DEPRESIÓN SONORA "El arte de morir muy despacio"

 

Marcos Crespo (Madrid, 1997) es quien se esconde tras la música de Depresión Sonora. Después de empezar a publicar sus canciones en la pandemia y abandonar su trabajo en una consultora de telecomunicaciones, acaba de publicar su primer álbum, "El arte de morir muy despacio" (Sonido Muchacho), en el que con su característico estilo post-punk ahonda en la dificultad de la existencia y lo cotidiano. En realidad define el disco como una crónica de su proceso de aprendizaje para sobrellevar la vida, pero huye de querer ser un espejo de su generación agotada y sin futuro.

Tras dos EPs anteriores, "El arte de morir muy despacio" se presenta como un disco conceptual que se divide en tres partes: "La La primera presenta a un individuo descubriendo el mundo y formándose, todo ello con aura melancólica y un sonido lo-fi depurado, transmitiendo inocencia, pero con mala leche. La segunda se entrega a un sonido más saturado para abordar traumas, la soledad o el odio, situándose en una etapa de enfado con el mundo. En la tercera, la parte final, llega la fase de aceptación en la que se asimila todo lo aprendido, se asume la realidad y se valora lo que se tiene". El disco tiene una calidad sonora que poco se asemeja a las canciones que ha ido publicando: "este trabajo está más pensado y producido", Marcos espera que los seguidores de Depresión Sonora se sientan satisfechos con el resultado, pues tras abandonar su trabajo en la consultora pretende vivir de la música.

BRUCE SPRINGSTEEN "Only The Strong Survive"

 

Hoy sale a la venta, por fin, el disco de Bruce Sprinsteen "Only The Strong Survive", un auténtico homenaje a la música soul. Ya tenemos una idea aproximada de su contenido gracias a los tres adelantos que la productora ha lanzado, aunque en total el álbum incluirá quince temas.
Todos las piezas son versiones de clásicos del soul, interpretados de forma bastante fiel a los originales, según se desprende de las canciones que conocemos: "Don’t play that song" (escrita en 1962 por Ahmet Ertegun), "Do I love you" (grabada por Frank Wilson en 1965), y la última "Nightshift", canción con la que The Commodores hicieron en 1985 su propio homenaje a Marvin Gaye, monstruo del género.
En esta ocasión con "Nightshift", Springsteen apenas se aparta de la versión que interpretaron The Commodores, en un vídeo donde aparece en un sobrio escenario junto a sus músicos y coristas, se nos muestra, vestido con un traje gris más cercano a la figura de un crooner que a su habitual figura de rockero. "Quería hacer un álbum en el que simplemente canto. ¿Y qué mejor música para trabajar que el gran cancionero estadounidense de los sesenta y setenta?", explicó Springsteen en un comunicado a fines de septiembre, cuando anunció el disco. En el disco interpretará versiones de nombres legendarios como Levi Stubbs, David Ruffin, Diana Ross, Dobie Gray, The Temptations, Jimmy Ruffin, Scott Walker o The Four Tops. Además, Springsteen, a sus 73 años, prepara volver a los escenarios con su fiel E Street Band en una gira internacional que arrancará el próximo febrero de 2023.

TOM PETTY “Call Me the Breeze”

