El pasado viernes 23 de abril la artista francesa Clio lanzaba su nuevo disco, un trabajo en el que se mueve entre el pop y el electro, un trabajo con diez temas preciosistas. Ella comenzó su carrera en el 2016 y tiene logros como el Gran Premio de Chanson y el Coup de coeur de la Academia Charles Cros. En el álbum destaca una canción, "L'appartement", en la que encontramos un dúo con Iggy Pop quien canta en francés. De hecho, como en sus álbumes anteriores, lanzados en 2016 y 2019, Clio ha decidido incluir un dúo en su disco. Después de Fabrice Luchini y Ours, es con Iggy Pop quien ha aceptado la propuesta de colaborar con la joven compositora. Sus voces se entrelazan a la perfección, para ilustrar esta canción llena de delicadeza, encontramos una vez más a Isabelle Maurel detrás de la cámara. Pero a diferencia de sus vídeoclips anteriores opta por poner las imágenes completamente en blanco y negro, lo que hace que el momento resulte más íntimo. El tercer disco de Clio "L’amour hélas" vino precedido de dos temas que lo dieron a conocer “Ai-je perdu le nord” y más recientemente “Elle voudrait”, canciones que seducen, pero sin lugar a dudas este "L'appartement" llama la atención.
Tras cuatro años de silencio discográfico, el trío madrileño Sexy Zebras no pierde su vocación rockera y así lo demuestran con su nuevo single "Tonterías". Gabi Montes, vocalista y bajista de la banda, habla así de su regreso: “Llevamos casi 4 años sin sacar una canción nueva y ahora que miro para atrás se me hace jodidamente eterno. Aun así recuerdo perfectamente cuando José me mandó una nota de voz con la estrofa de este tema y tuvimos la sensación de que “Tonterías” era nuestra canción para volver". Este es el primer adelanto del que será su quinto álbum de estudio “Calle Liberación”, título que es un tributo a la misma calle del madrileño barrio de Hortaleza que los vio crecer, que los unió primero como amigos y luego como banda. El sentido de la canción lo explican así: "Uno de los pasatiempos que más disfrutamos es reunirnos con amigos y darle rienda suelta a nuestras ocurrencias más absurdas. Hablar y compartir tonterías con la gente que queremos nos hace sentir libres, correspondidos y queridos".
La Femme ha logrado triunfar en las listas de éxitos de Spotify, Apple Music, iTunes, YouTube y en las radios de media Europa, con las nuevas canciones de "Paradigmes", un álbum aclamado por la crítica francesa e internacional, No. 1 en ventas de vinilos en Francia. La banda francesa de psych-pop es ahora un trío conformado por Sacha Got, Marlon Magnée y Sam Lefèvre, nos regala en “Paradigmes” otra lección de buen hacer, que ha ido marcando su carrera lo que el público ha sabido recompensar, ya que lograron el disco de oro en su primer y segundo álbum "Psycho Tropical" (2013) y "Mystère" (2016) , y el Victoires de la Musique, que en Francia es el equivalente a un Grammy, en 2014 en la categoría de álbum revelación del año gracias a Psycho Tropical.
“Paradigmes” auna las características de este grupo con sintetizadores atmosféricos, melodías contagiosas, sonidos de viento frenéticos y un juego de voces que resulta irresistible para la pista de baile. Una colección de propuestas singulares que mezclan sonidos de new wave, yeyé, pop, psicodelia y punk. El primer single "Paradigmes" que llegó acompañado de un videoclip mostraba una historia inspirada en los talk shows de los 70, con el toque vanguardista de la banda reflejado en la coreografía de su invitada: la actriz, modelo y cantante Alma Jodorowsky. Las canciones de todo el dico vendrán acompañadas de imágenes que mantienen esa continuidad, entrelazados uno con otros, para unificarlos y darle forma a una película que saldrá próximamente. 15 días después del lanzamiento de "Paradigmes" La Femme continúa ese proceso con "Nouvelle-Orléans". Esta vez, es en forma de un concurso de baile hasta el agotamiento. Revive el espíritu de los setenta y le aporta la modernidad de sus sonidos de teclado atemporales, la canción es un texto romántico sobre la emancipación y la búsqueda de la libertad.
"He viajado por el mundo y encontré mi estrella Y no quiero más situaciones tambaleantes Ahora quiero encontrar la calma y la paz en mi alma Y viviré en el tiempo presente pero lo vago en el alma
¿Por qué tanto dolor y por qué tanto odio? La vida me causó algunos problemas pero despegué Y ahora en la noche me voy y salgo de casa Y dejo atrás un poco de esperanza
Y voy cantando y voy cantando"
La Femme nos visitará para presentar Paradigmes, en La Riviera de Madrid el 13 de marzo de 2022.
Era necesario...Os Resentidos edita su primer disco de estudio en 28 años, un trabajo honesto, en el momento oportuno y con una carga crítica de profundidad. Antón Reixa (Vigo, 64 años) cantante y poeta se sirve de un detalle curioso contenido en la novela "20.000 leguas de viaje submarino", de Julio Verne, en la que se narra que el capitán Nemo se acercó a la ría de Vigo para tratar de apoderarse del oro de los galeones que se hundieron en la batalla de Rande de 1702, un tesoro con el pretendía sufragar a los independentistas cretenses, un relato que aprovecha para vertebrar este trabajo con el título de "Organización Nautilus". Le sirve también como metáfora, la del tesoro, para hablar del “talento escondido en Galicia”, según sus propias palabras.
El disco empieza en esa línea con toda una declaración de principios: “Son de Vigo, non o nego” (“Soy de Vigo, no lo niego”). Como en sus mejores tiempos Os Resentidos son capaces de adoptar sonidos del acid jazz, el chachachá, el hip hop y hasta la cumbia para hacer temas con letras donde surgen verdades como puños y surge toda la ironía del mundo. En "Organización Nautilus" hay críticas al capitalismo, versos adaptados de Rosalía de Castro de su poema A xustiza pola man (La justicia por la mano) que se convierte en himno antisistema y muchas más sorpresas.
