The Who publicarán el 31 de marzo "With orchestra live at Wembley", un álbum que recoge su concierto del 6 de julio de 2019 en el estadio de en el Wembley Stadium de Londres, un show que dio la banda hace 4 años, justo antes de la pandemia. En este disco figuran temas que no pueden faltar en cada directo de la banda británica como "Pinball Wizard", "Won't Get Fooled Again" y "Baba O'Riley", además de algunos incluidos en su último álbum de 2019 "Who". "The Who With Orchestra Live at Wembley" se lanzará en múltiples formatos, incluido un CD, dos CD/Blu-ray con audio Dolby Atmos, triple vinilo negro y un juego de vinilo amarillo, naranja y rojo de edición limitada. En paralelo al anuncio de este lanzamiento The Who avisa de una nueva gira por Reino Unido con una orquesta para este verano. Entre todas las paradas se está el Castillo de Edimburgo, el que será su primer show en la capital escocesa en más de 40 años: "Después de estar sin hacer giras por el Reino Unido durante seis años, es genial que en este momento de nuestras carreras tengamos la oportunidad de ir a lugares que no están en el mapa habitual de las giras. El Castillo de Edimburgo y el Derby, así como otras ciudades del país hará que esto sea muy especial para mí", ha indicado el cantante Roger Daltrey en un comunicado. "Esta oportunidad les dará a nuestros fanáticos de UK Who la oportunidad de escuchar nuestro espectáculo actual, que, con la adición de una orquesta, lleva nuestra música a nuevas alturas". Hay que recordar que el próximo 14 de junio, la mítica banda británica hará parada en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Estamos a las puertas de recibir el duodécimo álbum de la legendaria banda británica, al que van a llamar simplemente “Who”. Casi con cuentagotas han ido dando a conocer algunos temas: “Ball & Chain”,sobre el centro de detención de Guantánamo y los poderes que rodavía lo tienen abiertoy “All This Music Must Fade”, sobre el plagio en el rock. Ahora va por el tercero, titulado “I Don’t Wanna Get Wise”. Según lo han definido es “la canción más retrospectiva del nuevo álbum”. A través de un comunicado, Townshend afirmó que el tema “tiene un estilo de mediados de los 70, como una canción de un álbum como Who By Numbers. Advertencia: no envejezcas. Puede ser sabio”. En tanto el resto de canciones del nuevo disco “cubren una variedad de temas que incluyen el incendio de la Torre Grenfell, el robo musical, la espiritualidad, la reencarnación, el poder de la memoria y una vieja estrella de rock que ha perdido la cordura”. El primer disco en trece años "Who" llegará el próximo 6 de diciembre. Daltrey y Townshend han dicho sobre Who: "Creo hicimos nuestro mejor álbum desde Quadrophenia en 1973. Pete (Townshend) no lo ha perdido, sigue siendo un escritor fabuloso y sigue teniendo ese filo cortante", a lo que el guitarrista añade: "Este álbum tiene canciones nuevas escritas el año pasado, con dos excepciones. No hay un tema, concepto, historia, solo un set de canciones que escribimos para dar a Roger alguna inspiración, retos y alcance a su nueva y revivida voz. Roger y yo somos hombres viejos, he tratado de estar lejos del romance y de la nostalgia, si es posible. No quiero sentir a nadie incómodo. Los recuerdos están bien y algunas canciones se refieren a las cosas explosivas de hoy".
The Who vive un gran momento de actividad. Roger Daltrey y Pete Townshend recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Londres y Townshend, de 74 años acaba de presentar su novela, “La era de la ansiedad”, en la que abundan los pasajes sobre sexo, drogas y rock & roll. “Diría que el libro surge a 80 por ciento de la realidad. He observado mucho lo que me rodeaba y también hay bastantes hechos autobiográficos”, afirma el músico.
La legendaria banda británica The Who vuelve a la actualidad discográfica con la publicación de un nuevo álbum en directo titulado "Live at Eden Project", que será publicado el 29 de mayo. Fue grabado, con el acompañamiento de la Heart of England Philharmonic Orchestra, en un evento medioambiental en la localidad inglesa de St. Austell, en el condado de Cornualles, durante la gira 'The Who Hits Back!', en 2023. Se presenta como un nuevo documento sonoro de la histórica trayectoria de la formación. A lo largo del concierto se suceden canciones que han marcado varias generaciones dentro del rock, con la energía característica que siempre ha definido las actuaciones en directo de The Who. "Live at Eden Project" estará disponible en digipak de dos cedés, en tres elepés, en digital y en una edición limitada de tres elepés en vinilo reciclado. Como adelanto del lanzamiento se ha dado a conocer una versión en vivo de "Baba O'Riley", uno de los temas más emblemáticos del grupo, originalmente incluido en el álbum "Who's Next". La grabación recoge la fuerza del público y el carácter épico de la canción en directo, con el característico arranque de sintetizador y el desarrollo instrumental que la ha convertido en uno de los momentos más celebrados de los conciertos de la banda.
