TALKING HEADS PREMIO GRAMMY

 

El grupo Talking Heads, entre otros, recibirán esta noche un premio en reconocimiento a su trayectoria artística en la edición de los Premios Grammy, que se celebrarán hoy 31 de enero. La institución que otorga los premios musicales destaca que con este galardón "el Premio Especial al Mérito nos da la posibilidad de premiar y reconocer la influencia que han tenido en la comunidad musical más allá del género", la banda que lideró David Byrne.  Harvey Mason Jr., presidente interino de la Academia de la grabación  indica en un comunicado:  "Como creador y amante de la música estoy agradecido de haber podido evaluar a los que nos han inspirado y su impacto en un año en el que la música nos ha ayudado a mantenernos unidos".
La Academia explicó que el conocido como The Lifetime Achievement Award (Premio a la Trayectoria Artística) celebra a artistas que han hecho "contribuciones destacadas de significado artístico en el campo de la grabación". En este sentido, el comunicado destacó la aportación del grupo Talking Heads, formado en la ciudad de Nueva York en 1975, fue uno de los pioneros de las fusiones musicales al crear su propio sonido con elementos de punk, rock, art pop, funk y ritmos de diversas partes del mundo. Estos reconocimientos se entregan en una ceremonia especial que se desarrolla durante la semana en que se celebran los Premios Grammy. Este año, no obstante, en el que la pandemia del coronavirus ha obligado a que muchas ceremonias y galas se posterguen o se celebren de forma virtual, la Academia aun no ha decidido como entregará los galardones en vista de las restricciones impuestas por la covid-19. 

JUAN PERRO "Cantos de ultramar",

 

Ya en el disco "El viaje", editado en 2016, Juan Perro  tuvo que grabar solo con voz y guitarra acústica, por cuestiones de reducir costes económicos. Ahora con "Cantos de ultramar" ha querido darles la vuelta a esas canciones, llegar a su germen y sacar una sonoridad que defina a la banda de Juan Perro como proyecto de futuro. Tras 4 años dándoles vueltas en conciertos, en el local de ensayo y en el estudio, escribiendo y reescribiendo preludios, interludios, metiendo vientos...Todo a pesar de que "no era el momento para alegrías" confiesa a sus sus 66 años Santiago Auserón (Zaragoza, 1954), el hombre al frente de este proyecto musical en torno a los palos de ida y vuelta con América. El noveno disco como Juan Perro no ha podido ver la luz antes, aunque estuviera masterizado desde el otoño de 2019, los orígenes de canciones como "Ámbar" o "A morir amores" se remonta mucho más atrás, al álbum que precedió a este, en el que se propuso hacer una demo más cuidada que las maquetas habituales. "Me di cuenta de que empezaban a sostenerse como una propuesta que se acercaba al terreno de las grabaciones callejeras de músicos de Nueva Orleans o de los primeros 'bluesmen' como Robert Johnson o Skip James, o incluso algunos de sus imitadores, como Dylan", indica que al final, lo que él pensaba que serían 30.000 euros de coste se fue mucho más allá. "Hemos tirado la casa por la ventana", Auserón se muestra aún reticente por unas prioridades comerciales que "no son tan permeables a la vibra de la calle como a comienzos de los años 80 con Radio Futura" y que en su opinión han llevado a la música española a convertirse en un "producto de invernadero, prefabricado y masivo, sin admitir apenas matices más allá de una sensiblería fingida". "Este disco no es una mercancía, es un proceso vital y de creación musical, una pequeña y humilde parte de la historia de España", señala sobre la génesis de "El viaje", un álbum en el que el Caribe, el jazz y la tradición se entremezclan.

HA MUERTO ARMANDO MANZANERO

El compositor, músico y productor de 86 años falleció ayer lunes tras varios días intubado por la covid-19 en un hospital de las afueras de Ciudad de México. Inmediatamente las redes sociales se han llenado de mensajes de cariño, tristeza y sorpresa por la pérdida del cantautor conocido como el rey del romanticismo. Dadas las circunstancias de su muerte se ha acordado que "no se llevará a cabo ningún acto funerario presencial, y se procederá a la cremación del cuerpo”. El Gobierno de México anunció que, cuando la pandemia del coronavirus lo permita, se celebrará un gran homenaje al cantante en Bellas Artes, lugar de despedida de los más grandes artistas que pasaron por el país, como José José, Juan Gabriel, Chavela Vargas o Gabriel García Márquez. La última aparición pública de Manzanero fue el 11 de diciembre pasado en su amada Mérida, capital de Yucatán, donde inauguró el Museo Casa Manzanero. Durante sus 70 años de carrera musical vendió millones de discos y compuso más de 600 canciones, de las cuales algunas fueron interpretadas por artistas de todo el mundo entre los que se encuentran Elvis Presley, Alejandro Fernández, Pancho Céspedes, Miguel Bosé, Omara Portuondo, Tony Bennett, Pablo Milanés, José José, Fito Páez o Christina Aguilera, entre muchos otros.  Asimismo, publicó más de 30 trabajos discográficos y en 2014, la academia de la grabación de Estados Unidos lo reconoció con el Grammy a la trayectoria artística, siendo el primer mexicano en recibir este reconocimiento. 

Estas son algunas de sus canciones más conocidas y por las que será recordado:
1.- "Adoro" (1965) "Adoro la calle en que nos vimos. La noche, cuando nos conocimos. Adoro, las cosas que me dices. Nuestros ratos felices. Los adoro, vida mía”. Con estos versos de la canción "Adoro" se ha despedido este lunes el presidente de México, Andrés Manuel López Obrador, del rey del romanticismo Armando Manzanero. Una de las canciones más exitosas de la carrera del yucateco, que compuso en su viaje de regreso a México, tras visitar Perú. Inspirada en el vals peruano y bajo la influencia de voces como Chabuca Granda y Augusto Polo Campos.  El primero en interpretar este éxito fue Carlos Lico, cantante mexicano que contaba con renombre en Latinoamérica, sin embargo, poco tiempo después el cantautor decidió grabarla en versión balada.  

2.- "Somos novios" (1950) Se trata de su primera composición, que surgió en una cuarentena por gripe antes de presentarse en Aguascalientes, en el centro de México. Una balada que habla del amor y la distancia.  “Somos novios. Pues, los dos sentimos mutuo amor profundo. Y con eso ya ganamos lo más grande de este mundo”, fueron versos que no solo cantó Manzanero, sino que también encumbrados cantantes como Luis Miguel y Elvis Presley interpretaron esta melodía. 

 3.- "Contigo aprendí" (1967) La canción favorita de Armando Manzanero. Él decía que con esta canción alcanzó la madurez como compositor. “Contigo aprendí, a ver la luz del otro lado de la luna. Contigo aprendí, que tu presencia no la cambio por ninguna…”, uno de los versos más profundos con los que confesó darse cuenta de que “el amor no es solo el gusto, sino cuando esa persona te impacta y te sacude”.  

4.- “Esta tarde vi llover” (1990) Elegida como la mejor canción latina de la historia, según el listado de las 50 mejores canciones de la música latina entre 1920 y 2015, elaborado por la revista estadounidense Billboard.

5.- "Por debajo de la mesa" (1997)  “No hay una mujer que no ame, que no le guste, que el hombre que ama la acaricie y la alague”, declaró Manzanero en 2015 al ser abordado por periodistas en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México donde habló de su canción que recientemente había sido interpretada por Luis Miguel. “Por debajo de la mesa, acaricio tu rodilla. Y bebo sorbo a sorbo tu mirada angelical. Y respiro de tu boca, esa flor de maravilla”, versaba. También cantó este tema a dúo con artistas como Tania Libertad y Susana Zabaleta. 

LOS ZIGARROS "Qué demonios hago yo aquí"

 

"Qué demonios hago yo aquí" es un extraño título para esta banda que ha editado ya tres discos de estudio, desde su debut en 2013, ha recorrido toda nuestra geografía con sus muchos conciertos y hasta ha teloneado a los mismísimos Rolling Stones, para abrir su último "show" en el Estadi Olímpic de Barcelona ante más de 50.000 personas. Los Zigarros se han llegado a erigir, por parte de algunos críticos, como la gran esperanza del rock en España. Los valencianos grabaron este disco el pasado mes de enero en una doble cita en el Teatro Circo Price de Madrid, junto a ellos estuvieron artistas de la talla de Carlos Tarque, Fito Cabrales, Leiva, Ariel Rot, Aurora García, Carlos Raya y Angel Wolf. "Nos preguntábamos cómo podía ser que estuvieran todos nuestros héroes de infancia tocando con nosotros" comentan los hermanos Ovidi y Álvaro Tormo: "Los álbumes en directo nos encantan y hay bandas que son muy de concierto. Nosotros creo que lo somos y que ganamos puntos extras sobre lo grabado". Los Zigarros plantearon un criterio para sus invitados y fue darle a cada uno el que mejor le iba de acuerdo con su gusto, pero aún así hubo sorpresas, como Aurora García al asumir "Dispárame" o Cabrales con "Voy a bailar encima de ti". Para un grupo tan marcado por el directo como ellos, estos meses de parón no han sido fáciles. Sobreviven porque tienen una banda de versiones y tocan "en bares, amenizando cenas", según nos confiesan. Últimamente, además, han conseguido volver a escribir canciones para el que será su cuarto disco de estudio.

