La pandemia del coronavirus está marcando nuestras vidas, son tiempos de desconcierto, miedo e incertidumbre. Las diez canciones de "Posible" giran, casi sin querer, en torno a reflexiones sobre el nuevo devenir, sobre las distintas versiones de uno mismo que hemos dejado pasar y las infinitas opciones y posibilidades con las que podemos moldear nuestro futuro individual. Para contarlo Enrique Bunbury (Zaragoza, 1967) se desprende del tono rock y se acerca a la electrónica. Un trabajo oscuro cargado de poesía con el que el exlider de Héroes del Silencio saldrá de gira en 2021.
Es un disco que habla del amor profundo, más allá del primer impulso romántico, como en esa primera canción "Cualquiera en su sano juicio (se habría vuelto loco por ti)" que es algo así como la cima poética de perder la cabeza por alguien. Otro ejemplo es "Como un millón de dólares" donde Bunbury reflexiona sobre aquellos que llegan a Los Angeles, donde el músico reside desde hace 10 años, buscando un deseo hueco, anteponiendo ser una celebridad a desarrollar su propia pasión.
El músico aragonés avanza su gira en 2021: "Estaremos en Latinoamérica en febrero-marzo, en Estados Unidos en mayo-junio y en España y Europa en agosto-septiembre. Lo vamos a coger con muchas ganas y esperamos que el público también". No quiere "ningún show dentro de un coche, ni con distancia social".
¿Este es el disco más mexicano de la cantante Natalia Lafourcade? Juzguen ustedes mismos, porque contiene algunos de los temas más icónicos del cancionero popular como: "Mexicana hermosa" con Rivera, "Hasta la raíz" con Los Cojolites y Los Auténticos Decadentes, "Ya no vivo por vivir" con García y "Para qué sufrir" con Drexler. El álbum se empezó a gestar en un concierto en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, en noviembre de 2019, para recaudar fondos para el Centro de Documentación del Son Jarocho, la música típica de Veracruz, cuya sede fue muy afectada por los sismos de 2017. A la convocatoria de Lafourcade, una de las artistas más respetadas del país, acudieron figuras tan diversas como Carlos Rivera, Leonel García, Jorge Drexler, Emmanuel del Real, Panteón Rococó, Los Cojolites, Los Auténticos Decadentes y el mariachi juvenil de Tecalitlán, entre otros. Fueron tantas las colaboraciones que no han cabido en este "Un canto por México, Vol.1", así que la artista de 36 años está pensando en sacar otro disco: "Ya tenemos el volumen dos. Ahora hay que esperar cómo vamos con esto del coronavirus para decidir cuándo lo sacamos", nos aclara. Un disco que fue grabado en vivo, pero los artistas no pensaban que sus participaciones terminarían en un disco. "Un canto por México, Vol.1" es uno de los más emotivos de la artista, por eso quiso incluir entre los temas los géneros musicales que viven los mexicanos, como los boleros, la cumbia, el norteño, el ranchero y la influencia del son jarocho. El disco incorpora además el estreno de "Mi religión", una canción de amor que Lafourcade le compuso a la gran pasión de su vida: la música. "La escribí en un momento muy especial y quise plasmar lo que la música me hizo sentir esa primera vez que me presenté un escenario, muerta del miedo hasta que comencé a cantar. Entonces todo se transformó", rememora la artista. En ese momento, con 10 años, supo que quería dedicar su vida a la música.
Hoy jueves 28 de mayo a partir de las 20:30 horas, Mamá Ladilla estarán tocando a puerta cerrada en la sala Gruta 77 de Madrid. El concierto se retransmitirá gratis en directo desde la página de Facebook de la sala. "Se puede hacer una donación voluntaria, desde ahora hasta el día siguiente al concierto. La cantidad oscila entre 2 y 10 euros, aunque si a alguien le parece poco puede comprar varias", apunta un comunicado. El enlace para las aportaciones es movingtickets.com.
La recaudación servirá para sostener a la banda, a la sala Gruta 77 y a los técnicos de sonido y audiovisual que se encargarán del plano técnico del evento en este momento tan delicado. Este concierto será el número 4403 de Gruta77 y la actuación número 57 de Mamá Ladilla en la sala. "La verdad es que tenemos unas ganas locas de juntarnos y hacer ruido. Va a ser extraño y curioso hacer lo que siempre hemos hecho... pero para una sala vacía. De una u otra manera os sentiremos desde lejos (no infravaloréis nuestro olfato, sobre todo ahora que no os ducháis tanto). Es probable que sea la única ocasión en mucho tiempo, o una de las muy pocas. Está todo el mundo invitado. Es el fin. Bueno, no. El principio. De una gran amistad. Bueno, lo que sea. Streaming for vengeance!", indica Mamá Ladilla.
Este viernes, 29 de mayo, se pone a la venta "El bando bueno", el decimoséptimo disco de Sr. Chinarro, en el que Antonio Luque muestra algunas de las sonoridades que le hemos conocido a lo largo de sus casi 30 años de carrera: “Estos días mucha gente ha hecho balance sobre su vida pasada. Yo hice el mío justo antes del encierro, pensando en la furgoneta y los espectáculos, los derechos de autor y el mundo que me rodea, al que trato de pertenecer explicándome lo mínimo. Mi conclusión fue, precisamente, que lo mejor era encerrarse”. "El bando bueno" llega tras la publicación del recopilatorio "Colección Permanente" con el que celebrara sus 25 años de carrera y de su libro de conversaciones. Hasta el momento nos ha presentado “Sábanas Santas”, que manteniendo el sonido de sus últimas referencias, recupera las palmas como percusión, un recurso que ya ha utilizado en otras ocasiones en el pasado. Después llegó "Una famiglia reale…"y su tercer adelanto es “Aplauso”, un tema que recuerda con esa lñinea de guitarra y bajo a sus admirados The Cure especialmente en "The Head On The Door" el sexto álbum de estudio de la banda británica de rock, y que Antonio Luque ha confesado que le motivó a dedicarse a la música. Este nuevo disco de Chinarro se grabó en los estudios Producciones Peligrosas de Granada con José Sánchez a los mandos y con la participación de músicos como Carlos J. Marqués, Mario Fernández o Jaime Beltrán. La portada es obra de @erika7up, basada en el famoso cuadro de El Greco.