Tom Petty junto a the Heartbreakers han compartido una rara versión en vivo de "Call Me The Breeze" de J.J. Cale. Se trata de otro adelanto del disco en directo “Live at The Fillmore”, qrabado en 1997 y que forma parte de la legendaria carrera de 20 shows de la banda en el Fillmore, en San Francisco. Además llega acompañado de un vídeo ilustrado a mano por el educador y cineasta Scher, quien ha declarado que "Call Me The Breeze' es un himno a la libertad". Él ha realizado también vídeos musicales para Bob Dylan o Paul Simon, entre otros, así como piezas que se encuentran en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno, The Harvard Filmoteca, Centro Pompidou y Filmoteca Nacional de Austria. “La metáfora más directa para mí fue la conducción y la alegría del movimiento sin restricciones, lo que me hizo pensar en la forma en que las cosas se vuelven borrosas cuando pasan volando. Estaba emocionado de intentar recrear ese desenfoque de movimiento con pintura y pastel. Empecé con la primera toma y seguí agregando tomas y cortándolas a medida que avanzaba. Se podría decir que simplemente evolucionó a medida que crecía. Hacer el video de esta manera se sintió como si hubiera incorporado el espíritu de la canción en el proceso de hacer el video”, ha indicado Scher.
“Live at The Fillmore” también contendrá versiones de canciones de Bob Dylan, Rolling Stones, Everly Brothers y Bill Withers, entre muchos otros.  Por supuesto incluye canciones propias de Tom Petty and The Heartbreakers.

BETACAM "La noche interior"

 

Betacam es el proyecto personal de Javier Carrasco, un trabajador nato de esto de la música, miembro de Rusos Blancos y Templeton y colaborador en proyectos y giras de artistas como Tulsa, Cosmen Adelaida, La Bien Querida y Kokoscha. "La noche interior" es un álbum mucho tiempo anhelado, el segundo tras el debut de "Mítico" (2018), en el que se sumerge en el pop electrónico, con cierta carencia por los sonidos de los 80 y eficacia en estribillos abrasadores, en canciones tan redondas como "Yo nací para quererte", "Mejor no hablar de amor"  o "Tan sólo algo de ayuda", en la que de pronto emerge la voz de Miren Iza para decirle que no pida ayuda en una canción, porque nadie sabe quién eres. Las influencias están claras, desde Astrud, a La Mode o Franco Battiato.
"La noche interior" es una bonita colección de canciones de amor y, como suele ocurrir, a veces las cosas no salen bien aunque "ames hasta la muerte". El romanticismo sí que no ha muerto y Betacam apuesta por ello. 

LOUISE ATTAQUE "Planète Terre"

 

Louise Attaque llevan 25 años, un cuarto de siglo casi nada, creando rock en francés. El grupo firma con "Planète Terre", un quinto álbum efervescente, en el que se reencuentran con sus fundamentos compositivos y las conmovedores letras de Gaëtan Roussel que a lo largo de todos estos años se han ganado el corazón de millones de fans. El disco se ha grabado en los estudios de La Frette, una antigua casa señorial enclavada en borde del Sena, al noroeste de París, con una particularidad singular, ya que el grupo se impuso veinticinco días para acabarlo, ni un día más. Esa restricción autoimpuesta les forzó a trabajar con corazón y una pasión inusitada. El resultado es un álbum preocupado por el estado de nuestro planeta azul y los lazos que unen a los humanos. Once temas con riffs de guitarra juguetones, la sólida línea de bajo de Robin Feix y una sección de cuerdas soberbia a cargo de Arnaud Samuel. Reconocen que ha sido como una vuelta a los orígenes, después de un parón de varios años. Ahora celebrarán sus 25 años con una larga gira con la que recorrerán Francia.

PARADE "Mares poco profundos"

Antonio Galvañ, el artista detrás de Parade, nos sorprende con otro disco de orfebrería pop, "Mares poco profundos", es ya su undécimo álbum, otra delicia que en esta ocasión se aununcia como una obra deudora de aquellas canciones que a principios de la década de 1980 hacían grupos como Weekend, Pale Fountains o Everything But The Girl, de hecho hace una versión de "Before today", que aquí tittula como "Anteayer" y que ha sido el primer single. A lo largo del disco también encontraremos sonidos que nos acercan a  Beach Boys y St. Etienne. Canciones bonitas con aroma clásico, un álbum animado en el que no le importa mezclar el jazz, la bossa nova y pop de alta intensidad. El propio Antonio Galvañ lo ha definido como un disco de pop acústico, tocado con instrumentos de jazz, por Quique Villafañe a la batería, Juan San Martín al contrabajo (supervisados por Ramón Leal) y Eduardo Piqueras en las guitarras.
Atención a canciones como "Pasado, presente, futuro" y "Volver a encontrar un amor", auténticas delicias de pop ensoñador, en las que que Parade da un paso para convertirse en verdadero crooner, después de renunciar a la electrónica y cantar ahora casi susurrando al micrófono.

