SENDING HEARTS TO ALL DEARIES "A Tribute To The Smashing Pumpkins"

 

The Smashing Pumpkins vuelven a recibir un nuevo disco tributo, en esta ocasión preparado por el sello Sumerian Records, al que han titulado "Sending Hearts To All My Dearies – A Tribute To The Smashing Pumpkins", que reune a artistas del rock, el metal y la escena alternativa para reinterpretar temas clave de la banda. En total el álbum recoge quince versiones.
El título de este recopilatorio lanzado a mediados de agosto lo eligió el propio Billy Corgan, que también ha dado su visto bueno al proyecto. El álbum reúne a artistas de distintas generaciones: Yonaka (Today), Palaye Royale (Bullet With Butterfly Wings), Barns Courtney (1979), Alice Glass (Drown) y Starbenders (Tonight, Tonight), entre otros. La edición digital se lanzó el pasado 14 de agosto, mientras que el doble vinilo llegará el 16 de octubre, en una edición física deluxe con varios colores.
Entre las versiones más interesantes destacan Tame Impala, que abre la compilación con una versión reimaginada de "Hummer", donde los arreglos psicodélicos y la producción contemporánea de Kevin Parker reinterpretan la atmósfera del original, aunque cualquier parecido con la original es una mera coincidencia.
Otros  grupos que participan en este recopilatorio aportan enfoques variados, desde la electrónica retro de Carpenter Brut hasta el metal de Between The Buried and Me, pasando por aproximaciones pop-rock y oscuras de artistas como The Midnight, Yonaka o Alice Glass.

KIKO VENENO Y ESTOPA "Yo y mi manager"

 

Parece que la alianza de Kiko Veneno y Estopa tenía ganas de pasarlo bien. Entre amigos, unas risas y una guitarra. “Yo y mi manager”, la nueva canción es el tercer adelanto de su próximo álbum, que llegará el 6 de noviembre y será su primer disco en cinco años. Y si en “Helicrisum” y “Precisamente” ya encontrábamos a un Kiko recuperando la rumba desde una perspectiva actual, ahora la fiesta se completa con los hermanos Muñoz.
“Yo y mi manager” nació en realidad hace cuatro años, durante un encuentro entre Kiko Veneno y Estopa en el camerino del Sant Jordi Club de Barcelona, antes de un concierto de C. Tangana. Lo que empezó como una improvisación alrededor de las exigencias de un mánager terminó convertido en una canción que ahora, por fin, llega a nuestras manos. Mezclando humor, calle, rumba y una cierta filosofía de andar por casa que muchas veces termina diciendo mucho más que cualquier discurso solemne.
Aquí el mánager se convierte en el protagonista involuntario de una canción divertida y surrealista. Que si beber agua, que si acostarse pronto, que si cuidar la voz, que si la gira mundial, que si Miami... Todo sirve para construir una pequeña historia llena de ironía sobre la vida de un músico y esas obligaciones que supuestamente existen para que todo vaya bien.
La producción corre a cargo de Bronquio, mientras que Raúl Pérez se ocupa de las mezclas en La Mina. Una combinación que permite que la canción conserve ese espíritu rumbero y espontáneo, pero con un sonido actual. Kiko Veneno vuelve a demostrar que la edad no tiene absolutamente nada que ver con las ganas de experimentar. A sus 74 años, continúa buscando nuevas conexiones y rodeándose de músicos de diferentes generaciones. Estopa, por su parte, encuentra aquí un terreno en el que se mueve con una naturalidad absoluta.Dos generaciones, una misma forma de entender la rumba y una canción que llevaba cuatro años esperando su momento.
“Yo y mi manager” es probablemente eso: una buena excusa para juntarse, reírse de las cosas serias y hacer una canción que entra fácil, tiene mucho humor y deja ganas de volver a escucharla.