EMINEM

Eminem ha querido sorprendernos estas navidades publicado sin previo aviso una reedición del álbum que ya lanzó a principios de este año, "Music To Be Murdered By", convertido ahora en un disco doble que incluye 16 temas nuevos. Uno de los que más comentarios ha suscitado es "Zeus", en el que el rapero pide perdón a Rihanna por una canción filtrada el pasado año en la que decía ponerse "del lado" de Chris Brown, condenado en 2009 por agredirla y proferir amenazas de muerte contra ella.  Se da la circunstancia de que Eminem colaboró en el pasado dos veces con la cantante de Barbados para crear dos de sus grandes éxitos, "Love The Way You Lie" y "The Monster", que tratan precisamente sobre relaciones tortuosas. Entre los cortes inéditos recogidos en este segundo volumen de "Music To Be Murdered By" aparecen colaboraciones nuevas junto a otras figuras del hip hop como Ty Dolla $ign ("Favorite Bitch") o el que es además el productor del trabajo, Dr. Dre ("Guns Blazing"). "El tío Alfred os escuchó pidiendo más... disfrutad esta cara B", publica en su perfil de Twitter el artista llamado en realidad Marshall Mathers y que abre y cierra su álbum con dos piezas a modo de introducción y epílogo tituladas precisamente así, "Alfred", en homenaje a Alfred Hitchcok. Junto con la reedición del disco, Eminem ha lanzado el videoclip de uno de los temas de estreno, "Gnat", que incluye referencias a la pandemia actual: "Dicen que estas barras son como covid/ Las obtienes desde el principio/ Infectado con SARS y corona/ Como si le hubieras dado un mordisco a eso (Maldita sea)". "Music To Be Murdered By" fue publicado originalmenteel 17 de enero de 2020 con un verso que ya generó polémica. "Estoy considerando gritar 'bombas fuera' en medio del juego, como si estuviese esperando fuera de un concierto de Ariana Grande", rapeaba en "Unaccommodating", alusión directa a Salman Ramadan Abedi, el terrorista suicida que atentó en Manchester en 2017. El undécimo trabajo de su discografía tomaba el relevo en el mercado a "Kamikaze" (2018) e incluía colaboraciones de Juice Wrld, Ed Sheeran, Skylar Grey, Anderson Paak y Q-Tip, entre otros.

LOS PLANETAS "Navidad de reserva"

 

Seguimos con canciones navideñas, que para eso estamos en fechas. Los Planetas nos sorprenden con esta "Navidad de reserva", una versión de la canción que en 2013 editaron El Mató a un Policía Motorizado, grupo con el que mantiene una excelente relación desde que el grupo granadino voló por primera vez a Argentina en 2008. En aquella gira coincidieron y ellos a su regreso se convirtieron en los mejores embajadores de la banda platenense. 
Aquí no acaba la cosa ya que los argentinos harán lo propio con un tema de los granadinos. Próximamente se editará un single contendrá los dos temas creados por las dos bandas. La portada que puedes ver en esta entrada ha sido diseñada por Javier Aramburu. Esta es la segunda canción que Los Planetas han editado en este complicado 2020, a mediados de año nos regalaron el tema “La nueva normalidad” que no podía ser más actual. Cierran este año tan convulso con un regalo para todos sus fans y para los fans del grupo argentino.

JOE CREPÚSCULO Y AINHOA ARTETA "Noche de unión"

 

Hoy es Nochebuena y era inevitable poner un villancico, el último que nos ha llegado es este "Noche de unión". Se trata de una colaboración, en principio impensable. Dos estilos tan diferentes como los de la soprano Ainhoa Arteta y el músico de synth-pop Joe Crepúsculo se han unido solidariamente para interpretar una particular versión de "Noche de Paz", para la ocasión titulada "Noche de unión", una canción cuyos beneficios irán destinados a Aldeas Infantiles SOS. Bajo el lema "un villancico diferente para una Navidad diferente", la música indie, la electrónica y la ópera no tienen por qué estar reñidos. Eso es, al menos, lo que piensan estos dos artistas, que, con su canción navideña, además de alegrar las fiestas ayudan a esta ONG. La recaudación íntegra que se genere con las reproducciones y los donativos directos serán para ayudar a los niños y las niñas en situación de vulnerabilidad. La versión del popular villancico cuenta con la reconocida voz de Arteta, que aporta la clave lírica en una composición electrónica a cargo de Crepúsculo, nombre artístico del músico catalán Joël Iriarte. 

ASH "Teenage Wilfide: 25 years of Ash"

Tengo que reconocer que siento debilidad por esta banda, siempre humildes y capaces de crear canciones con verdadera emoción. Los focos del éxito nunca les iluminaron como merecían, a pesar de que reunían suficientes méritos para que se fijaran en ellos.  El trío inglés debutó cuando aún eran unos adolescente y estaban en el instituto, aquel espíritu contestatario les ha llevado 25 años después a poder celebrar este aniversario, aún en activo y en plena forma. Este recopilatorio recoge sus grandes éxitos, repleto de hits de power vitaminado. Su cancionero es uno de los más completos del britpop y curiosamente mantiene intacta su frescura. El trío formado por Tim Wheeler (guitarra y voz), Mark Hamilton (bajo) y Rick McMurray (batería) son mucho más que cuatro hits por todos conocidos como "Girl From Mars", "A Life Less Ordinary", "Shining Light" y "Burn Baby Burn" canciones capaces de levantar el ánimo en cualquier momento. Ellos han sabido convertirse en una fuente inagotable de temas pegadizos de indie rock y punk pop.
"Teenage Wildlife: 25 Years Of Ash" en su versión estándar, de doble compacto, recoge 36 temas, espléndidos pero sin ningún orden, las canciones se han distribuido de forma aleatoria, sin respetar un rigor cronológico. Es la única pega que se le puede poner, ya que sí han acertado con los temas escogidos. Si pensamos en la cifra 36 temas puede parecer algo desmesurado, pero la verdad es que sus temas sólidos, con poderosas melodías, bien merecen este doble álbum. No es desproporcionado, desde el impresionante single debut “Jack Names The Planets” (1994) hasta su último hit “Buzz Kill” (2018). Los norirlandeses incluyen “Patrol” y “Uncle Pat”, igualmente extraídos de Trailer (94),“Kung Fu”, “Oh Yeah”, “Goldfinger” y, por supuesto, “Girl From Mars”, del disco "1977" (96), “Jesus Says” o “Numbskull” de "Nu-Clear Sounds" (98), “Shining Light” y “Burn Baby Burn”.de Free All Angels (01), las pegadizas “You Can’t Have It All”, “Cocoon” o “End Of The World”, procedentes de su trilogía menor "Meltdown" (04), "Twilight Of The Innocents" (07) y "Kablammo!" (15) Por el camino también quedó la serie A-Z (09), en la que la formación decidió publicar un nuevo single digital cada dos semanas y a lo largo de un año entero, acertando con composiciones como “Return Of White Rabbit”. Hace menos de dos años llegó el que hasta ahora es último disco de estudio del grupo, un "Islands" (18) bien recibido gracias a canciones como “Annabel” o “Confessions In The Pool”. Todas ellas y muchas más –como la magnífica “A Life Less Ordinary” grabada para la película Una Historia Diferente (97) de Danny Boyle– se incluyen en "Teenage Wildlife: 25 Years Of Ash". Además como gancho adicional el inédito “Darkest Hour Of The Night”. Así pues podemos disfrutar de un nuevo tema, además de sus 13 singles que fueron Top40 de singles en Gran Bretaña, Alemania, Escandinavia y medio mundo. También una increíble colección de rarezas donde destaca, entre muchas sorpresas, una versión de The Buzzcocks (“Everybody’s Happy Nowadays”) interpretada junto a Chris Martin de Coldplay.

Ash es un grupo imprescindible, si a alguien le quedan dudas de su importancia basta decir que ha sido la única banda cabeza de cartel dos noches, en el mismo año, en el llamado 'festival de festivales', el Festival de Glastonbury. Gracias a su magnífico directo y la gran conexión con el público de nuestro país se hicieron asiduos a Festimad. Ash llegaron a grabar un álbum, en España, en El Cortijo, en Ronda. En 1997, llenaron cinco noches consecutivas la Astoria Londinense. Robbie Williams y Manic Street Preachers fueron sus teloneros en 1998. Ash grabaron una película de terror “Slashed” donde aparecían Moby, Chis Martin, The Hives, The Vines, Dave Grohl o Neil Hannon. Y para sumar a su anecdotario sus componentes aparecieron en campañas de Calvin Klein.

TUCHO "Canciones desde El Sol"

"Tucho", fue el cantante de "Lex Makoto", ahora el artista salmantino está afincado en Madrid. Acaba de lanzar esta canción que es el adelanto de un  EP, titulado "Canciones desde El Sol", y en el que está acompañado de artistas como Iseo, Cris Méndez, Young Forest, Biuti Bambú y Luis Fercán. Se trata de un trabajo grabado en directo, sin público en la mítica sala "El Sol", cerrada desde el pasado 12 de marzo, de la que Tucho es uno de los socios y director de programación, completamente vacía para denunciar el "terrible" momento que atraviesan las salas de concierto debido a las restricciones por la pandemia y a la falta de apoyo al sector cultural, argumenta. "Las salas son fundamentales en el desarrollo cultural de un país y están abandonadas a su suerte", explica el artista, quien ha elegido su tema "Las Raíces" como adelanto y en el que se rodea de la banda "Young Forest", un trío de violín, mandolina y banjo, para llevar a esta canción al mundo del folk. Tucho, que en septiembre de 2019 publicó su primer disco en solitario, producido por Toni Brunet, se ha convertido en un habitual de los discos de Coque Malla, Quique González o Carmen Boza.

JOSÉ FELICIANO "FELIZ NAVIDAD"

 

José Feliciano ha entrado por primera vez en la lista recopilada por la prestigiosa organización Billboard de las 10 canciones más escuchadas de Estados Unidos, pero no por una canción nueva, sino gracias al tema “Feliz Navidad”, cincuenta años después de su lanzamiento. La famosa pieza, tema bilingüe del cantautor puertorriqueño ocupó el décimo lugar de la cotizada cartelera musical estadounidense, después de haber estado en el número 12 el año pasado y dentro de las 100 más populares en el país desde que salió al mercado en las navidades de 1970.
Según Billboard, el logro de “Feliz Navidad” viene impulsado por las celebraciones del medio siglo de su lanzamiento, que incluyeron la presentación de Feliciano en populares programas de televisión como “The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”, en la cadena NBC, y “CBS Sunday Morning”. Además, en asociación con Amazon Music LAT!N, el servicio de música latina del gigante de las ventas por internet, Feliciano sacó una nueva versión del tema, acompañado de 30 artistas. En la “Feliz Navidad” de 2020, el artista puertorriqueño está acompañado por las de los integrantes de CNCO, Shaggy, Jon Secada, Jason Mraz, Lin-Manuel Miranda, Rachael Ray, Gloria Gaynor, Big&Rich, Michael Bolton, Jencarlos Canela, Patricia Manterola, La India y Julio Iglesias Jr., entre otros. Sin embargo, fue la versión clásica la que logró colocar a Feliciano por segunda vez en las 10 más populares. Esta es la segunda vez que José Feliciano tiene una canción en el Top 10 de la lista de las HOT 100 canciones de Billboard. El artista lo había logrado en la semana del 3 agosto de 1968, cuando su versión de la canción de The Doors “Light My Fire” se colocó en el tercer lugar. El tema también fue reconocido este 2020 como una de las mejores canciones navideñas por la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores.

