JAMIE CULLUM "The Pianoman in Christmas"

 

Llega diciembre y la Navidad, parece que este año hay más ganas que nunca a consecuencia de la pandemia impuesta por el coronavirus. "The Pianoman in Christmas" es el primer disco navideño de Jamie Cullum (Essex, 1979), aunque hay que contar que lo concibió la pasada primavera. Por entonces tenía algunas notas guardadas en un cuaderno, así que se puso frente al piano y así brotaron esgtas diez canciones completamente originales grabadas como los grandes del jazz y del swing, con una big band de 57 músicos. La idea de grabar un disco festivo le empezó a rondar por primera vez hace dos años. Además, tanto él como su mujer, la modelo y escritora Sophie Dahl, se declaran grandes admiradores de lo hecho en este área musical por Sufjan Stevens, "Songs For Christmas" (2006) y "Silver & Gold" (2012). A ello, se sumó la colaboración que el año pasado realizó para Robbie Williams en el tema "Merry Xmas Everybody". "Fue muy divertido, así que pensé: 'Podría grabarlo en 2020 y publicarlo en 2021'. Entonces llegó el coronavirus y toda la gira que tenía planteada para este año se canceló, por lo que decidí invertir el tiempo en adelantar este álbum", explica Cullum. En el primer confinamiento en Reino Unido, entre los meses de marzo y abril, dedicaba las mañanas íntegras a las clases de sus hijos y las tardes a garabatear estas nuevas canciones.  "Me sentaba al piano en pantalones cortos, sin ningún tipo de aparato tecnológico, ni siquiera micrófonos. Éramos solo el piano, un cuaderno, mis ideas y yo", explica para justificar el título del álbum. La tarea no era sencilla. "Las canciones navideñas son un reto: hay que escribirlas con mucho cuidado, porque tienen una fórmula y un sentimiento concretos, cierto componente clásico y un ambiente familiar", subraya el músico, que ve "Hang Your Lights", uno de sus sencillos, como una mezcla de Ray Charles y el "groove" de Louis Prima. El riesgo en estos casos siempre es caer en lo naif, pero intentó ir más allá con "cierta osadía en los arreglos y en las estructuras", con temas como "Turn On The Lights", en el que intentó conjugar "el pop orquestal de George Martin y los Beatles con la pegada rock de Arcade Fire". Con todo, predomina la influencia de "los grandes maestros del jazz de la tradición americana y su cancionero": George Gerschwin, Cole Porter, Nat King Cole, Tony Bennett...   Cullum recurrió a los célebres estudios de Abbey Road y, en busca de un sonido exhuberante y  grabó con una "big band" de 57 músicos salvando las distancias marcadas por la covid-19. Lo hizo en solo cinco días... en pleno verano. "Escribí estas canciones para que perduren e intenté hacerlas muy atemporales. Creo que en este contexto extraño de ahora pueden emocionar a muchas personas, pero espero que con los años sigan teniendo sentido para el que las escuche", admite Cullum en lo que podría considerar un deseo de Navidad. 

PAULA VALLS "Es Nadal"

 

"Es Nadal" ("Es Navidad") es la canción que el ayuntamiento de Barcelona ha encargado a Paula Valls para amenizar esta campaña navideña, una iniciativa que es la primera vez que se lleva a cabo. de este modo Barcelona contará por primera vez con su propia canción de Navidad. Se trata, efectivamente de un tema emotivo, moderno, lleno de esperanza con el que la Ciudad Condal quiere felicitar unas fiestas navideñas muy especiales, marcadas por la pandemida, aunque muestra la voluntad de transmitir ese optimismo e ilusión que comparte con las canciones tradicionales de Navidad.  La cantante y compositora Paula Valls habla del día a día en el que lo peor ha pasado y de que a pesar de todo la ciudad está bien viva. "Esta canción quiere acompañar a todos en esta Navidad tan complicada. Quiere celebrar un poco la Navidad metiéndose en casa de la gente y poder celebrarlo. La música al final es una herramienta que nos acerca a todos”, destaca la cantante, una intérprete de música soul que nos tiene acostumbrados a oírla principalmente en inglés. Barcelona inicia así un nuevo proyecto de larga duración con la perspectiva que cada año una voz musical creativa de la ciudad componga una canción de Navidad para la ciudad. La artista interpretará en directo esta canción en la Plaza Catalunya los días 26 y 29 de diciembre.

THE NATIONAL REEDITA SUS TRES PRIMEROS DISCOS

 

The National es una de las bandas más importantes de nuestro tiempo. Comandados por la personal voz de Matt Berninger, se unen a él dos parejas de hermanos; los Dessner, Aaron and Bryce, que tocan la guitarra y el piano; y los Davendorf, Scott and Bryan, que tocan el bajo y la batería respectivamente. Todos son amigos de Cincinnati (Ohio) y en 1999 decidieron juntarse para componer algo de música. Desde entonces, los muchachos de Ohio han llevado una carrera impecable hasta que se han convertido en una formación reconocida y admirada. Para celebrar el 20º aniversario de su debut autotitulado, The National está reeditando ese álbum, de ardiente indie americano, junto con otros dos lanzamientos: "Sad Songs For Dirty Lovers" (2003) y su Ep "Cherry Tree" (2004), los trabajos que preceden a su "Alligator", el disco que les catapultó al éxito másivo. El sello 4AD los reeditarán remasterizados a partir de las cintas origínales, y nada más y nada menos que en los estudios Abbey Road. Estos tres discos se pondrán a la venta el 26 febrero.
Hablar sobre la discografía de The National es hacerlo de la búsqueda de la canción perfecta, como si fuera del Santo Grial. A lo largo de estos veinte años nos han regalado verdadera poesía con un sonido propio, fácilmente reconocible por un estilo que han hecho propio. La banda sigue en activo rebosante de vida. El año pasado, The National lanzó su octavo álbum, "I Am Easy to Find". Además el líder Matt Berninger lanzó su álbum debut como solista "Serpentine Prison" hace un par de semanas, además de haber protagonizado otros proyectos junto a Brent Koof, líder a su vez de Ramona Falls, como ELVY.

BELAKO, HOY EN CONCIERTO

 

Belako, una de las bandas más destacadas de nuestro rock, presentará su nuevo disco este viernes en la sala Porta Caeli de Valladolid. El grupo vasco mostrará su potente directo estrenando las canciones de "Plastic drama", posiblemente su mejor disco hasta la fecha. Diez temas que plantean nuevos horizontes musicales y que gira sobre un concepto muy interesante nuestros pequeños dramas, que nos desenfoca la realidad. El nombre de este cuarto disco, autoproducido por Belako, da nombre también a este tour, que ha consolidado al cuarteto vasco como la banda de rock independiente más internacional de nuestro país. Los temas de adelanto de "Plastic drama" han sido designados como canciones de la semana en NME, The Line Of Best Fit o El Universal. Sus nuevas creaciones han sido incluidas también en las playlists de Dr Dre, Cindy Lauper, Noel Gallagher para el Manchester City Oficial, o en las de la Liga Inglesa y la F1.  Asimismo, ha logrado este año su inclusión en el main stage del emblemático Festival Reading&Leeds 2020, convirtiéndose en la primera banda española en conseguirlo. "Plastic drama" está compuesto de canciones que están pensadas para el directo. “Tie Me Up” fue el primer tema que descubrimos de este trabajo, y recoge una melodía impecable que junto con la distorsión lo convierten en un tema irresistible. “Profile Anxiety” es otro ejemplo marca de la casa, pero con “Sirène” primera canción íntegramente en francés se mueven en los medios tiempos, como “marinela2017"..
La actuación de hoy en la sala Porta Caeli de Valladolid comenzará a las 20 horas y las puertas del recinto se abrirán a las 19.30 horas para que el acceso de público pueda realizarse de manera escalonada. Hay entradas disponibles en la web www.ticketmaster.es y en la sala la tarde del concierto. Tienen un precio más barato en venta anticipada a 20 euros. El día del concierto será de 22 euros. La sala Porta Caeli cumple todos los protocolos sanitarios para que la cultura sea segura, con medidas como distancia de seguridad con público sentado, dispensación de geles hidroalcohólicos o evacuación específica de espectadores por cada zona. Belako es un grupo de rock procedente de Vizcaya, concretamente de Munguía. Formado en el año 2011, está integrado por Josu (guitarra y voz), Lore (bajo y voz), Lander (batería y voz) y Cris (teclado y voz). Se da la circunstancia de que Josu y Lore son hermanos, y Belako es el nombre de la zona de la localidad en la que ensayaban, por lo que la denominación de la banda es un homenaje a ese barrio.