FONTAINES D.C. "Marianne"

 

Los irlandeses acaban de presentar “Marianne”, el primer adelanto de su quinto álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Romance”, la banda vuelve a demostrar que no tiene ninguna intención de quedarse instalada en la fórmula que les ha llevado hasta aquí.
“Marianne” es una canción inquietante, atmosférica, hipnótica. Hay algo seductor en ella, pero también una sensación de peligro que va creciendo poco a poco. Fontaines D.C. dejan atrás parte de la contundencia guitarrera de sus primeros trabajos para adentrarse en un territorio más frío y sintético. Las guitarras siguen estando ahí, pero ya no parecen tener el mismo protagonismo: ahora comparten espacio con sintetizadores, percusiones y una producción mucho más envolvente.
Y ahí aparece Grian Chatten, siempre capaz de convertir una canción en algo que parece estar ocurriendo en algún lugar entre un sueño y una pesadilla. “Marianne” habla de escapismo, hedonismo y de esa necesidad de desaparecer cuando la realidad empieza a resultar demasiado incómoda. Una huida hacia delante que puede parecer liberadora durante unos minutos, pero que también esconde algo bastante más oscuro.
Al parecer la canción está inspirada en la serie “Ripley” y encaja perfectamente con la atmósfera que Fontaines D.C. parecen querer construir para su nuevo disco. Si en “Romance” había una cierta fascinación por la pérdida de humanidad y por un mundo cada vez más dominado por la tecnología, ahora parecen querer llevar esa idea todavía más lejos. “Dopamine Chamber” nace precisamente alrededor de esa sensación de vivir atrapados entre la ansiedad, la sobreestimulación y la necesidad constante de escapar. Un mundo lleno de información, imágenes, violencia, entretenimiento y distracciones que nos mantiene permanentemente conectados mientras, paradójicamente, cada vez resulta más difícil conectar con algo real. Y “Marianne” funciona como una magnífica puerta de entrada a ese universo.
“Marianne” no necesita correr. Se toma su tiempo, crea tensión y consigue que sus casi cuatro minutos pasen dejando esa sensación de querer volver a escucharla inmediatamente. Una canción que entra poco a poco. De momento, parece que el viaje vuelve a merecer la pena.

LORI MEYERS "Tus amigos"

 

Lori Meyers vuelven a la carga con un nuevo adelanto del que será su octavo disco de estudio. "Tus amigos" llega después de "En lo total" y "Malafollá" y nos permite seguir descubriendo por dónde van los tiros de una banda que parece haber recuperado las ganas de volver a publicar nuevas canciones.
En esta ocasión los granadinos bajan un poco las revoluciones y nos dejan una canción más pausada, pero sin perder esas melodías reconocibles que han convertido a Lori Meyers en una de las formaciones fundamentales del indie nacional. "Tus amigos" habla de volver a querer después de haber aprendido de las experiencias anteriores, de las inseguridades que aparecen cuando nos volvemos a enfrentar al amor y de esos momentos que, aunque duren apenas unos segundos, pueden parecer eternos. “Tus amigos” vuelve a situarlos en ese territorio que tan bien conocen: el pop de guitarras, las melodías luminosas y una mirada hacia las relaciones personales. Una canción que mantiene la esencia de la banda.
Lori Meyers se toman su tiempo entre disco y disco. No parece casualidad. Ellos mismos explicaban al presentar esta nueva etapa que solo regresan al estudio cuando sienten que tienen algo que decir. Después de años girando por escenarios y festivales, parece que ha llegado nuevamente ese momento.su esperado próximo disco, “En lo total”, que verá la luz el próximo 16 de octubre. Después de cinco años desde "Espacios infinitos", ya tenemos ganas de comprobar qué han preparado los de Loja.