Se consideraba que era un disco perdido, grabado hace 46 años hasta ahora no teníamos noticias de él, ya que nunca se editó. Neil Young tenía previsto publicarlo dos años después de "Harvest" (1972), pero lo guardó en su archivo por el impacto emocional que suponía su edición tras una sentida ruptura sentimental. "Es un disco lleno de amor perdido y exploraciones. Una grabación que ha estado oculta durante décadas". El álbum se grabó en analógico entre 1974 y 1975 y sus cintas originales han sido restauradas por John Hanlon y masterizadas por Chris Bellman. Young, que ha definido el disco como un puente entre "Harvest" y "Comes A Time" (1978), contó durante la grabación con la colaboración de Levon Helm, Karl T Himmel, Emmylou Harris y Robbie Robertson.
El pasado diciembre se empezó a hablar de la posiblidad de rescatar este disco perdido, la pista la daba el propio músico canadiense cuando recogió en su página web una lista de grabaciones que formarían parte de su archivo digital y citó "Homegrown" señalando el posible estreno del mismo.
Otros trabajos que figuran en esa lista de grabaciones de conciertos y música sin editar, para cuyo filtrado pidió ayuda a sus seguidores, son "Chrome Dreams", definido por él como un álbum eléctrico de 1977; "Homefires", de 1974, e "Island in the Sun", que no se editó en 1982, pero del que se filtraron canciones como "Soul of a Woman" y "Like an Inca".
La banda murciana Lady Ma Belle estrena una versión acústica del tema "Seré" que pertenece a su anterior disco (2018 Darlalata), con el que quieren sensibilizar sobre la enfermedad del alzheimer, han creado la etiqueta #SereContraElAlzheimer y han estrenado videoclip, en el que colabora el artista andaluz Jaime Galan, el saxofonista Juan Borres y el dúo argentino Zamu Y Gabby. El single estará disponible desde el viernes 22 de Mayo en plataformas digitales. El videoclip ha sido grabado entre España y Argentina y se estrenó en el canal youtube de la banda. La intención es sensibilizar a la sociedad sobre la enfermedad del Alzheimer: "Con este videoclip queremos dar visibilidad a todas las asociaciones que trabajan día a día en contra la enfermedad, mejorando cada día la calidad de los afectados y fomentando la investigación para encontrar la cura", indican en un comunicado.
Los cantantes Shuarma, Coque Malla y Alberto Jiménez (Miss Caffeina) han lanzado una versión conjunta de "Momentos" (Elefantes) para rendir homenaje a la comunidad universitaria y recaudar fondos para la investigación de la COVID-19. La canción, en formato de vídeo, puede escucharse desde hoy en Youtube y la recaudación irá destinada a los proyectos de investigación contra la COVID-19 que se están llevando a cabo en la Universidad Complutense de Madrid, según ha informado en una nota de prensa esta institución.
El hermano menor de los Oasis Liam Gallagher publicará el próximo 12 de junio su disco "MTV Unplugged", que recoge el concierto en el clásico formato acústico producido por la cadena musical MTV y que había sido pospuesto a causa de la pandemia de coronavirus. Fue el pasado verano cuando tuvo lugar la grabación, en el icónico City Hall de Hull (Inglaterra), donde interpretó canciones de sus dos álbumes en solitario, "As You Were" (2017) y "Why Me? Why Not" (2019), así como temas míticos de Oasis, como "Champagne Supernova", con la que cerró el espectáculo. Liam Gallagher estuvo acompañado de una orquesta de 24 miembros así como del que fuera guitarrista de Oasis, Paul Arthurs alias "Bonehead", junto al que canta los clásicos "Some Might Say", "Stand By Me", "Cast No Shadow" y "Sad Song". El álbum estará disponible en varios formatos físicos (CD, vinilo Estándar y vinilo color) así como en plataformas digitales. Por este formato han pasado durante las últimas décadas artistas internacionales de la talla de Nirvana, Aerosmith, Eric Clapton, Elton John, Mariah Carey o Alejandro Sanz, que fue el primer cantante español que publicó su "MTV Unplugged".
El grupo de rock BB Sin Sed ha lanzado hoy viernes su nuevo sencillo, la canción "Dejaos llevar", que contiene una letra con aires mitológicos con el Barquero Caronte de protagonista y con un sonido cavernoso,con aires de nostalgia. Esta pequeña joya supone una nueva etapa para la banda de Sabadell, que resurge 14 meses después del disco que supuso su vuelta a los escenarios, 22 años después de su despedida oficial. "Creemos que ahí está el futuro: pequeñas unidades conceptuales soltadas a la red de una en una, no un álbum de 10 o 12 canciones”, comenta el cantante y letrista del grupo, Xavi Vendrell, quien además nos da una recomendación: "Si os gustan las guitarras, ¡subid el volumen".
Después de una gira en 2019 presentando el disco "La dirección que no tomo", el grupo ha aprovechado el parón obligado por el confinamiento para reflexionar sobre su futuro y grabar "Dejaos llevar". El grupo se formó en 1985 en la Facultad de Veterinaria de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) e, integrado por Xavi Vendrell, voz y letras; Jaume Avellaneda, bajo; Josep Maria Recordà 'Remember' y Simó Valls, guitarras; y Feliu Pla, batería; supuso el acento garage-punk/americana y en castellano de la posmovida, con discos como "BB Sin Sed", "Sed de Sed", "Casa doce" y "Ahora". Hace cinco años regresaron para ofrecer algunos conciertos y en enero de 2018 publicaron su primer sencillo después de 20 años de silencio discográfico, el tema "Rosa de foc", la primera canción de la banda escrita en catalán en su trayectoria. Fue entonces cuando anunciaron que retomaban la actividad y que se reencontraban en el estudio con una nueva formación -Remember (guitarras y coros), Enric Vilà (bajo), Feliu Pla (batería) y Xavi Vendrell (voz, armónica y megáfono)- para grabar nuevos temas, que dieron como resultado "La dirección que no tomo".