LOVE OF LESBIAN "Cosmos"

 

Love of Lesbian está de regreso, después de surcar el espacio con "El Poeta Halley" (2016), lanza otra pieza espacial situada en "Cosmos (antisistema solar)", canción que es un primer avance del disco que está preparando y que según sus propias palabras "sintetiza toda la intención de este nuevo álbum", tal como indica la formación catalana en un comunicado. "'Cosmos (antisistema solar)' surgió en cinco minutos, como un torrente emocional, como una necesidad de hablar con uno mismo antes de aclarar las cosas con segundas personas", añade Santi Balmes, cantante y compositor de la banda. La canción es una reivindicación del poder de comunicación de la música, generando nuevas emociones, "porque, al fin y al cabo, todos estamos hechos del mismo polvo estelar". También habla de "nuestras vidas en general, a caballo entre las heroicidades diarias y lo absurdo e irreal que todo parece". El single viene acompañado de un vídeoclip creado y dirigido por Kike Maíllo y Joseba Elorza.
El disco tenía que haber salido ya a la venta, pero tuvieron que retrasar la grabación por el coronavirus. Lo han presentado ahora y dejan el álbum en reposo hasta la primavera. En la nota acompañando el lanzamiento, se puede leer que se trata de una “producción sci-fi musical para un año raro”. El título definitivo podría ser "Viaje…" .Una feliz noticia porque significa el regreso de Balmes, Julián Saldarriaga, Oriol Bonet, Ricky Falkner y demás compañía. Hay que recordar que la formación catalana celebró en 2018 sus veinte años con el directo "El gran truco final".

LAS CANCIONES DE MARADONA

El astro argentino falleció este miércoles a los 60 años a consecuencia de un paro cardiorrespiratorio. Diego Armando Maradona ha dejado una honda huella en la cultura popular, no solo en el campo de fútbol. Su leyenda es enorme como su figura idolatrada por medio mundo. Diego dejó huella en todos quienes vivieron los últimos años 70, los efervescentes años 80, y no necesariamente solo a los que sienten fascinación por el fútbol. Como no podía ser de otro modo se han entonado canciones para ensalzar su figura porque es un icono de la cultura popular. Artistas como Charly García, Andrés Calamaro o hasta Manu Chao le dedicaron letras y su música. Obviamente Diego fue patrimonio de la música latina, reciclando la tradición en modernidad. Estas son algunas de las canciones dedicadas a «El 10», las que a mi más me gustan, y con la que puedes recordar su legado. Es el momento de decir "aDiós" al astro. Descansa En Paz.

«Maradona» de Andrés Calamaro

«Santa Maradona» de Mano Negra

«Maradó» de Los Piojos

«Dieguitos y Mafaldas» de Joaquín Sabina

PUBLIC ENEMY "What you gonna do when the grid goes down?"

 

El veterano colectivo neoyorkino regresa para publicar nueva música veinte años después y lo hacen con rotundidad, interrogando al mundo sobre la situación actual y enviando soflamas sobre su pais que vive una situación política en tensión perpétua. "What you gonna do when the grid goes down?" es su álbum número 15 y como siempre no tiene reparos en tomar partido para combatir al poder que no ha sabido reaccionar al avance del coronavirus, las violencia policial o el auge de la extrema derecha. Su propuesta es movilizar conciencias y lo hacen acompañados de numerosos colegas de la talla de Cypress Hill, George Clinton (en el primer corte, “When The Grid Go Down...”, y en el segundo, “GRID”), Ice-T (“Smash The Crowd”), Nas, el veterano DJ Premier (en la arrolladora anti-Trump “State of the Union”), Black Thought, Ad-Rock y Mike D (de Beastie Boys, en su primera colaboración juntos tras la muerte de Adam Yauch) o Questlove de The Roots.Vuelven al sello que apostó por ellos en los 80, donde editaron sus discos más destacado, Def Jam Recordings, y lo hacen con músculo. 17 canciones, aproximadamente 44 minutos de duración, en los que vuelven a demostrar que Public Enemy es la banda más “metalera” del rap. La voz grandilocuente de Chuck D sigue sonando como una ametralladora, mientras Flavor Flav soporta su presencia de animador-agitador, y DJ Lord a los platos y a la producción combina el sonido característico de la banda, con guitarreos sucios, bases del rhythm & blues, soul y funky. Lo más grande de Public Enemy, por encima de todo, es que mantienen fresca su actitud crítica y belicosa que convierten  este disco en un verdadero artefacto revolucionario.

DOLO BELTRAN "Lo mejor de todo"

 

Dolo Beltran (ex-Pastora), estrena la canción "Lo mejor de todo", primer adelanto de su nuevo disco "Moonlight" previsto para Febrero de 2021. Este tema reproduce el sonido de club, pop y electrónica construidos especialmente especialmente para los que tenemos ganas de bailar. La letra lo deja a las claras: "Y se encendió la luz/ y empezó a llover/ y volvieron los 20 más fuertes/ y empecé a bailar como poseída lo hice por mí.../ Yo no sé por qué los días se hacen tan cortos/ Exploto, me borro.../Yo no sé por qué cuánto más intenso... SUBE!/ SUBE, SUBE, SUBE... AH SUBE!". 

A la cantante y actriz Dolo Beltrán(Sant Boi de Llobregat, 1974)  el coronavirus la ha afectado en numerosos aspectos profesionales: "El confinamiento ha sido horrible en un sentido profesional, porque no podía hacer nada más que ser madre y estar con mi hijo. Bueno, al menos me pilló cuando ya había negociado mi nuevo libro con Planeta. Pensé que al menos tendría tiempo para hacerlo. Es una colección de libros de poesía ilustrada en catalán y con material original e inédito. Todos somos letristas, como Marc Parrot, Albert Pla, Xarim Arestè, la Clara Peya. Quieren que cada año salgan unos tres volúmenes; el mío está previsto para febrero del año que viene. Lo entregué en julio".

Tras romper con Pastora inició su carrera musical en solitario con "Copilotos" (2017) y ahora ya tiene listo "Moonlight", que trae consigo un cambio de sonido: "Ahora he querido cambiar un poco todo ese rollo y traer la electrónica actual. Estaba un poco anclada en la electrónica del trip hop, en la músicas de los 90". Cuando se le pregunta a Dolo por el posible regreso de Pastora, ella no lo ve muy factible: "Nunca dijimos que no íbamos a volver. Pauet ya dijo entonces que él no quería seguir, y Caïm dijo por su parte que de acuerdo, que nos podíamos tomar un descanso porque él quería hacer un disco en solitario. Eso fue en el 2013 o 2014. También es verdad que desconectas mucho cuando tomas una decisión así, aunque en el confinamiento nos hemos enviado fotos antiguas e intercambiado wasaps. Pero cuesta...Solo podría decir que por ahora no hay fecha".