RADIO FREE ALICE “Crying With You”

 

Hay canciones que llegan envueltas en guitarras y canciones que, además, traen consigo un estado de ánimo. Radio Free Alice pertenecen a esa segunda categoría. El cuarteto de Melbourne vuelve a la carga con “Crying With You”, un nuevo adelanto de ese esperado álbum de debut, "What’s In Between", que verá la luz el próximo 30 de octubre a través de Atlantic Records.
Y sí, vuelven a hacerlo a su manera: tensión, nervio, guitarras afiladas, bajo con querencia por la new wave y ese espíritu post-punk que manejan con una naturalidad sorprendente. Pero en “Crying With You” hay algo más. Algo que se esconde detrás de esa energía casi frenética que recorre la canción. porque aquí se habla de compartir el dolor de alguien cercano, de acompañarle cuando las cosas se tuercen, de sentir sus lágrimas casi como propias. Pero también de ese momento en el que uno comprende que no puede quedarse instalado eternamente en la tristeza ajena. La vida continúa. Hay que seguir adelante, volver a reír, bailar, encontrar pequeños espacios de felicidad aunque alrededor todo parezca tambalearse.Y ahí está buena parte del encanto de Radio Free Alice: consiguen convertir esa contradicción: La tristeza y las ganas de vivir, en música. Una música que parece avanzar hacia delante mientras mira de reojo todo aquello que dejamos atrás.
“Crying With You” nació durante una semana de creación en Joshua Tree, California, donde la banda estuvo trabajando con demos y jams. Curiosamente, verso y estribillo procedían originalmente de canciones diferentes y terminaron ensamblándose en una sola pieza, una forma de trabajar que el grupo ya ha utilizado anteriormente.
El resultado son cuatro minutos de electricidad contenida, melodías que se agarran a la memoria y una interpretación que vuelve a demostrar por qué Radio Free Alice se han convertido en uno de los nombres más interesantes de la nueva escena australiana. Hay ecos de aquella tradición ochentera que va de la new wave al post-punk, pero también una personalidad propia que evita que todo esto suene simplemente a nostalgia.Una canción para llorar con alguien, sí. Pero también para secarse las lágrimas y seguir bailando.
“Crying With You” llega acompañada de un videoclip dirigido por Milo Hume, confirmando la importancia que la banda concede también a su dimensión visual. Después de varios singles y EPs, el último apenas hace un mes bajo el título de "Kick in the Shins" que les han ido colocando cada vez más arriba en el radar internacional, Radio Free Alice afrontan ahora el verdadero examen: su primer larga duración. "What’s In Between" reunirá once canciones y promete ser la confirmación definitiva de todo lo que llevan tiempo apuntando.

CHARNEGO "Antropofreno"

 

Charnego estrena "Antropofreno", nuevo adelanto de lo que será su próximo trabajo. la canción es "una reflexión crítica sobre el colapso social y el avance de las corrientes asociadas a la llamada Ilustración Oscura", según señala el grupo. Entre el noise -punk y el grunge. En un contexto marcado por la incertidumbre: "Vuelve el miedo. Vuelve lo real. ¡Jacques Lacan con grelos!", reza una de las frases más destacadas del tema.
El grupo, integrado por Pablo Garnelo (conocido por su paso por Biznaga), Marco Lipparelli, Juan Flores, Álvaro Marcos y David Moralejo (estos dos últimos también miembros de Atención Tsunami) ha apostado desde sus inicios por letras que exploran la descomposición social y la crítica a las estructuras de poder. Este adelanto confirma la evolución del grupo, que sigue apostando por un sonido contundente y un discurso comprometido, sin perder de vista su esencia más combativa.

"Antropofreno" viene acompañado en su cara B por el tema "Ganar dinero".

TRICKY "Different When It’s Silent"

 

Reaparece Tricky en su primer trabajo como solista en seis años, después de "Fall to Pieces" (2020). Este ha sido un disco difícil que le ha servido como catarsis tras el duelo por la muerte de su hija en 2019. El artista confiesa que tras ese duro proceso ahora se siente preparado para "seguir adelante". "Different When It's Silent" es el álbum número quince de su carrera y lo ha editado a través de su propio sello, False Idols, un trabajo grabado entre su residencia en Francia y sesiones en su Bristol natal.
Aquí hay rabia y dolor. La voz principal recae en el joven cantante Mitch Sanders, cuyo falsete contrasta con los susurros del músico. Hay una buena capa de electrónica que sirve para cimentar un disco por el que aparecen trip-hop, pop, soul, hip hop e incluso slowcore. Interesantes piezas como “Cannon Fodder”, el magnífico single “I’m Yours”, “I Tried”, la preciosa “Piano” o la delicada “Hengrove Blues”. Atención especial al cierre con Out Of Place” con la voz de la polaca Marta Zlakowska que aparece exclusivamente en este tema dedicado a la memoria de su hija.