El quinteto de Melbourne se dio a conocer hace dos años con su disco de debut "Hope Downs" (2018) y se convirtieron en una refrescante propuesta. Aquel disco dejó el lsiton muy alto, así que estabamos deseosos de oír sus nuevas propuestas, "Falling Thunder" es la última canción que sirve de adelanto de su segundo álbum al que han titulado "Sideways To New Italy", que se publicará el próximo 5 de junio. Rolling Blackouts Coastal Fever está compuesto por el trío de cantantes, compositores y guitarristas Tom Russo, Joe White y Fran Keaney, y con la sección rítmica a cargo del bajista Joe Russo y el batería Marcel Tussie.
El nuevo trabajo "Sideways To New Italy" ha llegado precedido de los singles "Cars in Space" y "She’s There", ahora llega este "Falling Thunder", una pieza pop casi hipnótica, que trata “sobre avanzar a través de la implacable marcha del tiempo, contra el ciclo constante de las estaciones. Y sobre la forma en la que las personas cambian y las relaciones también, explica Tom Russo. La canción viene acompañada por un vídeo que está compuesto de imágenes de unas vacaciones en Sicilia, Cerdeña y las Islas Eolias, el hogar de los antepasados de los hermanos Russo. Los detalles los indica Tom: “Nuestro amigo Jamieson Moore grabó imágenes en esas localizaciones con su móvil mientras estaba de vacaciones el año pasado. Las Islas Eolia es el luegar del que proceden mis ancestros y los de mi hermano. Por tanto, se ha convertido en una especie de carta de amor a un sitio concreto.”
La banda pucelana The Levitants, que en 2019 editaba el álbum "Enola", ha querido criticar el momento que vivimos en el que se propagan contínumaente bulos a través de las redes sociales sobre la pandemia del coronavirus.
El trío de rock formado por Sergio Isabel, Juan Izquierdo y Daniel Alconada ha optado para ello con versionar "Toxic" de Britney Spears, una de esas canciones que han experimentado un repunte de escuchas en las plataformas de streaming debido a su inclusión en diversas playlists dedicadas a la pandemia. The Levitants llevan el gran éxito de Britney totalmente a su terreno, explican que "la idea de versionar Toxic surgió al comienzo de la crisis del COVID-19 cuando el virus no había salido de China, a los 3 nos flipaba el tema y nos pareció divertido reducir una superproducción a nuestro formato de trío”. El videoclip de esta curiosa versión de "Toxic" pretende, como decimos, ser una denuncia de los bulos del coronavirus, eso sí, en clave de humor. Grabado durante la primera semana de internamiento por el virus en España con imágenes de videollamadas entre el grupo y sus amigos, el clip incluye “guiños a la época dorada de los videoclips” y la presencia de subtítulos que comunican “información de dudosa credibilidad sobre la banda”.
Estamos ante un nuevo artista KennyHoopla, un músico a mitad de camino del pop y el indie experimental. Su verdadero nombre es Kenneth La'ron, un músico nacido en Ohio y que tiene su centro de operaciones en Wisconsin. Es un tipo singular que te habla de cosas como el fin de la vida: "el mundo es plano y este es el borde" o titula alguna de sus canciones con enigamático títulos "¿Cómo voy a descansar en paz si estoy enterrado en una carretera?". Su ritmo entretejido muta del synthpop al indie experimental de modo inesperado, con tintes electrónicos en busca de himnos existenciales, en los que las voces aparecen maravillosamente mezcladas. En algún momento te recordará a los primeros Bloc Party. Su EP de debut, con seis temas, contiene dos canciones espléndidas "Plastic door" y "How will i rest in peace if i'm buried by a highway?", pero guarda más sorpresas como ese "The world is flat and this is the edge" donde aborda su conflicto con la monotonía de la vida: "Esto es lo que quiero decir / Vivir solo para morir / Aflojé mis alas / Ni siquiera pude volar", aunque a pesar de ese pesimismo siempre deja un mensaje de esperanza y su voluntad de vivir.
KennyHoopla está listo para hacer su presentación al mundo. En el transcurso de los últimos tres años, el vocalista y multiinstrumentista ha estado trabajando meticulosamente en este debut, en el que combina el rock alternativo junto con géneros aparentemente no relacionados, como el trap ambiental o el emo-pop: “Espero que la gente sienta mi energía. Eso es todo lo que puedo esperar en este momento ", indica. Sus aspiraciones parece que se cumplen ya que el tema principal ha logrado alcanzar el número 19 en la lista de canciones alternativas de Billboard, con su guitarra empapada de reverberación y percusión bailable. "Crecí con la música electrónica en general, como Aphex Twin y toda esa mierda cuando era niño. Siempre he estado enamorado de eso. Solo soy yo rindiendo homenaje a esos sonidos. Cuando era más joven, tenía un amigo de la familia llamado Yuri en mi complejo de apartamentos, él me descubrió "Girl / Boy Song" de Aphex Twin, y probablemente fue la canción más hermosa que escuché hasta el día de hoy. Todavía lo mantengo muy cerca de mi corazón", sentencia Kenneth para descubrir cuál es la canción que le ha marcado a lo largo de su vida.
La banda ibicenca Morning Drivers ha presentado su último videoclip titulado "1936", un tema incluido en su reciente segundo trabajo discográfico titulado "Nuevas Intenciones". La banda isleña está integrada por Miquel Serra, Luis Iglesias, Mariano Costa, Miquel M. Thomas y Sebastian Budding, quienes han recordado que llevan más de una década dedicada al mundo de la música. Morning Drivers nació con la intención de hacer versiones de temas de bandas con las que se sienten identificados, sobre todo del mundo del rock. En 2015 comenzaron a componer sus primeras canciones propias y el resultado fue un primer trabajo discográfico titulado "Perspectiva", editado en noviembre de 2017, que les llevó a realizar una amplia gira por ciudades como Barcelona, Madrid, Valencia, Granada, Córdoba, Albacete, Salamanca y Zaragoza, compartiendo cartel con otros grupos y artistas del panorama nacional. Con 'Nuevas Intenciones', grabado en Ibiza el pasado año, la banda presenta once canciones de pop rock "con ritmos bailables y estribillos pegadizos", según sus propias palabras.