Los viejos rockeros nunca mueren. The Who han grabado su primera canción nueva desde hace ocho años, a la que han titulado "Be Lucky" y que previsiblemente estará incluida en el disco con el que conmemorarán sus 50 años en la música. Según destacan algunos medios británicos, la canción hace referencia a las bandas AC/DC y Daft Punk. En primer lugar, The Who cantan "You wanna climb without a safety line/ AC/DC's gonna be fine", una letra que suena agridulce, debido al anuncio esta semana de los problemas de demencia de Malcolm Young. La referencia a Daft Punk suena parecida, aunque no tan lacónica: "You want to climb without a safety line/ Daft Punk will tell you that it's gonna be fine". La banda ha informado que los beneficios generados por esta canción irán a dar a una asociación caritativa contra el cáncer creada por los líderes del grupo, Roger Daltrey y Pete Townshend, únicos miembros originales supervivientes. El nuevo álbum ha sido producido por Dave Eringa, conocido por su trabajo con los roqueros alternativos de Manic Street Preachers.
El disco se llamará "The Who Hits 50!" y saldrá a la venta el próximo 27 de octubre, ocho años después de la publicación de su último trabajo hasta la fecha, "Endless wire", y unas semanas antes de que empiecen su tour por Europa. El 26 de noviembre arrancarán una gira que comenzará en Dublín y seguirá en Belfast, Glasgow, Leeds, Nottingham, Birmingham, Newcastle, Liverpool, Manchester, Cardiff y que terminarán el 17 y 18 de diciembre en Londres.
The Who inmortalizará el 10 de junio con un nuevo lanzamiento en varios formatos la gira que realizaron entre 2012 y 2013 y en la que interpretaron íntegramente su mítica ópera rock "Quadrophenia", así como algunos de sus grandes éxitos. "Quadrophenia: Live in London", estará disponible en DVD, Blu-ray, Blue-ray con el álbum original por primera vez en 5.1, doble CD, caja de metal de lujo en edición limitada y varios formatos digitales. Para este trabajo, los británicos comandados por Roger Daltrey y Pete Townshend grabaron el concierto de clausura de la gira "Quadrophenia and More Tour", que ofrecieron el 8 de julio de 2013 en el Wembley Arena de Londres en conmemoración del 40 aniversario de la publicación de esa pieza fundamental de su repertorio. La película del concierto, que combina material de archivo de The Who con imágenes de acontecimientos históricos de las últimas cuatro décadas, permite disfrutar de cortes de "Quadrophenia" como "The Real Me," "The Punk And The Godfather" y "Love Reign O'er Me" y recupera a dos de los miembros de la formación clásica, John Entwistle en "5:15" y Keith Moon en "Bell Boy". Además, suenan clásicos como "Pinball Wizard," "Who Are You," "You Better You Bet," "Baba O'Riley," "Won't Get Fooled Again" y "Tea & Theatre". Recordar que el éxito del disco doble "Quadrophenia", llevó al director Franc Roddam a rodar una película del mismo nombre.
The Who se apunta también a la moda de estrenar en cines conciertos recientes. En este caso estamos ante "Live in Hyde Park", show con el que la banda británica celebró sus 50 años en Londres. Se podrá ver en salas de cine de toda España a partir del 15 de octubre y por un tiempo limitado. Filmado en junio de este año, la pelícuala es una oportunidad para los fans de experimentar el cierre de la gira "The Who Hits 50!". Desde el inicio con "Can't Explain", en el film van desfilando otras míticas canciones como: "Who Are You", '"My Generation", "I Can See For Miles", "Pinball Wizard", "See Me Feel Me", "Baba O'Riley" o "Won't Get Fooled Again", entre otras.
El filme también incluye entrevistas con los líderes de la banda, Pete Townshend y Roger Daltrey, además de otras leyendas del rock como Iggy Pop, Robert Plant o Johnny Marr. En la proyección en salas, además, se podrán ver más minutos de entrevistas, en un montaje extendido para la ocasión.
Entre los nombres luminosos de The Beatles y los Rolling Stones, a veces podemos olvidar que The Who también conquistaron la gloria y ocuparon el trono de dioses de la música. La mítica banda británica reedita uno de sus grandes hitos, "Tommy" (1969), con 24 temas que pueden aún hoy sorprender a muchos modernos. Fue una de las primeras óperas rock. En 1975 el director Ken Russell la trasladó a la gran pantalla. La película reunió a grandes celebridades del rock'n roll entre los que figuraban Eric Clapton, Tina Turner o Elthon John, pero también actores de la talla de: Oliver Reed, Jack Nicholson, Ann Margret, Robert Powell o Paul Nicholas. No sería la última vez que The Who llegarían al cine, todos recordamos con cariño aquel canto a los mods titulado"Quadrophenia".