GEORGE HARRISON "My Sweet Lord"

El clásico "My Sweet Lord"  compuesto por el ex-Beatle George Harrison cumple medio siglo, después de que fuera lanzado en 1970, rodeado todavía por la controversia de las acusaciones de plagio y por el aura espiritual de su inspiración hinduista. Iba incluido en su primer álbum en solitario "All Things Must Pass" (1970), tras la separación de los Beatles.  El tema, grabado en los estudios Abbey Road de Londres bajo la producción de Phil Spector, contó con la participación de músicos como el guitarrista Eric Clapton y el también ex-Beatle Ringo Starr en la batería. La canción llegó a tener un gran éxito mundial y se posicionó como el tema más elogiado de aquel primer disco. Sin embargo, poco después el músico fue acusado de plagio por el compositor y cantante estadounidense Ronnie Mack.  Le acusaba de haber copiado la composición musical de su tema "He's So Fine", interpretada por el grupo femenino The Chiffons.  El ex-Beatle negó las acusaciones y aseguró que su inspiración para el tema nació, en todo caso, de "Oh happy day", de The Edwin Hawkins Singers, y de sus vinculaciones con cánticos religiosos hinduistas y cristianos. Sin embargo, en 1976 Harrison fue declarado culpable por "plagio inconsciente" y tuvo que pagar una sustancial multa para recuperar de nuevo los derechos de su gran tema.
Harrison fue conocido como el "Beatle tranquilo" por su preferencia a permanecer alejado de la fama, a pesar de ser una estrella del rock, y por su interés en el hinduismo, que comenzó a marcar su vida tras la gira estadounidense de los Beatles en 1966.Harrison tuvo su primer contacto con el hinduismo a mediados de la década de 1960, a raíz de un libro sobre la reencarnación que les regaló a los integrantes de los Beatles un devoto de esa religión en las Bahamas mientras grababan la película "Help!".  Años después, toda la banda viajó a la India a practicar la meditación trascendental, pero a ninguno de ellos les marcaría tan profundamente esta cultura como a Harrison.  Uno de los momentos definitorios para la espiritualidad del ex-Beatle fue conocer en Estados Unidos a los Hare Krishnas, movimiento religioso basado en el hinduísmo, que marcó su vida y su obra hasta el final de sus días. No en vano, uno de sus mayores éxitos musicales, "My Sweet Lord", es una composición con la que trató de vincular el "Aleluya" cristiano con los cantos Hare Krishna y las oraciones védicas, con la que el músico quiso lanzar una llamada contra el sectarismo religioso.

AMATRIA "Un disco"

Este quinto álbum de estudio de Amatria,"Un Disco", llega por fin después de meses de retraso y varios adelantos que prometían uno de los trabajos más eclécticos de su carrera. El título está escogiendo a conciencia "Un disco", porque es capaz de pasar de un género a otro sin complejos ni vergüenza, porque como advierte el primer tema, Joni Antequera es "Un fusilador" de otras obras. Aquí podemos escuchar disco-funky; guiños al rap de los años 90 con "Una advertencia" donde no tiene reparos en hacer rimar "no soy vago" con "ir hasta allí no me sale del nabo"; pasearse por los ritmos salsa en "Un manantial"; atrapar el tropical house en ese "Yo puedo con todo", el rock de finales de los 70 y principios de los 80 en "Una rápida" o recitar en "Un alud", tema grabado junto a Delaporte, de forma reiterada y cansina "un alud de luz", más de cuarenta veces. Canciones que vienen a completar un viaje musical revelador alrededor de las preocupaciones y las vivencias de un artista

Quizá la canción más destacada del disco sea "Una ciudad" un temazo de pop electrónico que sirve como sentida despedida de la ciudad de  Madrid, ciudad en la que Amatria ha vivido los últimos 7 años. El propio artista lo explica: “La escribí cuando supe que me iba a ir de Madrid, en principio era una despedida, un gesto hacia la ciudad que me ha hecho dueño de mi destino por fin. Intentaba relatar lo que sentí al llegar a esta ciudad; la energía, la ilusión, la feroz búsqueda de mi camino, implacable, vulnerable pero decidido me aventuraba en lo desconocido, y así debía ser. Más tarde, como ya me ha ocurrido otras veces, me di cuenta de que no solo hablaba de lo que había pasado al llegar a la ciudad sino de lo que iba a pasar al dejarla. Nuevos objetivos, mi vida, mi destino, en otra ciudad, nadie pudo pararme entonces, nadie podrá hacerlo ahora”.
Joni Antequera es el hombre que se esconde tras el nombre de Amatria y se acaba de convertir en co-fundador de Vanana Records, el sello que ha acogido y llevado a las listas de éxitos el debut largo de Ginebras. Actualmente está preparando además en estos momentos una gira muy especial con la que presentará este nuevo proyecto. Será un tour íntimo, adaptado a la actual situación, que permitirá disfrutar de Amatria más de cerca que nunca. Próximamente se anunciarán las primeras fechas de este encuentro con su público que tanto tiempo lleva esperando el artista.

THURSTON MOORE "By the fire"

 

El fuego del título puede que haga referencia a ese espíritu incendiario que siempre acompaña al guitarrista y padre de Sonic Youth, quien a sus 62 años sigue sorprendiendo con recursos instrumentales de lo más refrescante. Música en llamas, ardiente y apasionada. Aunque algunas de estas canciones ya existían, fue durante el confinamiento cuando el guitarrista terminó de darle forma a su undécimo disco, sin duda uno de los mejores que ha grabado. Después de 40 años de disonancias, distorsiones y experimentación vuelve a sorprender, desde el principio con esos dos temas de arranque “Hashish” y “Cantaloupe” que recuerdan mucho a los Sonic Youth, con un manejo único de la repetición y los crescendos que te hacen subir a una ola de efervescencia vertiginosa. Rock en estado puro. Bien es verdad que más de la mitad del disco está compuesto por piezas que superan los 10 minutos, con esos característicos muros de sonido. Porque en un álbum de Moore no vas a buscar cambios de patrón, así que hablamos de otra vuelta de tuerca a sus sonido para exprimir su faceta más experimental.

A partir del tercer tema los temas se alargan. Como prueba tenemos ese llamado “Breathe”, que en sus más de diez minutos cuenta con guitarras lisérgicas y ráfagas de distorsión que es una maravilla. O “Siren”, una delicia que nos trae la calma con esa envolvente melodía. También hay tiempo para explorar su lado más folk en “Dreamers Work”. Por supuesto se expande en la experimentación en piezas como “Locomotives” que arrancan con ocho minutos de distorsión que no resultarán aptos para todos los públicos, al igual que el final con “Venus”, que no deja de ser una de esas jam sessions llenas de ruido que tantas veces acompañan sus directos y que nos lleva al trance. En total 80 minutos en los que está muy bien acompañado por Steve Shelley (de MBV) a la batería y Deb Googe (My Bloody Valentine) al bajo.

Thurston Moore está muy cómodo con su carrera en solitario, y desde que se fue a vivir a Londres no ha parado de editar singles y álbumes, esa proximidad había permitido verle más frecuentemente por nuestro país, como en su última aparición, el año pasado, en Palma durante la cuarta edición de Cul de Sac, el "Festival de música y arte experimental de Mallorca", pero la pandemia del covid ya ha inhabilitado esas experiencias.

XIULA "Descontrol mparental"

 

Xiula (Silba, en catalán) es una banda que ha revolucionado la canción infantil, tanto por los teams que trata como los rimos que utiliza que van desde el hip-hop, el reggae o la rumba catalana. "Descontrol MParental" es su quinto disco, en el que mantiene la esencia del grupo: poner música a los problemas familiares, pero en esta ocasión poniendo el foco de atención en los padres y madres. ¿Se puede hablar en un disco infantil de la pérdida de un hijo en el parto o durante la gestación? Sí, con mucha delicadeza como hace Xiula en la canción "Et faig un lloc" del cuarteto barcelonés.  El disco intenta aproximarse al hecho de como cambian las reaciones cuando aparecen los hijos. Los niños siguen siendo los protagonistas, pero en esta ocasión les invitan a ver más allá para que comprendan que a los adultos también les pasan cosas. Por ejemplo en "Salvem els cangurs" ("Salvemos los canguros") hacen un homenaje a los canguros que se encargan e cuidar de nuestros hijos, mientras los padres se pueden permitir tener un poco mas de vida, fuera del ambiente familiar. Todo contado con un sonido punk-pop.

