Frank Zappa fue siempre un revolucionario, un tipo convulso e incasificable. Su música y su concepción del mundo artístico rompía moldes. No hubo personaje como él, incasificable y rompedor editó, en sus 52 años de vida, 60 discos, y cada uno es una obra hoy en día sorprendente. Él concebía la música como un vehículo de ideas», dice Manuel de la Fuente, autor de la primera biografía en castellano del músico estadounidense, 'Frank Zappa. La música se resiste a morir' (Alianza), y que llega ahora acompañada del lanzamiento de "Zappa", película dirigida por Alex Winter que se estrena el 1 de julio y también del reciente «Zappa ’88: The Last U.S. Show», un directo que el guitarrista guardaba en su descomunal archivo y que forma parte de las inmensas grabaciones que han puesto en las tiendas sus herederos desde el fallecimiento de Zappa en 1993. Hay que pensar que Zappa era un indivuduo con con una personalidad inigualable, con ujna múisca propia e inimitable, un discurso político sorprendente y rompedor. Acuña como método creativo el acrónimo AAAFNRA: ’'Anything, anytime, anywhere for no reason at all’'. Utiliza la música popular como arma política. Sus discos incorporan ideas políticas que son críticas con su tiempo e incorporan sonidos para entonces sorprendetes con gemidos, estornudos, eructos, gruñidos de cerdo y frases de políticos. Era un individualista contra los excesos del Estado Unidos. Declaró que el "Sueño Americano" era un producto de supermercado, consideraba que el sistema iba en contra del individuo. Zappa fue un músico imposible de categorizar. Incomprendido e incomprensible, es ahora tiempo de reivindicar su legado.
Frank Zappa era uno de esos artistas irrepetibles, un músico con mayúsculas multinstrumentista y con un poderío creativo desbordante, fallecido en 1993.. "Eat That Question" es un documental que recoge entrevistas y actuaciones, algunas inéditas hasta ahora, que muestran el espíritu cien por cien libre de este genio de la música. Dirigido por el cineasta alemán Thorsten Schütte cuenta con la aprobación de la familia de Zappa, "Eat That Question", que se estrenó el 24 de junio en Estados Unidos, nos presenta a un artista que luchó contra los convencionalismos y la censura que amenazaban, en su opinión, con pervertir la libertad de expresión. La figura de Zappa, que el pasado diciembre habría cumplido 75 años,supera el rock, la psicodelia, el jazz, la experimentación y la música orquestal del siglo XX. "Eat That Question" centra su atención en las entrevistas con la prensa, en las que abordaba los abusos de las discográficas, la moral puritana y defendía una libertad de expresión sin ataduras. Para evitar la fórmula típica del documental musical, el director Thorsten Schütte apuesta por archivos audiovisuales de todo el mundo en busca de las imágenes de Zappa hablando directamente a la cámara. Así, el documental refleja hechos tan singulares de la vida de Zappa como sus comparecencias en el Senado de Estados Unidos, a donde acudió para defender la libertad de expresión frente al Parents Music Resource Center, un grupo de presión a favor de restringir el sexo y la violencia en la música. EL documental refleja perfectamente que Zappa era más reconocido en Europa que en Estados Unidos, hasta el punto de que en Checoslovaquia llegó a ser nombrado embajador comercial. Frank era un tipo sarcástico y provocador. Su influencia sigue patente en las generaciones contemporáneas, porque será siempre uno de los músicos más originales.
Frank Zappa volverá los escenarios. Dicho así, resulta incomprensible, pero es que coincidiendo con el 25 aniversario de su muerte, Frank Zappa (1940-1993) regresará en 2018 en forma de holograma, algo que en los últimos tiempos parece haberse puesto de moda siguiendo así una tendencia marcada por otros ilustres difuntos como Ronnie James Dio o Selena. El legendario músico volverá a salir de gira como holograma gracias a una alianza entre The Zappa Family Trust y la empresa de producción EyeIlusion. Conciertos que todavía están por confirmar. En estos espectáculos se espera la participación de algunos de los músicos que tocaron en vida con él, como Steve Vai, Adrian Belew, Ian Underwood y Arthur Barrow, así como de varios miembros de la familia Zappa.
