Nick Cave & Warren Ellis "Seven Psalms"

Nick Cave y Warren Ellis vuelven a colaborar juntos en otro nuevo disco "Seven Psalms", que saldrá el próximo 17 de junio. Como ya revela el título del proyecto, serán 7 pistas, siete oraciones sagradas, además de un instrumental de doce minutos de las sesiones de "Carnage" (2021). El proyecto data de la pandemia."Mientras estaba encerrado escribí una serie de salmos, o pequeñas canciones sagradas, una al día durante una semana", confirma Cave. "Los siete salmos se presentan como una larga meditación: sobre la fe, la rabia, el amor, el dolor, la misericordia, el sexo y la alabanza. Una ofrenda extraña y contemplativa nacida de un tiempo incierto. Espero que os guste". Será un vinilo de 10”, con todos los temas hablados en una cara y un instrumental de doce minutos en la otra, y también estará disponible en las plataformas de streaming. Según la nota de prensa, estos salmos versarán sobre 7 temas: la fe, la rabia, el amor, la pena, la misericordia, el sexo y el elogio:
01 How Long Have I Waited?
02 Have Mercy on Me
03 I Have Trembled My Way Deep
04 I Have Wandered All My Unending Days
05 Splendour, Glorious Splendour
06 Such Things Should Never Happen
07 I Come Alone and to You
08 Psalm Instrumental

LEO "Soy un extraño"

 

Leandro López no es un principiante, ni un extraño en nuestra música. Lleva años trabajando con bandas tan reconocidas como Love of Lesbian, Dorian, Standstill o Sidonie. Llevábamos tiempo esperando su primer disco en solitario, después de que hace dos años lanzara ese tema "Soy un extraño" junto a Santi Balmes y que ahora da título a este debut. Leo nos presenta ocho canciones de corte personal, en un relato íntimo, repleto de recuerdos y de vivencias. Canciones envueltas en synth-pop y algo de post-punk, con muchos destellos ochenteros.
Leo se refleja en canciones como "Soy un extraño" un canto también a los amigos que se extrañan; "En el limbo" con la voz de Marc Gili de Dorian para invocar a los fantasmas personales, “Qué Decir?” con esa declaración de principios: “si quieres marcharte, lamento que no seas feliz” o la rítmica "Días de ficción" donde clama: "abre los ojos si lo quieres ver", aunque siempre queda esa esperanza rupturista 

en “Disfrutemos del desastre”. 



Las canciones de "Soy un extraño" son sanadoras. Leo ha abierto su alma y nos ha mostrado una realidad descorazonadora. Hay aflicción, pero también una melancolía reparadora. Leo, esta semana hablaré con tu hermano Esteban de este disco, mientras nos tomamos un vino en su local de La Calatrava, La Vinya de Santa Clara, en Palma. A tu salud. 

SUEDE "She Still Leads Me On"

 

Suede visitaron hace unos días Madrid, actuaron en el Festival Tomavistas y demostraron que están en plena forma. Su directo fue el más enérgico sobre el escenario, con un sonido depurado, así que también fue el más aplaudido. Más allá de la nostalgia, la banda británica está en racha y anuncian su nuevo álbum "Autofiction", que verá la luz el próximo 16 de septiembre. Para animar la espera acaban de estrenar su primer sencillo, "She Still Leads Me On", una canción compuesta por Brett Anderson, y que está dedicada a su difunta madre.
Los cinco miembros de Suede, Brett Anderson, Mat Osman, Simon Gilbert, Richard Oakes y Neil Codling, decidieron grabar un disco, con el concepto del directo tocando todos juntos y buscando la frescura del escenario. Así que se juntaron en unos locales abandonados en Kings Cross, de ese modo í surgieron las canciones que formarán parte de su noveno álbum de estudio, "Autofiction", compuesto por once nuevos temas. El trabajo discográfico es el primero de la banda desde "The Blue Hour" en 2018.

GINEBRAS "Alex Turner"

Más guitarreras que nunca regresan Ginebras. Magüi, Sandra, Raquel y Juls nos presentan un tema enérgico de carácter liberador: "Yo sigo sigo siendo la misma, y tú sigues siendo un gilipollas; quieres parecer Alex Turner porque sabes que me mola". Es el primer single de lo que será su segundo disco que Vanana Records editará próximamente.

La canción llamada igual que el líder de Arctic Monkeys es toda una declaración de intenciones. "Alex Turner" llega acompañado de un videoclip dirigido por Martina Hache y protagonizado por su amiga Paula Verdera que muestra a muchos tipos de 'Don Juanes' con mil y una caras que siempre son la misma decepción. Esa persona que en su día te gustaba pero pasaba de ti y que ahora, años después, llama a tu puerta pero tú descubres que siempre ha sido un imbécil. Las propias Ginebras terminan cantando y  saltando, demostrando que son mujeres que no necesitan a nadie para seguir adelante con sus vidas. Ginebras saldrá pronto de gira y ya tienen algunas fechas cerradas: Festival de Les Arts (Valencia, 4 de junio), Río Babel (Madrid, 30 de junio), BBK Live (Bilbao, 7 de julio), FIB (Benicàssim, 15 de julio), Low Festival (Benidorm, 29 de julio), Sonorama Ribera (Aranda de Duero, 10-14 de agosto), Dorado Live (Ibiza, 15 de septiembre), Granada Sound (Granada, 16-17 de septiembre) o Sala REM, Murcia (8 octubre).