THE NEW RAEMON, DAVID CORDERO & MARC CLOS 'Lanzo Piedras Al Mar'

 

Este será un disco escrito a seis manos por The New Raemon, David Cordero & Marc Clos. De momento conocemos "Lanzo Piedras Al Mar", el primer adelanto del álbum "A los Que Nazcan Más Tarde". El disco se compuso y grabó simultáneamente en abril de 2020, durante el confinamiento. Cuenta la discográfica que los tres músicos completaron el álbum en tres semanas, así con un estricto método de trabajo compusieron diez hermosas canciones que tienen previstas publicar a principios de 2021.
Ramón, David y Marc irán adelantando algunas de esas canciones. "A los Que Nazcan Más Tarde" gira en torno a una misma idea, habla sobre la esperanza, cómo si se tratase de un poema digital. Todo el concepto lírico se mueve sobre la idea de no dejarse arrastrar por el pánico y la derrota personal. De mutuo acuerdo los tres autores han querido adelantar primero la canción que cerrará el álbum. "A Los Que Nazcan Más Tarde". Hay que recordar que Ramón Rodríguez fue miembro del grupo de culto Madee, arrancó su proyecto en solitario The New Raemon en 2007, entre su prolífica discografía (18 discos publicados desde 2002); por su parte David Cordero es uno de los nombres nacionales más importantes del genero “ambient” internacional. Desde 2012 Tras diluir su primera banda Úrsula edita trabajos para los sellos mas importantes del panorama internacional: Home Normal (Jpn), Archives (Esp), Plop (Jpn), Dronarivm ( Urss), Lontano Series ( De), Muzan Editions (Jpn), etc ... Colabora con bandas como McEnroe, Viento Smith (proyecto junto a Ricardo Lezón), Niño de Elche, Pumuky, Frank Rosaly, GAF, The New Raemon, Orthodox, etc… Tras su última gira por Japón, edita durante este 2020 cuatro álbumes para sellos internacionales y Marc Clos:  Percusionista y multiinstrumentista, se mueve entre la música clásica, el jazz, el rock y la música antigua, de hecho ha colaborado con Jordi Savall & Le Concert des Nations, Jaume Sisa, Nueva Vulcano, The New Raemon, Love of Lesbian, Standstill, Orquestra de Cambra del Teatre Lliure, Forma Antiqva, Orquesta Barroca Catalana, Orquesta de Cadaqués, Orquesta Simfónica del Vallés, entre muchos otros proyectos.

THE KILLS "Little Bastards"

Ya era hora, The Kills lanza un disco recopilatorio, pero atención no se trata de sus temas más exitosos, el dúo formado por Alison Mosshart y Jamie Hince han decidido recuperar un total de veinte temas procedentes en su mayoría de caras B de singles, alguna que otra toma en directo para la radio, versiones e incluso una pieza nueva presentada bajo el título de "Raise Me”. La carrera de esta banda irreductible, a lo largo de casi dos décadas, no ha sido fácil y su sonido áspero, directo y brutal, carente de revestimientos, no es tampoco nada comercial. Ni falta que les hace son originales e inimitables.

Tras cinco discos de estudio y un buen número de EP’s se han decidido a rescatar este material. Las canciones de "Little Bastards" van desde los primeros sencillos de 7" de la banda en 2002 hasta el 2009, justo antes de que la industria discográfica decidiera que no había hueco para el formato de single físico y decidieran matarlo. Todo el material ha sido remasterizado y esta es la primera vez que algunas de estas canciones están disponibles en vinilo por primera vez, así nos permiten descubrir algunas piezas que no se entienden que quedaran fuera de sus discos. La compilación incluye algunas canciones destacadas como: "Half of Us", "Weed Killer", Forty Four”, “I Put A Spell on You” y “Sugar Baby”. También efectivas tomas en directo de “Love Is A Deserter” para la emisora XFM, además de interesantes relecturas del “I Call It Art” de Serge Gainsbourg, “Forty Four” de Howlin ‘Wolfs, “I Put A Spell on You” de Screamin o  “Sugar Baby” de Dock Boggs.

El título del álbum  Little Bastard responde al apodo cariñoso que el dúo le puso a la caja de ritmos que permitió su existencia como banda de sólo dos integrantes durante la primera mitad de su carrera. “Era una Roland 880,” dice Jamie, “que estrictamente no es una caja de ritmos – es un secuenciador y una grabadora de ocho pistas con su propia caja de ritmos integrada, y con eso grabábamos todos nuestros beats.”. Su mezcla de indie-rock, garage, shoegaze y por supuesto dosis de blues les hace irresitibles.  Alison Mosshart y Jamie Hince forman un dúo inimitable que hace fluir la bunea química, si alguien les puso en duda esta colección no hará más que aplacar cualquier duda.

VARRY BRAVA "Hortera"

 

Varry Brava vuelven a Madrid, lo hacen casi un año después de su último concierto en Madrid, el que protagonizaron junto a Miss Caffeina en Ifema. Llegan con su flamante nuevo disco bajo el brazo "Hortera", cuyos temas sonarán este sábado en la sala La Riviera. El disco se puso a la venta en septiembre y cuneta ya con algunas canciones que se han convertido en verdaderos éxitos, como "Luces de Neón", "PlisDonGou", "Mi Mejor momento", "Loco" u "Hortera", que invitan a bailar con marcados sonidos de teclados y esa esencia de indie pop. El trío conformado por Oscar, Aarön y Vicente llevan más de una década en la música. Su primer hit "No gires" fue su tarjeta de presentación allá por 2012 y, desde entonces, no han dejado de presentar temas tan bailables como "Playa", perteneciente a su segundo álbum "Arriva" (2014) o "Salta", elegido en su momento para animar a la Selección Española.   La cita de presentación del disco en la sala La Riviera de Madrid tendrá lugar el próximo día 19 de diciembre a las 20:30 horas, y contará con dos tipos de entradas: pista y primera planta, garantizando así todas las medidas de seguridad oportunas. El concierto está patrocinado por Vibra Mahou y las entradas pueden comprarse en la plataforma Wegow.

La M.O.D.A "Ninguna ola"

 

Dos años ha empleado La Maravillosa Orquesta del Alcohol en el proceso de composición y grabación de su nuevo disco, "Ninguna ola", que viene acompañado de novedades en lo sonoro y en lo conceptual. Adelanta la banda  que su nuevo disco expresa lo que sienten "ante los cambios en la vida personal, en la sociedad y en el medio. Ante el movimiento constante y el paso del tiempo". Reconocen que este su sexto disco, en sus diez años de trayectoria, es el que mejor les representa. A ello no ha sido ajena la labor de Raül Refree, artífice de discos de Rosalía, Silvia Pérez Cruz, El Niño de Elche, Josele Santiago o Rodrigo Cuevas, entre otros. "Ha conseguido extraer lo máximo de nosotros recurriendo a los mínimos elementos", comenta su teclista, Jacobo Naya. El sentir común de la banda, manifestado desde su web, es que Refree les ha ayudado a transformar esos pensamientos en sonidos, abriéndose a nuevos caminos y formas de hacer música sin perder su identidad. Las diez canciones que componen "Ninguna ola" fueron grabadas entre Lisboa, Barcelona, Madrid y Andoain. El vocalista David Ruiz ha adquirido protagonismo, así como un sonido experimental denso, con letras quizá demasiado pretenciosas pos sus cargas filosóficas. El disco viene cargado de un ambiente pesadumbroso, los burgaleses han dado un giro y voluntariamente han deciddio no abrir la puerta a lo festivo, quizá marcados por estos tiempos oscuros de la pandemia que nos tocan vivir. Sí que podríamos decir que estamos ante el punto de inflexión más importante desde que decidieran abrazar el castellano dejando atrás el inglés de sus comienzos. Es un cambio en la trayectoria de La M.O.D.A, un cambio de rumbo. Tal vez como cantan en "Un bombo, una caja", aseguran:“No gustan canciones tristes porque hablan de gente que apartasteis”.

PINK FLOYD "Delicate sound of thunder"

 

Directo de 1988 con extras no incluidos en el original, entre los que destaca un descomunal "Welcome the machine". Todo acompañado por un DVD tanto tiempo descatalogado y ahora restaurado, que nos vuelve a confirmar que Pink Floyd siempre serán una de las grandes bandas del rock sinfónico. Este nuevo lanzamiento llega en formatos Blu-ray, DVD, 2CD, vinilo 3LP y edición deluxe de 4 discos con bonus tracks. En los distintos formatos, Delicate Sound Of Thunder recoge a la banda en un excelente momento. A pesar de que en aquelas fechas Pink Floyd estaba partida en dos, tras la espantada de Roger Waters, lo que supuso uno de los grandes divorcios en la historia del rock cuyos ecos siguen resonando más de tres décadas después. Parecía que su huida, cabeza creativa desde "The dark side of the moon" en adelante, parecía reducir a los floyds restantes en meros explotadores de la marca. Pero ¡sorpresa!, David Gilmour, el último en llegar, se erigió en nuevo líder. Aquel golpe de mando llevo al guitarrista a la supervivencia del grupo hasta nuestros días. Junto al baterista Nick Mason se pusieron a trabajar en el álbum multiplatino "A Momentary Lapse Of Reason", un éxito mundial que ocupó los primeros puestos de las listas de ventas, y que vio el regreso de Richard Wright a la banda, que se fue después de las sesiones para The Wall en 1979, Y, sobre todo, recuperó el épico sonido clásico de la banda frente a los devaneos experimentales y poco melódicos de "The final cut" que en 1983 propició la escisión y dejó un regusto amargo, para un grupo que llevaba funcionando desde 1967.
Lanzado originalmente en septiembre de 1987, "A Momentary Lapse Of Reason" fue rápidamente acogido por los fans de todo el mundo, que acudieron en masa para asistir a las fechas de la gira, que comenzó pocos días después del lanzamiento del álbum. Aquellos conciertos llegaron a congregar a  más de cuatro millones de fans durante más de dos años. Filmado en el Nassau Coliseum de Long Island en agosto de 1988 y dirigido por Wayne Isham, el lanzamiento en 2020 de Delicate Sound Of Thunder, nominado al premio Grammy, ha sido extraído de más de 100 latas de negativos originales de 35 mm, cuidadosamente restaurados y transferidos a 4K, editado por Benny Trickett a partir del metraje restaurado y actualizado, bajo la dirección creativa de Aubrey Powell.
Entre las incorporaciones figuran las cinco piezas de "A Momentary Lapse Of Reason" que se habían quedado fuera del corte: las dos partes de "A new machine, Terminal frost", la muy ambiental y apasionante "Signs of life" y la interesantísima "One slip". De esta manera, el decimotercer álbum en estudio de la banda queda reflejado de manera íntegra. Añadamos otros tres títulos clásicos, "On the run", "The great gig in the sky" y "Welcome to the machine". El reparto estelar de Pink Floyd para las fechas en vivo incluyó a Jon Carin (teclados, voz), Tim Renwick (guitarras, voz), Guy Pratt (bajo, voz), Gary Wallis (percusión), Scott Page (saxofones, guitarra), Margret Taylor (coros), Rachel Fury (coros) y Durga McBroom (coros). Hasta ocho músicos adicionales para que no faltase detalle en aquellos conciertos.
Junto con el clásico álbum grabado en directo y la película completa del concierto, ahora restaurada y reeditada a partir de la película original de 35 mm y mejorada con sonido envolvente 5.1, incluidas en la caja de The Later Years, todas las ediciones incluyen un libreto de 24 páginas con fotos. La caja deluxe de 4 discos incluye un libreto de 40 páginas con fotografías, un póster de la gira y postales. El triple vinilo de 180 gramos incluye 9 canciones adicionales no incluidas en el lanzamiento original, publicado en 1988, mientras que el doble CD incluye 8 grabaciones extra.