El productor Dani López, conocido por sus trabajos con el grupo El Pot Petit, acaba de debutar con su primer álbum, "El que fan les coses quan no les mires", con una sonoridad que "navega entre el jazz, la música de cámara contemporánea, la de raíz y el pop". Dani López ha hecho equipo con Andreu Moreno, en la batería y SPD; Vic Moliner, al contrabajo y sintetizador de bajos y Alejandro Esperanza, al piano, Rohdes y sintetizador. Asimismo, López toca saxos, flauta, piano, sintetizadores y canta. Según un comunicado de Ingenio Audiovisual de este lunes, el nuevo álbum es el resultado de un proceso de "experimentación" que busca una nueva forma de enfocar las posibilidades del cuarteto. Tanto es así que el artista ha convertido el sonido de una cafetera o a su abuela enfadada en material que han incorporado a sus nuevos temas, en una clara apuesta por la experimentación y la tradición, indican sin prejuicios.
Todo lo que rodea a Radiohead es siempre objeto de culto, así que hablar del debut en solitario del guitarrista de la banda Ed O’Brien, que se presenta con el acrónimo de EOB, es también noticiable, sobre todo por el largo silencio de una banda que nunca fue capaz de sacar un mal disco. Hasta ahora conocíamos los trabajos de Thom Yorke y el guitarrista Jonny Greenwood, incluso el batería, Philip Selway, explotó su faceta de cantautor acústico en dos delicados álbumes: "Familial" y "Weatherhouse", así que el bueno de Ed era, junto al bajista Colin Greenwood, el único integrante de Radiohead que no se había decidido a desarrollar una carrera en solitario. Parecía cómodo en su papel de lugarteniente, escoltando a Yorke en el escenario y con las segundas voces, un papel relevante aunque no siempre reconocido.
Ed O’Brien ha ido creando este disco con mimo, a lo largo de los últimos siete años, debes escucharlo con detenimiento por que la nota es alta. No estamos ante un entretenimiento son nueve piezas que pasan del pop a la electrónica con absoluta elegancia, eso sí con un sinfín de arreglos
Ed puede abrir con un tema tan rotundo como "Shangri-La", con sintetizados de los años noventa, para a continuación dedicarle más de ocho minutos al desarrollo de "Brasil", otro fabuloso tema que arranca como una pieza de orfebrería acústica, para ser invadida por la electrónica y convertirse en un desenfrenado baile dislocado. A partir de ahí el funk de “Deep Days” al folk de “Long Time Coming”, “Mass” y la final “Cloak Of The Night"mano con una Laura Marling o el single “Olympik” que recuerda a los U2 más pasados de “Achtung Baby”.
Ed se ha rodeado de buenos amigos para este debut tan destacado, entre ellos el guitarrista de Portishead Adrian Utley, y el percusionista Omar Hakim, además de colaboraciones del batería de Wilco Glenn Kotche, el mismo bajista de Radiohead Colin Greenwood, o la vocalista Laura Marling. Parece que así nada podía salir mal.
Rafa Sánchez, fundador y líder del grupo La Unión, ha anunciado la disolución de esta banda nacida en los años 80, y que mantenía activa hasta este momento junto al bajista Luis Bolín. En un comunicado remitido a los medios de comunicación, el músico informa de que el final del grupo es fruto de unas circunstancias "que vienen gestándose desde hace ya tiempo, siendo plenamente conscientes de tal evolución los dos integrantes". El cantante señala: "Por la presente comunico y autorizo la difusión de la circunstancia de que el grupo La Unión, que fundé y del que soy integrante desde su nacimiento, se está disolviendo y ello quedará materializado de manera inminente, cesando sus actuaciones y actividad como tal". Además, reconoce que el momento actual "tan excepcional" que se vive por la pandemia de coronavirus, y "que ha golpeado tan gravemente a la industria de la música, ha precipitado este comunicado, su base y contenido". Concluye el escrito "deseándole lo mejor" a su compañero y anuncia que por su parte se concentrará en impulsar su carrera en solitario, aspecto en el que lleva "trabajando y planificando bastante tiempo".
La Unión ha terminado construyendo una sólida carrera de casi cuatro décadas, a lo largo de las que supieron evolucionar desde el pop, a melodías rock, el new wave, el hip hop o incluso el son latino hasta tocar, en su última etapa, un sonido más electrónico.
Fue a principios de los años 80 cuando Rafa Sánchez fundó La Unión junto a Luis Bolín y Mario Martínez como guitarrista. A ellos se sumaría después un cuarto componente a los teclados, Íñigo Zabala, que sería el primero en abandonar las filas del grupo. Grabaron en 1984 el que se convertiría en su primer gran éxito, "Lobo Hombre en París". Este tema producido por Nacho Cano y Rafael Abitbol, llegó al número 1 en ventas durante 9 semanas consecutivas hasta alcanzar más de 200.000 copias vendidas. A los pocos meses llegó su álbum de debut, "Mil siluetas" (1984), con canciones que también se convertirían en clásicos de su repertorio como "Sildavia", pero su repertorio fue creciendo paulatinamente con canciones como: "Maracaibo", "Vivir al este del Edén", "Natalia, "Fueron los celos", "Vuelve el amor", "Ella es un volcán" o "Cuando pase el temblor" que todos recordamos en nuestra memoria. Ese rápido repaso a su cancionero basta para rememorar como sus temas han acompañado la banda sonora de nuestras vidas. Hasta su último disco, el directo "No estamos solos" (2017), conformaron así un repertorio con más de 150 canciones editadas de las que vendieron más de 3 millones de copias, por las que recibieron en 2006 un doble disco de diamante por toda su carrera discográfica. En su repertorio encontramos en total más de 150 canciones editadas de las que vendieron más de 3 millones de copias, recibiendo en el 2006 un doble disco de diamante por toda su carrera discográfica.
En el comunicado Rafa Sánchez adelanta: "Por mi parte, me concentraré en mi carrera en solitario, aspecto en el que llevo trabajando y planificando bastante tiempo, lo cual, llegado el momento compartiré con todos vosotros, comunicándoos mis planes y proyectos". Para terminar, el cantante desea que Luis Bolín, su "compañero desde hace tantos años, encuentre también su sitio y su futuro, deseándole lo mejor".