Antón Reixa se considera un superviviente, ha sobrevivido a un ictus en 2005, una depresión, la covid y un accidente de tráfico que le llevó a pasar 18 días en coma por el que le reconocieron un 65% de minusvalía, que ahora le obliga a ayudarse de un bastón por la cojera que arrastra. A pesar de todo, el cantante asegura encontrarse bien de salud, con ganas para salir de gira, así que el 22 de mayo, el grupo tiene previsto actuar en Vigo.
Se acaba de reeditar el tercer álbum de Japan, "Quiet Life", original de 1979, ahora en varios formatos, incluido un estuche de lujo. Aquel disco se convirtió en un precursor de los sonidos alternativos de la nueva década, tal vez por eso fue un éxito creativo, más que comercial, de hecho sus siguientes discos "Gentlemen Take Polaroids" y "Tin Drum", de 1981 y 1982 respectivamente serían los que lanzarían al grupo al éxito.
Japan se había formado en el sur de Londres a principios de los 70, en pleno auge del glam rock, compartiendo estilo con Bowie, Roxy Music o las New York Dolls. La primera parte de su carrera está llena de comienzos en falso, incluida una triste gira de apoyo a Blue Öyster Cult y dos álbumes ignorados, "Adolescent Sex" y "Obscure Alternatives" (ambos de 1978). Su suerte no cambiaría hasta la nueva década. Fue entonces cuando su sonido empezó a llamar la atención, con la voz rotunda de barítono de David Sylvian, aquel bajo sorprendente sin trastes de Mick Karn, la batería metronómica de Steve Jansen, los acordes de guitarra replicantes de Rob Dean y el teclado destacado de Richard Barbieri, al que se le ocurrió utilizar por primera vez secuenciadores.
El sencillo "Quiet Life" alcanzó el número 19 en el Reino Unido, pero casi dos años después del lanzamiento de aquel álbum repleto de melodías pegadizas y una modernidad que llega hasta nuestros días. La verdad es que el disco merecía una reedición de lujo que ahora llega en formato de caja con 3CD + LP que presenta una nueva remasterización, junto con un disco de mezclas alternativas, remixes, singles y rarezas. Este mismo disco también incluye el EP de cuatro pistas "Live in Japan" (grabado del show Budokan de marzo de 1980) que tuvo un lanzamiento en vinilo limitado en Europa en julio de ese mismo año. El tercer CD de la caja es el mismo concierto de Budokan, en su totalidad.
Los franceses editan su segundo disco, tras aquel “Sémaphore“ oscuro y lleno de reverb, las nuevas canciones se llenan de melancolía y dream pop, donde de nuevo reverdece la voz andrógina de Marion Brunetto. Un álbum conmovedor de canciones pop impecables, que demuestra que la banda se ha refinado. Hay muchas razones para enamorarse de "Bye Bye Baby", temas como “Déjà Vu” o “Juno” son preciosos, etéreos, casi intangibles, pero las guitarras y las estructuras de "Fou" y "Volage" me dejan sin aire, me embriagan y obligan a mis pies y mis manos a alzarse por encima del cielo azul flotando sin explicación. El disco trasciende géneros para ser emocionante, como canta Marion Brunetto en "Perséides": “ Bajo el signo del dolor, las estrellas aún brillan”. El álbum completo resulta una maravilla, a pesar de las dificultades para completarlo, Requin Chadrin lo empezó a grabar poco antes del primer confinamiento en 2020, pero no se terminó de registrar en los estudios ICP en Bruselas hasta fines del verano pasado. Afortunadamente "Tout est parfait". Discografía aquí
"Momentismo absoluto/ Vivo minuto a minuto/ Al futuro lo he dejado atrás/ El ayer me atormentaba/El mañana me asustaba/ Solo creo en el momento actual" canta Alaska en "Momentismo absoluto", la canción estrella de este EP, que estará compuesto por tres nuevos temas originales. La letra expone a la perfección, según cuentan, sus sensaciones actuales. La pieza compuesta y producida junto a Guille Milkyway (La Casa Azul) define la sensación intangible de sus vidas en este momento: "Si te creías inmutable irracional/ Cometes un error elemental/ El día a día como sola realidad/ No cuenta más que hoy, la impermanencia". Fangoria, al dúo formado por Alaska y Nacho Canut, explica en sus redes: “Al acabar el confinamiento de semanas, hace un año ya, nos replanteamos todos nuestros planes profesionales y llegamos a la conclusión que la mejor estrategia era no planear nada, por lo menos no a largo plazo… Una de nuestras personas favoritas, la estrella multimediática María Casán, nos dio la solución con unas declaraciones en las que decía que ella ahora vivía en el “momentismo absoluto”. Decidimos que durante una temporada solo sacaríamos singles. Como grupo orgullosamente pop que somos estamos acostumbrados a la inmediatez y caducidad de la canción pop de 3 minutos que a los 3 meses está olvidada y superada (o no). Pero como también tenemos nuestro lado de “barrocas absurdas” no nos podíamos conformar con una sola canción… sería un EP con 3. Y como tenemos un pasado un poquito gótico y atormentado pues decidimos que la E sería para Existencialismo y la P evidentemente para Pop. La canción estrella de este Existencialismo Pop es la que nos inspiró la diva argentina. “Momentismo Absoluto”, melodía y producción perfecta de Guille Milkyway a la que añadimos una letra que reflejara este momento. Canción perfecta para bailarla con robots entre maquinaria, en una fábrica, por ejemplo, como se ve en el videoclip de la misma, dirigido por Diego Trenas”. Discografía aquí