Los estadounidenses Garbage regresan con su séptimo disco de estudio, tras la publicación de “Strange Little Birds” en 2016. Asegura la banda que la numerología aplicada al “7” afectó a la concepción del álbum desde el principio: las siete virtudes, los siete dolores y los siete pecados capitales. Esta era la forma de "dar sentido a lo loco que es el mundo en el que vivimos y el asombroso caos en el que estamos”. Por eso Garbage advierte que este es el disco que estaban obligados a hacer en este momento concreto. “No Gods No Matters” saldrá a la venta el próximo 11 de junio, con once nuevas canciones, entre ellas este adelanto. “The Men Who Rule The World” es una canción con un incendiario eslogan anti-patriarcado, así lo expresan desde el arranque:"Los hombres que gobiernan el mundo han montado un desastre tremendo, esta es la historia del poder, y de la adoración del éxito". Para luego convertir el estribillo: "Odia al violador, destruye al violador", en un himno fenomenal para gritar en los estadios. "El tema es una acusación incendiaria y una llamada a las armas, una exhibición sónica poderosa que marca el tono del contenido del próximo álbum de la banda. Como crítica al auge de la miopía capitalista, el racismo, el sexismo y la misoginia en todo el mundo", indican en un comunicado. Su vocalista Shirley Manson señala que este será un violento y subversivo nuevo álbum de la banda, donde van a criticar temas como el capitalismo o la lujuria, la pérdida y el dolor. "Era nuestra manera de tratar de dar sentido a lo jodidamente loco que se ha vuelto este mundo y el asombroso caos en el que nos encontramos. Es el disco que sentimos que teníamos que hacer en este momento", explica.
El videoclip de “The Men Who Rule The World” ha sido realizado por por el director de cine, animador y pintor chileno Javi Miamor. El grupo de Wisconsin ha contado en la producción del disco con el habitual Billy Bush (Muse, Ash, Against Me!, L7, …). El álbum se empezóa gestar en el verano de 2018 en el desierto de Palm Springs. El cuarteto se reunió en la casa de uno de los familiares de Steve Marker y preparó el esqueleto de las canciones durante dos semana. Luego grabaron todo en demos y se dieron un respiro, para volver a reunirse en Los Ángeles más adelante y terminar el disco. Garbage lanzará una versión deluxe en CD y Digital de "No Gods No Masters", que incluirá versiones de temas clásicos, como “Starman” de David Bowie o “Because the Night”, escrita por Patti Smith y Bruce Springsteen.
Hoy vuelve a reeditarse "The Man Who Sold The World", el tercer álbum de estudio de David Bowie, no es una de sus obras más conocidas, pero sí unos de los más oscuros, en el que se adentraba en temas tan polémicos como la religión o la guerra. El músico lo tituló como "Metrobolist", pero no resultaba comercial para la discográfica, ahora recupera el nombre que ideó Bowie y que era un homenaje a la película "Metropolis" (1927) de Fritz Lang, que siempre le despertó una gran admiración. Hubo más discrepancias, por ejemplo la portada o las portadas, ya que se hicieron al menos dos versiones de la misma. Para el mercado estadounidense se utilizó una ilustración de Mike Weller, con un "cowboy" inspirado en la figura del actor John Wayne ante una clínica mental, el mismo lugar en el que había permanecido internado un familiar próximo de Bowie. Finalmente esta es la que acompañará la reedición del álbum, y no la más conocida, la que se hizo para el mercado británico y que terminó lanzándose en el resto del mundo, con Bowie fotografiado por Michael Fish con un extravagante vestido azul. "The Man Who Sold The World" también resultó un disco trascendental en la carrera del Duque Blancoi porque se aliaba por primera vez con el batería Mick Woodmansey y el guitarrista Mick Ronson, quien jugó un papel fundamental en la dirección musical. Este último se encargó de los arreglos, ideó melodías para el sintetizador e impulsó el uso de un bajo Gibson. En el álbum destacan piezas como "She Shook Me Cold" o "Black Country Rock" Bowie imprimió su energía más agresiva en cortes como o "Saviour Machine" o "The Man Who Sold The World", la que terminó dando nombre al disco y que a su vez se inspiraba en el título del libro "El hombre que vendió la luna" de Robert A. Heinlein. En su retorno al mercado, "Metrobolist" se han remezclado todos los temas excepto "After All", por considerarla perfecta como estaba. Tendrá una versión en vinilo negro de 180 gramos, así como en color dorado y en color blano en ediciones limitadas.
Morrissey regresa con las pilas cargadas y con muy mala baba. La portada es ya una provocación, pero en el nuevo disco carga contra figuras políticas, cuestionando la autoridad y disparando contra las mentes bienpensantes. Algunos de los títulos del nuevo álbum nos dejan claras sus intenciones: "Israel", "Who Will Protect Us From the Police?" y "The Girl from Tel-Aviv Who Wouldn’t Kneel".
El ex-vocalista de The Smiths ya publicó en 2013 una autobiografía incendiaria que resultó un éxito de ventas y 2014 reveló que se había sometido hasta en cuatro ocasiones a distintos tratamientos para luchar contra el cáncer.