"Descontrol MParental" es por su temática su trabajo más arriesgado y también el más sincero, de esta banda, que lleva ya ocho años de trayectoria, formada por Jan Garrido, Rikki Arjuna, Adrià Heredia i Marc Soto: una alianza entre músicos y  educadores sociales para crear canciones divertidas, con los ritmos más diversos, que al mismo tiempo  explican cosas interesantes para los pequeños y grandes. En este disco colaboran Albert Pla, Clara Peya, Suu, Beth, Ivette Nadal, Elena Gadel y Selma Bruna,  cada canción está dedicada a un momento diferente de la maternidad y la paternidad. El descontrol de los pañales es el tema de la canción en la que colabora Beth, mientras que Albert Pla habla de los cuentos de buenas noches, Suu de los festivales musicales y Clara Peya de la diversidad física, intelectual y familiar. También hay un relato de las mañanas frenéticas en las que hay que conseguir dejar a los niños en el colegio antes de ir al trabajo.

AC DC "Power Up"

 

¿Quién dijo que estaban acabados? El grupo australiano AC/DC vuelve a la carga con un nuevo disco, al que han titulado "Power Up", tres años después de la muerte de Malcolm Young. Los muchachos tienen una media de edad de 70 años, pero se niegan a jubilarse, a pesar de arrastrar diversos achaques de salud.  A pesar de todo editan un nuevo trabajo, su decimosexto disco, con doce canciones coescritas por los hermanos Young, en memoria precisamente de Malcom, fallecido en 2017.  El fundador de AC/DC, Angus,  ha logrado algo que parecía imposible hace un lustro: reunir a la formación más original posible para hacer un álbum. Fue clave el encuentro de los miembros originales en el funeral de Malcolm donde, según han contado en varias ocasiones, el guitarrista le preguntó al batería, que llevaba un tiempo en tratamiento psiquiátrico, si quería hacer un nuevo disco. Se puso a trabajar en él al día siguiente. "Dadme cinco minutos con Angus y volveré a AC/DC", había avisado el propio Rudd al poco de ser apartado de la banda.
Así fue como empezó a gestarse Power Up, producido por Brendan O'Brien y mezclado por Mike Fraser, dos habituales en los discos de AC/DC desde hace años. El disco ha sido fruto de un proceso de reciclaje de composiciones de los Young, que pasaron una etapa creativamente pletórica mientras preparaban 'Black Ice' (2008) y dejaron material de reserva. El disco suena fresco y potente. La banda AC/DC lleva 47 años creando excelente rock y está claro que no querían bajar el pistón, como lo demuestran desde ese "Realize", corte de apertura del disco, que ya invita a animar el espíritu. "Through The Mists Of Time" suena a la etapa ochentera, más épica, del grupo; mientras que "Kick You When You’re Down" es todo un himno para estadio, no faltan temas con majestuosos riffs marca de la casa como en "Demon Fire", "System Down" o "Code Red". En contra de lo que se pudiera pensar su cantante Brian Johnson es el que más sobresale en el disco, a pesar de sus problemas auditivos, por encima de Young que ha grabado el disco con 63 años y ya no nos delita con explosivos guitarrazos.

BALAGO "Els altres"

La banda catalana liderada por David Crespo, único miembro original, regresa con un nuevo trabajo para sumergirse en su universo ambiental. Después de casi veinte años de carrera musical no puede sorprendernos “Els altres”, si no es por la duración de los temas incluidos. "Este disco es un collage sonoro: tres piezas de larga duración, entre los 13 y los 23 minutos", indica David. Tres grandes partes que funcionan como un todo, con toques de dramatismo superlativos. Una auténtica locura comparado con los tiempos convencionales de una canción de rock. Balago se mueve en esas tres piezas entre en el ambient, la banda sonora, el post-rock y la electrónica experimental.

Balago fue un proyecto que comenzó en 1998 cuando tres chavales de La Garriga decidieron comprar unos sintetizadores y alternar la música electrónica con las guitarras. Desde que, en 2001, se dieron a conocer por medio de “Erm”, su carrera ha estado marcada por la evolución constante. Disco a disco, han ido creciendo y “Els altres” es su obra cumbre en la que exprimen las constantes del ambient, de modo que este disco trascenderá en el tiempo.

ELVIS COSTELLO "Hey clockface"

 

El bueno de Elvis vuelva a unir sus fuerzas creativas con Sebastian Krys, una alianza que en su día les llevó a obtener un Grammy en 2018 con “Look now” que firmaron como Elvis Costello & The Imposters, un disco espléndido, esencial en la trayectoria del Costello más clásico. Ahora las circunstancias son muy diferentes a causa, entre otros motivos, del coronavirus. Elvis afronta la escritura en soledad, de modo que el álbum se ha concebido, tocado y grabado en tres entornos muy diferenciados, en tres ciudades distintas: Helsinki, París, Nueva York.

En la capital finlandesa, el músico británico grabó a solas tres canciones, la maravillosa “No Flag”, los experimentos de programación, teclados y ritmos desaforados de“Betty o’Hara Confidential” y “We Are All Cowards Now”. Desde allí saltó a París para concentrarse durante un fin de semana con el Quintette Saint Germain en la grabación de nueve composiciones de corte jazzístico. Su pianista de siempre, Steve Nieve, el unico miembro de Imposters que participa en el álbum, fue quien reclutó a ese cuarteto francés de cuerda. Es ahí, en la parte parisina, donde terminan aflorando las melodías más lentas, tristes y conmovedoras, desde el tango lentísimo de“I Do (Zula’s Song)”, al conmovedor vals "What is it that I need that I don’t already have?" o “Revolution #49”, en la que nos dice que “el amor es lo único que podemos preservar”, con una apertura recitada bajo los sonidos de un cuerno inglés.

Siguiendo la vida itinerante de este disco Elvis Costello pasó de la capital de Francia a unas sesiones neoyorquinas, con el protagonismo de dos gloriosos guitarristas Bill Frisell y Nels Cline, entre otros músicos, que embellecen los dos cortes pulidos en la Gran Manzana: la nocturna “Newspaper Pane” o la evocadora “Radio Is Everything”.

"Hey clockface" es un espectáculo pasmoso, en el que Elvis se reinventa, a la edad en que otros se jubilan, para evitar repetirse, un ejercicio meritorio para este autor que ya ha compuesto más de 300 canciones. No importa que recupere el new wave en esa mutación que es "No Flag", porque hablamos de verdadero arte y derroche de creatividad incontestable. Catorce canciones en 50 minutos, en los que conviene no bajar la guardia. 

JUÁREZ "Entre palmeras"

"Entre palmeras" es un disco efervescente, mágnetico y con una personalidad arrolladora. Naturales de Pamplona este cuarteto acaba de editar su primer disco largo, que promete colarse entre los mejores de este año, porque entre sus doces canciones no hay ninguna mala, es un álbum adictivo donde encontramos pop oscuro, rock fronterizo, distorsión y psicodelia, resuelto con absoluta versatilidad. Despachan golosinas de pop azucaradas como “En la madrugada” o "El día que todo empezó a temblar", para luego transformarse en unos The Jesus and Mary Chain ruidosos en “La Guerra de los Mundos” , viajar al western en “Vendiendo cruces” o ese pop rock de "Cielo gris" para una canción de amor. 

En 2012, miembros de distintas bandas de la escena underground pamplonesa (Las Culebras, Astrovandals, Black Lagun, Reina Republicana y Tristessa) coincidieron y formaron Juárez. Hasta boara habían editado un EP y dos largos: "Escafandra" (2014), "Caléndula" (2016) y "Boreal" (2018), además de participar en el disco "El legado de una tragedia" (2017), recopilatorio del sello mexicano Música Solar con el que se rendía homenaje al poeta Leopoldo María Panero, con el tema "Visión" (2017), editado por el sello mexicano Música Solar.

Además han compartido cartel con grupos como Flamin’ Groovies, The Mus, Johnny Casino & The Secrets, Lagartija Nick, Triángulo de Amor Bizarro, Pájaro o Bigott y han tocado en festivales como Andoaingo Rock Jaialdia, Txiki Psych Fest (Donostia), Zaragoza Psychfest, Utza Fest o Pim Pam Ville. En 2014 fueron seminalistas del certamen Villa de Bilbao y, en 2016, del Bala Perduda en la sala Apolo 2 de Barcelona. Si quieres disfrutar de su directo podrás hacerlo el miércoles 28 de octubre en Bilbao, en la sala Bilborock, donde ofrecerán un concierto dentro de la programación del BIME City.