Wolf Alice vuelven a sorprendernos en su vertiente más rockera. "Smile" es el segundo avance de "Blue Weekend", su esperado nuevo álbum de estudio que verá la luz el próximo 11 de junio. Después de la preciosa "The Last Man on Earth", nos sorprenden con la energía de esta canción en la que Ellie Rowsell, además de rapear en su arranque se desata con ese mensaje feminista: "No me llames loca, hay una diferencia: Estoy enojada Y tu decisión de llamarme linda me ha ofendido Yo tengo poder, hay gente que depende de mi E incluso tu tienes tiempo que deseas gastar en mi Y ahora todos ustedes piensan que estoy desquiciada Pero dale cuerda y esta abeja pica ¿Pensaste que era una títere con cuerdas?". La propia vocalista de la banda, Ellie Rowsell, ha explicado su contenido: “Esta es una de las canciones que escribimos pensando que la tocaríamos en vivo. Extraño esa sensación de cantar en el escenario. Es como gritar contra una almohada o algo: puedes salirte con la tuya siendo más desagradable. Falta otra parte de mí”. “Smile” viene acompañado de un vídeoclip dirigido por Jordan Hemmingway, realizador que también se ha encargado de la creación del "The Last Man on Earth". Wolf Alice espera poder estar de tour este mismo año, su intención es poder presentar "Blue Weekend" en distintos escenarios por Europa. Discografía aquí
The Black Keys vuelven a la carga después de su noveno álbum "Let’s Rock", editado allá por 2019. Lo hacen regresando a su sonido original, el rock de guitarras derrochando sonido con amplificadores de válvulas. El próximo 14 de mayo con el título de "Delta Kream" anuncian el que será su primer disco de versiones del grupo formado por Dan Auerbach (voz, guitarra) y Patrick Carney (batería), con el que pretenden rendir homenaje a esos artistas de blues clásico que tanto les inspiraron: John Lee Hooker, R. L. Burnside, Junior Kimbrough, Ranie Burnette o Big Joe Williams. La versión de The Black Keys del clásico “Crawling Kingsnake” de John Lee Hooker es su primer adelanto. Se trata de once versiones de clásicos del blues del Mississippi, grabaron el disco en el estudio Easy Eye Sound de Auerbach en Nashville, con la colaboración de Kenny Brown y Eric Deaton, dos músicos con amplia experiencia en bandas de blues. Patrick Carney explica:“La sesión fue planeada con pocos días de antelación y no hubo ensayos. Grabamos el disco entero en diez horas, en dos tardes, al final de la gira de ´Let´s Rock´”.
Hoy es 20 de abril, aprovechando esa fecha tan icónica para Celtas Cortos lanzan su nueva canción, "Mañana sale el sol", del que será su nuevo disco que seguirá la senda del pop folk con tintes de música celta que tanto han caracterizado a este grupo. El tema, un tanto repetitivo la verdad, es un canto a celebrar que mañana será un poco mejor, clama a apoyarse en los amigos y la pareja para sobrellevar el día a día. Y a resistir. En la letra hay un guiño a su primer álbum "Nos vemos en los bares", cuando cantan: "Lo de verse en los bares es historia ya", en clara referencia a la pandemia y al confinamiento. "La música en la calle nunca dejó de sonar / recuerda los balcones / nos dieron la libertad", mencionan en otro verso de la canción. "Adiós presidente" y "El dolor que llevo aquí" son los dos temas anteriores que han visto la luz. Se espera que todas las canciones que vayan estrenando se reúnan en un disco físico para finales de año.
Los viejos rockeros nunca mueren. Si ayer te traía al incombustible Mick Jagger, hoy vamos con nuestro astro nacional, Miguel Ríos, que edita nuevo disco el próximo 7 de mayo, bajo el título de 'Un largo tiempo' , poco a poco ha ido desgranando algunas canciones. 'Que salgan los clowns (send in the clowns)', es el tercer y último adelanto, tras "El blues de la tercera edad"y "La Estirpe de Caín". La canción está basada en un tema escrito por Stephen Sondheim en 1973, que popularizaron más tarde Frank Sinatra o Judy Collins, entre otras grandes figuras de la música. Una hermosa balada que describe el final de una relación antagónica, en la que aparece acompañado por The Black Betty Trio, su nueva banda.
El cantante granadino ha confesado que quedó fascinado por el largometraje "El Joker" interpretado por Joaquín Phoenix y "su manera de tratar la desnaturalización del ser humano". En los créditos de la película dirigida por Todd Phillips suena la versión de Frank Sinatra, que ha servido de fuente de inspiración para esta adaptación. "Que salgan los clowns" viene acompañado por un vídeoclip protagonizado por Juan Echanove y que da sentido a la canción. La admiración que se profesan el cantante y el actor es mútua, este último ha dicho que "siempre he pensado que Miguel Ríos es un regalo para un País, para una Lengua y, lo más importante, para la Cultura".
Tras el lanzamiento del disco, Miguel Ríos iniciará una gira muy especial en formato acústico, en un show que incluirá un repertorio con canciones del nuevo álbum, versiones especiales y grandes éxitos. Piensa realizar más de 30 actuaciones, de momento ya ha anunciado las cuatro primeras fechas: 19 DE JUNIO, MARBELLA, en STARLITE.
18 JULIO, BARCELONA, en FESTIVAL JARDINS DE PEDRALBES 30 JULIO, MURCIA, en ESCENARIO RÍO · NOCHES DEL MALECÓN 11 DICIEMBRE, GRANADA, en PALACIO DE CONGRESOS
Alan Vega era un espíritu libre, un tipo de descomunal creatividad, sin restricciones desde finales de los 50, pasando por los años como parte de Suicide, y hasta su muerte en 2016, con 78 años de edad, siempre estuvo componiendo. Ese proceso dio lugar a una gran cantidad de material que no vio la luz, y que llegó a ser conocido como "the Vega Vault". Vega se caracterizaba por ser muy prolífico, muchos de sus trabajos eran grabados incluso sin perspectivas de ser algún día publicados. "Mutator" será el primer Lp. de una serie de lanzamientos inéditos de archivos escritos y grabados por el propio Alan Vega. Estos trabajos se recogerán en un formato voluminoso, bajo el nombre "Vega Vault", que irá paulatinamente recibiendo contenido.