YO LA TENGO "This Stupid World"

 

Yo La Tengo siempre ha sido una banda coherente con el indie-rock. Llega a su decimosexto álbum, que anuncian para el 10 de febrero, a través de su discográfica habitual Matador. Ellos llevan casi cuatro décadas de una carrera memorable. El trío formado por Kaplan, Georgia Hubley y James McNew se renuevan con "This Stupid World", un disco que se editará el próximo 10 de febrero. El primer tema que dan a conocer es este "Fallout", en el que conservan su sonido original y atemporal. Según la nota de prensa, "This Stupid World" se trata de "un fascinante conjunto de canciones reflexivas que es desafiante en el tiempo" y apuntan que, mientras que en el pasado la banda ha trabajado a menudo con productores externos, "This Stupid World" lo han hecho ellos mismos. Además, ha sido descrito como "el álbum de Yo La Tengo que suena más vivo en años".
La banda estadounidense aprovecha el anuncio del nuevo disco para anunciar una gira de presentación de este nuevo de trabajo para la próxima primavera. En nuestro país, el grupo actuará el 29 de abril en la sala Apolo de Barcelona, el 2 de mayo en Warner Music The Music Station Príncipe Pío de Madrid y el 3 de mayo en la sala Santana 27 de Bilbao. Las entradas para sus conciertos en España están a la venta desde el viernes 4 de noviembre en livenation.es y ticketmaster.es con un precio desde 27€.

CONFETI DE ODIO "Hijos del divorcio"

Lucas Vidau es el músico y creador al frente de Confeti de Odio, que se atreve en estos tiempos convulsos en publicar su segundo larga duración "Hijos del Divorcio", en el que vuelve a incidir en una visión trágica de la vida que ya acometió en "Tragedia Española" (Auto, 20), con ese valor añadido de la ironía, para hablar de perdedores/ganadores con descaro, del sentido trágico de la vida, de esa lírica costumbrista que se mueve en el entorno del indie-pop. En este caso nos habla del dolor provocado por la separación de sus padres, a la vez que de otras relaciones amorosas y de amistad: “El disco habla de cómo nosotros entendemos el amor con unas referencias igual de perdidas que nuestros padres. Cuando creces, ves que los padres son igual de torpes que tú, que no son esos dioses que creías, y eso relaja. Ahí te das cuenta de que no estás tan perdido”.

Ahí quedan canciones como "El coro de los hijos del divorcio" interpretada por un coro infantil, “Estrella”, la proximidad al shoegaze de “Déjales entrar”, “80’s y ojeras”, la espléndida  “Ángel Triste”, “El malo final”, el abuso de sintetizadores en “En la oscuridad” o la final “Mundo cruel”. Lucas Vidaur se convertirá en un fenómeno del indie nacional, tiempo al tiempo, mientras tanto seguirá por necesidades actuando de guitarrista de Axolotes Mexicanos o creando piezas para Amaia. Así es la vida. 

