El líder del grupo británico de rock The Fall, Mark E. Smith, ha fallecido a la edad de 60 años, informó Pam Van Damned, mánager de la banda: "Llegó el día que tanto temía. Con muchísimo dolor anunciamos la muerte de Mark E. Smith. Falleció esta mañana en su casa". indica en la cuenta oficial en Twitter del grupo. El grupo canceló el pasado agosto varios conciertos en EE UU después de que Smith fuese hospitalizado por problemas respiratorios. Se encontraba en un delicado estado de salud, tras una vida entregada al alcohol y los excesos. Ya el pasado octubre, dio un concierto en Londres en una silla de ruedas, después de romperse la cadera.
A los 19 año fundó The Fall, corría el año 1976, que rápidamente se convirtió en uno de los referentes del post-punk. Smith lanzaba esa rabia con largos recitados en los que no faltaban insultos y provocaciones al público. La música de The Fall no se estancó, sino que evolkucionó a sonidos de vanguardia y también industriales. Discos como "Dragnet", "Totale's Turn", "Perverted by Language" o "Cerebral Caustic", entre otros, hicieron crecer su leyenda subersiva. Los miembros de la banda cambiaron a lo largo de los años, pero el cantante Mark E. Smith, siempre se ha mantenido como faro de guía. Publicó, una treintena de discos bajo el nombre de The Fall, el último "New facts emerge", este otoño, a los que hay que sumar otros proyectos en paralelo como Von Südenfed (junto al dúo alemán de electrónica Mouse on Mars y colaboraciones con otras bandas, como Gorillaz, Inspiral Carpets o Elastica. Se ha apagado uno de los símbolos musicales de Manchester.
The Last Shadow Puppets versionan a Leonard Cohen en lo que anuncian es el primer adelanto de su nuevo EP. "Is this what you wanted" es el tema escogido para presentar este disco al que han titulado "The Dream Synopsis", un trabajo grabado en directo en los estudios Future-Past Studios de Nueva York. El EP contiene versiones de algunos de sus artistas favoritos (The Fall, Leonard Cohen, Jacques Dutronc o Glaxo Babies, además de una revisión de "Aviation" y “The Dream Synopsis”, de su último disco.
Sorprende el nivel de producción de la banda formada por Miles Kane y Alex Turner. Apenas han transcurrido unos meses desde el lanzamiento de su último trabajo "Everything You've Come to Expect". un disco que se editó ocho años después de su debut. En cualquier caso bienvenido sea "The Dream Synopsis" que estará a la venta el 2 de diciembre en vinilo, CD y plataformas digitales. Este es el listado completo de canciones:
1. Aviation 2. Les Cactus (Original de Jacques Dutronc) 3. Totally Wired (Original de The Fall) 4. This Is Your Life (Original de Glaxo Babies) 5. Is This What You Wanted (Original de Leonard Cohen) 6. The Dream Synopsis.
El Boss ha decidido por fin lanzar un disco recopilatorio con todos sus grandes éxitos, algo que sus fans le pedían desde hace tiempo y que su discográfica le rogaba fervientemente para hacer caja. Está disponible en tiendas desde el pasado 19 de abril. Se anuncia como su recopilatorio definitivo. Según la descripción del álbum, la colección recoge "los 50 años de carrera discográfica de The Boss, desde 'Greeting From Asbury Park, NJ', de 1973, hasta 'Letter To You', de 2020". El álbum, además, contará con una nueva portada realizada por Eric Meola durante las sesiones de "Born To Run" y nuevas notas de Erik Flannigan. La edición física (2LP y 1CD) contendrá 18 temas, mientras que la versión digital llegará como un paquete ampliado de 31 canciones. Por supuesto no puede faltar la canción favorita con la que recientemente Bruce confesaba "ninguna me hace sentir tan cómodo como “Born to Run”, el tema que le da nombre a su tercer disco de estudio, editado el 25 de agosto de 1975 a través de Columbia Records. En una entrevista con The Project en 2022, señalaba: “Me las arreglé para escribir bien sobre estos arquetipos clásicos del género: el coche, la chica, la ruta, el chico, el escaparse”, además añadía: “Todos estos son clichés clásicos del rock de películas B que pude usar y revitalizar a mi manera, darle nueva vida y actualizarlos al 1975. Siempre me siento cómodo con esa canción“. El listado de canciones es el siguiente: "Growin' Up" "Rosalita (Come Out Tonight)" "Born To Run" "Thunder Road" "Badlands" "Hungry Heart" "Atlantic City" "Dancing In The Dark" "Born In The U.S.A" "Brilliant Disguise" "Human Touch" "Streets Of Philadelphia" "The Ghost Of Tom Joad" "Secret Garden" "The Rising" "Girls In Their Summer Clothes" "Hello Sunshine" "Letter To You"