El artista británico estrena el primer single "Spent the day in bed", un tema que nos recuerda al mejor Morrissey. La letra es una oda a la pereza, como antídoto contra los terribles acontecimientos de nuestro tiempo, mientras canta: "StopWatching the news, because the news contrives to frighten you". El disco se pondrá a la venta el 17 de noviembre con el título “Low In High School” Es el primer material del artista en tres años, desde que en 2014 publicó su último trabajo, "World Peace Is None of Your Business". Los doce temas que compondrán el disco han sido grabados en La Fabrique Studios en Saint-Rémy-de-Provence (Francia) y en Forum Studios, los estudios de Ennio Morricone en Roma. El undécimo disco de la carrera de Morrissey ha sido producido por Joe Chiccarelli, quien también ha colaborado con artistas como The Strokes, Beck y The White Stripes.
Estamos ante lo que podríamos llamar una super banda, los integrantes de Mantra of the Cosmos son Shaun Ryder (de Happy Mondays), Zak Starkey (The Who, Oasis), Andy Bell (Oasis, Ride) y Bez (Happy Mondays, Black Grape). Acaban de lanzar su primera canción oficial llamada "Gorilla Guerilla", una composición que formará parte de un disco que está en camino, marcado por los sonidos electrónicos y dubby.
La canción ha sido descrita como "una pieza psicodélica fantástica proveniente de una banda de inadaptados, extraños e innovadores", así que el videoclip que la acompaña está a la altura de las necesidades, con coloridos exuberantes, dirigido por Olli Ryder, hijo de Shaun Ryder. El grupo británico aclara que si bien cada miembro arrastra las influencias de los proyectos de los que formó parte, la música que hacen no se parece a nada que hayan hecho con anterioridad: "No suena como Mondays o Black Grape u Oasis o The Who, es lo que hacemos todos juntos".
El británico Jim Rodford, bajista de The Kinks y The Zombies, falleció este sábado a los 76 años, según informaron miembros de su familia y amigos. Fue el músico Rod Argent el primero en informar del fallecimiento de su "querido primo y amigo de por vida al caerse por unas escaleras", y lo hizo en la página oficial del grupo 'The Zombies' en Facebook y en su cuenta en la red social Twitter. El músico Dave Davies, uno de los miembros fundadores de The Kinks, también rindió en su cuenta de Twitter un sentido homenaje a su excolega, cuya "repentina pérdida" le ha dejado "devastado". "Estoy demasiado destrozado para expresarme con palabras. Es un shock, siempre pensé que Jim viviría para siempre", destacó Davies, al describir al mítico bajista como "gran amigo, gran músico, gran hombre" y "una parte integral" de The Kinks. Jim Rodford fue el bajista de The Kinks durante 19 años, desde 1978 hasta que se disolvió la banda en 1996. No obstante, la banda estuvo en activo de forma intermitente durante tres décadas, con actuaciones puntuales como la que tuvieron en los Juegos Olímpicos de Londres 2012. El legado de esta influyente banda británica, coetánea de The Who, The Animals, Rolling Stones o los Beatles, está compuesto por 23 discos de estudio, de 'Kinks' (1964) a 'Phobia' (1993). En el 2004, Rodford se unió a The Zombies, un grupo musical con el que estuvo estrechamente asociado desde principios de la década de 1960, y permaneció como su bajista hasta su muerte. También tocaba en las bandas The Swinging Blue Jeans y The Kast Off Kinks.
El tercer álbum de The Who se editó originalmente en 1967. Por aquel entonces había colocado algunas canciones sueltas en las listas de éxito, se daban a conocer en EEUU en festivales como el de Monterey y comprendieron durante el verano del amor que se iba a imponer el disco de larga duración como producto para vender. Pete Townshend, Roger Daltrey y compañía compusieron una colección de canciones que mantenían un hilo argumental, en el que daban homenaje a las radios piratas,instaladas en barcos situados en alta mar para burlar la legislación, y que fueron decisivos para difundir la llegada imparable del rock and roll entre la juventud británica. Entre aquellas canciones figuran: “I Can See For Miles”, “Tattoo”, “Relax”, “Mary Ann With The Shaky Hand” o la aparición de pasajes instrumentales como en “Rael” que acabarían formando parte de “Tommy”. Esta edición Super Deluxe incluye cinco compactos, dos singles de vinilo y cuenta con un precioso libro de tapa dura, donde se describe de forma extensa cada canción, con diversos textos muy ilustrativos (en inglés). Evidentemente el material aporta remezclas, primeras versiones, canciones grabadas en mono, jingles descartados, etc. El quinto CD está dedicado a demos de Townshend que revelan un extraordinario trabajo previo a la llegada del grupo al estudio. Extenso material que la verdad si no es para los grandes fans tampoco aporta nada, ya que en 1995, apareció una versión en CD con temas extras, seguida en 2009 de una edición Deluxe en doble CD.