Así pues el rockero Frank Zappa, prolífico en su vida e incluso en su muerte a través de una serie de lanzamientos póstumos, regresará al escenario como un holograma, a pesar de que murió en 1993 de cáncer de próstata. Su música fusionó el hard rock y el jazz con un lirismo que bebía del dadaísmo. Su esposa Gail tomó el control de su patrimonio y relanzó toda su obra en unos 100 álbumes. Pero su muerte en 2013 desencadenó una disputa con su hijo Ahmet y su hija Diva que querían obtener beneficios de la música de su padre.
La producción para estos shows empezará a finales de este mismo año, por lo que el anuncio de la gira se espera para 2018. Los hologramas ingresaron a la industria masiva en 2012 cuando la leyenda del rap Tupac Shakur, asesinado en 1996, apareció en el festival de música de Coachella. Desde entonces, el recurso se ha vuelto cada vez más común, con la aparición de estrellas como Billie Holiday y Liberace resucitando en el escenario. Antes de que Frank Zappa vuelva a los escenarios de esta peculiar manera, el holograma de Dio visitará España en diciembre con dos fechas confirmadas: día 13 en la Sala Bikini de Barcelona y 15 de diciembre en el Escenario Santander.
Recopilan grabaciones inéditas de Frank Zappa en un nuevo disco que indican será doble. "Funky Nothingness" reúne temas jamás escuchados de Frank Zappa. Según informaron los herederos del músico, esta colección presenta un total de 23 grabaciones inéditas y podemos pues calificar de raras. Saldrá a la venta el próximo 30 de junio a través de Zappa/UMe, se cree que estaba destinada a ser una secuela directa de Hot Rats, el debut en solista del músico del año 1969. Ahora, y como adelanto de este material, sacaron a la luz la primera de estas canciones desconocidas llamada "Work With Me Annie/Annie Had a Baby". Al parecer todas estas grabaciones se registraron entre febrero y marzo de 1970, en las que Zappa toca con una banda formada por algunos de los músicos que participaron en "Hot Rats": el multiinstrumentista Ian Underwood, el violinista y vocalista Don "Sugarcane" Harris, el bajista Max Bennett y el baterista Aynsley Dunbar. "Funky Nothingness", incluye al menos tres composiciones escritas, dos versiones y varios segmentos instrumentales orientados a las improvisaciones,que son inéditos,Joe Travers, baterista y productor del material, a través de un comunicado ha indicado que "Es muy raro encontrar esa cantidad de música de un conjunto de sesiones que haya permanecido inédita durante tanto tiempo".
El pianista estadounidense Dr. John, uno de los grandes iconos de la música de Nueva Orleans (EE.UU.), ha fallecido este jueves a los 77 años de un ataque al corazón, según informó la cuenta oficial en Twitter del artista: "La familia agradece a los que compartieron con él su viaje musical único y pide privacidad en estos momentos". Cantante, pianista y compositor nacido como Malcolm John Rebennack Jr., Dr. John fue un maestro del piano que supo sintetizar en su obra la exuberante esencia de Nueva Orleans, una de las cunas de la música popular estadounidense. Dr. John por un esclavo traído de Senegal que, en el siglo XIX, alcanzó reputación como sacerdote del vudú. Jazz, rhythm and blues, psicodelia, vudú, boogie woogie, funk y rock se dieron la mano en una frondosa carrera que, para el gran público, alcanzó quizá su punto de mayor popularidad con "Such a Night", canción que Dr. John inmortalizó junto a The Band en el documental "The Last Waltz" (1978) "El gran vals" del cineasta Martin Scorsese. Dr. John perteneció a la ilustre estirpe de pianistas de Nueva Orleans en la que figuran otros nombres en mayúsculas como Professor Longhair, Fats Domino o Allen Toussaint. Ganador de seis premios Grammy y miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, "Su modo funky de combinar estilos musicales y su personalidad imaginativa ayudó a diversificar el sonido de Nueva Orleans", dijo Neil Portnow, presidente de la Academia de Grabación, que entrega los Grammy.