GORILLAZ "Song Machine, Season One: Strange Timez"

 

Damon Albarn, al que un día conocimos como el líder de Blur, aquella acertada banda de britpop, sigue jugando con todos los géneros posibles, como ha hecho a lo largo de toda su vida, con la que parece definitivamente su banda principal, Gorillaz. Desde comienzos de año este grupo virtual ha venido entregando prácticamente una canción por mes, acompañadas de animados vídeos. Damon, Jamie Hewlett y Remi Kabaka Jr., creadores de esta virtual banda en el años 2000, se iban haciendo acompañar de un sinfín de variados colaboradores como Slaves, Elton John, Beck, Peter Hook... que han dado lugar a temas de estilos tan dispares como el hip hop, electrónica, rhythm & blues, indie-pop, synth-pop, soul o bossa nova. En total once piezas en su edición estándar, que crece hasta las diecisiete en su versión deluxe. "Song Machine, Season One: Strange Timez" es su séptimo álbum, en el que más que nunca las canciones al no tener ninguna homogeneidad lucen más por separado que como conjunto en este cajón de sastre, que resulta irregular. A pesar de eso destacan algunas canciones, aunque sea por su curiosidad, como “Strange Timez” con Robert Smith de The Cure, “The Valley Of The Pagans” con el siempre interesante Beck, “The Pink Phantom” con el mismísimo Elton John, “Aries” con Peter Hook (ex bajista de Joy Division y New Order) que imprime su sonido inconfundible, la exótica “Désolé” junto a Fatoumata Diawara, o mi favorita “Chalk Tablet Towers” con St. Vincent.

ROXETTE "Bag of Trix- Music From The Roxette Vaults"

 

"Bag of Trix- Music From The Roxette Vaults" es una colección dividida en cuatro volúmenes con temas inéditos, se trata de 46 cortes realizados por el célebre dúo sueco de pop-rock de 1998 a 2016, entre versiones en español, demos, mezclas alternativas y pistas adicionales. Entre todas esas piezas encontramos grabaciones caseras de Marie Federiksson como "Pocketful Of Rain", la demo acústica de "Hotblooded" o de su versión del tema "Help!" de los Beatles que registraron en los estudios de Abbey Road en el otoño de 1995. El volumen uno de "Bag Of Trix" se editó el 30 de octubre y consta de 12 canciones, entre las que sobresalen la demo "Like Lovers Do" (tomada durante una sesión de preparación del álbum debut de 1986, "Pearls Of Passion”) y el nuevo sencillo "Let Your Heart Dance With Me", que no se incluyó en el repertorio del último álbum, "Good Karma" (2016).  Los siguientes volúmenes verán la luz sucesivamente los días 13 y 27 de noviembre y el 11 de diciembre, fecha en la que además se publicarán los dos formatos físicos ideados para esta colección: una caja de 4 vinilos y una caja de 3CDs.
Formado por Per Gessle y Marie Frederiksson, Roxette se convirtió en uno de los grupos suecos de mayor éxito internacional, especialmente tras el lanzamiento de su segundo disco de estudio, "Look Sharp!" (1988), que incluía los éxitos "Dressed For Success", "Listen To Your Heart" y "The Look". Le tomarían el relevo "Joyride" (1991), que figura entre los 100 discos más vendidos del mundo, gracias a temas como "Spending My Time", o "Crash! Boom! Bang!" (1994), con el que vio la luz "Sleeping In My Car". Un tumor cerebral llevó a Frederiksson a un largo período de recuperación a principios del 2000 y, aunque llegó a lanzar después un álbum como solista en 2004, el dúo estuvo sin publicar material nuevo hasta 2011, cuando vio la luz "Charm School", al que siguieron otros dos discos más de estudio, "Travelling" (2012) y el final "Good Karma". La enfermedad volvió a cebarse con la cantante, que se resintió en los últimos años de actividad de Roxette hasta el punto de tener que cancelar la gira por su 30 aniversario. En 2019, se anunció su fallecimiento a los 61 años de edad, tras haber vendido más de 75 millones de copias en todo el mundo.

BUHOS "El dia de la victòria"

 

La banda catalana Buhos, acaba de editar "El dia de la victòria", un disco lleno de consignas a favor del "procés" y otras revoluciones. El grupo se ha convertido en un grupo de referencia en las radios, plazas y festivales de Catalunya. Una vez más han apostado por un disco lleno de emociones y sin grandes producciones. Grabaron el disco en los estudios de Can Pardaler (Artés) con la ayuda de David Rosell en la producción y han contado con colaboraciones de Miki Nuñez, Suu, Lildami, Jazzwoman y, como no, Stay Homas. Hay que recordar que uno de sus miembros, Klaus Stroink, pertenece a esta última formación que se ha hecho famosa durante el perído de confinamiento provocado por la pandemia del Covid-19. Hace unos meses los catalanes ya avanzaron algunas canciones de este nuevo álbum como “Mil batalles”, “A prop dels déus” y “El día de la victoria” a través de videoclips. Además, el videoclip de “Mil batalles”, que se estrenó el pasado 23 de octubre, lo dirigió el conocido director catalán Dani Feixas-Roca. En este nuevo disco se incluye también "Una veu que crida", otro tema que aspira a entrar en la lista de himnos en favor de la independencia. "Buhos apuesta por un disco lleno de canciones que nos emocionaran y que harán que estos días tan difíciles como País sea un poco más fáciles de pasar", señala la discográfica Música Global en un comunicado. Ellos aseguran que es el disco más completo de su discografía, ya que, por primera vez, han tenido la oportunidad de parar, mirar atrás y preparar bien los nuevos temas. Y todo esto gracias a que desde que se despidieron de los escenarios en noviembre de 2019, Buhos no ha dejado de componer. El coronavirus y sus consecuencias sociales están presente en una reivindicativa canción titulada "Pa per avui i gana per demà", en la que señalan que "no dimiteix el regidor de cultura que la suspèn, en lloc de fer-la segura" ("no dimite el concejal de cultura que la suspende, en lugar de hacerla segura") y "mentre tothom surt a aplaudir i fingir al terrat, cada dia fan més gent fora de casa" ("mientras todo el mundo sale a aplaudir y fingir en la terraza, cada día echan más gente de casa"). Ese mismo sentimiento impregna la canción "El dia de la victòria" con versos que describen la mayoría de los reencuentros: "Ja tornem a estar abraçats, ens mirem il·lusionats i ho celebrem plegats"(Ya volvemos a estar abrazados, nos miramos ilusionados y lo celebramos juntos") canta Guillem Solé. "Tant ho hem desitjat que sembla ahir i fa tants anys; la felicitat és compartir la llibertat" (Tanto lo hemos deseado que parece ayer y hace tantos años; la felicidad es compartir en libertad") rapea después Lildami. En total, el disco reúne quince canciones de rock mestizo cantadas en catalán y castellano.

SYSTEM OF A DOWN "Genocidal Humanoidz"

 

Regresa el sonido atronador. Quince años después de su último álbum, la banda californiana de origen armenio System of a Down sacude las redes con el lanzamiento sorpresa de dos temas nuevos, "Protect The Land" y "Genocidal Humanoidz", con un poderoso aviso a nuestros gobernantes, tanto es así que Youtube avisa antes de dejarte ver este vídeo que no resulta adecuado por su contendio y después te pide que si quieres visualizarlo des tu aprobación previa. No sabemos si estas dos canciones inéditas se incluirán en un hipotético disco que tome el relevo a "Hypnotize" (2005), el grupo capitaneado por Serj Tankian sí ha comunicado su intención de recaudar fondos con ellas para las víctimas del conflicto entre Armenia y Azerbaiyán por la región de Nagorno Karabaj. En concreto, será la organización Armenia Fund la receptora del dinero generado por la descarga de estas novedades, que han sido escritas y producidas por el guitarrista de la banda, Daron Malakian. "Probablemente somos la única banda de rock que tiene gobiernos como enemigos, la única banda de rock que está en guerra, así que escribí estas canciones para levantar la moral de nuestras tropas y de los armenios de todo el mundo", ha señalado Malakian en un comunicado. Nagorno Karabaj es un enclave armenio en territorio azerbaiyano, que formó parte de la Armenia soviética hasta su anexión por Azerbaiyán en 1921, durante la época estalinista. El conflicto en este territorio empezó a trascender a partir de 1988, cuando se levantaron para pedir su incorporación a Armenia. La tensión fue creciendo hasta el estallido de una guerra que se prologó entre 1991 y 1994 y, desde entonces, existe un frágil equilibrio de alto el fuego que se ha roto de forma grave en 2016 y 2020.  El grupo comandado por Serj Tankian y Daron Malakian, y formado en 1994 en Los Angeles, volvió a la actividad en 2011, tras un largo paréntesis de cinco años, lo que dio la posibilidad de disfrutar de su directo en ciudades como Madrid, donde ofrecieron un concierto como parte del Download Festival 2016. La formación ha sido distinguida con un Grammy y cuatro nominaciones a estos premios gracias a sus cinco discos oficiales de estudio, desde el homónimo "System of a down" (1998) hasta el citado "Hypnotize" (2005), con unas ventas mundiales estimadas de más de 40 millones de copias.