!!! (Chk Chk Chk) “Let It Be Blue”

Baile y diversión, así podríamos definir la música de !!! (Chk Chk Chk) y eso es precisamente lo que encontramos en su noveno disco. Los norteamericanos nos ofrecen una buena ración de dance punk que no defrauda, después de 26 años de carrera en la que consiguen de nuevo llevarnos a la pista de baile con absoluto desenfreno. Nic Offer y su compañía exprimen la música electrónica, tres años después de "Wallop". El arranque con la calma acústica de “Normal People” juega al despiste, pero después llegarán plenos con “Here’s What I Need To Know”, donde nos recuerdan a Daft Punk; el pelotazo house de“A Little Bit (More)”; la animada “Panama Canal” ;“This Is Pop 2” pieza que rememora a New Order o en esa versión del “Man On The Moon” de R.E.M. 

Las colaboraciones funcionan, como con Maria Uzor (Sink Ya Teeth) especialmente en “Storm Around the World”, Meah Pace y Angelica Garcia espléndida en “Un Puente” canción en español donde no cesarás de repetir: “lamentablemente, tú ves una pared, yo veo un puente”. Aunque es una pena que “It’s Grey, It’s Grey (It’s Grey)” aburra por machacona.

!!! (Chk Chk Chk) han sabido mantener vivo el revival punk funk de principios de los 2000. En este caso “Let It Be Blue” no deja de ser un disco hecho con ordenadores, a causa de la pandemia y el confinamiento impuesto, pero es también y quizá por ello uno de sus discos más variados y experimentales. 

KEVIN JOHANSEN "Tú Ve"

 

Kevin Johansen se ha convertido en uno de los músicos argentinos más queridos en nuestro país. Su estilo se ha nutrido a lo largo de su carrera del pop y del rock, pero también de diversas músicas latinas. Sin renunciar a ese espíritu lanza un nuevo disco "Tú Ve", en el que reversiona temas propios y ajenos con la ayuda de otros artistas a los que ha invitado a participar. El disco incluye temas como el que da título al trabajo "Tú Ve" (originalmente incluida en “Algo ritmos” de 2019) junto a la mexicana Natalia Lafourcade, una versión en inglés de “Anoche soñé contigo” (del disco “Logo”, 2007), a dúo con David Byrne, o “Desde que te perdí” (de “City Zen”, 2004), en colaboración con la catalana Silvia Pérez Cruz. La larga lista de colaboraciones se extiende con nombres como Jorge Drexler o Wiranda Johansen.

Kevin Johansen se anima a encarar material tan variado como “A Little Respect” de Erasure, “El Albertío” de Violeta Parra, “Suzanne” de Leonard Cohen, “El cielo” de Talking Heads, “Oración al tiempo” de Caetano Veloso, “16 Tons” de Merle Travis, “El Tungue Lé” de Eduardo Mateo, o “Perfect Day” de Lou Reed. Un trabajo muy ambicioso sin perder el toque desenfadado. El propio Johansen explica ese espíritu del disco: “Quizás la pandemia produjo en uno la posibilidad de poder soltarse y devolver un poco lo que te dieron grandes compositores que te han marcado. Los compositores descubrimos, tanto en nuestro material propio como en el ajeno, esa suerte de querer sortear el tiempo y ser atemporales o eternos. O negar la finitud, negar la mortalidad propia. La canción desafía al tiempo. Una buena canción suena bien hoy, y puede sonar bien en 50 ó 100 años”.

BLACK MIDI "Welcome To Hell"

 

El trío británico Black Midi,  formado por Geordie Greep (guitarra y voz), Cameron Picton (bajo y voz) y Morgan Simpson (batería), anuncian su tercer álbum, "Hellfire", previsto para el 15 de julio. Llega después de "Cavalcade" su alocado, esquizofrénico, imprevisible y sobre todo teatral segundo álbum de estudio, que los ha convertido en un fenómeno sin precedentes. Han comentado que "Hellfire" será un álbum conceptual que presentará historias en primera persona y con personajes moralmente sospechosos. De momento, el adelanto del nuevo disco es este "Welcome To Hell", que cuenta las rocambolescas vivencias de un soldado, algo trastornado, que tras su baja militar inicia una trayectoria de excesos. El disco incluirá nueve canciones tituladas: "Hellfire", "Sugar/Tzu", "Eat Men Eat", "Welcome To Hell", "Still", "The Race Is About To Begin", "Dangerous Liaisons", "The Defence" y "27 Questions".
En un comunicado de prensa, el guitarrista y vocalista de la banda, Geordie Greep, asegura que “casi todos los representados son una especie de escoria. Casi todo lo que escribo es de algo verdadero, algo que experimenté y exageré y escribí. No creo en el Infierno, pero toda esa locura del viejo mundo es genial para las canciones, siempre me han gustado las películas y cualquier otra cosa con una representación del Infierno. El infierno de Dante. Cuando Homero va al Infierno en Los Simpson. Hay un infierno de robots en Futurama. Isaac Bashevis Singer, un escritor judío que retrata a un Satanás interfiriendo en la vida de las personas. ¡Hay un montón!”.