"Mutator" se anuncia que saldrá a la venta el próximo 23 de abril. El músico grabó este álbum perdido en Nueva York entre 1996 y 1998 junto a su mujer y colaboradora habitual Liz Lamere que lo recuperado de sus archivos. Poco después mezclaron y produjeron las canciones junto a su amigo Jared Artaud, confidente de Vega. Ambos se ocuparon de estas grabaciones para completar el álbum, con ocho canciones, de momento conocemos dos de los temas: "Nike Soldier" y "Fist". El músico Alan Vega siempre será recordado como fundador del grupo de electro-punk Suicide, con Martin Rev en 1970. Su álbum de debut se incluyó en la lista de 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Pero también tuvo una prolífica carrera como artista en solitario. Su hit “Jukebox Babe” le llevó a firmar con Elektra Records, que publicó dos álbumes entre los que se incluye el clásico de culto "Saturn Strip", producido por Ric Ocasek. Siempre al margen de la música comercial, sin concesiones, prefirió decantarse por la experimentación, con trabajos tan incomprendidos, pero interesantes como "Deuce Avenue", "Dujang Prang" o el que se considera su obra más influyente "It. Vega".
Mick Jagger se separa de The Rolling Stones para aliarse en esta ocasión con Dave Grohl, líder de Foo Fighters, para lanzar un potente tema de rock en el que habla del confinamiento provocado por la pandemia de coronavirus. A sus 77 años, quien lo diría, exhibe una excelente voz y confiesa que lo está pasando muy mal sin poder pisar un escenario. La letra, escrita por Jagger, habla de “llamadas por Zoom”, de los “aplausos falsos de los partidos de fútbol”, de “mirar gráficos y cancelar giras”, de las “paredes de prisión” en las que se han convertido nuestras vidas, de los “bailes estúpidos de Tik Tok“, pero acaba con un mensaje positivo indicando que saldremos de la cárcel hacia un “jardín de las delicias terrestres”.
"Quiero compartir esta canción que escribí sobre salir del encierro, con un optimismo, por otro lado, muy necesario. Gracias a Dave Grohl por acompañarme en la batería, el bajo y la guitarra. Fue muy divertido trabajar con él. Espero que disfrutéis con Eazy Sleazy”, ha señalado en un comunicado.
Por su parte, Grohl ha comentado: “Es difícil poner en palabras lo que significa para mí grabar esta canción con Sir Mick. Está más allá de un sueño hecho realidad. Justo cuando pensaba que la vida no podía volverse más loca... y es la canción del verano, sin duda”.
Se dice que The Rolling Stones, la veterana banda, estaba preparando antes de la pandemia un nuevo álbum, el primero con canciones inéditas en 16 años, tras A Bigger Bang (2005) y que estaba previsto ponerlo a la venta este mismo año 2021. Keith Richards dio a entender el pasado febrero que estaba trabajando en un disco de los Rolling Stones. Compartió en sus redes sociales una foto en la que está tocando la guitarra con el siguiente texto: “Nueva música en el horizonte”.
Lori Meyers también se vuelven críticos con los tiempos que vivimos, demostrando que la música, independientemente de su estilo, también se puede convertir en "canción protesta". Los de Granada cantan en el estribillo de "Punk" que “cualquier tiempo pasado es mejor”, que hay que entender en su contexto de antigua normalidad, mientras en el vídeoclip vemos como los candidatos políticos, aspirantes a unas supuestas elecciones electorales se pelean ante las cámaras a puñetazos, con un escándalo sexual de por medio. Atención a esos rótulos incrustados sobre la imagen que sirven como aclaración: «Putero se lanza contra Bigotes». Mientras en las estrofas señalan "no hay canciones como antes" y a que "las melodías se repiten y se usan como samplers". Lori Meyers cargan contra "mil cantantes que sobran", por "vivir de su imagen". Se hacen mención expresamente a Instagram y aquellos que se "hacen fotos sin parar" por "posturear". La canción juega con un doble lenguaje que podemos situar tanto como en el de las bandas de música como en los bandos políticos. Una canción pop pegadiza que recuerda el sonido de sus inicios y que señala una nueva senda en el grupo. Llevaban prácticamente cuatro años sin publicar un nuevo disco, su último lanzamiento fue"En La Espiral", en 2017. Desde entonces, la banda ha publicado el recopilatorio"20 años, 21 canciones" (2018) y el directo de Madrid Wizink Center (2020).
Los estadounidenses Garbage regresan con su séptimo disco de estudio, tras la publicación de “Strange Little Birds” en 2016. Asegura la banda que la numerología aplicada al “7” afectó a la concepción del álbum desde el principio: las siete virtudes, los siete dolores y los siete pecados capitales. Esta era la forma de "dar sentido a lo loco que es el mundo en el que vivimos y el asombroso caos en el que estamos”. Por eso Garbage advierte que este es el disco que estaban obligados a hacer en este momento concreto. “No Gods No Matters” saldrá a la venta el próximo 11 de junio, con once nuevas canciones, entre ellas este adelanto. “The Men Who Rule The World” es una canción con un incendiario eslogan anti-patriarcado, así lo expresan desde el arranque:"Los hombres que gobiernan el mundo han montado un desastre tremendo, esta es la historia del poder, y de la adoración del éxito". Para luego convertir el estribillo: "Odia al violador, destruye al violador", en un himno fenomenal para gritar en los estadios. "El tema es una acusación incendiaria y una llamada a las armas, una exhibición sónica poderosa que marca el tono del contenido del próximo álbum de la banda. Como crítica al auge de la miopía capitalista, el racismo, el sexismo y la misoginia en todo el mundo", indican en un comunicado. Su vocalista Shirley Manson señala que este será un violento y subversivo nuevo álbum de la banda, donde van a criticar temas como el capitalismo o la lujuria, la pérdida y el dolor. "Era nuestra manera de tratar de dar sentido a lo jodidamente loco que se ha vuelto este mundo y el asombroso caos en el que nos encontramos. Es el disco que sentimos que teníamos que hacer en este momento", explica.
El videoclip de “The Men Who Rule The World” ha sido realizado por por el director de cine, animador y pintor chileno Javi Miamor. El grupo de Wisconsin ha contado en la producción del disco con el habitual Billy Bush (Muse, Ash, Against Me!, L7, …). El álbum se empezóa gestar en el verano de 2018 en el desierto de Palm Springs. El cuarteto se reunió en la casa de uno de los familiares de Steve Marker y preparó el esqueleto de las canciones durante dos semana. Luego grabaron todo en demos y se dieron un respiro, para volver a reunirse en Los Ángeles más adelante y terminar el disco. Garbage lanzará una versión deluxe en CD y Digital de "No Gods No Masters", que incluirá versiones de temas clásicos, como “Starman” de David Bowie o “Because the Night”, escrita por Patti Smith y Bruce Springsteen.