LAVIC “Verdades Verdaderas”

 

Las siglas LAVIC se traducen como La Alucinante Vida Imaginada Contigo, un modo como se identifica la banda madrileña que publica su quinto adelanto "Verdades Verdaderas", antes que lanzen su disco de debut. La canción no pretende agradar a todo el mundo. Es posible su canción más directa, con verdades incómodas, que retrata a una generación que se siente engañada, a la que le prometieron un futuro que ahora está roto, con ansiedad, incertidumbres y con los alquileres por las nubes. Un tema con el que muchos se verán identificados, para reflexionar sobre la política, la identidad, la clase social y las contradicciones de una generación desencantada.
Tras sus primeros singles: "Tu Artista Favorito", "Viernes", "Besos Esquimales" y "La Polilla", llega esta "Verdades Verdaderas" que con un ritmo contagioso se transforma en una descarga de punk afilado que cuestiona la política, la identidad, la clase social y el malestar de una generación que se siente engañada. LAVIC dispara sin distinciones: contra la izquierda, la derecha, los gurús, a industria cultural y tantos y tantos salvapatrias. 

GRUMPY "Unfindable Ring"

 

La banda neoyorquina Grumpy está formada íntegramente por personas trans. La falta de tolerancia hace que no siempre sean bien recibid@s sus propuestas sonoras. Aquí eso no va a ocurrir. Han anunciado su próximo y esperado nuevo disco, "Unfindable Ring", que se lanzará el próximo 23 de octubre. Para que podamos saborear su contendio han adelantado el tema "Twenty Five" y el anuncio viene acompañado, además, de un segundo adelanto, titulado "OBL".
El grupo, que comenzó originalmente como el proyecto en solitario de Heaven Schmitt, se ha convertido poco a poco en una banda completa integrada por Anya Good, Ellie Long, Austin Arnold, Diego Clare y Lane Rodgers. Sobre el significado del nuevo single, Schmitt ha explicado que "estando de gira por todo el país como una banda formada por personas trans, a menudo nos preocupa cómo nos van a recibir y a veces nos preguntamos si estaremos a salvo. Pero lo que solemos encontrar es amor. Nos cuidamos mutuamente, nos reímos y llevamos nuestras vidas con normalidad. OBL trata sobre cómo experimentamos la alegría ("soy tan feliz que me podría morir") a pesar de quienes no quieren que podamos existir ("están tan felices de que nos podamos morir")".
La canción viene acompañada de un videoclip dirigido por Alex Tepper en el que se ha querido mostrar la tensión cotidiana que viven en la carretera cuando salen a tocar, donde siempre se encuentran con miradas indiscretas, mientras se refugian en la alegría y las esperanzas de la banda.

BLONDE REDHEAD "Blood Spilled"

 