ORQUESTA MONDRAGÓN "No dispares más"

 

"No dispares más" es el personal alegato antibelicista del músico Javier Gurruchaga y la Orquesta Mondragón, una canción que surge en plena invasión rusa de Ucrania. “Sigue John cantando/ Imagine/Y quiero sentirme siempre/ Soñador/. ¿Qué hacen esos tanques desfilando?/ ¿Y qué hacen los ejércitos en pie?/ Fieros y grotescos/ Sangre y sufrimiento/ Otra vez/ Qué gran estupidez”. Así arranca el nuevo tema, que también pretende hacer referencia a películas antibelicistas como "Senderos de gloria", de Kubrick o "Johnny cogió su fusil", de Dalton Trumbo. El cantante de la Orquesta Mondragón lo justifica así: “Es un doble homenaje: por un lado, una canción pensada para Ucrania y para quienes sufren las más de 70 guerras que hay por el mundo, y también, claro, un homenaje a John Lennon y su tradicional vinculación con la exigencia de paz”. Bienvenidos sean todos los mensajes contra las guerras, la barbarie y las muertes absurdas que provocan.

MOGWAI "Boltfor"

 

El grupo escocés Mogwai lanza su sencillo "Boltfor", una pieza instrumental de 4 minutos en la que han incorporado teclados y cajas de ritmos. En un comunicado, la banda ha indicado que se trata de una composición grabada inicialmente durante las sesiones de As The Love Continues, su álbum de 2021, pero que finalmente decidieron no incluirla. Inicialmente fue grabada en Vada Studios y más tarde se completó en los estudios Castle of Doom de la banda a finales de marzo de este año.

"Boltfor" llega acompañado de un videoclip en el que se suceden partículas luminosas de colores en movimiento que dan forma a un cuerpo que va corriendo por el espacio. El trabajo audiovisual está dirigido por Sam Wiehl quien explica que: “el vídeo es una metáfora visual del movimiento constante en la vida y el impulso incesante de avanzar como individuos… en la forma de una road movie metafísica".

LA PEGATINA "Hacia Otra Parte"

El grupo catalán La Pegatina acaba de publicar su décimo álbum, "Hacia Otra Parte", un trabajo repleto de colaboraciones internacionales como Los Auténticos Decadentes, Flavia Coelho y Youthstar, entre otros. También cuenta con canciones junto a La Vela Puerca, Chef'Special, Panteón Rococó, Querbeat, Louta y La Santa Cecilia. El álbum se presenta"en forma de maleta de viaje" e incluye una invitación para el concierto de presentación del disco del 22 de mayo en La Riviera de Madrid, sólo para los compradores del disco.

El hecho de que sea un disco de colaboraciones justifica ese título “Hacia otra parte”, porque es el lugar al que han ido a buscar nuevos sonidos. La Pegatina siempre han sido fieles a sus principios y una vez más quieren romper las fronteras que nos separan con la fuerza de la cultura, un bien común que no conoce limitaciones. No es de extrañar pues que los temas que traten en el disco son asuntos universales, desde el amor, a la lucha de clases o la crisis que sufrimos en todo el mundo. Los catalanes han logrado encajar su estilo y el que aportan esa decena de artistas, así muestran su vertiente más rockera en “Diez minutos”, con La Vela Puerca y Sebastián Teysera; su afición a la rumba en “Yo quiero bailar” junto a Los Auténticos Decadentes o el sonido más urbano en “Contigo no cuento” junto al argentino  Louta. 

Los de Montcada i Reixac también se han atrevido a mezclar castellano e inglés en “Where Do We Go?”, junto a Youthstar, seguida por “Down For Love” con Chef’Special y “Nothing But A Lie” junto a Querbeat. Además también se han atrevido a unir el castellano con el portugués en “Culpa Do Mar”, donde Flavia Coelho aporta su dulce voz. Una vez queda demostrado que la música no sabe de fronteras, pero somos las personas quienes nos ponemos barreras.

TILL LINDEMANN "Entre dos tierras"

 

Por fin se ha dado a conocer la versión de “Entre dos tierras” de Héroes del Silencio que Till Lidemann, cantante de Rammstein había grabado. Él siempre ha hablado de su admiración por la banda zaragozana y muy especialmente por su predilección por esta canción. Se especuló con que el conjunto de metal alemán lo había grabado en el estudio, pero ahora conocemos por fin que en realidad se trata de un tema registrado por su cantante y no por la banda al completo. Un "cover" mucho más metalero, que incluye unos arreglos de sintetizadores contundentes y con un Lindemann cantando en perfecto castellano, algo que se agradece porque experiencias anteriores utilizando el castellano resultaron algo bochornosas caso de "Te quiero puta".
De momento, no se la lanzado la versión oficial tampoco se ha anunciado una fecha de salida. "Entre dos tierras" fue el primer sencillo de su segundo disco, "Senderos de Traición" (1990), calificado por la banda como uno de los favoritos de su carrera. Fue considerado el segundo mejor disco de rock en español por la versión española de Rolling Stone.