Los Planetas vuelven a hacerlo, se presentan críticos con los tiempos que vivimos y se rebelan contra el orden establecido. Llevan 28 años en activo, así que consideran que su opinión, unida a la madurez que otorga su vigencia en la escena musical de este país, son argumentos de peso para ser escuchados, pese a quien le pese. Fieles a su promesa de entregar a lo largo del arranque de 2021 una ración de singles que llegarán en formato de 7″ sin dar a conocer las canciones ni su fecha de publicación. Tras editar a finales de 2020 “La nueva normalidad” y “Una Navidad de reserva”, versión de los argentinos Él Mató a Un policía motorizado. Y estrenaban 2021 con “El Negacionista”, a la que se le unió un mes más tarde “El rey de España“, con temas pegados a la actualidad. “El antiplanetismo” parece una respuesta a las críticas que han recibido por su posicionamiento anticapitalista y alertando de paso contra la falta de pensamiento crítico, una canción que, como han hecho con anterioridad, llega acompañada de un comunicado por parte de la banda: “Los hemos escuchado conjeturar, analizar y verificar los fallos de un sistema que padecen, más o menos como tú, y aborrecen, como es lógico. Un sistema que engorda mucho a unos pocos y al resto, casi todos, les reserva una existencia penosa. Cuando lo importante es no hablar de lo importante, lo importante para ellos es hacerlo. Los hemos escuchado decir no, no me da la gana, no quiero. Hemos escuchado un montón de estupideces que se han dicho contra ellos. Se les tachó de frívolos con la frivolidad del que vende muy barato su pensamiento. Han sido acusados de falta de gobierno y economía justo cuanto más gobierno y economía había en ellos. Han trastornado el orden y han causado desconcierto y siguen empeñados en cambiar el signo de los tiempos. Hablando de conformismo para fomentar el inconformismo; de desigualdad, para fomentar la igualdad. Hablando de mentira, para alcanzar la verdad; de esclavitud, para alcanzar la libertad. Lo hipócrita sería callar o hablar al amparo de la corrección política, de las banderas, de las tendencias. De un salario ruin. Los planetas vuelven para hablar claro y dar que hablar. Después de pensar, después de escuchar". Discografía aquí
Jean-Michel Jarre es toda una institución dentro de la música electrónica, a sus 72 años sigue sorprendiendo. El músico francés regresa con uno de los discos más originales de su carrera: la banda sonora para una exposición sobre el Amazonas de Sebastião Salgado en París, ese acompañamiento musical de 52 minutos se titula“Amazônia”, la exposición inmersiva presenta más de 200 fotografías y otros formatos de Salgado, quien viajó por la región durante seis años, capturando el bosque, los ríos, las montañas y su población nativa, la mayor parte del trabajo se presenta al público por primera vez. Jarre asegura: "Me acerqué al Amazonas con respeto, de manera poética e impresionista. Elegí los elementos vocales y sonoros en su dimensión evocadora, en lugar de tratar de ser fiel a un grupo étnico en particular”. Esta nueva obra sonora es un mundo sinfónico que envolverá a los visitantes de la exposición con los sonidos del bosque mezclando instrumentos electrónicos y de orquesta con sonidos reales de la naturaleza. Además de la versión estándar en estéreo, Jarre también grabó una versión binaural, disponible en formato digital y junto a la Versión 5.1 Surround Sound. La versión binaural ofrece al oyente una experiencia sonora inmersiva verdaderamente espectacular. Mientras que el sonido estéreo proporciona un sonido directivo de oído izquierdo/derecho, el audio binaural, cuando se escucha a través de auriculares estándar, crea una experiencia de sonido 3D envolvente, más cercana a nuestro sentido auditivo humano natural. La mezcla de la versión binaural de Amazônia fue realizada de tal manera que el oyente se siente en el corazón del bosque. La exposición Amazônia se inauguró en la Filarmónica de París el 7 de abril y luego recorrerá varias ciudades de todo el mundo, desde París hasta San Pablo, pasando por Río de Janeiro, Roma y Londres. Nombrado embajador ante la UNESCO en 1993, Jean-Michel Jarre está involucrado en muchos proyectos notables para la tolerancia y el pluralismo cultural, así como para la defensa de la naturaleza y el medio ambiente. Para el proyecto “Amazônia”, colaboró activamente con el equipo científico del Museo de Etnografía de Ginebra para restaurar con la mayor fidelidad posible la identidad sonora del bosque y las personas que lo habitan. Da la sensación de que Jean-Michel Jarre (Lyon, 1948) no ha participado en un proyecto pequeño desde que, en 1979, logró su primer récord Guinness al reunir a un millón de personas en la Plaza de la Concordia de París. Por aquel entonces, su padre, el gran compositor de cine Maurice Jarre, ya había ganado dos de sus tres Oscar por ‘Doctor Zhivago’ y ‘Lawrence de Arabia’, pero el hijo pretendía superar a su progenitor y ciertamente lo ha conseguido ya que ha superado en cifras, incluso, a The Beatles o los Rolling Stones. Discografía aquí
Saïm es uno de los grupos más destacados de la actual escena musical de Mallorca, una formación interesante que para muchos pueden ser a estas horas todo un descubrimiento. Cuatro años después de su Lp. de debut, "Accidents", los baleáricos de Felanitx-Manacor, Saïm vuelven a la escena con un imponente trabajo entre el post hardcore y el punk rock. “Fràgil” contiene doce temas enérgicos de apenas 3 minutos de duración, contundentes y de mucha intensidad. Cantan en mallorquín y sin miramientos sobre la crudeza de la vida, también de las traiciones. Se nota que el power trio conformado por Joan Roig (voz y guitarra) y los hermanos Gómez, Natalia (bajo) y Daniel (batería), han congeniado con Santi Garcia y Borja Pérez de Ultramarinos Costa Brava, los productores de este disco con los que se han encontrado en plena sintonía. Atención a temas como "Autumne”, el canto a la soledad tan apropiado en estos tiempos de "Intempèrie", la interesante “Febrer”, en su lado más pop como instrumental "La Mar Gran" o la sorprendente “Celobert”, con la colaboración del trompetista Pep Garau.