Estamos ante el histórico concierto de la gira "Purple Rain" que Prince And The Revolution ofrecieron en 1985 en el Carrier Dome de Syracuse, de Nueva York, y que estará disponible desde este jueves y hasta el próximo 17 de mayo de manera gratuita en el canal oficial del artista en Youtube. Se trata de la primera actuación editada en su momento de manera oficial en formato televisivo por el músico de Minneapolis que incluía éxitos como "Let’s Go Crazy", "When Doves Cry", "I Would Die 4 U" o "Purple Rain". Su publicación hoy en internet se produce por iniciativa de los herederos del patrimonio de Prince, en colaboración con Warner Music y a favor del fondo de respuesta de la Organización Mundial de la Salud. Para inaugurar la emisión, este jueves se ofrecerá una fiesta de presentación (a partir de la 1 de la madrugada en España), en la que el batería de The Revolution, Bobby Z, ofrecerá un turno de preguntas y respuestas una hora antes de que se suba el concierto íntegro. The Revolution fue la banda que lo acompañó entre 1983 y 1987 y en aquel concierto en concreto estaba compuesta por Wendy Melvoin, Lisa Coleman, Dr. Fink, Mark Brown, Eric Leeds y Bobby Z. El concierto se editó originalmente en 1985 y se recuperó en DVD en la reedición "deluxe" de "Purple Rain" de 2017. Su audio, sometido a una remasterización por el ingeniero habitual de Prince, Bernie Grundman, se editará por primera vez en edición digital este viernes. Recordamos que Prince Rogers Nelson fue hallado muerto en su residencia el 21 de abril de 2016, a los 57 años, a causa de una sobredosis del opiáceo Fentanyl. Durante su dilatada carrera, vendió más de cien millones de copias de sus discos, que le procuraron a su vez siete premios Grammy, entre otros muchos galardones.
Aseguran Niños Mutantes que este disco es “malafollá tropical”, ellos que son de Granada saben lo que dicen, mitad buen rollo, mitad mala baba lírica. “Ventanas” es su undécimo trabajo tras un parón discográfico de tres años, que les ha permitido replantearse su música y su futuro, después de aquella crisis interna que sufrieron y que amanzó con acabar el proyecto y la banda. El nuevo álbum es menos guitarrero, sin distorsión. Es lo primero que llama la atención, después comprobamos que sus letras son igual de agudas que siempre. Vuelven presentando algunos cambios, se atreven incluso a acercarse al sonido tropical en “Un tiro en el pie” el synth pop psicodélico en "Una noche", los aires hawaianos en “Todo tiene un precio”... han trabajado nada menos que con cinco productores diferentes, así que esa variedad contribuye al nuevo sonido que llega con aires house y con apusta por el pop electrónico más melifluo. Los Niños mutan, ley de vida.
Fiona Apple es una compositora atormentada, ella habla con naturalidad de problemas mentales y depresión. Ocho años ha tardado en ponerse de nuevo ante un micrófono y lo hace de un modo crudo, sin tapujos. A sus 40 años se muestra desnuda para mostrarnos sus pensamienos más íntimos. Oficialmente el álbum va sobre “liberar la prisión en que te has recluido a ti mismo, cualquiera que sea, independientemente de que te hayas construido tú mismo dicha prisión o alguien te la haya construido alrededor y tú simplemente la hayas aceptado". Su canto es algo así como "libérate de esta situación y de todo aquello que no te guste”.
Muchas de las canciones, por tanto, apelan a la libertad, con una gran cantidad de letras tratando sobre el machismo de la sociedad, como en "Ladies" o en "Under the Table" donde relata una cena real en la que Apple no pudo morderse la lengua cuando un hombre dijo algo ofensivo. “No me callaré, no me callaré”, repite. Los juegos vocales están especialmente mimados, de nuevo con la colaboración de su hermana Maud, una cantante de cabaret. No faltan en este disco tampoco los toques de jazz, ya que Fiona es una confesa ademiradora de Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Toda esa variedad permite que este disco se convierta en una verdadera sorpresa, ya que nunca sabes por dónde va a derivar cada canción, así que forzadamente agudiza nuestros sentidos. Trece piezas que ayudan a remover conciencias, porque son viscerales y no dan tregua. Fiona es así, una mujer que nunca ha tenido reparos en contar la violación que sufrió a los 12 años cuando se disponía a entrar en su casa y decía en las entrevistas que ella no estaba avergonzada de hablar de ella porque ella no había hecho nada de lo que avergonzarse. La misma que no tiene pelos en la lengua al recibir un premio MTV y se atreve a decir que “el mundo es una mierda y no deberíais moldear vuestras vidas en función de lo que se considere que es guay”.
Los ocho miembros del grupo musical Sense Sal acaban de grabar lo que ellos llaman una "versión confinada" de su canción "Mira'm als ulls", con un vídeo registrado desde sus hogares y durante el estado de confinamiento por el coronavirus. Esta puesta en imágenes llega a la espera que el grupo pueda empezar la nueva gira de conciertos, inicialmente prevista para el mes de mayo y para la que tenían contrataciones en unos 30 escenarios, algunos de ellos de festivales como el Pirata Rock, el Bioritme y el Tingladu de Vilanova. La canción original "Mira'm als ulls" es un tema perteneciente al álbum de Sense Sal "Només tenim la veu", publicado inicialmente en 2017 y que contiene otras canciones como "Es aquesta nit" y "No t'esperaré".
Pésima semana para la música, en los últimos tres días han fallecido tres figuras significativas del mundo pop. Hoy hemos conocido la muerte de Little Richard, pionero del rock'n'roll, a los 87 años debido a un cáncer de huesos. Su música marcó una época y su grito de guerra ya es eterno: «A-wop-bop-a-loo-bop-a-wop-bam-boom». Uno de esos artistas cuya música influenció tanto y a tantos que no podríamos entender el pop y el rock de la segunda mitad de siglo XX sin él, su obra influenció a legiones de músicos, desde los años 50 cuano el rock and roll nace como una explosión de música de raíz negra expandida a todo el mundo por su portavoz oficial, el blanco y guapo Elvis Presley, quien versionó no pocas canciones del mismísimo Little Richard: 'Tutti frutti', 'Ready teddy', 'Long tall Sally', 'Rip it up'…
Entonces, Elvis convertía en oro todo lo que cantaba. Pero antes de él estaba Richard Penniman, miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll desde que se inauguró en 1986 y que exclamó en la ceremonia de los Grammy de 1988: «¡Soy el arquitecto del rock and roll! ¡Yo soy el creador!».
