la propia “Idiot Prayer”, “Girl In Amber” o una “Waiting For You” sumamente conmovedora, hasta llegar al epílogo final concretado en “Galleon Ship”. Intensidad incandescente y emotiva a lo largo de veintidós piezas. Toda esa tristeza y belleza a la vez nos ayudará a sobrellevar estos tiempos tan difíciles. Regálatelo aunque sea como terapia.
El grupo sevillano, compuesto por Cristian Bohórquez y Davis Rodríguez, regresa con una nueva colección de cuatro canciones tras su aclamado segundo LP "Música ligera para un funeral". Este trabajo nos muestra un cambio hace un sonido más grandilocuente y sofisticado, en la que apuestan por una producción más orquestal, en la que no abandonan su tono intimista. "Plantas de exterior" es el primer avance de un conjunto de cuatro EPS que se publicarán en los próximos meses y que culminará en un larga duración, que se publicará en 2021. Un ambicioso proyecto, de momento impredecible, que sus creadores se plantean como un laboratorio de ideas, donde irán desarrollando su pop surrealista. El nuevo Ep se ha grabado en los Estudios La Mina bajo la dirección de Raúl Pérez y la portada del EP es obra del ilustrador Cristian Pineda, uno de los creadores más relevantes de la escena alternativa andaluza.
Por mucho que nos quiera hacer creer Billy Corgan "Cyr", no es ni mucho menos un nuevo "Mellon collie and the infinite sadness". Sí que es un doble disco y es verdad que tocan otra vez la batería Jimmy Chamberleain y el guitarrista James Iha, hasta hay llegan las similitudes. Lamentablemente The Smashing Pumpkins ya no son capaces de mantener aquella arrebatadora personalidad artística que desplegaban hace 20 años. Los de Chicago fueron muy grandes, así que este trabajo solo puede llevar a la decepción, nada queda de aquella contundencia y creatividad que desplegaron, ahora solo se mueven por melodias sintéticas insulsas, donde los sintetizadores han gando protagonismo a las guitarras. El ego desmedido de Billy Corgan tiene mucho que ver en este giro hacia el pop y esa falta de intensidad porque este disco doble que contiene veinte canciones se expande en exceso, sin grandes alegrías. Se pueden salvar de la quema algunas piezas como “The Colour Of Love”, la efectiva “Cyr” que da título al disco, la curiosa, “Ramona”, “Wyttch” con esa contundente línea de bajo, la tierna “Birch Grove”, y también “Save Your Tears”, poco más se puede destacar del lote. Mejor hubiera sido acortar el disco y desechar gran parte del material incluido en este innecesario doble disco. No "Cyr" no se acerca ni por asomo a obras magnas como "Gish" (Virgin, 91), "Siamese Dream" (Virgin, 93), el mencionado "Mellon Collie And The Infinite Sadness" (Virgin, 95) o "Adore" (Virgin, 98), Si quieres disfrutar de buenas vibraciones y emoción tendrás que pinchar de nuevo esos discos.
Vamos con canciones navideñas creadas en nuestro país. El grupo donostiarra The Burns lanzaba a principios de diciembre este single navideño, titulado "Daddy Xmas", que además es el adelanto del que promete ser su nuevo álbum, previsto para principios del próximo año, un 2021 que todos esperamos esperanzados. Precisamente The Burns también se ha visto afectado por la falta de conciertos, ante el parón obligado por la pandemia del covid han aprovechado por reunirse más en la sala de ensayos y trabajar en este nuevo álbum. El grupo donostiarra lleva en el mundo del garaje rock desde 2015, se les ha ocurrido crear un tema navideño para hacer "algo especial en este año tan raro". Es una canción a la vez melancólica y eufórica, que "trata de lo efímero de la vida familiar y cómo queda salpicada por momentos que parecen sonar para siempre". indica la banda, que quiere invitarnos a bailar "sin ataduras en el salón para disfrutar de una Feliz Navidad". ¡Que así sea! Cuidaros mucho, al final saldremos de esta.
"Song Machine Live" será la primera actuación en directo de Gorillaz desde 2018, contará con tres espectáculos virtuales en tres zonas horarias diferentes que tendrán lugar los días 12 y 13 de diciembre. Será la oportunidad de ver de nuevo en concierto al guitarrista Noodle, al bajista Murdoc Niccals, al batería Russel y al líder 2D, a los que se unen Damon Albarn y la banda completa de Gorillaz, en este evento planetario que contará además con una selección de artistas invitados. Las entradas para el concierto, que para Europa y Africa está previsto para el domingo 13 de diciembre a las 20 horas, ya están disponibles en https://gorillazlivenow.com/ para disfrutar de una cita que la banda califica como un "regalo adelantado de Navidad" para sus fans. Y es que, aseguran Gorillaz, "este año hemos sido buenos, pero ha sido una mierda". Gorillaz pretende entrar con adrenalina en las postrimerías del 2020. Cualquiera que haya visto a Gorillaz en las giras 'Humanz' y 'The Now Now' sabrá qué esperar. Prometen que habrá un espectáculo visual impresionante, vibraciones positivas, artistas invitados y, por supuesto, el bueno de Damon acaparando toda la atención, como siempre. Ah, y recuerda, si te lo pierdes, nunca volverás a ver este Song Machine en ninguna otra parte.