SALVATGE COR "Bruixes"

El disco "Bruixes" de Salvatge Cor ha ganado el premio Enderrock de Crítica como Mejor Disco del año en Baleares. No es una banda nueva, se formaron en 2013 alrededor de la figura de su cantante Llorenç Romera, que es también poeta y compositor de las letras. El cuarteto se define como un grupo musical de lo-fi i art pop. En 2016 obtuvieron el premio Art Jove de Música Contemporània de les Illes Balears y el Premi Joventut del Sona9 el 2017. Hasta el año pasado habían editado un LP y dos EPs. En este 2020 también se alzaron con el segundo premio del recuperado concurso Pop-Rock de Palma, alzándose con el premio a la mejor canción en catalán del certamen con "Cap a la llum". El verano del año pasado se metían en el estudio para comenzar a preparar "Bruixes" que pretendían rompiera con su sonido hasta la fecha, para hacer algo más cercano al dream pop y menos garaje. El disco contiene nueve temas e incorporan algunas colaboraciones de artistas de la isla como Maria Jaume Martorell, aires dream-pop en la melódica "Flor de Fusta"; toques funk en "Eurocarnavall" y folk actual en "Riba" y sonidos más agresivos en las potentes "Costa Amunt Del Somni" o "Conferència D’Histèria Contemporània". Se edita en versión vinilo, aunque también está muy cuidada en la versión en compacto pues incorpora un muy completo libreto de 20 páginas.
El grupo ha ido evolucionando desde el ruidosos protopunk con el que empezaron. "Éramos muy poco sutiles y muy ruidosos pero con el tiempo hemos pasado de cocinar la típica tortilla a presentar platos bonitos", afirman. La poesía continúa siendo el elemento esencial en la creación de sus piezas, aunque Llorenç reconoce que: "Yo empecé a escribir con poesía, pero el compositor musical se ha comido al poeta". Las canciones de Salvatge Cor tocan temas universales como la muerte o el amor; también hablan del individuo y su lugar en la sociedad, todo con un capa de ironía, interpretadas en catalán e influenciadas por el universo de poetisas como Emily Dickinson.
Después de diversas formaciones actualmente la banda está formada por Llorenç Romera (voz, guitarra),  Gabriel Abrines (guitarra), Pere Font (bajo), Jaume Salom (batería) y Sara Mingolla (teclados). Un antiguo matadero de Campanet, donde vive la mitad de Salvatge Cor (Abrines y Bellver), les sirve de local de ensayo. Es una planta baja de una escuela de música, en plena naturaleza. Su discografía contempla trabajos como "L'U", un EP de seis pistas, con cinco canciones de sonido garage y con un guiño al disco "Horses" de Patti Smith; y un larga duración "Hi Ha Gent Que Entra Dins La Teva Ànima I Ja No En Sortirà Mai Més" ("Hay gente que entra en tu alma y ya no sale jamás"). El cedé "Bruixes"se grabó en Barcelona con la producción de Jordi Bastida (Els Pets, Carlos Sadness, Ramon Mirabet), a donde regresan con un concierto el 16 de novembre, donde actuarán en la Jazz Cava de Vic. La gala de los premios Enderrock  se celebrará el 26 de noviembre en el Teatro Xesc Forteza de Palma.

FOO FIGHTERS "Shame Shame"

Tres años después de "Concrete and gold", la banda estadounidense de rock, Foo Fighters, va a lanzar el décimo álbum de su carrera.Hace apenas unas horas y como ya se apuntaba desde hace días, la formación integrada por Dave Grohl, Nate Mendel, Chris Shiflett, Pat Smear, Jami Raffee y Taylor Hawkins ha anunciado el lanzamiento de "Medicine At Midnight", así lo han titulado, que saldrá a la venta el 5 de febrero de 2021. De momento han compartido "Shame Shame", primer adelanto, un medio tiempo alejado de sus temas más frenéticos, así que muchos de sus fans se han quedado algo decepcionados. La canción la acaban de presentar en directo en el programa Saturday Night Live, actuación a la que corresponde el vídeo que podéis ver en este encabezamiento.
Lo poco que ha trascendido de este "Medicine At Midnight" es que constará de nueve canciones y cerca de cuarenta minutos de duración. Ha sido producido entre la banda y Greg Kurstin, con quien también trabajaron hace algunos años para el "Concrete And Gold". También ha trascendido algunos de los títulos de las canciones, además de "Shame Shame" figuran "Making a Fire", "Cloudspotter", "Waiting on a War" y también un tema que da titulo al disco "Medicine at Midnight".

EL NUEVO PROYECTO DE MON CANCELA

Mon Cancela (Vigo, 1972) lleva muchos años en esto de la música, pero hasta ahora el éxito le ha sido esquivo. Empezó cantando y tocando la guitarra junto a Iván y Amaro Ferreiro, sus primos y con los que mantenía una relación casi de hermanos: "Estábamos muy unidos. Nuestra abuela compró una casa muy grande en Playa América y desde pequeños convivíamos todos los veranos", confiesa. En 1999 se convirtió en el líder de Los Lombardi, que fichan por la multinacional Warner. Graban su primer disco con colaboraciones de Coque Malla y Paul Collins, y salen de gira por todo el país junto a grupos como The Cranberries o Dover. La banda tuvo su momento de gloria, pero la cosa no duró. 

Tres discos ha llegado a editar pero el éxito masivo le ha sido esquivo. "A lo mejor me falló la confianza, pero lo cierto es que no pienso en otra cosa y lo voy a hacer siempre. Amo la música. La mejor medicina es una canción", asegura. Hace quince meses empezó a publicar canciones para su cuarto álbum, que ha decidido rebautizar como Mon Band, eliminando el Cancela de su apellido. En la nueva formación participa el bajista Javi Pacheco, que ya era compañero en Los Lombardi, y el batería Sergio Martínez. Su álbum, que como corresponde a estos tiempos sale a cuentagotas en las redes y plataformas como Spotify, aún no tiene título. Solo el primer single "Desvistiendo su belleza" acumula más de un millón de clicks. También va a reeditar una canción que había hecho con su primo Iván, "El tiempo sin reloj", y otra con Pereza, "Lo que me gusta de ti", ambas estaban incluidas en el disco "Aprendiéndonos". 