Dr. John se interesó por la música desde muy pequeño aunque su llegada al piano fue casi de rebote: debido a una pelea, perdió el dedo anular izquierdo tras recibir un disparo y eso le llevó a dejar de lado la guitarra para centrarse en las teclas. Dr. John trabajó como músico de sesión y colaborador en los años 60 para artistas como Aretha Franklin, Cher o Frank Zappa. Su vida también estuvo marcada por la dependencia a la heroína, que le valió un paso de dos años por la cárcel por posesión de estupefacientes.Su carrera en solitario comenzó con "Gris-Gris" (1968), un trabajo marcado por el misterioso y espiritual mundo del vudú, aunque los discos más conocidos de su carrera llegaron en la década de los 70 con álbumes como "Dr. John's Gumbo" (1972) o "In the Right Place" (1973). "Locked Down", publicado en 2012 y producido por Dan Auerbach, el cantante y guitarrista de The Black Keys, fue su último disco de estudio, aunque Dr. John siguió actuando en público y llevando el sonido de Nueva Orleans a todo el mundo hasta 2017, cuando decidió finalmente retirarse.
Pink Floyd acaba de lanzar una colección de CD Books individuales de las primeras grabaciones de la banda desde 1965 a 1972. Los 6 volúmenes individuales se editaron con anterioridad como parte de la caja para coleccionistas "The Early Years 1965-1972". Esa caja publicada el pasado mes de noviembre, en donde fue incluido todo este contenido, se considera una de las mejores del año 2016, pero ahora estarán disponibles en volúmenes individuales, divididos cronológicamente en los años 1965-1967, 1968, 1969, 1970, 1971 y finalmente 1972.
Sin Pink Floyd es una de las bandas más relevantes e influyentes de la historia del rock, con esta colección tanto los fans de la primera época de la banda con Syd Barrett, como los que lo sean de la época previa a ‘The Dark Side of The Moon" o los recién llegados, encontrarán seguro en estos discos algo atractivo de la banda.
1965-1967 CAMBRIDGE ST/ATION – 2 CDs / DVD / Blu-ray
Abarca la época de Syd Barrett en la banda, desde las maquetas previas a EMI, a los temas que no fueron singles de álbumes y piezas relacionadas, el primer volumen también contiene algunas canciones inéditas como "Vegetable Man" e "In The Beechwoods" (mezclada nuevamente), además de grabaciones de sesiones de la BBC. Pink Floyd también han adquirido las cintas de la grabación de un concierto realizado en Estocolmo en 1967 inédito hasta la fecha.
El formato DVD/Blu-ray incluye apariciones televisivas históricas además de material fílmico propio de la banda:
· Primeras grabaciones de 1965 y primeros singles
· Vegetable Man, In The Beechwoods, John Latham, Concierto de Estocolmo
· Videos de Promo, apariciones de TV, imágenes raras
· Réplica de memorabilia del periodo
1968 GERMIN/ATION – CD / DVD / Blu-ray
Este volumen explora el tiempo inmediatamente posterior a la marcha de Syd Barrett, cuando Pink Floyd todavía componían singles y al mismo tiempo desarrollaban su peculiar estilo propio, con mayor base instrumental. Hay singles no editados en álbumes y una sesión que ha sido descubierta recientemente en los estudios de Capitol Records, en Los Ángeles, sesiones de la BBC y otros temas.
El DVD/Blu-ray incluye el video clip de promo restaurado recientemente del tema Point Me At The Sky, algunas actuaciones de TV internacionales y una selección de canciones de otros programas televisivos:
· Primeros singles, sesiones de Radio de la BBC
· Temas de los Estudios Capitol, LA.
· Videoclip de Promo, apariciones de TV, imágenes raras.
· Réplica de memorabilia del periodo.
1969 DRAMATIS/ATION – 2 CDs / DVD / Blu-ray
En 1969 Pink Floyd desvelaron su producción conceptual estructurada en dos partes ‘The Man’ y ‘The Journey’, que cubre un periodo de 24-h de sueño, vigilia y otras actividades. Nunca se editó en dicho formato, aunque algunos de los temas se usaron en la banda sonora de ‘More’ y en el álbum ‘Ummagumma’. Este volumen se remonta a la gira de ‘The Man’ y ‘The Journey’ con actuaciones en directo en Ámsterdam y para la BBC en Londres, pero también consta de cortes que aparecen en la banda sonora de ‘More’, usados en el film pero no incluidos en soportes discográficos, además de canciones no incluidas en álbumes, como la primera versión de Embryo del sampler de Harvest ‘Picnic’.