EDUARD INIESTA "Trajecte animal"

 

Es el décimo disco del compositor, guitarrista y cantante Eduard Iniesta, en "Trajecte animal" se adentra en el mundo del rock acompañado por su hermano, Xavier autor de las letras del disco, que porta voces y toca también la armónica. El batería Àlex Tenas (Jarabe de Palo), la bajista Cristina Membrive y el organista y pianista Gerard Nieto acompañan a Iniesta. La discográfica ha descrito el disco como un trabajo "maduro, directo y potente", en el que destacan las inflexiones narrativas, en muchos casos autobiográficas. Iniesta vira hacia un rock contundente y que pone acento en el sonido de su guitarra eléctrica Gibson. Un proyecto producido por él mismo y asistido por Dani Vega de Mishima, una propuesta intimista de apenas 40 minutos en los que nos habla de sueños, deseos y vivencias.

CHUBBY AND THE GANG "Speed Kills"

 

Al finalizar el año me gusta aventurar el nombre de algunas bandas que pueden ser una promesa en la nueva temporada, si hace unas semanas te recomendaba fervientemente a Tv Priest, déjame que ahora te hable de estos otros chicos también procedentes de Londres. Hacía años que las alcantarillas de la capital del Reino Unido no sonaban con tanta fuerza y brutalidad. La llegada de Chubby And The Gang ha sido como una explosión que está arrasando con su sonora onda expansiva. Este quinteto se dio a conocer hace poco menos de dos años y puede convertirse en una de las bandas de la temporada. liderada por ‘Chubby’ Charlie Manning-Walker y que surge de las cenizas de algunos grupos hardcore. El propio Charlie ha pasado por Violent Reaction, Arms Race o Crown Court y los otros tres miembros, Luke Austin, Ethan Stahl y Joe McMahon provienen de Gutter Knife, una banda de Brighton.  Juntos han perpetrado este tremendo disco donde mezclan hardcore y punk rock callejero, con doce temas sin respiro que apenas despachan en 26 minutos, canciones que son escupitajos de apenas dos minutos de duración. Ellos reivindican la música inglesa de los setenta, con un fuerte componente social y político, de aquellos pozos surgen para reclamar el cetro de la mugre y la furia de 1976.
"Speed Kills" fue editado a principios de año por un pequeño sello pero ahora por fin cuentan con una nueva edición a cargo de Partisan Records (casa entre otros de Idles y Fontaines D.C.) Poco respiro podemos encontrar a lo largo de las 13 canciones que conforman el álbum. Temas repletos de intensidad como "Pariah Radio", "Speed Kills","Can’t Tell Me Nothing" o "Moscow", pero también son capaces de sorprenderte con "Trouble (You Are Always On My Mind)", una canción de amor con un deslumbrante órgano Hammond.

BUNBURY "Curso de levitación intensivo"

Solo ha pasado medio año desde su último disco, "Posible", pero Enrique Bunbury publicaba el viernes un nuevo álbum, "Curso de levitación intensivo", que llega afectado por lo que ha sucedido en 2020.  "Decidí que el disco estuviera empapado de todo lo que estábamos viviendo", aseguraba en una rueda de prensa virtual, que se alargó más de una hora. El álbum llega influido, como su hermano de 2020 "Posible", por la combinación de sintetizadores y aromas electrónicos con su inconfundible sonido rock. Eso sí, las diez canciones que contine son pura crítica social. Así, canción a canción. Es una llamada a la reflexión porque, según cree, la sociedad está adormecida y poco inquieta ante la realidad. En este sentido, asegura que "es un disco que considero urgente, que necesitaba sacar, que pensaba que las canciones tenían que salir en 2020 porque hablan de una forma o resuenan de alguna manera con respecto a esto que nos ha ocurrido a todos". Confiesa que se metió en el estudio aconsejado por su manager para intentar dar a sus fans un álbum necesario y que de alguna forma pueda sustituir a la gira, que en tiempos de pandemia es impensable.
El álbum fue grabado tras la salida del confinamiento en La Casamurada, estudio bastante conocido situado en Tarragona, donde han grabado grandes grupos del indie español como Love of Lesbian, por cierto ha desvelado que ha colaborado en el disco que próximamente lanzarán los catalanes. La mezcla y mastering se ha realizado entre España y México. Entre las diez canciones del álbum, con más tonos sombríos que luminosos, figuran títulos con carga social como "N.O.M." (Nuevo Orden Mundial), "El día de mañana", "Tenías razón en todo", "El precio que hay que pagar" o "Malditos charlatanes", esta última sobre las redes sociales. Bunbury se siente defraudado porque los músicos no alerten y se hagan eco de la situciación de crisis cultural que vivimos, se sorprende de que "no haya más discos y más artistas hablando de estos momentos confusos y complicados. Me extraña mucho el silencio cultural que ha habido en 2020. Tengo mucha esperanza en que 2021 no sea así y que la gente empiece a hablar", indicó. Bunbury ya ha anunciado que el próximo 24 de enero de 2021 se emitirá en streaming un único concierto disponible para todo el mundo en el que se centrará principalmente en canciones de esta última etapa y más concretamente de estos dos últimos discos. El show no reparará en gastos y será un gran espectáculo de luces y sonido, un concierto de rock retransmitido en directo. Tras este concierto espera poder comenzar a planificar una gira si la situación sanitaria lo permite.

THROWING MUSES "Sun rackett"

 

Kristin Hersh es una de las voces más destacadas del rock alternativo, capaz de pasar de lo chirriante a los más delicado. Resulta reconfortante comprobar como treinta años después los Throwing Muses logran agitar con este "Sun rackett" que supone su décimo álbum. La nueva entrega llega siete años después de "Purgatory/ Paradise" y a diferencia de aquel álbum nítido y ambicioso presentado en forma de libro, con contenido multimedia, ahora vuelven con un tono sonoro rasposo, con un shoegaze nada cómodo. Ajenos a modas su música atemporal viene abanderada por esa poderosa mezcla de afiladas arquitecturas de guitarras y texturas oscuras que nos llevan por ambientes tormentosos. Un cancionero telúrico en el que la privilegiada voz de Kristin Hersh resulta impactante y a la vez impenetrable.

NACHO VEGAS "Oro, salitre y carbón"

El asturiano Nacho Vegas presenta“Oro, salitre y carbón”, doble álbum antológico que combina rarezas, piezas en directo y cinco temas inéditos, en total veintiséis canciones. El título de este trabajo procede de un verso de Violeta Parra que figuraba en “Arriba quemando el sol”, canción de la chilena en la que denunciaba las condiciones laborales de los mineros de La Pampa. Nacho lo ha tomado porque para él tiene un significado que va más allá: “Aunque este tema rinde tributo de algún modo a esa parte de la clase obrera, no es una canción política en sí misma. Es una canción sobre la negrura de la vida”.
El cantautor asturiano es un hombre de perfil atormentado y este trabajo ahonda en la idea con esa caja sobria y negrísima que envuelve el disco o en la inédita "Fabulación" donde no se muerde la lengua para criticar los avatares políticos e ideológicos de este tortuosos año 2020 que estamos a punto de despedir, donde los embaucadores siguen “tejiendo como arañas la unidad de España”. Nacho Vegas tiene la virtud de ser incómodo, un artista que ha demostrado su compromiso social, desde hace ya dos décadas cuando publicó su atrevido debut, aquel "Actos inexplicables" (2001), con el que el cantautor convulsiono el indie patrio.
"Oro, salitre y carbón", es un sabroso recopilatorio con abundante material para todos los públicos. Aquí se incluyen todos los cortes de "Cómo hacer crac" (2011) y el EP "Canciones populistas" (2015), al completo, su período más comprometido políticamente, además del tema antifascista “A les rexes de la cárcel”, rindiendo homenaje a todas las personas perseguidas por hacer activismo político, y las caras B de “La gran broma final”, con “Me lo dijo un ángel”, inspirado en la obra del poeta Ángel González y que, como dice el propio autor, “habla de la vida, de coger la cultura popular para encontrar pistas emocionantes de lo que está ocurriendo, para quitarnos de encima el desconcierto”. y “Actores poco memorables” (“Reality”). También encontrarás la versión asturiana de la emocionante “Lluz d’agostu en Xixón” o la escrita en 2018 para celebrar el vigésimo aniversario de Ecologistas en Acción,  (“No me voy a Marte”) o para el disco infantil Bestiariu II en el que aportó “Hipopótamu Llambionótamu”, hasta el momento su única canción infantil grabada junto al coru Al altu la lleva. Destacan igualmente las tomas en directo de esa declaración de amor que es “Brujita”, el guiño al Nick Cave más descarado en “La última atrocidad” junto a Cristina Martínez o esa emocionante  “La pena o la nada”. Aunque lo más jugoso para sus fans llega con los seis temas inéditos que contiene, empezando con la instrumental “Oro Salitre y Carbón” , siguiendo con los aires tradicionales de “El Carmín de la Pola”, en adaptación pop, o el personal tinte folk de “El ruido y las estrellas”, con letras empapadas del dulce veneno de amores perdidos. Atención a la versión con estallidos de distorsiones en clave The Velvet Underground del “Arriba quemando el sol” de Violeta Parra o esa oda al ansiolítico en “Lyrica”. Más recientes y rompedores suenan las dos canciones elegidas para cerrar el disco, grabaciones en vivo rescatadas del fin de gira “Violética”, el pasado enero en el Circo Price: “La última atrocidad” junto a Cristina Martínez (El Columpio Asesino) y “La pena y la nada”, una pieza que rezuma una tristeza infinita.  