Mientras Slowdive sigue trabajando en el estudio creando su próximo disco, aprovecha las horas muertas desarrollando un nuevo proyecto paralelo. Christian Savill, guitarrista de la banda británica de shoegaze, participa en Beachy Head, nuevo grupo integrado por Ryan Graveface (Dreamend / The Casket Girls) y Steve Clarke (The Soft Cavalry), además de las colaboraciones del batería Matt Duckworth (Flaming Lips) y de la cantante Rachel Goswell, quien contribuye con su voz en algunos cortes de su próximo disco de debut, de título homónimo, el LP "Beachy Head" se editará el 30 de abril.
Este trabajo se empezó a concebir en 2019, pero la pandemia ha ido retrasando todo el proceso. Christian Savill es el verdadero motor de la idea y el compositor de la mayoría de las canciones. De momento han dado a conocer el primer single titulado "Destroy Us", en el que destacan esos coros con reverberación y teclados que planean desde las alturas; "All gone" y esta misma semana "Hiddensee", cada tema más interesante que el anterior. Beachy Head, algo así como "cabeza playera" es el sobrenombre del acantilado de tiza ubicado en Sussex, condado del sur de Inglaterra, lugar al que otras muchas bandas han hecho referencia, en ocasiones allí han localizado algunos de sus vídeoclips, caso de The Cure, The Beachy Head Team, David Bowie o Veronica Falls, allí también se rodó una de las escenas más memorables de Quadrophenia, de The Who.
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba han logrado acaparar numerosos titulares desde sus disco de debut, ahora llega el temido momento de editar sus segundo disco y descubrir si las expectativas creadas sobre la banda son algo más que simples apreciaciones fugaces o por contra son un grupo consistente. El próximo 23 de abril se edita “Hilo Negro” un segundo trabajo que parece más contundente y con el que van a lograr superar la prueba. Los andaluces han aprovechado el parón impuesto por la pandemia para crear diez canciones, más trabajadas que en su debut, ya que han contado con más medios y tiempo para su confección. La psicodelia y la influencia andalusí alcanzan una nueva dimensión gracias a canciones como "Gitana", “Porselana Teeth” o “Turbocamello” reverdecen esta primavera. No solo es un trabajo de madurez, sino también de riesgo. Miguel ha mejorado la voz, las guitarras suenan más afiladas y la batería más contundente. En algo se tenía que notar la masterización de Brian Lucey, uno de los ingenieros de sonido más reputados en la actualidad y artífice del sonido de álbumes de Arctic Monkeys, The Black Keys, Marilyn Manson, The Kills, Lucinda Williams o Elvis Costello, entre otros. Sin duda Derby Motoreta’s Burrito Kachimba es la banda andaluza del momento. Si no quieres perderte sus conciertos de presentación de "Hilo negro" toma nota: Baluarte (Iruñea) el próximo 23 de abril; en el BIZKAIA ARENA-BEC! (Bilbao), 24 de abril; en el Ciclohm – Mieres Centru Cultural (Mieres), 25 de abril; en el Teatro Coliseum (Barcelona), 29 de abril; en la Sala Multiusos (Zaragoza) 30 de abril; en La Placeta (Valencia) 6 de mayo; en la Sala Industrial Copera (Granada), 7 de mayo; en el Festival Rural Murmura (Almería) 15 de mayo; en Tomavistas (Madrid) 27 de mayo y en el Teatro Felipe Godinez (Moguer) el próximo 29 de mayo.
"Welcome 2 America" es mencionado como el disco perdido de Prince. Cinco años después de la muerte del cantante de Minneapolis, el sello Sony ha anunciado la edición del álbum, que estará a la venta el 30 de julio. Hasta hace pocas fechas era un secreto. Fue grabado casi en paralelo al disco 20Ten, que se distribuyó con varios periódicos de países como Reino Unido, Francia, Irlanda, Bélgica y Alemania. Sus canciones sonaron en vivo en los conciertos de Prince de esa época, en una gira que ya llevó el título de Welcome 2. Sin embargo, la música del álbum nunca llegó a figurar en la obra oficial de Prince hasta ahora, cuando sus herederos han llegado a un acuerdo con el sello que edita su música. El lanzamiento abarca también una versión en vinilo ampliada con la grabación de un concierto de Prince en el Forum de Inglewood, en 2011, con canciones de Bob Dylan, Janet Jackson y Roxy Music, entre otros. El disco «documenta las preocupaciones, esperanzas y visiones de Prince para una sociedad cambiante, presagiando proféticamente una era de división política, desinformación y una renovada lucha por la justicia racial», dice un tuit enviado desde la cuenta verificada del cantante. "Bienvenidos a América, tierra del hombre libre, casa del esclavo", es una de las frases que Prince canta en Welcome 2 America, una canción que grabó en 2010 y que ha permanecido inedita hasta ahora junto al resto del material de un disco que lleva el mismo título. Otro tema de la colección, "Running Game (Son of a Slave Master)" insiste en esa idea del esclavo, con la que Prince se definió en los años 90. En el disco aparece también una versión de "Arrested Development". A falta de conocer todos los detalles sobre "Welcome 2 America", que se desvelará este domingo un reportaje de la cadena estadounidense CBS, también se ha informado de que en su repertorio incluye algunas de las únicas colaboraciones de estudio de Prince con la bajista Tal Wilkenfeld, el batería Chris Coleman y el ingeniero Jason Agel, con las participaciones adicionales de las cantantes de New Power Generation Shelby J., Liv Warfield y Elisa Fiorillo y el teclista Morris Hayes, a quien reclutó para producir varios temas del álbum. Doce son los cortes de la versión estándar, que verá la luz en formato CD, vinilo y digital: los citados 'Welcome 2 America' y 'Running Game (Son of a Slave Master)', además de 'Born 2 Die', '1000 Light Years From Here', 'Hot Summer', 'Stand Up and B Strong', 'Check The Record', 'Same Page, Different Book', 'When She Comes', '1010 (Rin Tin Tin)', 'Yes' y 'One Day We Will All B Free'. Prince Rogers Nelson fue hallado muerto en su residencia el 21 de abril de 2016, a los 57 años, a causa de una sobredosis del opiáceo Fentanyl. En su carrera, vendió más de cien millones de copias de sus discos, que le procuraron siete premios Grammy, entre otros muchos galardones. En 1985 ganó un Oscar a la mejor canción original por "Purple Rain". En 2004, Prince ingresó al Salón de la Fama del Rock & Roll. Y en 2008, el prolífico cantautor ingresó al Salón de la Fama de los Grammy. "Welcome 2 America" toma el relevo a una lista cada vez más amplia de material inédito publicado de manera oficial tras su muerte, como el disco "Piano & A Microphone 1983" (2018) u "Originals" (2019), que incluía la versión original de "Nothing Compares 2 U" grabada por su autor en 1984. El multifacético cantante dejó miles de canciones inéditas en "The Vault", una bóveda en el sótano de Paisley Park, el hogar de Prince en Minneapolis. Según contaba CNN Business, en 2016, Prince grabó "canciones como para lanzar un disco nuevo al año por el resto del siglo". Discografía aquí