BIZNAGA “Bremen no existe”

Biznaga andan muy cabreados. La banda madrileña está cansada de un presente desalentador y un futuro lleno de desencanto, así que se muestran airados con ese punk furioso. "Bremen no existe" es el título de su nuevo disco, y Bremen es sinónimo de esa falta de perspectivas para una generación perdida. El relato que publicaron por primera vez los hermanos Grimm en el año 1819, sirve a Pablo Garnelo (guitarra), Jorge Martínez (batería), Jorge Navarro (bajo) y Álvaro García (voz y guitarra) para hablar de la falta de oportunidades. Aquel viejo cuento alemán narra la historia de cuatro animales domésticos que, tras toda una vida de servidumbre cruel a sus dueños, y ahora despreciados por el paso del tiempos, huyen de sus granjas con la esperanza de llegar a Bremen y dedicarse a tocar música en las calles. Durante su periplo, el grupo de animales, compuesto por un burro, un perro, un gato y un gallo, atracan a un grupo de ladrones y consiguen instalarse en su casa. Los animales nunca llegarán a Bremen pese a que era su destino. Es un futuro 'cancelado', como canta el grupo en "Líneas de sombra", la canción que abre el disco. "Somos el bicho que hay que erradicar", grita Biznaga en "Todas Las Pandemias de Mañana", y añaden descorazonados con las bajezas humanas: "Abrir un negocio en la miseria de los demás", lo que nos recuerda a al perfección lo acontecido por los comisionistas de las mascarillas en Madrid.
"Contra mi generación" (dedicada a "toda esa gente en edad de pirarse a un PAU / O de tirarse de un puente sin decir ni ciao", y también a "toda esa gente que duerme poco y mal / la precarizada y la aspiracional") y "Domingo especialmente triste" (que habla de una juventud empobrecida pero servida de internet y teléfono móvil, que vive"seis meses de curro y seis de subsidio") completan un póker de canciones ganador, en este disco de apenas 30 minutos que condensa muchos de los males de nuestro tiempo. Atención también a "Espíritu del 92" (cuyo estribillo clama: "¿el futuro era esto? no, por favor"), "Madrid nos pertenece" y "La escuela nocturna", temas que completan esa desgarradora visión de nuestro entorno.

SUAVE PUNK "Petals"

 

Suave Punk es el nombre bajo el que trabaja el compositor coreano-estadounidense Justin Kim, quien hasta ahora había publicado algunas canciones, desde 2020, marcadas por el dream-pop shoegaze, temas densos, distorsionados y cargados de coros oscuros, mientras las líneas de guitarra flotan en medio del caos dando sentido a esos muros de sonido. Hasta ahora lo más destacado era un EP "Heaven Is A Night Drive", que lanzó el año pasado. Podríamos decir que su música está a mitad de camino entre Cocteau Twins y My Bloody Valentine. Una propuesta interesante hasta que acaba de presentarnos "Petals" una canción pluscuamperfecta que se revela como una nueva fuerza sobrecogedora. Te aseguro que va a enamorar tus oídos. Suave punk da a un paso entre el post-punk y el shoegaze, pero con un buen acierto para la estética. Hablando de la canción, Kim dice que “nace de la lucha humana; traído por cosas que no puedes tener, gente que va y viene. A veces, pensar en ello puede enviarte en espiral, ya que cuanto más intentas aferrarte, más se desvanece de ti. Pero comprender esto es un paso en la dirección correcta; es el primer paso. Y creo que eso es esencialmente Petals: una celebración de esa realización”.
Al igual que en lanzamientos anteriores como "Dreams of Losing Teeth", la letra insinúa situaciones que quedaron sin resolver y el impulso de hundirse en viejos recuerdos. En entrevistas, ha hablado de encontrar ciudades natales como un concepto extraño, sintiéndose como un inadaptado ya sea que saliera con compañeros de clase o con otros coreano-estadounidenses en su vecindario, y este anhelo de escapar le da a su música una cualidad agridulce y nostálgica, como si fueras tú vislumbrando un paisaje que se aleja desde la ventanilla de un coche. Kim utiliza una fuerte distorsión y letras introspectivas para superar los sentimientos de aislamiento e impotencia. Porque al fin y al cabo habla de eso de abordar emociones y no siempre es fácil. Ya sabes ¿quién dijo que la vida sea sencilla?

LOQUILLO "Diario de una tregua"

José María Sanz sigue activo a sus 61 años algo que ni él mismo hubiera pensado cuando siendo un jovenzuelo con su cresta de engominada tomaba el tren desde Cerdanyola a Barcelona, estación donde coincidíamos muchos fines de semana. Loquillo no es sólo un superviviente es además un individuo que puede dar lecciones de vida, después de superar experiencias salvajes. Él mismo lo indica asegurando que  "rendirse no es una opción". Loquillo edita 10 nuevas canciones con las que demuestra que piensa resistir a pesar del paso de los años, se afianza tanto en esa idea que ha titulado su próxima gira, 'El Rey', para que no queden dudas de sus intenciones. De hecho este álbum se define como "el definitivo del Loco" y donde reinventa al personaje, toda una lección de supervivencia. Otro tanto cabe decir de Sabino Méndez e Igor Paskual, los autores de la mayoría de las canciones de este disco, entre las que cabe destacar "La Libertad", en la que nos invita a abrir todas las ventanas porque "es hora de crecer y soñar, cambiar el ayer por el mañana, libertad, libertad, libertad"; "Somos la furia" en la que aconseja "Si algún día vas perdiendo, no te quedes en silencio, que la vida está llena de remontadas al extremo";  "Sonríe" donde clama "tengo solo una guitarra, solo tengo una canción, para poder explicarme hice una banda de rock" o las mejores rimas en "Todo tiene su sabor".