El trío formado por Kazu Makino y los hermanos Amedeo y Simone Pace continúa moviéndose por ese territorio en el que conviven el indie, el dream pop y las atmósferas más inquietantes. En "Blood Spilled" la voz de Kazu Makino vuelve a ser uno de los elementos fundamentales de una canción que avanza de manera contenida, hacia oscuros derroteros.
Hay cierta sensación de distancia y desencanto, pero también una belleza extraña en la manera en que la banda convierte esos sentimientos en música. Una nueva muestra del buen estado de forma de Blonde Redhead, capaces de seguir haciendo canciones personales y reconocibles sin necesidad de recurrir a fórmulas demasiado evidentes. "Blood Spilled" es un tema que publicaron hace unas semanas y que ha sido el que anunciaba el regreso del grupo, su nueva referencia desde "Sit Down For Dinner", publicado en 2023. Tres años hemos tenido que esperar.
"Blood Spilled" mantiene el sonido exuberante y atmosférico tan característico del trío. Su líder Kazu Makino, quien también se ha encargado de diseñar la portada del sencillo, ha comentado: "Los últimos años han sido para el mundo y para mí una temporada implacable de pérdida. Devastada a través de esta era, aprendí que la muerte significa el fin del cuerpo pero no del alma. Sigo conectada a aquellos que ya no forman parte de este mundo y a los espíritus que nunca formaron parte de este mundo. Les hablo y los escucho. Me muestran señales para hacerme saber que somos mucho más que nuestros cuerpos y, sobre todo, siento su amor. Hay personas que tienen tanto miedo a morir y a la descomposición que van en contra de sus propios intereses y de la ley de la naturaleza. Si bien sé que la muerte no es el final, también he llegado a reconocer el poder y la magia del cuerpo que alberga el alma".
La letra gira pues en torno a la muerte, el duelo y el vínculo con quienes ya no están. Makino canta sobre la "sangre derramada sobre el océano", se pregunta "¿Me abandonaste?" y acaba encontrando consuelo en la idea de un reencuentro: "algún día volveré a verte". Antes reivindica que "mi tiempo, mi dolor y mi alegría" pertenecen a esta vida "hasta que abandone este cuerpo".

KIKO VENENO "Precisamente"

 

Kiko Veneno estrena "Precisamente", el segundo adelanto del que será su próximo álbum, previsto para el 6 de noviembre. Será el vigésimo primer disco de su carrera, el primero en cinco años desde que lanzara "Hambre". El artista vuelve a mostrar a sus 74 años que se encuentra en plena forma y en esta ocasión vuelve a reecontrarse con la rumba: “Precisamente” es una llamada a una revolución particular, a una resistencia para todo, y para todos. Así como somos y estamos por acá: toma lumbre".
La canción plantea la importancia de afrontar la vida con honestidad en un mundo marcado por la incertidumbre. Con versos como "Y me levanto del suelo, y cada día yo me enamoro", todo un alegato a vivir la vida con amor, un antídoto para enfrentarnos a este mundo lleno de falsedades y medias verdades.
Tras "Helicrisum", llega este segundo single. Kiko sabe rodearse de artistas mucho más jóvenes para darle una rejuvenecida dimensión a su música. En concreto el nuevo álbum estará producido por Bronquio y mezclado por Raúl Perez en su estudio La Mina.

DIIV "The Fountain"

 

La banda neoyorquinaDIIV adelanta el que será su quinto álbum de estudio, titulado "ZIRP!", cuya publicación está prevista para el 30 de octubre, junto con este anuncio, llega el primer sencillo, “The fountain”. Una canción que el vocalista, Zachary Cole Smith, describe así: "Esto es new alternative: un nuevo género para el siglo XXI. Más concretamente: un nuevo género para la música de los años 2020, una era del “salvaje oeste” optimizada, financiada por capital riesgo, superdeluxe, remezclada, mejorada con IA y perfeccionada algorítmicamente (…) Abrazamos con énfasis y entusiasmo el pedigrí underground y el instinto pop".
La sorpresa llega con la producción de A.G. Cook, figura clave del pop experimental contemporáneo a quien recientemente hemos vuelto a ver vinculado a Charli xcx. Toda una transformación para un grupo que, hasta ahora, había basado su sonido como deudor del shoegaze, el dream pop y el indie rock.
El álbum tomará el relevo de "Frog in Boiling Water" (2024), uno de los discos más alabados de la banda por su retrato del colapso social que sujfrimos, también llegará pocos meses después de la publicación de "Boiled Alive", el directo en el que DIIV interpretó en vivo aquel trabajo en Los Ángeles.