NICK CAVE “Idiot Prayer: Nick Cave Alone At Alexandra Palace”

Pocos artistas han conseguido a lo largo de los últimos años el respeto y la admiración de su gremio como el australiano Nick Cave, autor torturado de un legado indiscutible, quien ha sido capaz de mostrar su lado más salvaje desde finales de los setenta con The Birthday Party, para evolucionar después y ofrecer su personalidad más sensible en los últimos tiempos, marcada por el fallecimiento de su hijo Arthur Cave a los quince años de edad, bajos los efectos del ácido lisérgico. “Idiot Prayer: Nick Cave Alone At Alexandra Palace” recoge el concierto que ofreció en streaming el pasado 23 de julio desde el Alexandra Palace londinense, sin presencia de otros músicos, ni público, con la única compañía de un piano de cola. En estas circunstancias la grabación se convierte, en su desnudez, en un desgarrador relato de dolor contenido, de una lírica monstruosa que golpea nuestros sentimientos como si fueran un saco de boxeo. Brutal y arrebatador. Su cavernosa voz y las notas que surgen del piano convierten este disco en una de sus obras más líricas. Una interpretación durante la que se llega a escuchar la respiración del músico, en un realismo extremo que estremece al oyente y vuelve a revelar esa capacidad redentora que poseen las canciones firmadas por Nick Cave. Aquí suenan solemnes, tanto que inevitablemente, te dejas mecer y sin ser consciente cerrarás los ojos para comulgar con esta experiencia casi mística por el que se van desgranando canciones tan sublimes como: "Spinning Song”, “He Wants You”, las obligadas “Jubilee Street”, “The Mercy Seat” o “Into My Arms”, la inédita “Euthanasia”, “Papa Won’t Leave You, Henry”, la propia “Idiot Prayer”, “Girl In Amber” o una “Waiting For You” sumamente conmovedora, hasta llegar al epílogo final concretado en “Galleon Ship”. Intensidad incandescente y emotiva a lo largo de veintidós piezas. Toda esa tristeza y belleza a la vez nos ayudará a sobrellevar estos tiempos tan difíciles. Regálatelo aunque sea como terapia.

ESCUELAS PÍAS "Plantas de exterior"

 

El grupo sevillano, compuesto por Cristian Bohórquez y Davis Rodríguez, regresa con una nueva colección de cuatro canciones tras su aclamado segundo LP "Música ligera para un funeral". Este trabajo nos muestra un cambio hace un sonido más grandilocuente y sofisticado, en la que apuestan por una producción más orquestal, en la que no abandonan su tono intimista. "Plantas de exterior" es el primer avance de un conjunto de cuatro EPS que se publicarán en los próximos meses y que culminará en un larga duración, que se publicará en 2021. Un ambicioso proyecto, de momento impredecible, que sus creadores se plantean como un laboratorio de ideas, donde irán desarrollando su pop surrealista. El nuevo Ep se ha grabado en los Estudios La Mina bajo la dirección de Raúl Pérez y la portada del EP es obra del ilustrador Cristian Pineda, uno de los creadores más relevantes de la escena alternativa andaluza.

THE SMASHING PUMPKINS "Cyr"

 Por mucho que nos quiera hacer creer Billy Corgan "Cyr", no es ni mucho menos un nuevo "Mellon collie and the infinite sadness". Sí que es un doble disco y es verdad que tocan otra vez la batería Jimmy Chamberleain y el guitarrista James Iha, hasta hay llegan las similitudes. Lamentablemente The Smashing Pumpkins ya no son capaces de mantener aquella arrebatadora personalidad artística que desplegaban hace 20 años. Los de Chicago fueron muy grandes, así que este trabajo solo puede llevar a la decepción, nada queda de aquella contundencia y creatividad que desplegaron, ahora solo se mueven por melodias sintéticas insulsas, donde los sintetizadores han gando protagonismo a las guitarras. El ego desmedido de Billy Corgan tiene mucho que ver en este giro hacia el pop y esa falta de intensidad porque este disco doble que contiene veinte canciones se expande en exceso, sin grandes alegrías. Se pueden salvar de la quema algunas piezas como “The Colour Of Love”, la efectiva “Cyr” que da título al disco, la curiosa, “Ramona”, “Wyttch” con esa contundente línea de bajo, la tierna “Birch Grove”, y también “Save Your Tears”, poco más se puede destacar del lote. Mejor hubiera sido acortar el disco y desechar gran parte del material incluido en este innecesario doble disco. No "Cyr" no se acerca ni por asomo a obras magnas como "Gish" (Virgin, 91), "Siamese Dream" (Virgin, 93), el mencionado "Mellon Collie And The Infinite Sadness" (Virgin, 95) o "Adore" (Virgin, 98), Si quieres disfrutar de buenas vibraciones y emoción tendrás que pinchar de nuevo esos discos.

THE BURNS "Daddy Xmas"

 

Vamos con canciones navideñas creadas en nuestro país. El grupo donostiarra The Burns lanzaba a principios de diciembre este single navideño, titulado "Daddy Xmas", que además es el adelanto del que promete ser su nuevo álbum, previsto para principios del próximo año, un 2021 que todos esperamos esperanzados. Precisamente The Burns también se ha visto afectado por la falta de conciertos, ante el parón obligado por la pandemia del covid han aprovechado por reunirse más en la sala de ensayos y trabajar en este nuevo álbum. El grupo donostiarra lleva en el mundo del garaje rock desde 2015, se les ha ocurrido crear un tema navideño para hacer "algo especial en este año tan raro". Es una canción a la vez melancólica y eufórica, que "trata de lo efímero de la vida familiar y cómo queda salpicada por momentos que parecen sonar para siempre".  indica la banda, que quiere invitarnos a bailar "sin ataduras en el salón para disfrutar de una Feliz Navidad". ¡Que así sea! Cuidaros mucho, al final saldremos de esta.

GORILLAZ "Song Machine Live"

 

"Song Machine Live" será la primera actuación en directo de Gorillaz desde 2018, contará con tres espectáculos virtuales en tres zonas horarias diferentes que tendrán lugar los días 12 y 13 de diciembre.  Será la oportunidad de ver de nuevo en concierto al guitarrista Noodle, al bajista Murdoc Niccals, al batería Russel y al líder 2D, a los que se unen Damon Albarn y la banda completa de Gorillaz, en este evento planetario que contará además con una selección de artistas invitados. Las entradas para el concierto, que para Europa y Africa está previsto para el domingo 13 de diciembre a las 20 horas, ya están disponibles en https://gorillazlivenow.com/ para disfrutar de una cita que la banda califica como un "regalo adelantado de Navidad" para sus fans. Y es que, aseguran Gorillaz, "este año hemos sido buenos, pero ha sido una mierda".
Gorillaz pretende entrar con adrenalina en las postrimerías del 2020. Cualquiera que haya visto a Gorillaz en las giras 'Humanz' y 'The Now Now' sabrá qué esperar. Prometen que habrá un espectáculo visual impresionante, vibraciones positivas, artistas invitados y, por supuesto, el bueno de Damon acaparando toda la atención, como siempre. Ah, y recuerda, si te lo pierdes, nunca volverás a ver este Song Machine en ninguna otra parte.

LEIVA "Madrid nuclear"

"Madrid Nuclear" es el disco en directo que Leiva grabó en diciembre de 2019 en el multitudinario Wizink Center de la capital, ese álbum puesto a la venta el viernes 20 de noviembre se ha convertido en un superventas, en el número 1 según informa Promusicae, desbancando al anterior rey de la lista, "Power up" de AC/DC y superando al ciclón surcoreano de BTS. "Madrid Nuclear" recoge un concierto que en su día se planteó como un evento único ya que era el más multitudinario de su carrera y, tras la pandemia, es también su última actuación hasta la fecha. Dadas las circunstancias decidió compartirlo con su público para que todos aquellos que no pudieron ir disfruten del directo del artista y para que quienes sí acudieron tengan un recuerdo inolvidable. Estará disponible en formato de triple CD o triple Vinilo. Todas las canciones del concierto en CD o LP, otro CD o LP con el single “Mi pequeño Chernóbil”, un DVD con el concierto integro, dos pósters y una púa de su merchandising. Leiva ha sido uno de esos artistas que no se han quedado quieto durante la pandemia, de hecho, hace poco salió su tema “Nunca debiste cruzar el Mississippi” para la banda sonora de la serie televisiva de “Veneno”. 

FALLECE ÁNGEL RUÍZ, GUITARRISTA DE LOS SUAVES

 

Angel Ruiz Cabeza, exguitarrista del grupo Los Suaves, ha fallecido este jueves en la localidad malagueña de Benalmádena, donde residía desde hace más de 30 años.   Formó parte de la banda gallega en los comienzos de su andadura allá por los años 80, hasta su traslado profesional a tierras andaluzas en 1984. Formó parte de la grabación del LP 'Esta vida me va a matar' y fue telonero de los míticos Ramones en un concierto en Madrid, según ha recordado su familia.   Angel Ruiz Cabeza seguía manteniendo contacto directo con miembros de Los Suaves e, incluso, fue invitado a participar en el concierto de cierre de la 'Gira de los 1000 conciertos' en Ourense en 2013.  