ARCADE FIRE "WE"

Era uno de los discos más esperados de este año y el sexto álbum de los canadienses ha generado críticas muy dispares. Es comprensible, cinco años de espera, tras "Everything Now" (2017), son muchos para crear expectativas de todos los colores. "WE" puede ser mejor o peor según se mire, pero tiene la virtud de volver a trasladarnos a esas mágica sensación de música catalizadora. Es pop-rock con sintetizadores que no cae en lo simplista, con sus habituales guiños al folk contemporáneo y con suficientes hits para satisfacer los paladares más exquisitos. Arcade Fire son además una banda de su tiempo y afrontan en sus letras la ansiedad que vivimos, la sociedad quebrada que nos rodea. "WE" (nosotros, en castellano) es en sus propias palabras un canto a la unidad y en contra de "las fuerzas que amenazan con alejarnos de las personas que amamos, así como de la urgente necesidad de superarlas".

Arcade Fire siempre ha buscado más lo trascendental que lo liviano. En ese sentido el álbum se presenta como un concepto dividido en dos partes, una primera que bajo el subtítulo de 'I' (yo) canaliza el miedo y la soledad del aislamiento en los tres primeros cortes, en contraposición con 'WE', la segunda, que celebra el sentimiento de comunidad en un sentido salvador, con las cuatro últimas canciones. Ya en el inicial "Age of Anxiety I", nos plantean un retrato generacional de angustia que habla de la búsqueda de evasión de la realidad a través de la química o las redes sociales, se aprecia una voluntad de llamar a la reflexión colectiva, señalando esos medicamentos que no funcionan y a una población insomne. La segunda parte "Age Of Anxiety II (Rabbit Hole)”, se anima con su synth pop bailable más reconocible, mientras que “End Of The Empire I-IV”, con sus más de nueve minutos de duración, comienza como una balada al piano que crece hacia un desarrollo progresivo marcado por saxo, para plantear aquello de "que se pare el mundo que yo me bajo". Atención porque Win Butler toma prestada la melodía de "Imagine" de John Lennon.

Afortunadamente la segunda parte, la del nosotros, se despoja de ese sentido tremendista que ensombrece nuestro tiempo para dar un soplo de esperanza, gracias a “The Lightning I, II” que inevitablemente nos recordará a los autores de "Funeral" ( 2004). El folk de “Unconditional I (Lookout Kid)” muestra su faceta acústica y llega para desengrasar: "Hay cosas que podrías hacer / Que nadie más en la tierra podría hacer / Pero no puedo enseñarte, no puedo enseñártelo", cantan rebajando los mensajes más grandilocuentes. “Unconditional II (Race and Religion)” es lo más sorprendente del lote, ya que contiene un dueto entre Régine Chassagne y Peter Gabriel a ritmo de electro pop. El cierre acústico,“WE”, pone punto final con otra balada, esta vez con guitarra acústica, que tampoco resulta un cierre brillante.

Lamentablemente cuando llegas al final descubres que no es un disco para tirar cohetes, correcto, pero que no estaría entre lo más destacado de su discografía. Sus apuntes electrónicos, su habitual mezcla de folk, rock y pop y esos cambios de ritmos los hacen reconocibles, aunque habría que pedirles más. Sus fans lo disfrutarán, aunque solo han mantenido el nivel.
La llegada de "WE" ha venido acompañada del anuncio de una gira mundial que arranca el 30 de agosto en Dublin, viajará por el viejo continente y pasará por España. En concreto, la banda tocará en el WiZink Center de Madrid el 21 de septiembre, acompañados por su compatriota Feist. Precisamente las entradas salen hoy a la venta.

ELS PETS "1.963"

 

El trío catalán edita "1.963", título que hace referencia al año en que los tres nacieron, un disco directo y optimista que huye de las malas experiencias que nos ha hecho vivir la pandemia: “No quería un disco sobre la pandemia, me daba pereza, no quería canciones filosóficas ni trascendentes, sino un disco para desdramatizar. Cierra unas ventanas para abrir otras”, señala Lluís Gavaldà quien ha creado unas letras que hablan eso sí de esperanzas, dudas, angustias y de sus miedos.
La fórmula creada por Lluís junto a Falín Cáceres y Joan Reig, tres viejos rockeros en sus propias palabras, funciona a la perfección. Según Lluís Gavaldà, la frase que resume el disco se encuentra en "S’equivoquen", cuando niega que con los años aumente la sabiduría: “Es mentira, de joven piensas que de mayor serás más sabio y no cometerás los mismos errores, pero cuando lo eres siguen ahí. Te equivocas igual”.
Pero las canciones también nos muestran otros aspectos divertidos como en "Atracament a la Caixa", que nos recuerda al clásico de "Atraco a las tres", hay poco drama, ternura y calidez. En un disco en el que quieren sonar distintos, por eso contrataron como productor a Joan Pons (El Petit de Cal Eril).

BRIAN MAY "Otro lugar"

El guitarrista de Queen Brian May acaba de presentar el vídeo musical de "Otro Lugar", grabado en español y rodado en el Observatorio del Teide, en Tenerife, y en su "querido árbol" de la isla de El Hierro, que también aparece en la portada del álbum Another World. Con esta versión en español de su sencillo "Another World" May ha querido, según indica su discográfica Universal Music, hacer un "regalo especial para el mundo español" que siempre ha sido "increíblemente amable" con Queen y con él, ha manifestado el artista.