THE BEATLES "I'm Only Sleeping"

El disco "Revolver", el ábum de The Beatles de 1966, sumergió a la banda en una nueva etapa de experimentación y sonido psicodélico experimental. Podemos decir que su séptimo disco fue una obra decisiva para el cuarteto de Liverpool. Ahora se reedita y todas las canciones de “Revolver” incluyen la nueva mezcla estéreo del álbum, obtenida directamente de las cintas maestras originales de cuatro pistas. El audio se presenta con una claridad asombrosa con la ayuda de la tecnología de desmezcla más avanzada, desarrollada por el galardonado equipo de sonido dirigido por Emile de la Rey en WingNut Films Productions Ltd. de Peter Jackson. También hay boxset de lujo, remezclado y ampliado. Las colecciones Super Deluxe física y digital también incluyen la mezcla mono original del álbum, 28 tomas de las sesiones y tres demos caseras, y un EP de cuatro pistas con nuevas mezclas estéreo y mezclas mono originales remasterizadas para “Paperback Writer” y “Rain“.
Hace unas semanas nos presentaron el estreno digital de “Taxman”, que incluía un nuevo vídeoclip, hace unas horas acaban de compartir un video oficial para uno de los tracks más queridos del LP: "I'm Only Sleeping", dirigido por la artista Em Cooper ha sido realizado con cerca de 1.300 pinturas al óleo. Para su realización, Cooper exploró el espacio entre el sueño y la vigilia, trabajando sobre láminas de celuloide. Además, se encargó de pintar cada fotograma, uno a uno, durante varios meses.

BIRDS IN ROW "Gris Klein"

 

El tercer disco del trío francés va aumentado la tensión, no deja de crecer...hasta que se hace insoportable.Su post-hardcore es milimétrico, incisivo e intenso. Birds in Row han entregado tres álbumes en la última década y ninguno se parece entre sí. "Gris Klein" presenta canciones de seis minutos con voces limpias y acordes de guitarra descomunales, con nuevas influencias más cercanas al rock alternativo que arrojan una energía que estaba reprimida en su anterior trabajo “We Already Lost The World” (2018). En esta ocasión las letras de Bart Balboa (guitarrista y vocalista) hablan de sus incertidumbres, del estrés y la depresión que nos rodea en este mundo postpandemia. La propia portada del disco, obra del propio Balboa, nos muestra a una persona que sujeta un ramo de flores, pero es incapaz de disfrutar de su textura y colorido, porque se le ve sumergido en una onda tristeza. Un concepto que también se recoge en la letra de “Secession” que dice: “si este mundo está demasiado enfermo, lo veremos morir de la mano en una secesión de colores”.

Las once canciones que Birds In Row incluye en su nuevo disco no son a pesar de todo canciones derrotistas, porque también nos hablan de apreciar la felicidad y la belleza del amor. Atentos a canciones como "Water Wings", que ya habían lanzado como adelanto y nos introduce en terrenos más melódicos. La furia de "Daltonians", "Cathedrals" o "Nympheas", pero sobre todo a mis favoritas "Noah", un grito contra la voracidad del sistema capitalista y "Trompe l’oeil", que nos habla del auge de las enfermedades mentales.

LA URSS “+”

El grupo andaluz acaba de publicar su nuevo disco “+”, en el que han unido dos conceptos muy presentes en estos tiempos revueltos: el capitalismo y la religión, como aglutinadores de ideología y propaganda, credos que marcan el ritmo de nuestras vidas. Podríamos decir que "+" es un disco conceptual, de hecho han escogido ese símbolo para titular su trabajo por lo que conlleva como mensaje religioso de la cruz cristiana y el tan repetido "+" (Iphone+, Disney+, Movistar+, Nike+, etcétera) que hoy expresa un nuevo dogma, como símbolo de la fe capitalista. En cierto modo es un tótem que atrae miradas y pasiones.

La canción "Euforia" es una buena prueba de lo dicho hasta ahora, esa necesidad de trascender cuando en realidad todo es vacuo y vacío. El sentimiento de alienación también está presente en "Más allá del futuro" aunque deja margen para cierto optimismo, ya que la canción también quiere expresar que toda esperanza debe ser compartida, pues no existen las utopías unipersonales:“creeré, si tú crees conmigo/nuestra fe será el camino”. 

En este disco el cuarteto La URSS ha querido arriesgar también en el sonido y aportan más sintetizadores, sin abandonar las guitarras oscuras. En este caso sí apelan a una fe ciega en su música.