En 1970 The Doors se presentaron en el festival Isle of Wight, aquel fue el último concierto filmado de la banda. Una oportunidad única para ver a Jim Morrison en estado de gracia poco antes de su fallecimiento. La grabación no sólo está destinada a nostálgicos es también una ocasión memorable para descubrir a una de las grandes estrellas del rock de todos los tiempos. Desde el miércoles 26 hasta el domingo 30 de agosto de 1970, más de 600.000 jóvenes invadían aquella pequeña porción de tierra que sólo estaba habitada por 90.000 personas. El Festival de la Isla de Wight cambió la historia de los festivales multitudinarios. Y quienes hicieron allí su música cambiaron, de paso, gran parte de la historia sonora de nuestro tiempo. Hubo mucha más gente junta en la diminuta isla de Wight que en el gran festival de Woodstock, celebrado el año anterior en los Estados Unidos. Wight resultó, entonces, récord absoluto de asistencia para encuentros de rock. Aún hoy, en 2010, no ha existido jamás un festival de rock tan masivo en territorio del Reino Unido, ni Knebworth, ni Live Aid, ni Reading … Durante cinco noches consecutivas en Wight, tocaron más de cincuenta artistas entre los que se encontraban Miles Davis, Jimi Hendrix, los Who, Ten Years After, Joni Mitchell, Emerson, Lake & Palmer, Donovan, Jethro Tull, Procol Harum, Chicago, Sly and the Family Stone, Gilberto Gil, Family, Supertramp, Free, Leonard Cohen,Moody Blues, Melanie, Pentangle o Joan Baez.
Jim Morrison llevaba 48 horas sin dormir y estaba muy bebido, lucia una camisa blanca bajo una chaqueta azul e iba con una barba muy poblada. The Doors subieron al escenario a las dos de la mañana del 30 de agosto. Arrancaron con "Backdoor man" y su actuación se prolongó durante más de una hora, en la que Jim encendió un cigarro tras otro, apenas sin moverse junto al pie del micrófono, con los ojos prácticamente cerrados durante todo el concierto.
El 23 de febrero se reeditará el DVD, Blu-ray, y DVD+CD, de Live At The Isle Of Wight Festival 1970, histórico concierto de los Doors, dirigido por Murray Lerner y ahora restaurado. Se incluye un documental de 17 minutos titulado “This Is The End”, entrevistas y material exclusivo registrado en la actualidad con los miembros de la banda y el manager original Bill Siddons.
Por cierto Jimi Hendrix moriría tres semanas después.
Los temas en directo incluidos en la grabación son:
“Roadhouse Blues” “Backdoor Man” “Break on Through (To the Other Side)” “When the Music’s Over” “Ship of Fools” “Light My Fire” “The End (medley): Across The Sea/Away in India/Crossroads Blues/Wake Up”.
Parece mentira pero el grupo Travis siguen en activo haciendo giras y sacando discos. De hecho, el último salió hace dos años. Pero no es lo que van a presentar en sus dos conciertos en España, aquí van a tocar “The Man Who”, 19 años después su lanzamiento. El disco íntegro en directo igual que entonces. La banda británica es consciente de que sus mejores años ya pasaron, así que explotan el álbum con el que alcanzaron el éxito mundial gracias a que se convirtió nueve veces en disco de platino. La experiencia puede ser convertirse en un viaje en el tiempo hasta 1999, cuando llegaron a estar 11 semanas en lo más alto de las listas británicas y convirtiéndose en una de las bandas más famosas del post-britpop. Todas aquellas canciones otra vez juntas, desde "Writing to reach you" hasta ese "Why does it always rain on me" que suele cerrar sus conciertos,aunque seguro que caen algunos de sus otros clásicos y algún tema más reciente. Se ha dicho que "The man who" era un disco blandito y un poco afectado, así es. Hoy domingo 3 de junio, lo interpretarán en La Riviera de Madrid y mañana lunes 4 de junio, Barcelona, Razzmatazz.
Ya sabes: que la caja registradora no pare de funcionar. Cuatro años después de su muerte, sigue apareciendo material inédito de David Bowie. El 17 de abril se lanzará, únicamente en plataformas de streaming "ChangesnowBowie", nueve cortes grabados y mezclados en los Looking Glass Studios de Nueva York a finales de 1996. Más tarde el día 20 de junio, se podrá obtener en formato físico, ya que se lanzará en LP y CD, con motivo de la celebración del Record Store Day 2020. Hablamos de un disco de grabaciones realizadas durante los ensayos que precedieron al concierto de cumpleaños del Duque Blanco en el Madison Square Garden, según detalla una nota de Parlophone Records. Como adelanto ya se puede escuchar una versión del clásico "The Man Who Sold the Word" incluida en el disco. Y el día 10 se lanzará el vídeo "Repetition´97", inédito hasta la fecha, filmado en los ensayos del Earthling Tour, en Hartford Connecticut. La versión de audio de esta grabación también estará disponible en todas las plataformas streaming a partir de esa fecha. "ChangesnowBowie" recoge el trabajo de finales de los 90 del compositor, durante la grabación y promoción de su álbum de 1997 "Earthling". El disco contiene clásicos inolvidables como "Lady Stardust", el ya mencionado "The Man Who Sold The World" o la versión de "White Light White Heat", de The Velvet Underground. Entre los músicos que acompañaron al cantante en estas sesiones se encontraban algunos de sus colaboradores habituales como Gail Ann Dorsey al bajo y voz, así como Reeves Gabrels, a la guitarra, quien definió el sonido del Duque blanco durante los años 80 y 90. La portada incluye un retrato del artista en blanco y negro tomado por el fotógrafo Albert Watson en 1996.