TEXAS "Hi"

Texas se resiste a retirarse, así que sorprende sin previo aviso con este el tema "Hi", que presentan como el anuncio de su próximo disco de estudio, aún sin fecha de publicación, y que les ha llevado a reencontrarse con la veterana formación de hip hop Wu-Tang Clan. Fue en el año 1998 cuando colaboraron por primera vez con la remezcla del clásico "Say What You Want" de Texas que presentaron ese mismo año en los Brit Awards y que cerró el recopilatorio que Sharleen Spiteri. Volvieron a reencontrarse con RZA en Glasgow el pasaño año para el rodaje de un documental en el que recordaron aquella colaboración y, según cuenta  aquello dio pie a repetir el reencuentro con un nuevo tema. Considerados una de las grandes influencias del hip hop, con álbumes emblemáticos como "Enter The Wu-Tang (36 Chambers)" (1993), su buena experiencia en común les ha llevado a volver a reencontrarse. Texas tenía ganas, es cierto que su último trabajo hasta la fecha es "Jump On Board". El grupo inició su carrera en 1989 con "Southside", que incluía el éxito "I Don't Want a Lover". Desde entonces, ha despachado más de 30 millones de copias de sus once discos, entre los que cabe destacar "White on Blonde" (1997) y "The hush" (1999), con otros clásicos de su producción como "Black Eyed Boy", "In our lifetime" o "Summer son".

XOEL LÓPEZ "Si mi rayo te alcanzara"

Se trata del cuarto álbum firmado como Xoel López (A Coruña, 1977), tras defenestrar a su anterior identidad, Deluxe: “Este disco, por muchos motivos, lo considero el comienzo de algo nuevo, aunque inevitablemente sea continuista en algunos puntos, pero la composición nace de otro punto”, subraya el artista. Es el primero tras la trilogía que conformó su viaje y vuelta de Latinoamérica, como un puente entre el folclore de las dos orillas: "Atlántico" (2012), "Paramales" (2015) y "Sueños y pan" (2017). Además es la primera vez que comparte composición, en su más de 20 años, con su amigo David Quizán que le prestó versos y melodías prácticamente para la completar la mitad del disco. Incluso ha renunciado a coproducir para dejarlo todo en manos de alguien con quien nunca había colaborado hasta el momento, Carles Campi Campón, quien venía de trabajar con Jorge Drexler y Vetusta Morla. De hecho, solo había una premisa: “Quería escasa presencia de la guitarra, porque no me sentía en mi mejor momento de relación con ese instrumento”.

El decimoquinto álbum de la carrera de Xoel López estaba compuesto el año pasado, pero el coronavirus lo paralizó todo: "Estábamos a mitad de grabación cuando, de súbito, tuvimos que dejarlo todo e irnos para casa", recuerda el músico. "Es un disco coral, festivo y de banda grande. Un disco que, de alguna manera es un último retrato de cuando éramos felices". El resultado es un disco de pop festivo, que bebe de otros sitios, que no es como lo era Deluxe. "Nunca había llegado tan lejos ni había hecho una canción tan cachonda como Tigre de Bengala. Y al mismo tiempo tampoco nunca había hecho una canción tan melancólica como Joana", asegura. "Si mi rayo te alcanzara", frase que da título al disco, marca el comienzo de una nueva etapa en la trayectoria del músico coruñés.

THE CRIBS "Night Network"

The Cribs es una banda británica que ha conseguido a lo largo de sus quince años de carrera una excelsa madurez como formación de indie pop-rock de guitarras, que les ha convertido en unos clásicos modernos. El grupo de los hermanos Gary, Ross y Ryan Jarman regresa a escena con el que es su octavo disco de estudio, con un sonido reconocible y una fórmula que no presenta novedades. Eso sí incluyen espléndidas canciones como: “Never Thought I’d Feel Again”, “Runnin Into You” o “I Don’t Know Who I Am” (con la colaboración del ex Sonic Youth Lee Ranaldo).

Los de Yorkshire siguen aferrados a esas guitarras ensordecedoras, estribillos pegadizos y el tono épico de sus melodías, de este modo consiguen con soltura no pasar de moda. "Night Network" ha sido grabado en los estudios de Dave Grohl, Studio 606, líder de Foo Fighters, en Los Ángeles durante el verano de 2019:  "Es un estudio increíble, que ellos han establecido donde antiguamente estaba el estudio de ABBA, por lo que la sala para grabación en vivo y la sala de control tienen un ambiente muy de los setentas. El resto del edificio es, básicamente, el club house de los Foo Fighters, por lo que es una atmósfera maravillosa, y también es un poco un museo, lo cual es genial para los niños que crecieron con Nirvana, como lo hicimos nosotros", asegura la banda.

Aseguran que Dave Grohl les ayudo a seguir adelante y luchar por su música, su invitacióin llegó en un momento decisivo, pues atravesaban una mala situación. Cambiaron de sello discográfico, tras casi perder todo el derecho de sus primeros trabajos, al expirar su contrato con Witchita Recordings, quienes vendieron el catálogo de The Cribs a dos sellos multinacionales, sin el permiso de los músicos. Este nuevo álbum se edita a través de PIAS y lo hacen tras su disputa judicial por culpa de su anterior casa discográfica, de quienes se sienten traicionados y muy dolidos.

ANDRÉS CALAMARO y JULIO IGLESIAS "Bohemio"

 

Andrés Calamaro y Julio Iglesias participan por primera vez en este dueto que acaban de estrenar,  una colaboración única en la que los dos famosos intérpretes versionan "Bohemio", la canción que dio nombre al disco que el argentino lanzó en el año 2013. El álbum que lo contenía era el decimotercero en la trayectoria de Calamaro y, lanzado como "un pequeño disco que quiere ser un gran disco para la Humanidad", llegó a colocarse en el primer puesto de la lista de los 50 mejores trabajos de 2013, según la revista Rolling Stone Argentina.
Además de por la sorprendente e inesperada asociación entre estos artistas, el dueto supone la vuelta a la actualidad musical del músico español más internacional de todos los tiempos, tras la publicación en 2015 de "México", un álbum de canciones sobre el país azteca que supuso su despedida de los estudios de grabación. Julio Iglesias cumplió en 2018 dos importantes aniversarios: sus 75 años de edad y medio siglo de trayectoria musical desde su victoria en el Festival de Benidorm, pero la falta de grandes celebraciones o eventos que lo conmemorasen, unido a sus problemas de salud, hicieron pensar que un posible retiro estaba cerca. El pasado mes de junio, sin embargo, en una entrevista con Efe, el artista latino declaró: "Me quedan muchas espinas clavadas y muchos sueños por cumplir, pero todo inconfesable". Hace unos días también Raphael barajaba la posibilidad de poder hacer un dueto con Julio: "No sé por qué no se ha hecho nunca ese dúo. Hay que tener en cuenta que él vive allá y yo acá, pero cualquier día se puede dar", vaticina el artista, quien añade: "Mi relación con Julio Iglesias ha sido siempre fenomenal. Es un caballero, un señor estupendo y muy buen artista". Lo comentaba en la presentación de su último trabajo, precisamente de duetos, al que ha titulado "6.0". 

JAMIE CULLUM "The Pianoman in Christmas"

 

Llega diciembre y la Navidad, parece que este año hay más ganas que nunca a consecuencia de la pandemia impuesta por el coronavirus. "The Pianoman in Christmas" es el primer disco navideño de Jamie Cullum (Essex, 1979), aunque hay que contar que lo concibió la pasada primavera. Por entonces tenía algunas notas guardadas en un cuaderno, así que se puso frente al piano y así brotaron esgtas diez canciones completamente originales grabadas como los grandes del jazz y del swing, con una big band de 57 músicos. La idea de grabar un disco festivo le empezó a rondar por primera vez hace dos años. Además, tanto él como su mujer, la modelo y escritora Sophie Dahl, se declaran grandes admiradores de lo hecho en este área musical por Sufjan Stevens, "Songs For Christmas" (2006) y "Silver & Gold" (2012). A ello, se sumó la colaboración que el año pasado realizó para Robbie Williams en el tema "Merry Xmas Everybody". "Fue muy divertido, así que pensé: 'Podría grabarlo en 2020 y publicarlo en 2021'. Entonces llegó el coronavirus y toda la gira que tenía planteada para este año se canceló, por lo que decidí invertir el tiempo en adelantar este álbum", explica Cullum. En el primer confinamiento en Reino Unido, entre los meses de marzo y abril, dedicaba las mañanas íntegras a las clases de sus hijos y las tardes a garabatear estas nuevas canciones.  "Me sentaba al piano en pantalones cortos, sin ningún tipo de aparato tecnológico, ni siquiera micrófonos. Éramos solo el piano, un cuaderno, mis ideas y yo", explica para justificar el título del álbum. La tarea no era sencilla. "Las canciones navideñas son un reto: hay que escribirlas con mucho cuidado, porque tienen una fórmula y un sentimiento concretos, cierto componente clásico y un ambiente familiar", subraya el músico, que ve "Hang Your Lights", uno de sus sencillos, como una mezcla de Ray Charles y el "groove" de Louis Prima. El riesgo en estos casos siempre es caer en lo naif, pero intentó ir más allá con "cierta osadía en los arreglos y en las estructuras", con temas como "Turn On The Lights", en el que intentó conjugar "el pop orquestal de George Martin y los Beatles con la pegada rock de Arcade Fire". Con todo, predomina la influencia de "los grandes maestros del jazz de la tradición americana y su cancionero": George Gerschwin, Cole Porter, Nat King Cole, Tony Bennett...   Cullum recurrió a los célebres estudios de Abbey Road y, en busca de un sonido exhuberante y  grabó con una "big band" de 57 músicos salvando las distancias marcadas por la covid-19. Lo hizo en solo cinco días... en pleno verano. "Escribí estas canciones para que perduren e intenté hacerlas muy atemporales. Creo que en este contexto extraño de ahora pueden emocionar a muchas personas, pero espero que con los años sigan teniendo sentido para el que las escuche", admite Cullum en lo que podría considerar un deseo de Navidad. 

PAULA VALLS "Es Nadal"

 

"Es Nadal" ("Es Navidad") es la canción que el ayuntamiento de Barcelona ha encargado a Paula Valls para amenizar esta campaña navideña, una iniciativa que es la primera vez que se lleva a cabo. de este modo Barcelona contará por primera vez con su propia canción de Navidad. Se trata, efectivamente de un tema emotivo, moderno, lleno de esperanza con el que la Ciudad Condal quiere felicitar unas fiestas navideñas muy especiales, marcadas por la pandemida, aunque muestra la voluntad de transmitir ese optimismo e ilusión que comparte con las canciones tradicionales de Navidad.  La cantante y compositora Paula Valls habla del día a día en el que lo peor ha pasado y de que a pesar de todo la ciudad está bien viva. "Esta canción quiere acompañar a todos en esta Navidad tan complicada. Quiere celebrar un poco la Navidad metiéndose en casa de la gente y poder celebrarlo. La música al final es una herramienta que nos acerca a todos”, destaca la cantante, una intérprete de música soul que nos tiene acostumbrados a oírla principalmente en inglés. Barcelona inicia así un nuevo proyecto de larga duración con la perspectiva que cada año una voz musical creativa de la ciudad componga una canción de Navidad para la ciudad. La artista interpretará en directo esta canción en la Plaza Catalunya los días 26 y 29 de diciembre.