"Madrid Nuclear" es el disco en directo que Leiva grabó en diciembre de 2019 en el multitudinario Wizink Center de la capital, ese álbum puesto a la venta el viernes 20 de noviembre se ha convertido en un superventas, en el número 1 según informa Promusicae, desbancando al anterior rey de la lista, "Power up" de AC/DC y superando al ciclón surcoreano de BTS. "Madrid Nuclear" recoge un concierto que en su día se planteó como un evento único ya que era el más multitudinario de su carrera y, tras la pandemia, es también su última actuación hasta la fecha. Dadas las circunstancias decidió compartirlo con su público para que todos aquellos que no pudieron ir disfruten del directo del artista y para que quienes sí acudieron tengan un recuerdo inolvidable. Estará disponible en formato de triple CD o triple Vinilo. Todas las canciones del concierto en CD o LP, otro CD o LP con el single “Mi pequeño Chernóbil”, un DVD con el concierto integro, dos pósters y una púa de su merchandising. Leiva ha sido uno de esos artistas que no se han quedado quieto durante la pandemia, de hecho, hace poco salió su tema “Nunca debiste cruzar el Mississippi” para la banda sonora de la serie televisiva de “Veneno”.
Angel Ruiz Cabeza, exguitarrista del grupo Los Suaves, ha fallecido este jueves en la localidad malagueña de Benalmádena, donde residía desde hace más de 30 años. Formó parte de la banda gallega en los comienzos de su andadura allá por los años 80, hasta su traslado profesional a tierras andaluzas en 1984. Formó parte de la grabación del LP 'Esta vida me va a matar' y fue telonero de los míticos Ramones en un concierto en Madrid, según ha recordado su familia. Angel Ruiz Cabeza seguía manteniendo contacto directo con miembros de Los Suaves e, incluso, fue invitado a participar en el concierto de cierre de la 'Gira de los 1000 conciertos' en Ourense en 2013.
Texas se resiste a retirarse, así que sorprende sin previo aviso con este el tema "Hi", que presentan como el anuncio de su próximo disco de estudio, aún sin fecha de publicación, y que les ha llevado a reencontrarse con la veterana formación de hip hop Wu-Tang Clan. Fue en el año 1998 cuando colaboraron por primera vez con la remezcla del clásico "Say What You Want" de Texas que presentaron ese mismo año en los Brit Awards y que cerró el recopilatorio que Sharleen Spiteri. Volvieron a reencontrarse con RZA en Glasgow el pasaño año para el rodaje de un documental en el que recordaron aquella colaboración y, según cuenta aquello dio pie a repetir el reencuentro con un nuevo tema. Considerados una de las grandes influencias del hip hop, con álbumes emblemáticos como "Enter The Wu-Tang (36 Chambers)" (1993), su buena experiencia en común les ha llevado a volver a reencontrarse. Texas tenía ganas, es cierto que su último trabajo hasta la fecha es "Jump On Board". El grupo inició su carrera en 1989 con "Southside", que incluía el éxito "I Don't Want a Lover". Desde entonces, ha despachado más de 30 millones de copias de sus once discos, entre los que cabe destacar "White on Blonde" (1997) y "The hush" (1999), con otros clásicos de su producción como "Black Eyed Boy", "In our lifetime" o "Summer son".
Se trata del cuarto álbum firmado como Xoel López (A Coruña, 1977), tras defenestrar a su anterior identidad, Deluxe: “Este disco, por muchos motivos, lo considero el comienzo de algo nuevo, aunque inevitablemente sea continuista en algunos puntos, pero la composición nace de otro punto”, subraya el artista. Es el primero tras la trilogía que conformó su viaje y vuelta de Latinoamérica, como un puente entre el folclore de las dos orillas: "Atlántico" (2012), "Paramales" (2015) y "Sueños y pan" (2017). Además es la primera vez que comparte composición, en su más de 20 años, con su amigo David Quizán que le prestó versos y melodías prácticamente para la completar la mitad del disco. Incluso ha renunciado a coproducir para dejarlo todo en manos de alguien con quien nunca había colaborado hasta el momento, Carles Campi Campón, quien venía de trabajar con Jorge Drexler y Vetusta Morla. De hecho, solo había una premisa: “Quería escasa presencia de la guitarra, porque no me sentía en mi mejor momento de relación con ese instrumento”.