SPANDAU BALLET "40 years. The Greatest Hits"

Spandau Ballet celebra 40 años de carrera en el 2020 con un disco recopilatorio que se publicará el 27 de noviembre y que contiene todos sus hits, rarezas y un tema inédito, que es una versión de "The Boxer" de Simon & Garfunkel grabada en 1990. En total 46 canciones en un triple CD y también estará disponible en edición doble vinilo coloreado con 19 canciones. La banda británcia fue pionera en el sonido  New Romantic. Al igual que sus competidores de aquella época, Duran Duran, consiguieron el éxito en Estados Unidos, aunque brevemente. 
En octubre de 1980 Spandau Ballet firmó su primer contrato y lanzó su primer single “To Cut A Long Story Short”, iniciando una carrera que les llevaría al estrellato mundial. Spandau definió el sonido de los años 80 con canciones como “True”, “Gold”, “Through the barricades” u “Only when you leave”. El grupo londinense no solo dominó las listas de ventas en todo el mundo, sino que también tuvo un impacto enorme en la cultura juvenil y en la moda tal y como mostró el estupendo documental “Soulboys Of The Western World”.
Este es el listado de canciones que contendrá "40 years. The Greatest Hits"
CD 1 – Hits
1. To Cut a Long Story Short
2. The Freeze
3. Musclebound
4. Toys
5. Glow
6. Chant no. 1
7. Paint Me Down
8. Coffee Club
9. She Loved Like Diamond
10. Instinction
11. Lifeline
12. Communication
13. Heaven is a Secret
14. True
15. Gold
16. Pleasure
17. Only When You Leave
18. I’ll Fly for You

CD 2 – Hits
1. Highly Strung
2. Revenge for Love
3. Round & Round
4. Fight For Ourselves
5. Swept
6. Cross The Line
7. Through?The Barricades
8. How Many Lies – Remastered
9. Raw
10. Be Free With your Love
11. Crashed Into Love
12. Empty Spaces
13. The Boxer
14. Once?More
15. This Is The Love
16. Soul Boys
17. Steal

CD 3 – 12″?Mixes
1. To Cut A Long Story Short
2. The Freeze
3. Glow
4. Chant?No 1
5. Paint Me Down
6. Lifeline
7. Communication
8. Gold
9.Fightfor Ourselves
10. Cross The Line
11. Raw

JOAN MIQUEL OLIVER "Aventures de la nota La"

Joan Miquel Oliver (Sóller, 1974), el exlíder de los añorados mallorquines Antònia Font, lleva años desarrollando una prolija carrera en solitario. Esta vez ha decidido tirar de libertad creativa porque en este mundo "de capitalismo salvaje en el que no se paga por los contenidos y los músicos casi no cobran", así que ha decidido regalar el disco: "no le debo nada a nadie y puedo hacer lo que quiera", asegura. "Aventures de la nota La" es un disco de música atonal basado en los principios del dodecafonismo. un concepto que puede resultar extraño, así que incluye en el disco un texto en el qué explica qué es la música atonal y por qué ha decidido experimentar con ella. Muy didácticamente, el compositor aclara que la música a la que estamos acostumbrados se centra en una sola nota, la tónica, mientras que la música atonal da la misma importancia a las doce notas que componen la escala dodecafónica en la que se basa la teoría musical de Schomberg. "Según mi parecer -dice Joan Miquel Oliver-, la teoría musical de Schomberg y el discurso anarquista de Chomsky son prácticamente idénticos, si obvias que uno habla de notas musicales y otro de personas. En términos filosóficos la anarquía se define como ausencia de autoridad, pero no de orden, y la música atonal se define como ausencia de tonalidad, no ausencia de orden". El álbum es completamente instrumental, Joan Miquel se hace cargo de todos los instrumentos, excepto de la batería a cargo de Xarli Oliver, par adentrarse en territorios atonales sin dejar de hacer pop, tratando la composición como si jugara con personajes de un cuento anmado,tal y como hace Albert Pinya con las divertidas ilustraciones: "Creo que este disco puede gustar a la gente que suele escuchar 'pop' y también a gente de la música clásica o de la música contemporánea que hasta ahora no me conocían y ahora se interesa por mi música", añade. Oliver quiere "emocionar y llegar al máximo de público. Hay otras maneras de hacer música, con más libertad, y yo me lo puedo permitir". Esta libertad es la única consecuencia positiva de la lamentable situación del sector musical, "en el que ya no tiene sentido hacer un disco porque nadie paga por él". "El capitalismos salvaje ha impuesto que los contenidos sean gratis para que la gente pague muchísimo por la herramienta que les proporciona estos contenidos, es decir, los teléfonos móviles", según el compositor. En estas circunstancias, "estás obligado como músico a estar en Spotify, aunque paguen una miseria, y no te queda más remedio que ver como abusan de los creadores". "Estoy regalando mi música -añade-, por lo tanto hago lo que quiero, no debo nada a nadie y soy libre, aunque al final lo que vamos a conseguir es ser libres para morirnos de hambre". El mundo de los conciertos en directo, que es de lo que viven últimamente los músicos, tampoco está para muchas alegrías debido a las limitaciones que impone la pandemia, pero estas restricciones no afectan a "Aventures de la letra La" porque es un disco que, en principio, su compositor no tiene previsto presentar en directo.

DAVID BOWIE "Metrobolist"

 

Hoy vuelve a reeditarse "The Man Who Sold The World", el tercer álbum de estudio de David Bowie, no es una de sus obras más conocidas, pero sí unos de los más oscuros, en el que se adentraba en temas tan polémicos como la religión o la guerra. El músico lo tituló como "Metrobolist", pero no resultaba  comercial para la discográfica, ahora recupera el nombre que ideó Bowie y que era un  homenaje a la película "Metropolis" (1927) de Fritz Lang, que siempre le despertó una gran admiración. Hubo más discrepancias, por ejemplo la portada o las portadas, ya que se hicieron al menos dos versiones de la misma. Para el mercado estadounidense se utilizó una ilustración de Mike Weller, con un "cowboy" inspirado en la figura del actor John Wayne ante una clínica mental, el mismo lugar en el que había permanecido internado un familiar próximo de Bowie. Finalmente esta es la que acompañará la reedición del álbum, y no la más conocida, la que se hizo para el mercado británico y que terminó lanzándose en el resto del mundo, con Bowie fotografiado por Michael Fish con un extravagante vestido azul.
"The Man Who Sold The World" también resultó un disco trascendental en la carrera del Duque Blancoi porque se aliaba por primera vez con el batería Mick Woodmansey y el guitarrista Mick Ronson, quien jugó un papel fundamental en la dirección musical. Este último se encargó de los arreglos, ideó melodías para el sintetizador e impulsó el uso de un bajo Gibson. En el álbum destacan piezas como "She Shook Me Cold" o "Black Country Rock" Bowie imprimió su energía más agresiva en cortes como o "Saviour Machine" o "The Man Who Sold The World", la que terminó dando nombre al disco y que a su vez se inspiraba en el título del libro "El hombre que vendió la luna" de Robert A. Heinlein. En su retorno al mercado, "Metrobolist" se han remezclado todos los temas excepto "After All", por considerarla perfecta como estaba. Tendrá una versión en vinilo negro de 180 gramos, así como en color dorado y en color blano en ediciones limitadas.

                                    

Tom Petty "Wildflowers"

La numerosa cantidad de temas inéditos que Tom Petty dejó entre sus archivos sigue apareciendo tras su fallecimiento. En esta ocasión nos ofrecen nuevo material con motivo de la reedición del álbum "Wildflowers", que verá la luz el 16 de octubre con atractivos nuevos como la canción "Leave Virginia Alone". Se trata de uno de los diez temas que el músico estadounidense no incluyó en el repertorio final del citado álbum, que aunque no se considera un trabajo junto a The Heartbreakers, lo cierto es que prácticamente toda la banda participó en él. Por sugerencias de un directivo de Warner, que consideraba que lanzar un disco doble habría resultado "demasiado largo", se lanzó finalmente con 15 de las 25 canciones que Petty había preparado junto a Campbell. Su autor nunca olvidó aquellos temas descartados.
"Leave Virginia Alone" fue compuesta en febrero en 1993 ve por fin la luz tanto en formato de audio como de vídeo gracias a la producción dirigida por el fotógrafo Mark Seliger y la hija de Petty, Adria.  La selección del repertorio ha sido realizada por su mujer Dana y sus hijas Adria y Annakim, junto con los miembros de The Heartbreakers Mike Campbell y Benmont Tench. El disco ha sido producido por el ingeniero habitual de Tom Petty, Ryan Ulyate. Llegará al mercado en diversos formatos, el más completo de los cuales, llamado "Wildflowers & All The Rest - Deluxe Edition", contendrá en total 54 canciones, con abundante material inédito entre temas completamente desconocidos, maquetas, versiones y cortes en directo. El gran Tom Petty falleció en octubre de 2017, cuando contaba 66 años, tras sufrir una sobredosis de opiáceos en su domicilio de Los Ángeles. Convertido en un emblema del rock estadounidense. Con más de 40 años de recorrido junto a su fiel banda, con los que lanzó su debut "Tom Petty and The Heartbreakers" (1976), colaboró además junto a otros mitos como Bob Dylan, Roy Orbison y George Harrison en el supergrupo The Travelling Wilburys. 