Estrella histriónica del rock durante siete décadas, predicador protestante, actor y politoxicómano, es famoso por canciones como "Tutti Frutti"," Good Golly Miss Molly", "Lucille", "Keep a Knockin" o "Long Tall Sally". Sus directos eran salvajes y no dejaban indiferentes, aporreaba el piano como un loco y echaba mano en sus letras de todo tipo de onomatopeyas. De pronto, con él el rock and roll se volvió loco y se inventó a sí mismo entre chillidos, caderazos, contorsiones y un boogie frenético. Esa deshinibición y un tupé salvaje dieron un nuevo sentido al mundo de la música e influyeron a innumerables artistas como Elvis, Beatles y Rolling Stones, Neil Young y David Bowie, Deep Purple, Motörhead, Bruce Springsteen o Loquillo.
Su salud, no era ningún secreto, venía empeorando desde que en 2013, coincidiendo con su 80 aniversario, anunció su retirada. Dedicado a su papel como predicador, casó a Cyndi Lauper, Bruce Willis y Demi Moore, el sátiro que exhibía sobre el escenario ademanes rechazados por las mentes bien pensantes se fue apagando. Se cierra así una de las páginas más importantes de la música. Un apunte, de los grandes pioneros del rock and roll de los años 50 solo sobrevive uno: Jerry Lee Lewis.
La nueva banda de Santander, Leona, lanza su primera canción, "Mi viaje", que sirve como adelanto de su disco. Lo hace con toda la ilusión del mundo, como una primera canción lo merece. A pesar de ser una formación nueva en el grupo militan cuatro músicos con amplia experiencia dentro de la música de Cantabria. Al frente está la cantante Esther San Román, ganadora del concurso Juvecant con su anterior grupo llamado Ixelles 1050. Como batería está Fernando Ruiz, compañero de Esther en Ixelles 1050, además de batería en los ya desaparecidos Somepeople y miembro actual de la banda Melopea. Al bajo está Gerar Lavín y a la guitarra Toño González, quienes comparten grupo desde hace más de diez años en Mi Pequeña Venganza, además de otros proyectos.
En esta primera grabación estará compuesta por cinco canciones que serán lanzadas de forma individual durante las próximas semanas, todas ellas acompañadas por un videoclip que se podrá ver a través de las redes sociales de la banda, @leonamusicband. El disco ha sido grabado por Juan Torre y Roberto San Millán en Live Estudio, mientras que las mezclas y la masterización son del productor Javier G.F. Escudero.
Vetusta Morla acaba de lanzar esta mañana la canción "Los abrazos prohibidos", un tema inédito que ha sido grabado con propósitos solidarios en la lucha contra el coronavirus y que ha contado con la participación de una larga lista de artistas como Joaquín Sabina, Leiva, Dani Martín, Christina Rosenvinge, Andrés Suárez, Depedro, Eva Amaral, Ismael Serrano, Iván Ferreiro, Kase.O, Luz Casal, Nacho Vegas, Rozalén, Santi Balmes (Love Of Lesbian), Xoel López, Alice Wonder, Maika Makovski, Marwan, así como Carlotta Cosials y Nina de Juan, vocalistas de los grupos Hinds y Morgan, respectivamente. La mezcla de "Los abrazos prohibidos" lleva la firma del afamado productor Carlos Raya, quien también se ha unido a la causa benéfica y a este homenaje a los trabajadores de la sanidad pública Según el grupo es una canción que nació como un sincero homenaje a los trabajadores de la sanidad por su "respeto y dignidad", no solo en esta crisis. El origen de esta canción parte de "El vals de los salvavidas", un poema colectivo de apoyo a la Sanidad Pública iniciado por Benjamín Prado y Elvira Sastre y que contaba con los versos de Andrea Valbuena, Andrés Suárez, Guille Galván, Irene G., Jorge Drexler, Leiva, Loreto Sesma, Marwan, Raquel Lanseros y Rozalén. La adaptación del poema al texto definitivo de la canción ha corrido a cargo de Benjamín Prado y Guille Galván. El vídeo, dirigido por Lek & Chap, está protagonizado por sanitarios y sanitarias reales, en representación de tantos otros que han inspirado este proyecto. Todos los beneficios que genere el single irán destinados a perpetuidad al Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) para ayudar a la investigación sobre el SARS-CoV-2 que ha causado la pandemia. La letra reza: "Por los ángeles de alas verdes de los quirófanos Por los ángeles de alas blancas del hospital Por los que hacen del verbo cuidar su bandera y tu casa Y luchan porque nadie muera en soledad Por esas centinelas que no duermen Para que el enfermo sueñe que va a despertar Sin temerle a su miedo y usando su piel como escudo Moviendo las camillas del peligro como un vals Por los que hacen del trabajo sucio La labor más hermosa del mundo Y pintan de azul la oscuridad Cada noche aplaudimos en los balcones La muerte huye con sus dragones Callamos al silencio un día más Nunca olvidaremos vuestro ejemplo Nunca olvidaremos la dedicación Nunca olvidaremos el esfuerzo Vuestro amor es nuestra inspiración Por los que nunca miran el reloj mientras curan Por los que hacen suyas las heridas de los demás Por los que merecen los abrazos prohibidos Y se meten contigo en la boca del lobo sin mirar atrás Por los que hacen del trabajo sucio La labor más hermosa del mundo Y pintan, y pintan de azul la oscuridad Cada noche aplaudimos en los balcones La muerte huye con sus dragones Callamos la boca al silencio un día más Porque ya os habéis ganado a pulso El aplauso más largo del mundo Respeto y dignidad Cada vez que salimos a los balcones El miedo huye con sus dragones Y callamos al silencio un día más Supervivientes sí, maldita sea Nunca me cansaré de celebrarlo"
Malas noticias para el mundo de la música, hay que sumar otra muerte más a la larga lista de víctimas de este año 2020, en esta ocasión la del músico británico Brian Anthony Howe, ex líder vocal de la banda Bad Company, quien ha muerto en su casa en Estados Unidos a los 66 años por problemas cardíacos, informaron ayer miembros de su familia. El artista, que se separó del grupo de rock en 1994, falleció como consecuencia de un paro cardíaco en su residencia en el estado de Florida, detalló posteriormente en un comunicado su representante, Paul Easton, quien lo describió como "un padre amoroso, un amigo y un ícono de la música".