THE NATIONAL REEDITA SUS TRES PRIMEROS DISCOS

 

The National es una de las bandas más importantes de nuestro tiempo. Comandados por la personal voz de Matt Berninger, se unen a él dos parejas de hermanos; los Dessner, Aaron and Bryce, que tocan la guitarra y el piano; y los Davendorf, Scott and Bryan, que tocan el bajo y la batería respectivamente. Todos son amigos de Cincinnati (Ohio) y en 1999 decidieron juntarse para componer algo de música. Desde entonces, los muchachos de Ohio han llevado una carrera impecable hasta que se han convertido en una formación reconocida y admirada. Para celebrar el 20º aniversario de su debut autotitulado, The National está reeditando ese álbum, de ardiente indie americano, junto con otros dos lanzamientos: "Sad Songs For Dirty Lovers" (2003) y su Ep "Cherry Tree" (2004), los trabajos que preceden a su "Alligator", el disco que les catapultó al éxito másivo. El sello 4AD los reeditarán remasterizados a partir de las cintas origínales, y nada más y nada menos que en los estudios Abbey Road. Estos tres discos se pondrán a la venta el 26 febrero.
Hablar sobre la discografía de The National es hacerlo de la búsqueda de la canción perfecta, como si fuera del Santo Grial. A lo largo de estos veinte años nos han regalado verdadera poesía con un sonido propio, fácilmente reconocible por un estilo que han hecho propio. La banda sigue en activo rebosante de vida. El año pasado, The National lanzó su octavo álbum, "I Am Easy to Find". Además el líder Matt Berninger lanzó su álbum debut como solista "Serpentine Prison" hace un par de semanas, además de haber protagonizado otros proyectos junto a Brent Koof, líder a su vez de Ramona Falls, como ELVY.

BELAKO, HOY EN CONCIERTO

 

Belako, una de las bandas más destacadas de nuestro rock, presentará su nuevo disco este viernes en la sala Porta Caeli de Valladolid. El grupo vasco mostrará su potente directo estrenando las canciones de "Plastic drama", posiblemente su mejor disco hasta la fecha. Diez temas que plantean nuevos horizontes musicales y que gira sobre un concepto muy interesante nuestros pequeños dramas, que nos desenfoca la realidad. El nombre de este cuarto disco, autoproducido por Belako, da nombre también a este tour, que ha consolidado al cuarteto vasco como la banda de rock independiente más internacional de nuestro país. Los temas de adelanto de "Plastic drama" han sido designados como canciones de la semana en NME, The Line Of Best Fit o El Universal. Sus nuevas creaciones han sido incluidas también en las playlists de Dr Dre, Cindy Lauper, Noel Gallagher para el Manchester City Oficial, o en las de la Liga Inglesa y la F1.  Asimismo, ha logrado este año su inclusión en el main stage del emblemático Festival Reading&Leeds 2020, convirtiéndose en la primera banda española en conseguirlo. "Plastic drama" está compuesto de canciones que están pensadas para el directo. “Tie Me Up” fue el primer tema que descubrimos de este trabajo, y recoge una melodía impecable que junto con la distorsión lo convierten en un tema irresistible. “Profile Anxiety” es otro ejemplo marca de la casa, pero con “Sirène” primera canción íntegramente en francés se mueven en los medios tiempos, como “marinela2017"..
La actuación de hoy en la sala Porta Caeli de Valladolid comenzará a las 20 horas y las puertas del recinto se abrirán a las 19.30 horas para que el acceso de público pueda realizarse de manera escalonada. Hay entradas disponibles en la web www.ticketmaster.es y en la sala la tarde del concierto. Tienen un precio más barato en venta anticipada a 20 euros. El día del concierto será de 22 euros. La sala Porta Caeli cumple todos los protocolos sanitarios para que la cultura sea segura, con medidas como distancia de seguridad con público sentado, dispensación de geles hidroalcohólicos o evacuación específica de espectadores por cada zona. Belako es un grupo de rock procedente de Vizcaya, concretamente de Munguía. Formado en el año 2011, está integrado por Josu (guitarra y voz), Lore (bajo y voz), Lander (batería y voz) y Cris (teclado y voz). Se da la circunstancia de que Josu y Lore son hermanos, y Belako es el nombre de la zona de la localidad en la que ensayaban, por lo que la denominación de la banda es un homenaje a ese barrio.

LOVE OF LESBIAN "Cosmos"

 

Love of Lesbian está de regreso, después de surcar el espacio con "El Poeta Halley" (2016), lanza otra pieza espacial situada en "Cosmos (antisistema solar)", canción que es un primer avance del disco que está preparando y que según sus propias palabras "sintetiza toda la intención de este nuevo álbum", tal como indica la formación catalana en un comunicado. "'Cosmos (antisistema solar)' surgió en cinco minutos, como un torrente emocional, como una necesidad de hablar con uno mismo antes de aclarar las cosas con segundas personas", añade Santi Balmes, cantante y compositor de la banda. La canción es una reivindicación del poder de comunicación de la música, generando nuevas emociones, "porque, al fin y al cabo, todos estamos hechos del mismo polvo estelar". También habla de "nuestras vidas en general, a caballo entre las heroicidades diarias y lo absurdo e irreal que todo parece". El single viene acompañado de un vídeoclip creado y dirigido por Kike Maíllo y Joseba Elorza.
El disco tenía que haber salido ya a la venta, pero tuvieron que retrasar la grabación por el coronavirus. Lo han presentado ahora y dejan el álbum en reposo hasta la primavera. En la nota acompañando el lanzamiento, se puede leer que se trata de una “producción sci-fi musical para un año raro”. El título definitivo podría ser "Viaje…" .Una feliz noticia porque significa el regreso de Balmes, Julián Saldarriaga, Oriol Bonet, Ricky Falkner y demás compañía. Hay que recordar que la formación catalana celebró en 2018 sus veinte años con el directo "El gran truco final".

LAS CANCIONES DE MARADONA

El astro argentino falleció este miércoles a los 60 años a consecuencia de un paro cardiorrespiratorio. Diego Armando Maradona ha dejado una honda huella en la cultura popular, no solo en el campo de fútbol. Su leyenda es enorme como su figura idolatrada por medio mundo. Diego dejó huella en todos quienes vivieron los últimos años 70, los efervescentes años 80, y no necesariamente solo a los que sienten fascinación por el fútbol. Como no podía ser de otro modo se han entonado canciones para ensalzar su figura porque es un icono de la cultura popular. Artistas como Charly García, Andrés Calamaro o hasta Manu Chao le dedicaron letras y su música. Obviamente Diego fue patrimonio de la música latina, reciclando la tradición en modernidad. Estas son algunas de las canciones dedicadas a «El 10», las que a mi más me gustan, y con la que puedes recordar su legado. Es el momento de decir "aDiós" al astro. Descansa En Paz.

«Maradona» de Andrés Calamaro

«Santa Maradona» de Mano Negra

«Maradó» de Los Piojos

«Dieguitos y Mafaldas» de Joaquín Sabina

PUBLIC ENEMY "What you gonna do when the grid goes down?"

 

El veterano colectivo neoyorkino regresa para publicar nueva música veinte años después y lo hacen con rotundidad, interrogando al mundo sobre la situación actual y enviando soflamas sobre su pais que vive una situación política en tensión perpétua. "What you gonna do when the grid goes down?" es su álbum número 15 y como siempre no tiene reparos en tomar partido para combatir al poder que no ha sabido reaccionar al avance del coronavirus, las violencia policial o el auge de la extrema derecha. Su propuesta es movilizar conciencias y lo hacen acompañados de numerosos colegas de la talla de Cypress Hill, George Clinton (en el primer corte, “When The Grid Go Down...”, y en el segundo, “GRID”), Ice-T (“Smash The Crowd”), Nas, el veterano DJ Premier (en la arrolladora anti-Trump “State of the Union”), Black Thought, Ad-Rock y Mike D (de Beastie Boys, en su primera colaboración juntos tras la muerte de Adam Yauch) o Questlove de The Roots.Vuelven al sello que apostó por ellos en los 80, donde editaron sus discos más destacado, Def Jam Recordings, y lo hacen con músculo. 17 canciones, aproximadamente 44 minutos de duración, en los que vuelven a demostrar que Public Enemy es la banda más “metalera” del rap. La voz grandilocuente de Chuck D sigue sonando como una ametralladora, mientras Flavor Flav soporta su presencia de animador-agitador, y DJ Lord a los platos y a la producción combina el sonido característico de la banda, con guitarreos sucios, bases del rhythm & blues, soul y funky. Lo más grande de Public Enemy, por encima de todo, es que mantienen fresca su actitud crítica y belicosa que convierten  este disco en un verdadero artefacto revolucionario.

DOLO BELTRAN "Lo mejor de todo"

 

Dolo Beltran (ex-Pastora), estrena la canción "Lo mejor de todo", primer adelanto de su nuevo disco "Moonlight" previsto para Febrero de 2021. Este tema reproduce el sonido de club, pop y electrónica construidos especialmente especialmente para los que tenemos ganas de bailar. La letra lo deja a las claras: "Y se encendió la luz/ y empezó a llover/ y volvieron los 20 más fuertes/ y empecé a bailar como poseída lo hice por mí.../ Yo no sé por qué los días se hacen tan cortos/ Exploto, me borro.../Yo no sé por qué cuánto más intenso... SUBE!/ SUBE, SUBE, SUBE... AH SUBE!". 

A la cantante y actriz Dolo Beltrán(Sant Boi de Llobregat, 1974)  el coronavirus la ha afectado en numerosos aspectos profesionales: "El confinamiento ha sido horrible en un sentido profesional, porque no podía hacer nada más que ser madre y estar con mi hijo. Bueno, al menos me pilló cuando ya había negociado mi nuevo libro con Planeta. Pensé que al menos tendría tiempo para hacerlo. Es una colección de libros de poesía ilustrada en catalán y con material original e inédito. Todos somos letristas, como Marc Parrot, Albert Pla, Xarim Arestè, la Clara Peya. Quieren que cada año salgan unos tres volúmenes; el mío está previsto para febrero del año que viene. Lo entregué en julio".