LOVE OF LESBIAN “Ámame lindo (oda a la antropofagia)”

Love of Lesbian han lanzado “Ámame lindo (oda a la antropofagia)”, el segundo sencillo de su próximo álbum recopilatorio, "Nouvelle Cuisine Caníbal Vol. 3". Llega tras el estreno de “Ojalá”,  pero en este  nuevo tema cambian de registro hacia la música electrónica y de club, apostando por un sonido synth pop. En la producción el nominado al Grammy Camilo Lara (Instituto Mexicano del Sonido) y la colaboración vocal de Andie Gago. 

El título "Ámame lindo (oda a la antropofagia)" sugiere una reflexión sobre las relaciones humanas, el amor y la complejidad inherente a las emociones. La antropofagia, entendida aquí en sentido metafórico, alude a la idea de consumir y ser consumido, de una interacción intensa y a veces conflictiva entre individuos. El propio grupo ha confesado en un comunicado: "los versos de esta canción están inspirados en el famoso y truculento caso del caníbal de Rotemburgo. ¿Lo recuerdan? ¿Aquella pareja que había quedado para seccionar el miembro viril de uno de ellos y luego cocinarlo para comérselo? Pues ¿cómo no iba a haber una canción así dentro de Nouvelle Cuisine Canníbal?
Ha sido una grabación realizada en apenas 72 horas, aprovechando uno de nuestros viajes a México para jugar con nuestro admirado Camilo Lara. También aprovechamos para pedirle unas cuantas líneas de voz sensual a la prometedora Andie Gago".

Precisamente, el lanzamiento coincide con un hito histórico para la banda porque acaban de agotar todas las localidades para su esperado concierto del 25 de noviembre en el Auditorio Nacional de México.

DOMINIQUE A "Spirales"

Dominique A está de regreso con "Spirales", un disco  con disciséis nuevas canciones que será lanzado el próximo 9 de octubre. De momento ya ha ido anticipando su contendio con algunas piezas que ha dado a conocer, la última es esta “La terre à personne”, que llega tras “Un jour j’ai disparu”, y la sombría“Bromure”.
En palabras del artista: “el tema “La terre à personne” aborda el concepto de “Spirales”. La palabra resonó en mí desde el momento en que surgió. En geometría, el término en singular se refiere a “una curva plana que describe revoluciones alrededor de un punto fijo mientras se aleja progresivamente de él”. Lo vi como una posible metáfora del proceso de composición, especialmente cuando las canciones se basan en recuerdos que, como cualquier recuerdo que se precie, tienden a escaparse justo cuando intentas aferrarte a ellos”.

Un jour j'ai disparu (Un día desaparecí ), habla sobre amistades perdidas y desvanecidas. Como suele ser habitual, el videoclip de esta última canción está dirigido por Gaëtan Chataigner. En el disco "Spirales" Domique A está acompañado por los músicos Julien Noël (teclados), Sébastien Boisseau (contrabajo) y Étienne Bonhomme (batería).

Revendless “Amanecer”

 

El músico valenciano Adrián Camáñez, conocido por ser compositor, guitarrista y teclista de la banda Gazella lanza su nuevo proyecto en solitario al que ha denominado Revendless, con un álbum de debut, “Nostalgia”, en el que explora los límites del sonido, combinando lo analógico y lo digital, sintetizadores y voces que se acercan al pop de los años noventa. Una propuesta personal en la que se plantea cómo serían los recuerdos si tuviesen música de fondo.

Adrián ha viajado a su infancia para recrear sus recuerdos, sus emociones, con ritmos de ambient electrónico, IDM y electrónica experimental, a los que ha ido cubriendo con capas sonoras huyendo de las estructuras convencionales, así el resultado es muy abstracto. Los títulos de las diez canciones también refuerzan esa idea de búsqueda en la memoria, como la ensoñadora “Interior”, la luminosa “Todos esos días que decides ignorar” (con la voz de Raquel Palomino, de Gazella), el sonido shoegaze de “Némora”, la oscura "Caronte", la melancólica “Historia familia” o la fúnebre "Requiem", que ponde fin a este disco.