Howe comenzó su carrera artística en 1984, cuando trabajó en el disco "Penetrator" de Ted Nugent. Sin embargo, se dio a conocer en todo el mundo un año más tarde cuando reemplazó a Paul Rodgers como el cantante y uno de los compositores de Bad Company, con los que editó cinco discos. Entre sus principales éxitos se destaca el álbum "Holy Water" (1990), que llegó al top 40 y alcanzó el estatus de platino. Fue el álbum más exitoso para el grupo, ayudado por la exitosa canción"If You Need Somebody". En 1994, Howe decidió lanzarse como solista y fue así como presentó sus tres últimos discos: "Tangled Blue", de 1997; "Circus Bar", de 2010; y "Hot Tin Roof", de 2017 y bajo su propio sello sello, Howe Records. Precisamente, ese último año el artista sufrió un infarto masivo, que le hizo suspender sus planes de una gira europea, que jamás se realizó, y le llevó a no publicar más música. En una entrevista con el diario Fort Myers News Press el año pasado, Howe admitió que la experiencia había sido "aterradora" y que por un tiempo se quedó prácticamente sin habla. Al comentar su experiencia musical, el artista dijo entonces: "Es fantástico ser aceptado con un tipo que puede escribir canciones que la gente disfruta. Nunca he podido superar que cuando salgo al escenario la gente se sabe la canción probablemente mejor que yo. Y eso es un regalo para un artista de cualquier estatura". Howe concluyó: "He tenido una vida muy loca y surreal, pero es increíble. Me ha fascinado".
El músico Florian Schneider, fundador de Kraftwerk, ha fallecido a los 73 años de edad debido a un cáncer. El músico y artista alemán está considerado un pionero de la música electrónica, junto a Ralf Hütter creó en los setenta, una de las bandas fundamentales que han sido inspiración para varias generaciones de artistas y aficionados. Según informaciones confirmadas también por el rotativo británico The Guardian, el músico alemán habría fallecido ya hace una semana a causa de un cáncer y enterrado en una ceremonia íntima, pero la familia no ha querido darlo a conocer hasta ayer. Nacido en 1947, Schneider dio sus primeros pasos en la escena de rock experimental llamada 'krautrock', una música innovadora que se situó al margen de las corrientes anglosajonas del rock y de las guitarras eléctricas, a través del grupo Organisation, junto a Ralf Hutter, con quien posteriormente formaría Kraftwerk en 1970. Debutaron en vivo dos años más tarde y como trío con Charly Weiss. Entonces lanzaron su propio sello discográfico, Kling Klang, que se convirtió en plataforma para grupos como el suyo. Después de tres álbumes con Hütter a mediados de los 70, Kraftwerk lanzó "Autobahn", uno de sus mayores éxitos, y la formación se expandió a un cuarteto. Con los sintetizadores como marca principal, durante seis años Kraftwerk publicaría cuatro álbumes que les situó como una de las bandas electrónicas más influyentes del siglo XX: "Radio-Activity" (1975), "Trans-Europe Express" (1977), con los años llegaría la sublimación de los humanoides con "The Man-Machine" (1978) y "Computer World" (1981). Han sido considerados precursores de la música experimental, primero, y se consolidaron luego como cumbre del dance y el pop con sintetizadores, aunque siempre con esa devoción por sonidos industriales, ruidos de planta metalúrgica y vibraciones disonantes Schneider trabajó en todos los álbumes de estudio del grupo. Después de su último trabajo hasta la fecha, las bandas sonoras del Tour de Francia en 2003, y un regreso a una gira, Schneider dejó el grupo en 2008. Los últimos años de su vida los ha dedicado a la síntesis vocal y a proyectos como "Stop Plastic Pollution", tema que presentó en 2015 junto a Dan Lacksman.
Kraftwerk, que significa Central Eléctrica, transformaron la música popular desde Düsseldorf , abrazando los sonidos procedentes de máquinas y elevando a los cielos a sintetizadores y robots. La electrónica tomo otra dimensión desde su irrupción en los setenta, lo que les llevó a actuar en museos como Tate Modern londinense, como en templos de la música tales como el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Su influencia en la historia de la música ha sido tremenda, sobre todo en la esfera de la música moderna que va desde Depeche Mode, OMD, New Order, Pet Shop Boys o el techno de Detroit y el house de Chicago. David Bowie le dedicó una composición electrónica, ‘V-2 Schneider’ (del álbum ‘Heroes’, 1977), atribuyéndole el poder colosal de un cohete V-2 como los utilizados en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial.
Nada más conocerse su fallecimiento infinidad de colegas han mostrado su pesar y condolencia, como Orchestral Manouvres in the Dark, Ultravox Jean-Michel Jarre, Nick Rhodes (Duran Duran), Gary Kemp (Spandau Ballet), o Thomas Dolby, o la de la estrella tecno Nina Kravitz.