El cuarteto de Brighton The Kooks eran en sus inicios una banda prometedora, llena de juventud y chulería, con gracia y canciones que desbordaban frescura. Sus primeros discos estaban plagados de hits inmediatos, pero la madurez les ha hecho perder pulso. Han pasado diez años desde que debutaran como banda, con “Inside In/Inside Out” en 2006, así que ante la falta de ideas brillantes el remedio es editar un grandes éxitos, refugiarse en las canciones de siempre y hacer que la máquina registradora siga funcionando. Un recopilatorio donde incorporan dos temas nuevos, el primer single “Be Who You Are” y “Broken Vow”, canciones sin atractivo alguno. Otra cosa son sus grandes piezas: “Naive”, "She Moves In Her Own Way”, "Always where I need to be"o “Bad Habit”. Las listas son discutibles y siempre podremos encontrar a faltar algún tema como "Rosie"
Su chulería se ha convertido con el tiempo en soberbia, para promocionar este lanzamiento su cantante Luke decía:“Ha sido un enorme placer trabajar, viajar, luchar, odiar y amar a toda esa gente maravillosa y llena de talento que se ha cruzado en mi camino. Tenemos el mejor trabajo del mundo y no entra en nuestros planes dejar de hacerlo en un futuro próximo”.
Este grandes éxitos recoge distintas canciones de sus cuatro discos de estudio, que tampoco son tantos:
1.Naive - 3:25
2.Always where I need to be - 2:41
3.Junk of the heart (Happy) - 3:07
4.Bad habit - 3:41
5.She moves in her own way - 2:49
6.Shine on - 3:15
7.Seaside - 1:39
8.Down - 2:43
9.Sofa song - 2:14
10.Is it me - 3:29
11.You don't love me - 2:35
12.Forgive & forget - 3:57
13.Ooh la - 3:32
14.Sway - 3:37
15.Eddie's gun - 2:14
16.Matchbox - 3:12
17.Be who you are - 3:54
18.Broken vow - 4:26
19.Naive [The Him Remix] - 3:27
El grupo escocés Primal Scream recalará hoy en Barcelona y en la Sala Zentral de Pamplona el próximo 7 de noviembre, en el marco de su gira europea de lanzamiento de su último álbum, un recopilatorio editado en mayo y que titularon "Maximun Rock 'n' Roll-The Singles". El grupo, que inició su andadura en Escocia en la década de los 80, repasará sus mejores temas. La gira empezó en noviembre en el O2 de Londres y, entre los temas que incluye destacan canciones como "Movin' On Up", "Loaded", "Rocks" y "Kill All Hippies", entre otras. Su último disco resultará muy adecuado para los que quieren descubrir a una banda imprescindible, otros pensarán que es una forma de recopilar algunos de sus mejpores temas, aunque suiempre habrá que recordar su mejor trabajo es un álbum histórico titulado "Screamadelica". Con su tercer disco, y fuertemente influenciados por el éxtasis, Primal Scream revolucionó el rock del momento al unirlo con la música dance. La portada del álbum hoy es todo un icono que terminó hasta en un sello de correos. Ninguna portada como la de este último representaría mejor lo que pasaba entonces en el mundo de la música, la revolución del acid house de finales de los ochenta, lo que en el Reino Unido se dio en llamar «el Segundo Verano del Amor».