"Esto ha sido un sueño para mí, volver a visitar los lugares que alimentaron mi vida y también alimentaron la creación de este álbum, Otro Lugar, en particular el bosque de pinos que rodea el volcán central, El Teide. Ese bosque es un lugar muy especial para mí, por muchas razones. Es el lugar en el que quiero estar cuando deje este planeta, porque para mí es el lugar más cercano al Cielo", ha afirmado.

El músico londinense Brian May presentó la reedición Gold Series remasterizada de su álbum en solitario de 1998 el 22 de abril desde el Royal Observatory de Greenwich, Londres, acompañado de algunos vídeos musicales nuevos. Un trabajo en el que además de "On My Way Up" y la versión de Buddy Holly de "Maybe Baby", Brian incluyó este vídeo que hacía público el pasado viernes para la canción principal en sus "queridas" Islas Canarias. En concreto se grabó en Tenerife, donde estudió su doctorado en Física en el Observatorio del Teide, en lo alto del paisaje volcánico. También se trasladó a La Palma, donde ha trabajado en el Starmus en los últimos tiempos, y a la isla de El Hierro.
May estrenó su nuevo vídeo musical "Another World" la semana pasada y este viernes se estrenaba la versión en español. "Por extraño que parezca, conseguimos rodar mucho más en español que en inglés, y quizá trabajé más en ello, no lo sé. Pero parece que las tomas están muy bien hechas. Si lo ves (y eres angloparlante), ten en cuenta que las palabras en español significan casi exactamente lo mismo que las palabras en inglés. Tratan de un universo paralelo y de lo que podría haber ocurrido en Otro Mundo", ha matizado May.
En cuanto al árbol de El Hierro, según sus palabras, es un "gran símbolo" de Another World: "Es un árbol muy antiguo. Es una especie de enebro. Una sabina, como la llaman aquí. Pero su forma es extraordinaria, ha crecido en un ambiente muy duro con constantes vientos fuertes. Así que la única forma en que ha sobrevivido es doblándose: en una larga curva de barrido, el árbol se asemeja a una hermosa mujer con la cabeza echada hacia atrás por el viento", ha explicado.

RAMMSTEIN “Zeit”

Después de que se anunciará a bombo y platillo la celebración de dos conciertos en España para presentar este disco, más concretamente en Madrid y Valladolid, Wanda Metropolitano y Estadio José Zorrilla, los días 3 y 5 de junio de 2023, lamentablemente se ha descubierto que era completamente falso. Es una pena que el mundo dependa hoy de las fake news. No solo vivimos en un mundo de negacionistas que mientan sobre la efectividad de las vacunas anti-covid o sobre la invasión y masacre de la población civil de Ucrania por parte de Rusia, parece que ahora también, en menor importancia, nos engañan con giras de bandas.
La banda alemana bajo esas mismas premisas acaba de publicar su octavo álbum de estudio.Till Lindemann (voz), Paul Landers (guitarra), Richard Z. Kruspe (guitarra), Flake (teclados), Oliver Riedel (bajo) y Christoph Schneider (batería) siguen en plena forma después de 30 años de carrera, como publicaba la revista Revolver esta obra representa: "la belleza de combustión lenta con el poder de la fuerza industrial". “Zeit” es un regalo para la escena metal y como siempre saben tocar la fibra sensible, caso del videoclip de “Deutschland”.  Rammstein saben ser críticos, así que se han marcado un April Fool’s Day anunciando que habían inaugurado una clínica de cirugía cosmética en Berlín. “Zick Zack” ha sido estos días lo más comentado del álbum, pues muestra como ninguna otra el doble juego con las temáticas sexuales, marca de la casa, esta vez a causa de la hipersexualización del cuerpo a través de la cirugía estética, la letra habla sobre “quitarse costillas”, ponerse “botox en el cerebro” o de “penes que vuelven a ver la luz” gracias a la reducción de grasa abdominal.

Como curiosidad “Zeit” fue grabado en La Fabrique Studios en St. Rémy de Provence, Francia. La portada del disco es una fotografía de Bryan Adams quien tomó la instantánea de Rammstein en las escaleras del Trudelturm de Berlín Adlershof, un imponente monumento construido en los años treinta para la industria aeronáutica, en el Parque Aerodinámico de la ciudad. Poco antes de cerrar la gira de conciertos Till Lindemann, líder y vocalista, anunció la cancelación de los conciertos programados para 2022 en Rusia de la gira "Ich hasse Kinder" (“Odio a los niños”). Además la banda condenó en su web Rammstein World el ataque a Ucrania. Antes Till Lindemann estuvo participando con los voluntarios que están ayudando a los refugiados ucranianos que llegaban en tren hasta Berlín, desde el comienzo de la invasión rusa.

VEINTIUNO "La Ruina"

 

La nueva canción de Veintiuno es algo más que una canción de amor, porque es también una declaración de admiración extensible a tus amigos, a tu familia y a tu entorno. En los tiempos que corren, con el creciente sentido del individualismo se agradece esa perspectiva. Ellos lo identifican con ese proverbio chino que dice: "Si caminas solo irás más rápido, si caminas acompañado llegarás más lejos". Diego Arroyo, cantante de Veintiuno, cuenta: "Me empecé a obsesionar con la idea de que nosotros somos una banda y que hemos sobrevivido a muchas cosas que nos han pasado porque somos una banda. Esto para mí tiene sentido porque yo hago música con mis amigos".