"Triángulo de Amor Bizarro" fue elegido el mejor disco español de 2020, galardón que le otorgó el Premio Ruido de la prensa musical española. El álbum fue celebrado unánimemente por la crítica tras su publicación en marzo de 2020 y ahora quince artistas de diversos estilos, entre los que se encuentran Carolina Durante, J (de los Planetas), Sr. Chinarro, Aries, Biznaga, Sonic Boom, Boyanka Kostova, Castro, Erik Urano, Esplendor Geométrico, Joaquín Pascual, Las Ligas Menores, Menta, Miguel Prad o Soleá Morente, participarán en la reinterpretación de aquellas canciones que todos recordamos como: "Ruptura", "Fukushima" o "Vigilantes del espejo". Esta iniciativa llevará por nombre "Triángulo de Amor Bizarro. Detrás del espejo, variaciones y ecos", un disco que se editará el próximo 14 de mayo. Se trata de un proyecto discográfico que contará con siete canciones en su cara A y otras seis composiciones en su cara B, teniendo un artista invitado en cada uno de los temas. De momento hemos podido conocer la versión que Erik Urano ha realizado de "Ruptura", ahora le toca el turno a Soleá Morente que ha escogido “Todo lo que te quiero (ASMR) para ti” del último trabajo del grupo y la ha transformado en una declaración de amor personal.
Bloodslide es una nueva formación que acaba de aparecer en la escena post punk internacional. La banda aparece liderada por AJ Lambert, la hija de Nancy Sinatra. Si hace unos meses lanzaba un álbum tributo a su abuelo Frank Sinatra, en el que contaba con la colaboración del guitarrista de Protomartyr Greg Ahee, ahora han formado juntos este nuevo proyecto que también incluye al baterista de Preoccupations Mike Wallace. En colaboración con el productor Sonny DiPerri (Protomartyr, Diiv, Animal Collective) y Ommatidium Studios, Bloodside se quiere definir como como un proyecto multimedia, con una fuerte carga audiovisual. Su primera carta de presentación es este tema llamado "Pica", que se caracteriza por sonidos oscuros, sobre una base new wave hipnótica. Atención al espectacular vídeoclip. Según anuncian publicarán su EP debut el próximo mes de julio.
Robe Iniesta, líder de la banda Extremoduro, lanza "Mierda de filosofía" y pone fecha a su nuevo álbum que verá la luz el próximo 30 de abril. "Diez años tardé en volver. Y de este regreso, o tal vez de todo lo vivido mientras tanto, surgió esta inesperada continuación" explica el músico. El nuevo disco se creó en 2018 y se entiende como una continuación de "La Ley Innata", justo cuando se cumplían diez años de aquel mítico disco de Extremoduro. El tema que ha dado a conocer suena a los mejores Extremoduro, muy guitarrera y en la que clama contra el confinamiento, como indica en el estribillo, lo que quiere es "bailar" como un loco y dejar los rollos para otro momento. El videoclip es obra de Diego Latorre, especialista en este formato y también ilustrador. En el disco está acompañado por su banda habitual reforzada con la incorporación de Woody Amores en las guitarras. Iniesta, de 58 años, ya tiene otros discos en solitario, como "Lo que aletea en nuestras cabezas" (2015), "Destrozares, canciones para el final de los tiempos" (2016) y el directo "Bienvenidos al temporal" (2018) que apareció en CD y DVD.
Mientras tanto Extremoduro permanece a la espera de poder realizar su gira de despedida, Iniesta comunicó hace unas semanas la suspensión de la gira de despedida del grupo, tras haber tenido que aplazarla dos veces a causa de la pandemia. El anuncio generó una gran polémica, ya que tanto la promotora como Iñaki Antón, 'Uoho', el otro miembro de la banda, aseguraron que la decisión había sido tomada "unilateral" por parte de Robe.
Kele, el vocalista de Bloc Party, acaba de presentar esta espectral versión del clásico “Smalltown Boy”, de Bronski Beat, de 1984, en el que le da la vuelta a aquella canción vitalista, alegre y saltarina para convertirla en una pieza minimal de dream pop. Absolutamente sorprendente y se agradece, porque soy de la teoría de que hacer una revisión de un tema para simplemente hacerla sonar a la original no tiene sentido, si alguien se atreve a adentrarse en las entrañas de una composición es para ofrecer algo distinto. Este es su segundo adelanto de “The Waves Pt. 1”, LP anunciado para el 28 de mayo, tras el lanzamiento en marzo de "The Heart Of The Wave", que también aparece en este nuevo álbum, el quinto de su carrera en solitario. Kele asegura que el álbum fue escrito y grabado el año pasado, mientras se encontraba en cuarentena, cuidando a sus hijos y viendo como muchos de sus proyectos eran cancelados o pospuestos por la pandemia. En aquellos días aciagos la inspiración le llegó durante largas caminatas nocturnas por Londres, una actividad que convirtió en rutina durante aquellos meses. El disco lo grabó encerrado en su casa, grabado bajo, escrito y producido íntegramente por el líder del Bloc Party por su cuenta, en solitario porque no podía verse con nadie: "Por lo general, cuando hago discos es un asunto de conjunto, generalmente hay muchos otros músicos y cantantes con los que trabajo, pero como estábamos encerrados, no podía darme el lujo de poder trabajar con otros músicos”, escribe Kele en un comunicado. “Sabía que tenía que llenar el espacio de este disco completamente por mí mismo, lo cual fue desalentador pero también muy liberador. Este álbum es literalmente mi sonido“, concluye.