El material en video cuenta con 20 minutos del ensayo de ‘The Man’/‘The Journey’ en el Royal Festival Hall, dirigido por Anthony Stern, incluye Afternoon (Biding My Time), The Beginning (Green Is The Colour), Nightmare (Cymbaline), Beset By Creatures Of The Deep y The End Of The Beginning (la última parte de A Saucerful Of Secrets), además de otras imágenes de actuaciones en directo de ese mismo año:
· The Man & The Journey live.
· Actuaciones de TV , imágenes raras.
· Interstellar Overdrive con Frank Zappa.
· Réplica de memorabilia del periodo.
1970 DEVI/ATION – 2 CD / 2 DVD / Blu-ray
A finales de 1969 y principios de 1970, Pink Floyd grabaron y mezclaron su contribución al film de Michelangelo Antonioni que reflejaba una visión alternativa de la sociedad americana, ‘Zabriskie Point’. 3 canciones aparecen en la banda Sonora de la película, y otras cuatro en el formato CD con un repertorio más extenso publicado en 1997. Nunca antes en un disco de Pink Floyd, este volumen recopila versiones remezcladas o puestas al día del material de audio de ‘Zabriskie Point’.
El mismo año Pink Floyd fue número 1 en Gran Bretaña con el álbum ‘Atom Heart Mother’, una colaboración con Ron Geesin, el audio incluye la primera actuación en la BBC, contando con una orquesta y un coro, además de aparecer también en el DVD, la mezcla original Quad mix.
El material en video incluye una hora completa de actuación en directo de Pink Floyd en San Francisco, para la cadena de TV por cable KQED, extractos de históricas actuaciones de ‘Atom Heart Mother’, y material de la TV francesa por la cobertura del festival de St. Tropez, en el sur de Francia.
· Atom Heart Mother versiones únicas de la banda.
· Sesión Radio BBC, Zabriskie Point mezclas.
· Imágenes de Concierto e improvisaciones.
· Atom Heart Mother original 4.0 Quad mix.
· Réplica de memorabilia del periodo.
1971 REVERBER/ATION – CD / DVD / Blu-ray
En 1971 Pink Floyd grabaron el álbum ‘Meddle’, que contiene el corte con duración de LP ‘Echoes’, considerada por muchos el pilar de ‘The Dark Side Of The Moon’, y como tal, es una importante parte del sello de Pink Floyd.
Este volumen incluye parte de las maquetas originales, de cuando se gestó el proyecto, partiendo de ‘Nothing’ a ‘Return Of The Son Of Nothing’, además de una sesión de grabación para la BBC de aquel momento.
El material audiovisual incluye la mezcla original inédita de Quad mix ‘Echoes’ y también material en directo de actuaciones de la banda en 1971, incluye canciones interpretadas con Roland Petit y su compañía de danza Marsellesa.
· Sesión de Radio de la BBC, Nothing Part 14
· Imágenes de concierto y documentales
· Echoes original 4.0 Quad mix
· Réplica de memorabilia del periodo
1972 OBFUSC/ATION – 2 CD / DVD / Blu-ray
En 1972 Pink Floyd viajaron a Hérouville, al norte de Paris, para grabar en los Strawberry Studios, que se encuentran en el Chateau de la localidad. En dos semanas compusieron y grabaron uno de sus álbumes más compactos, ‘Obscured By Clouds’, la banda sonora de la obra de Barbet Schroeder, ‘La Vallée’.
En 1972 estrenaron ‘Pink Floyd Live At Pompeii’, un film de una actuación en directo sin público, en el histórico marco del anfiteatro romano de Pompeii, dirigido por Adrian Maben. El material en video incluye las actuaciones del film ‘Live At Pompeii’, editado con nuevas mezclas de audio 5.1, y material de la época de la TV, además de actuaciones en el Brighton Dome de Junio de 1972 y otras actuaciones con la Compañía de danza de Roland Petit:
· Obscured By Clouds 2016 remix.
· Live at Pompeii 2016, mexclas estéreo.
· Documentales, incluyendo el del ballet Roland Petit.
· Film del concierto Pompeii con sonido 5.1.