“La Ruina” forma parte de su próximo disco "El Arte de Perder", que todavía no tiene fecha de edición y que llegará un año después de "Corazonada". De momento andan cerrando fechas de conciertos y podremos verlos en el San San Festival, Capital Fest, Sonorama Ribera y distintas ciudades donde andan concretando fechas. 

BLOC PARTY "Alpha Games"

La banda londinense editaron uno de esos discos de debut por los que muchos grupos matarían. "Silent alarm" llegaba en 2005 con una energía post-punk desbordante, guitarras espléndida y estribillos arrebatadores. Lamentablemente Bloc Party nunca volvieron a repetir un álbum tan sobresaliente, aunque les dimos alguna confianza con "A Weekend In The City" (2007) y  "Four" (2012). Hace unos días lanzaban "Alpha Games" ("Juegos Alfa") el sexto álbum de estudio de la banda británica, que tiene algunas canciones interesantes, aunque no es para recuperar la fe en el grupo. De sus miembros fundadores solo quedan Kele Okereke y Russell Lissack, pero este es  el primer álbum con contribuciones significativas de los miembros de la banda Justin Harris y Louise Bartle, quienes se unieron a la banda en 2015 y que aportan cierta frescura. Su primer sencillo “Traps” ya nos dejo buen sabor de boca con esa retorcida historia sobre un  un depredador sexual. Y es que las letras vuelven a girar por el lado más sórdido de la vida, como en el potente inicio del disco, "Day Drinker", con esos  aires ska guitarrero, o en otro de los adelantos el álbum la pegadiza "The Girls Are Fighting". Bloc Party recupera su dance-rock como en los buenos tiempos con los golpes de efecto de “Rough Justice”, el bajo funky de “You Should Know The Truth” o ese sintetizador psicodélico de “Sex Magic”, además del punk arrebatado de “Callum Is A Snake”. Cuando bajan la intensidad pierden inspiración, algo que ocurre con: "Of Things Yet To Come", "If We Get Caught" y en el cierre de "The Peace Offering".
Bloc Party suenan rejuvenecidos, Alpha Games es un disco disfrutable, con más aciertos que fracasos. Lo que ya es decir mucho. Si algo está claro es que la banda nunca había sonado tan inspirada desde sus inicios.

LISASINSON "No sé muy bien"

 

Las valencianas Lisasinson ya disponen de un mini LP en el mercado. "Perdona mamá" incluía canciones como "Atasco", "Tú y yo", "Canción para mi crush" o "Barakaldo" el tema que las dio a conocer en el panorama nacional. Por entonces eran un cuarteto, ahora en Lisasinson solo militan Miriam Ferrero (voy principal y guitarra) y Paula Barberán (bajo y voz), quienes en formato dúo nos dan a conocer "No sé muy bien", en la que cantan: "Nunca serás mi amor, lo digo de corazón" parte de una letra en la que aseguran: "estoy aburrida de ti, pero en realidad estoy pensando en mí". En esta ocasión han logrado un sonido más agresivo, algo en lo que tiene que ver la producción de Carlos Hernández (Carolina Durante, Axolotes Mexicanos, Aiko el Grupo o Triángulo de Amor Bizarro).

"No sé muy bien" llega acompañado de un vídeo que es un homenaje a la pilota valenciana, un deporte tradicional de aquella Comunidad. El director Miguel Yubero sitúa a Lisasinson en un trinquet, donde desarrollan una partida. Oficialmente es un homenaje a "la cultura valenciana, al punk-pop con raíces, al compañerismo y la presencia de las mujeres en los deportes". Mañana 7 de mayo, por cierto, actúan en el Festival Incendiari de Burjassot junto a La Plata y Triángulo de Amor Bizarro.

La nueva canción es un canto a las relaciones fracasadas en la que  nos dejan esa perla envenenada: "Ya no quiero ser moderna / Ahora paso del post punk / No me invites a tu puta fiesta / No soy parte de ese club".

THE INTERRUPTERS “In The Mirror”

 

Se trata de una de mis bandas de ska punk favoritas, The Interrupters, nos regalan su nuevo single "In The Mirror", que sirve para presentar lo que será "In The Wild", el próximo disco del grupo, que se publicará el 5 de agosto. La canción habla sobre la experiencia de Aimee Interrupter, vocalista de la banda, y su necesidad de hacer las paces con quien fue de niña: "Caí en muchos patrones autodestructivos intentando hacer las paces con mi infancia. Durante mucho tiempo intenté huir del dolor. Pero por mucho me corriera, ahí estaba…. Me di cuenta que necesitaba hacer las paces con quien veía en el espejo".
"In The Wild" incluirá un total de catorce canciones, con artistas invitados que les ayudarán a hacer más variado su ska punk teñido de melodías pop. Entre ellos encontraremos la participación de Tim Armstrong de Rancid, la cantante Rhoda Dakar, los renacidos Hepcat y la banda de sonidos jamaicanos The Skints. "Hemos puesto muchísimo amor en este disco", comenta la banda en un comunicado. "El disco lo ha producido nuestro guitarrista Kevin Bivona, y es un viaje a través de la vida Aimee, en la que cada canción es profunda. Grabamos casi todo el disco en nuestro estudio casero durante el confinamiento. Hacer este disco nos permitió tener un propósito y deshacernos de todos los fantasmas que nos acechaban".