El quinteto valenciano, Gazella está ahora de parón tras dos espléndidos álbumes, aunque sí han prometiendo un tercero. Además de este proyecto de Adrián Camáñez  tiene otro paralelo con Jose De La Fuente llamado Hiss y atentos también a Rey Don Perro, el del batería Lluisen Capafons.

GREEN STAR "Teeth"

 

Green Star se ha convertido en uno de mis grupos favoritos, su debut el año pasado con 'bleeding swirls' fue toda una sorpresa al desencadenar la belleza del ruido. Un trabajo más que interesante en el que fusionaban la emoción del noise rock con las texturas sonoras del shoegaze, todo ello unido por las bases del pop. Originalmente, la banda estaba formada por tres miembros antes de convertirse en un cuarteto, un grupo mu internacional porque sus integrante proceden de distintos puntos del mundo, aunque sorpresivamente la mayoría son españoles: Lila Bobak es de Los Ángeles, el guitarrista Pedro Soler de Mallorca, Alberto De Torre de Madrid, y encontraron al nuevo integrante Daniel Rowson en su base de Londres. Se conocieron en una plataforma llamada joinmyband.com y rápidamente descubrieron su pasión compartida por bandas indie vanguardistas como Sonic Youth y Swirlies.
Acaban de compartir su nuevo sencillo 'teeth', el primer sencillo desde su primer EP. En esta ocasión apuestan por menos asperezas y un sonido más compacto, aunque sin perder esa cruda energía. Pedro Soler es el narrador de esta historia, aunque la voz de Lila Bobak se incorpora en el tramo final. La banda explica en un comunicado: "Teeth fue el primer tema que compusimos después de «Bleeding Swirls» el año pasado. Adoptamos un enfoque mucho más narrativo, creando un personaje ficticio cuya historia se desarrollará tanto musical como visualmente en los próximos lanzamientos, inclinándonos hacia una exploración más contemplativa de este mundo ficticio. Queríamos retratar este romanticismo roto con la realidad a través de las diferentes etapas de la vida de este personaje; en «Silver», vemos el mundo por primera vez como un retrato de erosión emocional, vulnerable y desafiante a la vez.
Es una canción que queríamos que transmitiera una sensación de suspensión, como si el tiempo se estirara mientras el resto del mundo se derrumba. La canción se sitúa en algún punto entre el deseo y la devastación, forjada a través del acto de aferrarse a algo que ya se está deshilachando".

El tema presenta a Silver, un personaje ficticio cuya historia continuará en la música y los vídeos que la banda lanzará próximamente. El vídeo que acompaña a la canción, dirigido por Edu de Miguel, sitúa a Silver dentro de una ciudad brutalista en miniatura construida a mano. "Construir a mano nos permitió mantener un artificio visible que la tecnología digital y la IA borran, haciendo que el mundo parezca artificial y surrealista", explica la banda.

EIRA "¿Y el resto del día?"

 

Eira, el proyecto personal de Miquel Allué fusiona indie, electrónica y pop alternativo. Su nueva etapa viene marcada por algunos sencillos que está editando como versos libres. El pasado julio publicaba "¿Y el resto del día?" y hace unos días daba a conocer "Interior", donde combina pop con un sonido luminoso. Cada tema explora una reflexión sobre las incertidumbres y la complejidad de la sociedad actual.
Después de 6 años al frente de Pull My Strings, Miquel Allué decide que es el momento de iniciar su proyecto en solitario. Su primer disco llega en 2016 “Magritte”. Dos años más tarde , graba en Dublín su segundo disco "EXO"(2018). Ya en 2020, en plena pandemia, Eira decide grabar su tercer disco "Manantial". Todas las canciones de Eira son propias. Compone, graba y produce todos sus temas en su pequeño estudio situado en Lleida. Además, también ha producido a algunos artistas locales como Abril o Jeanra.

WEEZER "C.E.O."