Sin anuncio previo la semana pasada, The Rolling Stones lanzó un nuevo sencillo titulado “Living In A Ghost Town”, su primera canción nueva desde 2012fue creada y grabada en Los Ángeles y Londres. La canción fue lanzada junto con un nuevo video musical que se estrenó exclusivamente en YouTube y que ya tiene casi 5,5 millones de visitas hasta la fecha. "Viviendo en una ciudad fantasma" sería la traducción de este tema y en imágenes nos muestran lo que los ciudadanos de todo el mundo ven desde sus ventanas, al igual que en el clip de la pieza, pueblos, calles y ciudades fantasmas. "La vida era muy hermosa, y entonces nos tuvimos que encerrar. Me siento como un fantasma, viviendo en un pueblo fantasma", canta Mick Jagger en unos versos con evidentes referencias a la pandemia mundial que estamos sufriendo a causa de ala alerta sanitaria del coronavirus. En este videoclip se incluyen imágenes de siete ciudades en confinamiento
La legendaria banda de rock británica conMick Jagger, Keith Richards, Ronnie Wood y Charlie Watts, a la cabeza lleva activa casi 58 años, pero a pesar de los años transcurridos se niegan a tirar la toalla. Durante esta semana el canal de YouTube de The Rolling Stones ofrece una serie de conciertos inéditos para que sus fans lleve mejor el confinamiento y alentarles a quedarse en casa. Se trata de la primera vez que se encuentran disponibles estas actuaciones con algunos de los más memorables conciertos de la banda alrededor del mundo, en una serie semanal titulada "Extra Licks" , una iniciativa que se desarrolla dentro de la campaña #StayHome de YouTube. Los conciertos se ofrecen desde este domingo 3 de mayo y hasta el viernes en TheRolling Stones YouTube Channel y entre ellos se incluyen las actuaciones de Voodoo Lounge Tour de 1994 y el 2016 Latin America Ole!
El músico británico Dave Greenfield, teclista de la banda de punk-rock The Stranglers, ha fallecido a los 71 años por la COVID-19. El artista dio positivo por coronavirus recientemente, después de pasar una larga temporada ingresado en un hospital para recibir tratamiento por sus problemas cardiacos. El bajista de The Stranglers, Jean-Jacques Burnel, en un comunicado emitido por el grupo anunciaba: "En la noche del domingo 3 de mayo, mi gran amigo y compañero durante 45 años, el genio musical que era Greenfield, falleció como una de las víctimas de la Gran Pandemia de 2020".
La banda The Stranglers, formada en 1974 en la ciudad inglesa de Guildford, seguía en activo, pero se vio obligada a anunciar el pasado viernes la cancelación de su gira de despedida, prevista para este verano, debido a la pandemia de coronavirus. "Dave ha estado siempre presente desde que ingresó en el grupo a finales de 1975 y su magia con el teclado fue reconocida en todo el mundo durante sus 45 años de carrera con The Stranglers. Dave era un personaje adorable, afable y excéntrico que siempre tenía tiempo para charlar", han comentado sus compañeros.
Su batería, Jet Black, lamentó que ellos y "el mundo entero han perdido un amigo querido y un genio musical", autor, entre otros, del tema "Golden Brown", una de las canciones más famosas de The Stranglers. "Dave tenía un talento totalmente natural para la música. Juntos recorrimos el mundo sin cesar y estaba claro que le adoraban millones de personas. Un talento enorme, una gran pérdida, se le echará mucho de menos", recordó Black. El actual cantante y guitarrista, Baz Warne, también destacó la faceta de "verdadero innovador" y "leyenda musical" de Greenfield, cuyo virtuosismo e imaginación llevó a los críticos a compararle, por ejemplo, con el teclista de The Doors Ray Manzarek. "Compartimos el mismo lado del escenario durante 20 años, reímos, bromeamos y compartimos nuestras vidas de la manera que solo pueden hacerlo los compañeros de banda. Le echaré siempre de menos", agregó Warne. El representante del grupo, Sil Willcox, también envió un mensaje de condolencias a la esposa de Greenfield, Pam, y a los "millones de seguidores que le adoraron en su altar. Estamos todos en shock, Dave era un alma amable, generosa, que tenía tiempo para todo el mundo y ha sido un privilegio conocerlo tanto como amigo y como representante durante más de 40 años", dijo Willcox.
Los integrantes del dúo peruano Alejandro y María Laura han decidido "pasar la gorra" en plena crisis de la COVID-19. Forzados, como miles de músicos de todo el mundo, a quedarse en casa y suspender las presentaciones en directo, han decidido no resignarse y buscar una alternativa a la mala calidad de conciertos y festivales que han proliferado por las redes sociales, que ni satisfacen al público, ni demuestran el esfuerzo de los músicos. La idea surgió después de que los músicos participaran en hasta cuatro eventos en directo a través de la red durante las dos primeras semanas de encierro obligatorio, lo que les llevó a constatar "que un sistema así no es sustentable para los músicos, ni para la música ", porque no hay una plataforma ideal que tenga requisitos ideales para una buena calidad. La estabilidad de internet, el "lag" o las diferencias de banda ancha son algunos de los problemas que hacen frustrante la experiencia de los conciertos digitales, sin contar con lo más sensible para los artistas: el sonido.
Alejandro Rivas y María Laura Bustamante con su indie-folk han querido solventar ese problema para emitir un sonido limpio y en estéreo, que permita transmitir por distintos canales de audio las complejidades de la música, junto a Gian Pietro Lavado, ingeniero electrónico y músico aficionado, se pusieron a pensar en la solución de ese gran problema: "no es solo difundir, sino hacer que un solo vídeo viaje por todas las redes sociales, y potencialmente, por más redes... Y de ahí superar el reto de la monetización, hacer que sea rentable". "Transmitir con mala imagen, inestable, sin sonido decente que le haga justicia a lo que es un concierto, no es la opción. Y las plataformas que hay son complicadas y no están pensadas para la música, hacen que los músicos luchen para que quede bien. Cambiar eso es la idea", indica Alejandro. Ese concepto es el que ha llevado a Alejandro y María Laura a ofrecer un concierto en simultáneo por todas su redes sociales, basándose en una plataforma digital que hasta ahora había encontrado su nicho entre los "gamers" que graban y difunden sus partidas en el mundo digital. Para solucionar los problemas de sonido, la fortuna parece haber jugado de su lado con un micrófono de última tecnología que compraron en EE.UU. para el estudio de grabación que tienen en casa y que les llegó por correo una semana antes de la entrada en vigor de la cuarentena, un aparato que permite grabar dos canales en simultáneo y emular así un sonido estéreo. Ese concierto experimental se lanzó en abierto a todo el mundo porque en la situación actual "no nos convence para pedirle a la gente que pague una entrada. Potencialmente es muy interesante, porque permite flexibilidad, y porque hay gente que nos puede ver en todo el mundo. Mejorando la calidad online de los conciertos, nos acercamos a lo que la gente quiere ver y a la sensación de ir al concierto de la banda que me gusta", señalael músico.