El decimoquinto álbum de la carrera de Xoel López estaba compuesto el año pasado, pero el coronavirus lo paralizó todo: "Estábamos a mitad de grabación cuando, de súbito, tuvimos que dejarlo todo e irnos para casa", recuerda el músico. "Es un disco coral, festivo y de banda grande. Un disco que, de alguna manera es un último retrato de cuando éramos felices". El resultado es un disco de pop festivo, que bebe de otros sitios, que no es como lo era Deluxe. "Nunca había llegado tan lejos ni había hecho una canción tan cachonda como Tigre de Bengala. Y al mismo tiempo tampoco nunca había hecho una canción tan melancólica como Joana", asegura. "Si mi rayo te alcanzara", frase que da título al disco, marca el comienzo de una nueva etapa en la trayectoria del músico coruñés.
The Cribs es una banda británica que ha conseguido a lo largo de sus quince años de carrera una excelsa madurez como formación de indie pop-rock de guitarras, que les ha convertido en unos clásicos modernos. El grupo de los hermanos Gary, Ross y Ryan Jarman regresa a escena con el que es su octavo disco de estudio, con un sonido reconocible y una fórmula que no presenta novedades. Eso sí incluyen espléndidas canciones como: “Never Thought I’d Feel Again”, “Runnin Into You” o “I Don’t Know Who I Am” (con la colaboración del ex Sonic YouthLee Ranaldo).
Los de Yorkshire siguen aferrados a esas guitarras ensordecedoras, estribillos pegadizos y el tono épico de sus melodías, de este modo consiguen con soltura no pasar de moda. "Night Network" ha sido grabado en los estudios de Dave Grohl,Studio 606, líder de Foo Fighters, en Los Ángeles durante el verano de 2019: "Es un estudio increíble, que ellos han establecido donde antiguamente estaba el estudio de ABBA, por lo que la sala para grabación en vivo y la sala de control tienen un ambiente muy de los setentas. El resto del edificio es, básicamente, el club house de los Foo Fighters, por lo que es una atmósfera maravillosa, y también es un poco un museo, lo cual es genial para los niños que crecieron con Nirvana, como lo hicimos nosotros", asegura la banda.
Aseguran que Dave Grohl les ayudo a seguir adelante y luchar por su música, su invitacióin llegó en un momento decisivo, pues atravesaban una mala situación. Cambiaron de sello discográfico, tras casi perder todo el derecho de sus primeros trabajos, al expirar su contrato con Witchita Recordings, quienes vendieron el catálogo de The Cribs a dos sellos multinacionales, sin el permiso de los músicos. Este nuevo álbum se edita a través de PIAS y lo hacen tras su disputa judicial por culpa de su anterior casa discográfica, de quienes se sienten traicionados y muy dolidos.
Andrés Calamaro y Julio Iglesias participan por primera vez en este dueto que acaban de estrenar, una colaboración única en la que los dos famosos intérpretes versionan "Bohemio", la canción que dio nombre al disco que el argentino lanzó en el año 2013. El álbum que lo contenía era el decimotercero en la trayectoria de Calamaro y, lanzado como "un pequeño disco que quiere ser un gran disco para la Humanidad", llegó a colocarse en el primer puesto de la lista de los 50 mejores trabajos de 2013, según la revista Rolling Stone Argentina. Además de por la sorprendente e inesperada asociación entre estos artistas, el dueto supone la vuelta a la actualidad musical del músico español más internacional de todos los tiempos, tras la publicación en 2015 de "México", un álbum de canciones sobre el país azteca que supuso su despedida de los estudios de grabación. Julio Iglesias cumplió en 2018 dos importantes aniversarios: sus 75 años de edad y medio siglo de trayectoria musical desde su victoria en el Festival de Benidorm, pero la falta de grandes celebraciones o eventos que lo conmemorasen, unido a sus problemas de salud, hicieron pensar que un posible retiro estaba cerca. El pasado mes de junio, sin embargo, en una entrevista con Efe, el artista latino declaró: "Me quedan muchas espinas clavadas y muchos sueños por cumplir, pero todo inconfesable". Hace unos días también Raphael barajaba la posibilidad de poder hacer un dueto con Julio: "No sé por qué no se ha hecho nunca ese dúo. Hay que tener en cuenta que él vive allá y yo acá, pero cualquier día se puede dar", vaticina el artista, quien añade: "Mi relación con Julio Iglesias ha sido siempre fenomenal. Es un caballero, un señor estupendo y muy buen artista". Lo comentaba en la presentación de su último trabajo, precisamente de duetos, al que ha titulado "6.0".