 

Este nuevo tema "C.E.O." es el tercer adelanto del vigésimo álbum de estudio de Weezer, titulado de forma homónima pero que ya es conocido extra oficialmente como el 'Gold Album' , previsto para su lanzamiento el próximo 21 de agosto. La canción rinde homenaje y funciona como una secuela temática y musical de uno de sus mayores éxitos de 1994, "Undone (The Sweater Song)".
En el tema ironizan sobre el paso del tiempo y la presión por responder a las expectativas que uno mismo se impone con versos como: "Cranking out another nineties jam / Wish I could do something new / But nobody wants to hear that, They just want the classics". Un tema que han escrito conjuntamente Rivers Cuomo y Patrick Wilson, algo que no ocurría desde el debut de 1994.llega acompañado de un videoclip en el que recrean parte del vídeo de "Undone (The Sweater Song)" y en el que aparecen haciendo cameos, entre otros, el skater Tony Hawk, los actores Giovanni Ribisi y Christopher Mintz-Plasse (el famoso McLovin de Supersalidos), o Curry Barker, director de Obsessions que ejerce como realizador en el propio vídeo.
La banda inciará el 8 de septiembre en Sacramento una gira denominada "Weezer: The Gathering" que recorrerá el continente norteamericano hasta el 24 de octubre, fecha en la que cerrarán ese bloque de conciertos con un show ya agotado en Los Ángeles. Tras una pausa a finales de año, Weezer ha extendido su gira mundial añadiendo nuevas fechas programadas para 2027. Este nuevo bloque de presentaciones dará inicio el 12 de febrero en Tokio e incluirá conciertos en varias capitales y ciudades europeas como Dublín, Glasgow, Londres, París, Ámsterdam y un show final en Helsinki el 1 de junio. Lamentablemente no pasarán por nuestro país.

RAQUEL LÚA "Eclipse"

 

Hoy es el día, 12 de agosto, por fin ha llegará el tan cacareado eclipse y más allá de recordarte seguir las recomendaciones para verlo sin poner en riesgo la salud de tus ojos te traigo una canción muy adecuada para ver este fenómeno astronómico. La artista barcelonesa Raquel Lúa ha decidido ponerle banda sonora. La pieza cómo no se titula "Eclipse" y usa el acontecimiento como metáfora para hablar de esperanza, de que la luz no desaparece aunque haya algo que nos impida verla en ciertos momentos. La compositora ha querido poner música a ese momento, creando una canción que nace precisamente de la necesidad de convertir en sonido una experiencia tan especial como es ver cómo la luz desaparece durante unos instantes. Una propuesta que une música y naturaleza y que encuentra en el eclipse su punto de partida.
“Eclipse” llega así como una pieza concebida para una fecha concreta, pero con vocación de permanecer más allá de ese día. Raquel Lúa, después de presentar su último disco en Sudamérica, arranca el camino hacia un nuevo trabajo discográfico previsto para mediados de 2027.

BLOOD RED SHOES "Useless Sentiment"

 

Blood Red Shoes están de regreso vuelven con una nueva canción, “Useless Sentiment”, demostrando que después de tantos años siguen teniendo una manera muy particular de entender el rock alternativo. El dúo formado por Laura-Mary Carter y Steven Ansell, originarios de Brighton con esa sección de "guitarra-batería" es sin duda una de las bandas más infravaloradas del panorma musical, a pesar de que llevan 20 años de carrera.
"Useless Sentiment” recupera esa combinación tan característica de la banda entre delicadeza y tensión, en una canción que avanza de manera contenida, mientras las guitarras construyen una atmósfera envolvente y ligeramente oscura. Sorprenden con "Useless Sentiment" que me recuerda mucho al estilo de The Ting Tings.
El título, “Useless Sentiment”, parece resumir bastante bien el carácter emocional de la canción. Hay cierta sensación de distancia y desencanto, pero también una belleza extraña en la manera en que la banda convierte esos sentimientos en música. Una nueva muestra del buen estado de forma de Blood Red Shoes, capaces de seguir haciendo canciones personales y reconocibles sin necesidad de recurrir a fórmulas demasiado evidentes. En la cara B incluyen otro tema nuevo titulado "Don't Say A Word" mucho más relajado y menos interesante.