Recordemos que en 1991 todos los astros se conjuraron para dar lugar a una de las cosechas de discos más apabullante de las últimas décadas, sino la que más. En aquellos doce meses se publicaron, entre otros, «Nevermind» de Nirvana, «Out of Time» de R.E.M., «Bandwagonesque» de Teenage Fanclub, «Weld» de Neil Young, «Blue Lines» de Massive Attack, «Hymns to the silence» de Van Morrison, «Loveless» de My Bloody Valentine, «Achtung baby» de U2 o «Screamadelica» de Primal Scream. Durante las últimas tres décadas y media, Primal Scream lo ha abarcado todo, desde el pop psicodélico hasta el rock’n’roll degenerado; la queja eufórica o la oscuridad industrial. Por derecho propio se han convertido en parte del patrimonio musical británico. Lograron reconocimientos y premios, sobrevivieron al olvido de los narcóticos, el trauma personal y la muerte de su guitarrista Robert «Throb» Young, pero en ningún momento han dejado de sonar como Primal Scream. Y siempre han creado grandes singles Con "Screamadelica" (1991) la banda escocesa abrazó la cultura rave y definió una nueva psicodelia entroncada con el éxtasis. En "Give Out But Don't Give Up" (1994) y "Riot City Blues" (2006) se dejó seducir por el rock retro de influjo norteamericano, y en Vanishing Point "(1997), "XTRMNTR"(2000) y "Evil Heat" (2002) entregó un punk rock electrónico y combativo con el que también desarrolló sus mejores directos. A partir de "Riot City Blues" se ha evidenciado un bajón creativo con los casi ignorados "Beautiful Future" (2008), "More Light" (2013) y "Chaosmosis" (2016).
Gillespie y el guitarrista Andrew Innes son los únicos miembros que permanecen desde el primer álbum; en el segundo, Primal Scream (1989), se incorporó el teclista Martin Duffy, que venía del grupo de culto Felt. Por sus filas han pasado Mani (The Stone Roses), Kevin Shields y Debbie Googe (My Bloody Valentine), Barrie Cadogan (Little Barrie), Jim Bettie (Spirea X, Adventures In Stereo), Toby Tomanov (Nico, The Durutti Column), entre otros. En sus discos también hay colaboraciones de Robert Plant, Bernard Sumner (New Order), The Chemical Brothers, HAIM...y hasta con George Clinton o Kate Moss.
"Desde nuestro debut en 1985, All Fall Down, hemos abordado los singles como una opción estética, una declaración de dónde estamos como banda", dice Bobby Gillespie. “Crecimos escuchando Suffragette City y Metal Guru en la radio. Los cuatro singles de los Sex Pistols eran geniales. Public Image de PiL tenía un sonido único. Prince y Madonna hicieron hits increíbles. Esta ha sido la línea que hemos escogido. Siempre me ha encantado la radio pop Top 40, me encantan los grandes éxitos como Meaty, Beaty, Big & Bouncy de The Who. Recuerdo que Alan McGee dijo de Higher Than The Sun no sería un éxito, pero que sería una revelación. Los grandes singles pueden salir al mundo y mostrar a la gente una forma de pensar distinta. Te hacen sentir menos solo".
Woodstock quedará para siempre en el imaginario colectivo como el primer gran festival de música de la historia del rock. "Haz el amor y no la guerra", un festival único por su magnitud y el espíritu de unidad y paz que fue capaz de trasmitir. El 50 aniversario, que prometía ser un espectáculo inolvidable, ha quedado reducido a un puñado de eventos de escasa envergadura. Lejos queda la colosal fiesta, de unas 150 000 personas, que tenía planificada uno de los cofundadores del Woodstock original, Michael Lang, en la que iban a participar estrellas de la música como Jay-Z, The Killers, Santana, John Fogerty o Dead & Company. Como decía el cartel original, "Tres días de paz, amor y música", que en esta ocasión fueron anulados apenas dos semanas antes de las fechas previstas: el 16, 17 y 18 de agosto. "Nos entristece que una serie de contratiempos inesperados hayan hecho imposible organizar el festival que imaginábamos con el gran cartel que habíamos contratado y la respuesta social que preveíamos", dijo entonces Lang en un comunicado. En su ausencia, la ciudad de Nueva York marca el Woodstock 50 con una discreta exhibición de instantáneas de 1969: una treintena de fotos expuestas en una pequeña sala de la "Morrison Hotel Gallery", situada en el segundo piso de un anodino edificio del sur de Manhattan. En Bethel, la localidad rural donde tuvo lugar el histórico encuentro, un festival paralelo ha quedado reducido a una serie de tres conciertos en un recinto con una capacidad máxima de 15 000 personas.