· Réplica de memorabilia del periodo.
Los sevillanos vuelven a Madrid con "Gurú", su cuarto disco ya en el mercado con el que demuestran que están dispuestos a evolucionar, pues presentan un álbum lleno de capas de sonido y letras en torno a la toxicidad social, donde como es constumbre no falta el humor. El sonido sigue marcado por muchas influencias desde el kraut rock, al hip hop pasando por lo andaluz. En este nuevo trabajo encontramos piezas como "Relax y rolex" clara crítica del individualismo capitalista, pero también hacen una crítica de la industria del entretenimiento en "Piensa McFly", o en "Loca Mente" un homenaje a las Grecas.
Daniel Alonso, Pablo Peña, Darío del Moral y Raúl Pérez, los componentes de Pony Bravo han vuelto al delirio. Esta vez más que nunca en unb disco de una hora de duración con ritmos frenéticos y letras apabullantes como en el "Rey Boabdil”: “Se aleja la almeja, el ocho le ataja, le coge la faja, el once tira y afloja, el diez no le deja, el trece lo sigue, el dos lo persigue. Al toque de corneta salen como locos beduinos majaretas…” Las comparaciones son odiosas, pero ahora se hacen más evidentes los efluvios de Can, Frank Zappa o The Residents, pero también de Guadalupe Plata. La coctelera está en marcha. Hoy,27 de febrero, actúan en Madrid y la gira sigue por San Sebastián (12 de marzo), Guernica (13), Lugo (14) y Zaragoza (21).
Kiko Veneno (Figueres, 1952) demuestra que es un tipo inquieto, capaz a sus años de renovarse continuamente, hasta el punto de que ahora a su edad se atreve a pasarse a la electrónica y reinventarse, sin ningún prejuicio. “Me quiero asegurar / Que mi sombrero está bien roto y así los rayos / Pueden entrar en mi cabeza”, cantaba Kiko Veneno en "Los delincuentes" en su disco "Veneno" (1977), de ese modo explicaba que nuestra mente tiene que estar abierta a nuevas percepciones, así que este músico inclasificable se deja influir por otras orientaciones posibles.
Más allá de los sonidos electrónicos, "Sombrero roto" es un mosaico de géneros en el que junto a su reconocible deje aflamencado caben tecno, soul, funk, kraut, psicodelia y, en fin, prácticamente de todo, con una perspectiva fresca en la que las guitarras son casi anecdóticas, dejando que el peso recaiga en cajas de ritmo y sintetizadores. Así nos encontramos con piezas como los sencillos "La higuera", una poética alusión sexual, inspirada por el complejo sistema de polinización de los higos o "Vidas paralelas", ofrece un satírico "Autorretrato" en el que canta de sí mismo: "Soy feo y sin salero, todo me da miedo/ Lo que tengo es mucho que matar". Otras piezas como "Chamariz", un canto de amor a la Naturaleza; o la juguetona rumba disco-funk "Sombrero roto" nos pueden dar una idea clara del nuevo concepto de este músico juguetón. O cuando, burlándose de los nacionalismos en la rumbera "Yo quería ser español", canta verdades como: “el miedo es lo que da más dinero” y “no hay negocio como la guerra”, absolutamente vigentes ahora en plena campaña electoral.
Esta claro que el bueno de Kiko quiere, sobre todo, renovar su cancionero, a estas alturas el mismo que renovó el flamenco con la tradición musical de Frank Zappa y Bob Dylan, el que probó sonidos ochenteros, que en los 90 se echó un cantecito de rumba, pop y bossa y que en el nuevo siglo tanteó el ámbito "indie", sin más ahora vuelve a reinventarse en un disco tintado de electrónica. En su propio estudio trabajó durante dos años y medio en las maquetas que prácticamente fijaron el aspecto de estos diez nuevos cortes sorprendentes. Su hijo Adán López se ha encargado de redactar en primera persona las reflexiones del libro que acompaña y contextualiza este lanzamiento, dice que "este disco tiene algo de excesivo". "Para llegar a sitios satisfactorios, a veces hay que trabajar mucho, en un proceso confuso con pasos en falso en los que parece que retrocedes", señala al respecto José María López, que incluye preciosas referencias biográficas alternadas con bonitas imágenes basadas en antiguas fotos.