ZAHARA "La hostia de dios"

"Puta" se ha convertido en el disco más importante en la carrera de Zahara (Úbeda, Jaén, 1983, así lo demuestran los seis premios MIN, de la Música Independiente, que acaba de obtener: "Premio The Orchard al Álbum del Año", "Premio AGEDI al Mejor Álbum de Pop", "Premio Sympathy for the Lawyer al Mejor Videoclip", "Premio SAE Spain a la Mejor Producción Musical", "Mejor Letra Original" y "Premio Marilians al Mejor Diseño". Pero "Puta" es mucho más, sin duda, su álbum más personal en el que abre su alma y nos descubre su bajada a los infiernos. Un disco que hablaba de la culpa, del dolor, de los lugares oscuros, en el que hablaba de sus comportamientos “tóxicos”. Narra la experiencia de una persona que no se quería nada y se encontraba en el punto más bajo de su vida.
El pasado sábado, 30 de abril, se cumplía un año del lanzamiento de "Puta". La artista conmemora este aniversario publicando "La hostia de dios", una canción que  resultará familiar para los fans que compraron la edición física, pues su letra se encontraba escondida entre las páginas del libreto, pero que había permanecido inédita hasta hoy. 

"La hostia de dios" fue compuesta por la cantante, cuando terminaba de grabar las voces del disco, también participó en su producción junto a Martí Perarnau. Una canción que, como su disco, vuelve a provocar cierta incomodidad al hablar de la violencia machista, una violencia contra las mujeres. En palabras de la autora, buscaba en los oyentes que “sintieran la incomodidad con la que tenemos que vivir nosotras” y que, como denuncia, parece ser el pan de cada día de una sociedad acostumbrada a estas noticias. "Siento que se han acostumbrados a escuchar nuestra historia. Ya no les  importa, no tiene ningún valor", asegura la cantante.

El tema es una composición dramática que habla sobre la desesperación de pedir ayuda y no recibirla, mientras Zahara lucha por espantar a sus viejos demonios. Su último verso dice: "Seguimos rezando, pidiendo ayuda y nadie mira a su alrededor / ahora lloramos a solas / cuando la hostia que recibimos no es el cuerpo de Dios". Una incomodidad que también se hace patente en el videoclip y el sonido de la propia canción, que utiliza la distorsión en su voz con el objetivo intencionado de molestar. En las imágenes podemos ver a una Zahara hablando directamente a cámara, apelando al espectador.

"3rd Secret"

 

De modo sorpresivo y sin preaviso surge un nuevo supergrupo formado con el exbajista de Nirvana, Krist Novoselic; el guitarrista de Soundgarden, Kim Thayil, y el baterista de Pearl Jam y Soundgarden, Matt Cameron. Así surge 3rd Secret, un nuevo conjunto también integrado por Bubba Dupree (Void, Hater), Jennifer Johnson y Jillian Raye (Giants In The Trees) esta insólita formación ha publicado este disco, que recupera el sonido grunge, con un sonido pesado. En los años 90, Seattle fue el semillero de muchas bandas históricas, ahora, más de treinta años después, miembros de algunas de esas formaciones emblemáticas de juntan para formar esta banda, marcada por distorsiones sucias y vibrantes,en un álbum heterogéneo de 11 canciones que pasea entre el garage, el folk y el bluegrass. Una curiosa experiencia.

MISHIMA 'L’aigua clara'

El quinteto catalán acaba de publicar su nuevo álbum "L'aigua clara", después de un lapsus discográfico de cinco años tras “Ara i Res” (2017). Mishima son ya un icono de la escena catalana, pero también una de las bandas más relevantes de nuestra música, después de dos décadas de carrera que han dado para mucho. Ellos han creado su propio lenguaje, pero no conformes con ese logro nos presentan este LP que pretende trascender, ya que será una pieza fundamental en su trayectoria. 

"L'aigua clara" es un disco versátil en el que las letras de David Carabén están más inspiradas que nunca y la química con el resto de la banda: Marc Lloret a los teclados, Dani Vega a la guitarra, Xavi Caparrós al bajo y Alfons Serra a la batería, funciona a las mil maravillas, con una colección de once canciones que giran en torno al amor, la muerte o las adicciones modernas. Ellos han buscado "el agua clara" y parecen haberla encontrado, con canciones tan bellas como “El llibre de l’amor”, adaptación de Magnetic Fields de “The Book of Love”; los arreglos evocadores de “El Gran Lladre” para narrar el melodrama de aquel que quiere amar y no sabe cómo (“una altra cançó d’amor d’algú que mai n’ha sabut treure l’aigua clara”); el sentimiento de arrepentimiento en “Por de Mi”; el preciosista pop de “Sé Que Ets Tu”; la juguetona "Cotó"; la versión musicalizada del poema “Ens Crèiem Únics” de Joan Vinyoli: la espléndida luz que transmite "Un Lloc que No Recordi" o las reflexiones planteadas que toman como excusa la historia de la famosa ex-actriz porno "Mia Khalifa". Sin duda estamos ante un álbum sofisticado, de sólidas canciones, que muestran la espléndida madurez de su narrativa. El mejor disco de Mishima hasta la fecha.