Recientemente el historiador de música estadounidense Andy Zax ha logrado reeditar y compilar en orden cronológico la práctica totalidad de los conciertos vividos en 1969 para publicar un total de 36 horas de la música que se disfrutó en el festival. En 2005, el historiador encontró las cintas originales en las que se grabaron los 3 días de conciertos, y desde entonces, aunque no de manera continuada, se ha dedicado a este proyecto, que ha resultado en "Woodstock-Back to the Garden- The Definitive 50th Anniversary Archive", un grupo de 38 discos del que sólo se han puesto a la venta 1969 copias. Una lujosa y descomunal caja que, entre sus 38 discos, incluye también la actuación completa de Creedence Clearwater Revival en el festival. Eso sí, este lanzamiento de Rhino muy limitado y para coleccionistas, con 432 canciones y 36 horas de música, no es para todos los bolsillos, ya que su precio de 800 dólares (773 euros) es muy probable que suba mucho en la reventa en cuanto se agoten sus solo 1.969 copias comercializadas
Gracias a este material se edita también el concierto que Creedence Clearwater Revival dio en ese macroevento, un material que nunca se había publicado de manera oficial y completa hasta ahora. El doble vinilo. "Live at Woodstock" es el título de este lanzamiento de Craft Recordings, también disponible en CD, con el que la emblemática banda que lideró John Fogerty acaba con medio siglo de misterio y casi malditismo sobre aquella actuación cuyo recuerdo sobrevivió entre sus fans con grabaciones pirata y temas aislados en recopilatorios. Y es que pese a ser uno de los grupos más conocidos de aquel revolucionario y multitudinario evento que en 1969 prometió "tres días de paz y música", Creedence Clearwater Revival decidió que su recital no figurara en el documental "Woodstock" (1970) y que solo aparecieran temas sueltos en los discos que difundieron posteriormente. En aquel momento Creedence era la banda número uno del mundo, Junto a Doug Clifford, Stu Cook y su hermano Tom Fogerty, John Fogerty disfrutaba ese año de la explosión de un grupo que hacía gala de un abrasivo y emocionante rock de raíces que se reconocía como heredero del country y del blues. Su debut "Creedence Clearwater Revival" (1968) no había sido un exitazo, pero "Bayou Country" (1969) había puesto al conjunto en primera fila del rock de la contracultura con temas irresistibles como "Proud Mary". La industria, además, se movía a un ritmo muy diferente al actual: el grupo editó "Bayou Country" en enero de 1969, publicó "Green River" apenas un par de semanas antes de que Woodstock se celebrara a mediados de agosto, y aún tuvo tiempo de lanzar un tercer álbum, "Willy and the Poor Boys", antes de terminar el año. En ese contexto desembarcó el grupo en Woodstock, donde compartió cartel con la flor y nata de los años 60: Jimi Hendrix, Santana, Joan Baez, Grateful Dead, Janis Joplin, Sly and the Family Stone, The Who, Joe Cocker o Crosby, Stills, Nash & Young. "Nadie había visto algo así antes en medio de la nada", apunta el bajista Stu Cook en Billboard sobre la "impactante" imagen de cientos de miles de personas en el festival. "Sabías que era algo realmente trascendental y especial, pero yo estaba nervioso todo el tiempo que estuve ahí", admite, en cambio, John Fogerty. Creedence Clearwater Revival saltaron al escenario con gran retraso hacia la una de la mañana y calentaron motores con "Born on the Bayou". En los cincuenta minutos que aproximadamente duró su actuación, recogidos de principio a fin por "Live at Woodstock", sobresalen unas sabrosas y ardientes "Green River", "Bad Moon Rising" o "I Put a Spell on You", aunque para el final se reservaron dos largas excursiones sonoras de diez minutos cada una con "Keep on Chooglin'" y "Suzie Q". "Creo que tocamos bien y que en algunos momentos tocamos muy bien", ha reflexionado Stu Cook. El bajista ha dicho que fue "una pena" no haber aparecido en el documental, pero recalcó que él no estaba de acuerdo con esa decisión tomada por la banda, un ejemplo más de fricción en un grupo que se separó en 1972 de manera traumática y cuyos miembros mantuvieron disputas durante años.
The Monster Ones es una banda mallorquina de gustos heterogéneos, según explica la vocalista Cecile the Beast miembro fundador con "pinceladas de hard rock, glam rock, country, psychobilly, pasando por el punk rock más oscuro y misfitniano". Tras varios Eps lanzan por fin su primer disco largo repleto de buen sonido, de música que invita a saltar y que refleja el espíritu de la formación: "rock&roll, diversión, comic, cine, las cosas que nos apasionan". El pasado sábado 26 de marzo presentaron oficialmente este trabajo en con una fiesta en el club Tunnel de Palma, en la plaza Gomila, con concurso de disfraces, que aprovecharon para grabar tomas que usarán para su próximo videoclip. "We Are The Monsters" contiene 12 temas de rock honesto lleno de guiños como las letras de sus canciones "Alien Paradise", mi favorita; "Bloody Stones"; "The Man Who was The Death" o "Swamp Thing's Lover". La portada del disco es también todo un guiño, dibujada por el guitarrista de la banda Carpi Malone y coloreado por el ilustrador Alex Femenías es una "clara parodia-homenaje a la mítica portada del 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' de The Beatles", con ellos al frente, se pueden descubrir hasta 54 personajes del mundo del cine, el comic y el rock'n'roll. Han puesto a la venta un vinilo de color verde que puede encontrase en distintas tiendas del paíspuntos del territorio estatal y de momento puede encontrarse en El Beasto Shop (A Coruña), Revolver y Daily Records (Barcelona), In my Heart Empire (Euskadi) y Fierro Records (Zaragoza). Como curiosidad su trabajo ha sido reconocido por Steve Van Zandt (exguitarrista de Bruce Springteen), que en su programa de radio situó a su canción "Teenage Ramone" en el top 5 de canciones más "cool" del mundo.
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