Aunque la gira oficial no empezará hasta después del verano, Kiko Veneno ofrecerá algunas actuaciones en los próximos meses con su banda clásica y con este "Sombrero roto" la próxima fecha será en Los Jardines de Viveros de Valencia el 5 de julio.
John Wetton (Derbyshire, Inglaterra, 1949) era un músico completo: cantante, bajista y guitarrista, aunque no fue hombre de un solo grupo, ya que pasó por numerosas formaciones encadenando proyectos. King Crimson, Uriah Heep, Roxy Music, Asia... Evidentemente en su biografía siempre ocupará un lugar destacado su período en King Crimson con quien grabó tres álbumes fundamentales del rock más vanguardista, entre 1972 y 1974: "Larks’ tongues in aspic" (1973), "Starless and bible black" (1974) y "Red" (1974). Apenas dos meses después de perder a su voz original, Greg Lake, la histórica saga de King Crimson sufre un nuevo golpe con la muerte de John Wetton. Según anuncia el perfil oficial de Asia en las redes sociales, "el icónico cantante murió mientras dormía esta mañana". Tenía 67 años y ha muerto tras una larga batalla contra un cáncer de colon.,Había dejado atrás la adicción al alcohol, asumida públicamente, pero en 2015, a través de un tuit, alertaba de la importancia de los controles médicos de prevención del cáncer. El músico pasó por el quirófano ese mismo año, tras la cual informó que se le había sustraído una "masa tumoral" de alrededor de un kilo de su abdomen. En 2007 tuvo que ser operado de urgencia del corazón, en una intervención en la que casi pierde la vida. Wetton comenzó su carrera musical en bandas de rock progresivo iniciáticas como Family, Renaissance y Mogul Trash. En 1972 fue invitado a integrar King Crimson, reemplazando a Greg Lake como cantante y bajista. Tras la separación del grupo en 1975, se unió a Bryan Ferry en Roxy Music. Además ser músico de sesión para Brian Eno, Phil Manzanera y Gordon Haskell, Wetton pasó entre mediados de los 70 y los primeros 80, por dos bandas de hard rock, Uriah Heep y Wishbone Ash. Después fundó un supergrupo prog-rock en tiempos punk, UK, con Bill Bruford (King Crimson), Eddie Jobson (Roxy Music, Frank Zappa) y Allan Holdsworth (Soft Machine). Más fortuna tuvo la siguiente aventura, Asia,otra agrupación de estrellas con el guitarrista Steve Howe, y el teclista Geoff Downes, ambos de Yes, y el batería Carl Palmer de EL&P. El debut de la banda vendió más de 10 millones de copias con singles tan populares como "Heat of the moment"(escrita por Wetton junto a Downes) y "Only time will tell". Wetton fue despedido de Asia en 1983 pero volvió en 1985 y se mantuvo hasta su separación de 1987. Tras otro período de vuelta a principios de los noventa regresó con el grupo , actualmente estaba en Asia desde 2006. John Wetton había anunciado el pasado 11 de enero, a través de su web oficial, que no sería parte del crucero "Cruise to the edge", que se realizaría entre marzo y abril, y que reuniría a leyendas del rock progresivo, por tener que someterse a un tratamiento de quimioterapia. Además, confirmaba que su lugar en la próxima gira de Asia iba a ser ocupado por su "amigo" Billy Sherwood, actual bajista de Yes. Grabó intermitentemente en solitario, en total cerda de veinte discos con su nombre, entre los que puede encontrarse un álbum en vivo grabado en Argentina en 2002. El baterista Carl Palmer, único superviviente del mítico trío Emerson Lake & Palmer, indicaba hoy en redes sociales: "Con la muerte de mi buen amigo y colaborador musical John Wetton el mundo pierde a otro gigante musical más. John fue una gran persona que creó algunas de las melodías y letras más recordadas en la música popular. Como músico, era innovador y atrevido, con una voz que llevó a Asia a lo más alto de las listas de todo el mundo. Para los que lo conocíamos, su valiente batalla contra el cáncer fue una gran inspiración. Echaré de menos su talento, su sentido del humor y su sonrisa contagiosa. Qué te vaya bien, viejo amigo", señala el músico.