MOURN "Self worth"

 

"Self Worth", es el nuevo álbum de los catalanes Mourn. Desde el lanzamiento del bullicioso "Sorpresa Familia", de 2018, el grupo ha tenido que hacer frente a las nuevas adversidades que ha traído la pandemia del Covid.  Eso se nota en esta obra conceptual, sus melodías enérgicas se adentran en terrenos más arriesgados, sus letras demuestran más madurez por parte de Jazz Rodríguez y Carla Pérez en las tareas compositivas. Un disco de rock recomendable, quizá también su obra más madura. Hay que recordar que Mourn grabaron su álbum de debut cuando aún eran menores de edad, en 2014, y comenzaron a cosechar elogios y a sumar seguidores. Sacaron dos discos más: "Ha, Ha, He" (2016) y "Sorpresa Familia" (2018). Y luego llegaron giras por Norteamérica, Europa y Japón. Todo un sueño para aquellos adolescentes. Jazz Rodríguez y Carla Pérez son amigas desde el colegio, ambas nacidas en 1996 en El Maresme, se volvieron inseparables al final de la escuela secundaria. Ellas son los pilares del grupo, más ahora tras la marcha del baterista que las acompañaba desde el inicio de Mourn. En mayo del año pasado tras esa ruptura se refugiaron durante una semana en una casita en la montaña, cerca de los Pirineos, en Francia, para empezar a proyectar este álbum. Allí, sin móviles y sin internet, se dedicaron a escribir y a grabar demos. Asomaron nuevas melodías, letras y líneas de guitarra. Volvieron a Cataluña, donde esperaban Leia Rodríguez, bajista y hermana de Jazz, y Víctor Pelusa, el nuevo baterista, juntos acabaron de perfilar "Self worth", no es de extrañar que el disco se hable de dejar atrás los vínculos abusivos y, sobre todo, exteriorizar el ruido interior.

IRON MAIDEN "Nights Of The Dead - Legacy Of The Beast, Live In Mexico City"

Iron Maiden anuncia la publicación el próximo 20 de noviembre de un nuevo álbum en directo, "Nights Of The Dead - Legacy Of The Beast, Live In Mexico City", un disco doble que fue grabado en la capital mexicana en 2019 fruto de tres noches de concierto. Serán, ha avanzado su discográfica, más de 100 minutos de clásicos de la banda fruto de la gira "Legacy Of The Beast" que emprendieron en 2018 y culminará el próximo verano en Europa, tras el parón provocado por la pandemia de COVID-19. "Teníamos muchas ganas de llevar este espectáculo a aún más países y aunque hemos sido capaces de reprogramar la mayoría de nuestros conciertos de Europa para 2021, pensamos en escuchar las grabaciones que teníamos de la gira hasta ahora para ver si podíamos crear un recuerdo de álbum en directo definitivo que todos pudieran disfrutar", ha explicado el bajista Steve Harris, en declaraciones recogidas en la nota de prensa. El álbum estará disponible en doble CD, edición "Deluxe" doble CD formato libro y en triple vinilo.  "Nights Of The Dead - Legacy Of The Beast, Live In Mexico City" tomará el relevo a una larga tradición de discos en directo en el seno de la banda, más de una decena, que arrancaron con "Live After Death" (1985) y llegaban hasta ahora a "The Book Of Souls: Live Chapter" (2017). 

MON LAFERTE

 

Mon Laferte publicó hace un mes "Que se sepa nuestro amor" junto a Alejandro Fernández, un tema que cuenta ya con casi cuatro millones de visualizaciones en Youtube. El tema ya era una una propuesta de intenciones. La artista chilena prepara su próximo disco, que prevé que saldrá en 2021, en el que se adentra en la música de México, el país en el que vive desde hace trece años y por cuyos artistas siente gran admiración: "Después de tantos años estoy presentando mi primer disco del folclore mexicano, el álbum viene en ese sentido, aunque no necesariamente todo con mariachi, también hay banda del norte, banda del sur porque me llama mucho la atención y muchos otros sonidos", explica Laferte en una conferencia virtual. Otra característica especial de este disco es que primero escribió las letras y después añadió la música, un procedimiento que suele realizar a la inversa y que le sirvió para revisar sus anotaciones de dos años atrás. "Tenía dos años escribiendo notas en una libretita de estos pensamientos, sentimientos, poemas de dos años. Entonces en plena pandemia me sentaba con mi vinito o mi mezcalito y me ponía a leer. Podía ser tortuoso mirar hacia atrás pero ha sido un disco diferente. Siempre compongo primero la música y luego la letra y ahora fue al revés y me pareció que la mejor manera de contar estas historias era con el folclor mexicano", indica. Además, estará presentando su música el día 5 de noviembre para Latinoamérica y el 6 para Europa en un concierto que ya grabó hace algunos días y en el que disfrutó mucho a pesar de no tener un público al cual cantarle.    Recientemente sorprendió cuando apareció en la plaza de Garibaldi junto a un grupo de mujeres mariachis grabando un video que pronto verá la luz. "Fue bien raro porque llegamos y empezó a llegar gente y tocar en Garibaldi aparte con un mariachi de mujeres fue increíble. Sería algo que haría cada fin de semana por mero placer", confiesa. Laferte recibió dos nominaciones en los Latin Grammy, que tendrán lugar el 19 de noviembre, a mejor canción alternativa por "Chilango Blues" y a mejor canción de rock con "Biutiful".  En 2019 ya había sido galardonada por su disco "Norma" como mejor álbum alternativo. 

THE CRANBERRIES "No Need To Argue"

The Cranberries alcanzaron la fama mundial gracias a una canción titulada "Zombie", que les catapultó a las listas de éxito, un tema que en 1994 se radiaba a todas horas en las radios de todo el planeta. Actualmente, para que nos hagamos una idea, el videoclip de "Zombie" sobrepasa los mil millones de visitas, convirtiéndose en el quinto de estilo rock más visto de todos los tiempos. El álbum "No Need To Argue" contenía el tema y fue el más vendido de toda su carrera, ahora será reeditado el próximo 13 de noviembre en una versión remasterizada que incluirá temas inéditos. Será en formato de doble CD o doble LP con tres caras B que fueron extraídas de las cintas originales: "Away", "I Don't Need" y "So Cold In Ireland". Además, al repertorio original se incorporarán otros 19 temas, dos de los cuales no habían visto la luz de manera oficial en ningún formato: "Yesterday's Gone", que fue grabada durante su concierto acústico para MTV en Nueva York en 1995, y la demo de "Serious", que hasta ahora solo existía como un directo con poca calidad en Youtube. "No Need to Argue" fue publicado por primera vez en octubre de 1994, la canción de "Zombie" fue escrita por Dolores O'Riordan como una canción de protesta, después de los atentados del IRA en Warrington en los que murieron dos niños y resultaron heridos otros 56 en marzo de 1993, el corte fue grabado en Windmill Lane Studios en Dublín y fue producido por el veterano colaborador de Cranberries Stephen Street.  De su mano, "No Need To Argue" se convirtió en el disco de mayores ventas del grupo irlandés, con 17 millones de copias despachadas en todo el mundo y otros temas célebres de su repertorio como "Ode To My Family" o "Ridiculous Thoughts". Ya en 2018 fue reeditado también el debut de The Cranberries, "Everybody Else Is Doing It So Why Can't We?" (1993), que incluía éxitos como "Linger" o "Dreams".  Después de ocho discos de estudio, la carrera del grupo concluyó en 2019 con la publicación del último de ellos, "In the End", que llegó al mercado como homenaje póstumo tras la inesperada muerte en noviembre de 2018 de su cantante, Dolores O'Riordan.