La banda británica Goat Girl ha creado un disco de rock contemporáneo rico en matices, en su segundo disco han apostado por los sintetizadores analógicos, mientras siguen en la senda del post-punk. Durante todo el álbum hay referencias a la pandemia y el enfado con el gobierno británico, aunque repetidamente han querido evitar ser encasilladas como "banda política", a pesar de sus feroces críticas en canciones como "Bang", "Where Do We Go From Here?" o "Anxiety Feels". "On All Fours" es un excelente segundo disco y pasan la prueba con nota. Clottie Cream, L.E.D., Rosy Bones y Holly Hole, quien ha sustituido a Naima Jelly han creado un álbum muy interesante, más rico en matices que su debut en donde apostaban abiertamente por el sonido garaje. 13 canciones que suman casi una hora de duración y en donde destacan piezas como "Pest" , "Badibaba", "Once Again", "P.T.S. Te" y sobre todo mi favorita "Sad Cowboy". Algunas de ellas viajan por el imaginario de New Order, Deerhunter, PJ. Harvey o Stereolab. Parece que el trabajo del productor y técnico Dan Carey que recientemente ha trabajado con Fontaines D.C. o La Roux ha sido esencial para dar densidad a la propuesta de Goat Girl. Discografía aquí
Hace apenas unas semanas que Manel estrenaron por sorpresa un nuevo single, “L’amant malalta”, y ahora repiten la maniobra con una nueva canción, “Tipus Suite”. Ambas pertencen al nuevo Ep del cuarteto catalán, “L’amant malalta”, que indican incluirá tres canciones y que pondrán a la venta el 16 de abril.
“Hacia el 2000, se me secó el cerebro de mucho dormir y mucho escuchar indie deprimente” es la apertura de “Tipus suite”, una canción de pop con estribillo pegadizo . El vídeoclip se ha rodado en Felanitx, población de Mallorca, dirigido por Antonina Obrador que ha querido que Manel se sumerja en los bailes tradicionales de la isla balear. La banda catalana tiene varias fechas cerradas para presentar sus nuevas canciones. Esos conciertos se celebrarán: 9 y 10 de abril (Barcelona, Monumental Club; entradas agotadas), 16 abril (Lleida, Torrelameu, Sisquere Festival; entradas disponibles) 30 abril (Crevillent, Auditori; entradas agotadas), 11 junio (Barcelona, Festival Pedralbes; entradas agotadas), 12 junio (Sabadell, Embassa’t; entradas disponibles), 9 julio (Barcelona, Festival Cruïlla; entradas disponibles) y 21 agosto (Pineda de Mar, Arts D’Estiu; entradas disponibles).
Tres largos años de silencio se ha tirado The Joy Formidable sin ofrecernos nueva música, una espera demasiado prolongada hasta que por fin nos ofrecen este tema acompañado de vídeoclip. Retornan con su pop indie, épico, el sonido clásico al que nos tenían acostumbrados desde sus orígenes en 2007, esta vez más melódico y menos agresivo. Nada sabíamos de "La alegría Formidable", un nombre que es toda una declaración de principios, desde su "AAARTH" en 2018. Afortunadamente el nuevo sencillo llamado "Into the Blue", se anuncia como el primer aperitivo de lo que será su próximo y esperado trabajo. Sobre el nuevo tema la cantante y guitarrista Ritzy Bryan ha comentado: “Into The Blue trata sobre rendirse al amor y a la magia. De tener el coraje necesario para disfrutar de un nuevo viaje donde el misterio y la emoción son sensaciones y experiencias inesperadas. Trata de abrir los ojos a la belleza para amar de nuevo y llegar al otro lado. Aunque no se concibió como una metáfora por los tiempos que vivimos, ciertamente resultó ser así”. La banda de Gales del Norte, ahora se ha afincado en Londres y mantiene su formación de trío con sus miembros originales: Rhiannon “Ritzy” Bryan (voz principal y guitarra), Rhydian Dafydd (bajo y coros), y Matthew James Thomas (batería y percusión). De momento no hay más detalles sobre el nuevo disco, aunque esperamos que nos sorprendan con su cascada de guitarras y algo más de ruido.
Niños Mutantes dan el salto a la gran pantalla. Llevan su concierto inédito de presentación de su disco “Ventanas”, estrenado en marzo de 2020, hasta las salas de cine bajo el título de “Nunca olvidaré esta noche. La película del concierto de Ventanas”. Tras varios aplazamientos, por fin el próximo 9 de abril se podrá disfrutar en los Cines Yelmo de más de cuarenta ciudades. La banda andaluza grabó en octubre su concierto en la sala Teatro CajaGranada, después de que la pandemia impidiera que pudieran llevar las nuevas canciones a los escenarios de todo el país, de hecho solo pudieran presentarlas en su ciudad natal y en La Riviera, de Madrid. La película es la respuesta de Niños Mutantes para llevar sus nuevas canciones a todos los rincones que hoy día no pueden visitar tras las cancelaciones de festivales, de las salas de conciertos cerradas, de los aforos reducidos. El filme es una historia emocionante de lucha contra las dificultades y de amor por la música. A lo largo de casi dos horas, las canciones interpretadas en vivo se entremezclan con momentos de reflexión en boca de Juan Alberto, Nani, Andrés y Migue, que se sinceran ante las cámaras sobre cómo les ha cambiado la pandemia. Discografía aquí