Tras romper con Pastora inició su carrera musical en solitario con "Copilotos" (2017) y ahora ya tiene listo "Moonlight", que trae consigo un cambio de sonido: "Ahora he querido cambiar un poco todo ese rollo y traer la electrónica actual. Estaba un poco anclada en la electrónica del trip hop, en la músicas de los 90". Cuando se le pregunta a Dolo por el posible regreso de Pastora, ella no lo ve muy factible: "Nunca dijimos que no íbamos a volver. Pauet ya dijo entonces que él no quería seguir, y Caïm dijo por su parte que de acuerdo, que nos podíamos tomar un descanso porque él quería hacer un disco en solitario. Eso fue en el 2013 o 2014. También es verdad que desconectas mucho cuando tomas una decisión así, aunque en el confinamiento nos hemos enviado fotos antiguas e intercambiado wasaps. Pero cuesta...Solo podría decir que por ahora no hay fecha".

GEORGE HARRISON "My Sweet Lord"

El clásico "My Sweet Lord"  compuesto por el ex-Beatle George Harrison cumple medio siglo, después de que fuera lanzado en 1970, rodeado todavía por la controversia de las acusaciones de plagio y por el aura espiritual de su inspiración hinduista. Iba incluido en su primer álbum en solitario "All Things Must Pass" (1970), tras la separación de los Beatles.  El tema, grabado en los estudios Abbey Road de Londres bajo la producción de Phil Spector, contó con la participación de músicos como el guitarrista Eric Clapton y el también ex-Beatle Ringo Starr en la batería. La canción llegó a tener un gran éxito mundial y se posicionó como el tema más elogiado de aquel primer disco. Sin embargo, poco después el músico fue acusado de plagio por el compositor y cantante estadounidense Ronnie Mack.  Le acusaba de haber copiado la composición musical de su tema "He's So Fine", interpretada por el grupo femenino The Chiffons.  El ex-Beatle negó las acusaciones y aseguró que su inspiración para el tema nació, en todo caso, de "Oh happy day", de The Edwin Hawkins Singers, y de sus vinculaciones con cánticos religiosos hinduistas y cristianos. Sin embargo, en 1976 Harrison fue declarado culpable por "plagio inconsciente" y tuvo que pagar una sustancial multa para recuperar de nuevo los derechos de su gran tema.
Harrison fue conocido como el "Beatle tranquilo" por su preferencia a permanecer alejado de la fama, a pesar de ser una estrella del rock, y por su interés en el hinduismo, que comenzó a marcar su vida tras la gira estadounidense de los Beatles en 1966.Harrison tuvo su primer contacto con el hinduismo a mediados de la década de 1960, a raíz de un libro sobre la reencarnación que les regaló a los integrantes de los Beatles un devoto de esa religión en las Bahamas mientras grababan la película "Help!".  Años después, toda la banda viajó a la India a practicar la meditación trascendental, pero a ninguno de ellos les marcaría tan profundamente esta cultura como a Harrison.  Uno de los momentos definitorios para la espiritualidad del ex-Beatle fue conocer en Estados Unidos a los Hare Krishnas, movimiento religioso basado en el hinduísmo, que marcó su vida y su obra hasta el final de sus días. No en vano, uno de sus mayores éxitos musicales, "My Sweet Lord", es una composición con la que trató de vincular el "Aleluya" cristiano con los cantos Hare Krishna y las oraciones védicas, con la que el músico quiso lanzar una llamada contra el sectarismo religioso.

AMATRIA "Un disco"

Este quinto álbum de estudio de Amatria,"Un Disco", llega por fin después de meses de retraso y varios adelantos que prometían uno de los trabajos más eclécticos de su carrera. El título está escogiendo a conciencia "Un disco", porque es capaz de pasar de un género a otro sin complejos ni vergüenza, porque como advierte el primer tema, Joni Antequera es "Un fusilador" de otras obras. Aquí podemos escuchar disco-funky; guiños al rap de los años 90 con "Una advertencia" donde no tiene reparos en hacer rimar "no soy vago" con "ir hasta allí no me sale del nabo"; pasearse por los ritmos salsa en "Un manantial"; atrapar el tropical house en ese "Yo puedo con todo", el rock de finales de los 70 y principios de los 80 en "Una rápida" o recitar en "Un alud", tema grabado junto a Delaporte, de forma reiterada y cansina "un alud de luz", más de cuarenta veces. Canciones que vienen a completar un viaje musical revelador alrededor de las preocupaciones y las vivencias de un artista

Quizá la canción más destacada del disco sea "Una ciudad" un temazo de pop electrónico que sirve como sentida despedida de la ciudad de  Madrid, ciudad en la que Amatria ha vivido los últimos 7 años. El propio artista lo explica: “La escribí cuando supe que me iba a ir de Madrid, en principio era una despedida, un gesto hacia la ciudad que me ha hecho dueño de mi destino por fin. Intentaba relatar lo que sentí al llegar a esta ciudad; la energía, la ilusión, la feroz búsqueda de mi camino, implacable, vulnerable pero decidido me aventuraba en lo desconocido, y así debía ser. Más tarde, como ya me ha ocurrido otras veces, me di cuenta de que no solo hablaba de lo que había pasado al llegar a la ciudad sino de lo que iba a pasar al dejarla. Nuevos objetivos, mi vida, mi destino, en otra ciudad, nadie pudo pararme entonces, nadie podrá hacerlo ahora”.
Joni Antequera es el hombre que se esconde tras el nombre de Amatria y se acaba de convertir en co-fundador de Vanana Records, el sello que ha acogido y llevado a las listas de éxitos el debut largo de Ginebras. Actualmente está preparando además en estos momentos una gira muy especial con la que presentará este nuevo proyecto. Será un tour íntimo, adaptado a la actual situación, que permitirá disfrutar de Amatria más de cerca que nunca. Próximamente se anunciarán las primeras fechas de este encuentro con su público que tanto tiempo lleva esperando el artista.

THURSTON MOORE "By the fire"

 

El fuego del título puede que haga referencia a ese espíritu incendiario que siempre acompaña al guitarrista y padre de Sonic Youth, quien a sus 62 años sigue sorprendiendo con recursos instrumentales de lo más refrescante. Música en llamas, ardiente y apasionada. Aunque algunas de estas canciones ya existían, fue durante el confinamiento cuando el guitarrista terminó de darle forma a su undécimo disco, sin duda uno de los mejores que ha grabado. Después de 40 años de disonancias, distorsiones y experimentación vuelve a sorprender, desde el principio con esos dos temas de arranque “Hashish” y “Cantaloupe” que recuerdan mucho a los Sonic Youth, con un manejo único de la repetición y los crescendos que te hacen subir a una ola de efervescencia vertiginosa. Rock en estado puro. Bien es verdad que más de la mitad del disco está compuesto por piezas que superan los 10 minutos, con esos característicos muros de sonido. Porque en un álbum de Moore no vas a buscar cambios de patrón, así que hablamos de otra vuelta de tuerca a sus sonido para exprimir su faceta más experimental.

A partir del tercer tema los temas se alargan. Como prueba tenemos ese llamado “Breathe”, que en sus más de diez minutos cuenta con guitarras lisérgicas y ráfagas de distorsión que es una maravilla. O “Siren”, una delicia que nos trae la calma con esa envolvente melodía. También hay tiempo para explorar su lado más folk en “Dreamers Work”. Por supuesto se expande en la experimentación en piezas como “Locomotives” que arrancan con ocho minutos de distorsión que no resultarán aptos para todos los públicos, al igual que el final con “Venus”, que no deja de ser una de esas jam sessions llenas de ruido que tantas veces acompañan sus directos y que nos lleva al trance. En total 80 minutos en los que está muy bien acompañado por Steve Shelley (de MBV) a la batería y Deb Googe (My Bloody Valentine) al bajo.

Thurston Moore está muy cómodo con su carrera en solitario, y desde que se fue a vivir a Londres no ha parado de editar singles y álbumes, esa proximidad había permitido verle más frecuentemente por nuestro país, como en su última aparición, el año pasado, en Palma durante la cuarta edición de Cul de Sac, el "Festival de música y arte experimental de Mallorca", pero la pandemia del covid ya ha inhabilitado esas experiencias.

XIULA "Descontrol mparental"

 

Xiula (Silba, en catalán) es una banda que ha revolucionado la canción infantil, tanto por los teams que trata como los rimos que utiliza que van desde el hip-hop, el reggae o la rumba catalana. "Descontrol MParental" es su quinto disco, en el que mantiene la esencia del grupo: poner música a los problemas familiares, pero en esta ocasión poniendo el foco de atención en los padres y madres. ¿Se puede hablar en un disco infantil de la pérdida de un hijo en el parto o durante la gestación? Sí, con mucha delicadeza como hace Xiula en la canción "Et faig un lloc" del cuarteto barcelonés.  El disco intenta aproximarse al hecho de como cambian las reaciones cuando aparecen los hijos. Los niños siguen siendo los protagonistas, pero en esta ocasión les invitan a ver más allá para que comprendan que a los adultos también les pasan cosas. Por ejemplo en "Salvem els cangurs" ("Salvemos los canguros") hacen un homenaje a los canguros que se encargan e cuidar de nuestros hijos, mientras los padres se pueden permitir tener un poco mas de vida, fuera del ambiente familiar. Todo contado con un sonido punk-pop.

"Descontrol MParental" es por su temática su trabajo más arriesgado y también el más sincero, de esta banda, que lleva ya ocho años de trayectoria, formada por Jan Garrido, Rikki Arjuna, Adrià Heredia i Marc Soto: una alianza entre músicos y  educadores sociales para crear canciones divertidas, con los ritmos más diversos, que al mismo tiempo  explican cosas interesantes para los pequeños y grandes. En este disco colaboran Albert Pla, Clara Peya, Suu, Beth, Ivette Nadal, Elena Gadel y Selma Bruna,  cada canción está dedicada a un momento diferente de la maternidad y la paternidad. El descontrol de los pañales es el tema de la canción en la que colabora Beth, mientras que Albert Pla habla de los cuentos de buenas noches, Suu de los festivales musicales y Clara Peya de la diversidad física, intelectual y familiar. También hay un relato de las mañanas frenéticas en las que hay que conseguir dejar a los niños en el colegio antes de ir al trabajo.