Digital deluxe"Growin' Up" "Spirit In The Night" "Rosalita (Come Out Tonight)" "4th Of July, Asbury Park (Sandy)" "Born To Run" "Tenth Avenue Freeze-Out" "Thunder Road" "Badlands" "Prove It All Night" "The River" "Hungry Heart" "Atlantic City" "Glory Days" "Dancing In The Dark" "Born In The U.S.A" "Brilliant Disguise" "Tougher Than The Rest" "Human Touch" "If I Should Fall Behind" "Living Proof" "Streets Of Philadelphia" "The Ghost Of Tom Joad" "Secret Garden" "The Rising" "Long Time Comin'" "Girls In Their Summer Clothes" "The Wrestler" "We Take Care Of Our Own" "Hello Sunshine" "Ghosts" "Letter To You"
La banda de Dublín The Murder Capital acaban de presentar su nuevo single, "The Fall", tercer adelanto de “Blindness”, nuevo album del quinteto que verá la luz el próximo 21 de febrero, un tema con la misma energía e intensidad características de la banda, que se complementa a la perfección con los dos adelantos anteriores."Can’t Pretend To Know" y"Words Lost Meaning", además lanzaron "Love Of Country", fue un lanzamiento sorpresa publicado el mes pasado, y que se habilitó en formato limitado de 7”. Todos los beneficios obtenidos con este tema se donarán a la organización benéfica Medical Aid For Palestinas. James McGovern, líder del grupo, señala sobre el nuevo álbum: "El disco recoge nuestro campo de visión inmediato, lo que tenemos frente a nosotros. Cosas que podemos tocar, el amor que podemos sentir... y luego está todo lo demás. La ceguera es la creencia deformada, lo que está detrás de nosotros, los apartados, el amor a distancia, la fe en la negación, el patriotismo distorsionado, la cara que se desvanece por momentos en la vista trasera. La ceguera pone todo esto en el foco”.
En las próximas semanas The Murder Capital inician una gira para presentar “Blindness”, disco con once temas, con actuaciones en Oceanía y Europa. Incluyen nuestro país, en mayo ofrecen conciertos en Madrid (2 mayo, Sala Copérnico) y Barcelona (3 mayo, Razzmatazz).
Para muchos los catalanes Madee son unos auténticos desconocidos, pero catorce años después de su último trabajo “L’Antartica” (2007), llega la hora de certificar la trascendencia de los chicos de Cambrils que regresan con el que es su quinto álbum de estudio, un trabajo fruto de la colaboración con el poeta y fotógrafo Mark Swanson, el americano es quien aporta las letras de los doce temas incluidos en este trabajo. Son fieles a su identidad sin desdeñar la experiencia y la serenidad que pueden dar los años. Esa consistencia interpretativa viene marcada por la presencia vocal de Ramón Rodríguez, lo que es lo mismo The New Raemon, sobre la que se arma ese contundente sonido de magnífica intensidad. El grupo presenta influencias claras de los ochenta y noventa: Echo & The Bunnymen, The Cure, Simple Minds, Sugar, The Fall, Sunny Day Real Estate, Lloyd Cole e incluso los U2 con esa herencia suenan absolutamente atemporales. El sexteto presenta un nuevo batería Antono Postius (Gyoza y ex-Mourn), quien sustituye a Lluís Cots, el resto de Madee sigue con la formación original: Pep Masiques (bajo) Ramón Rodríguez (voz, guitarra) Adam Vives y Capi a las guitarras y Marc Prats a los teclados, el mismo grupo de amigos que empezaron con este proyecto hará unos 20 años.
La inicial la "Caldera", y más tarde en "The Hunting Party", muestran el ímpetu de sus inicios, pero la mayoría de temas optan por una mayor contención y medios tiempos como “Night Of The New Moon”, “Room 205”, “The Way Home” o “Feelings Of Inadequacy”. Algo más enérgicas resultan “Under The Sun” y “Like Spiders Bite In Spring”. Madee sabe como combinar dosis de épica y oscuridad bien administradas, a pesar del tiempo transcurrido saben como crear buenas canciones, sin fisuras. “Eternity Mingled With The Sea” demuestra el talento incuestionable de esta banda y puede convertirse en uno de los discos destacados en este recién inaugurado 2021. Esperemos que no haga falta otra pandemia para que se vuelvan a reunir.
Morrissey es un tipo contradictorio en sí mismo. No descubrimos nada a estas alturas, pero si recordamos que hace años repudiaba públicamente los recopilatorios no tiene sentido su afición a editar constantemente nuevos discos en ese formato. Nadie duda que es un artista prolífico con una amplísima carrera a sus espaldas, pero también es verdad que con más álbumes recopilatorios que la mayoría de artistas de su generación: "Bona Drag" (1990), "The World Of Morrissey" (1995), "The Best Of Morrissey: Suedehead" (1997), "My Early Bulgary Years" (1995), "The Best Of Morrissey"(2001) y "Greatest Hits" (2008), sin contar otras compilaciones de singles y caras B.
El pasado 6 de julio lanzaba un nuevo disco que se suma a esa lista de recopilatorios. "This Is Morrissey", editado por Warner y que tiene como single destacado “All The Young People Must Fall In Love” en una nueva mezcla a cargo de Bob Clearmountain y que incluye “Rose Garden” como cara B., en su edición sencilla.
Estas serán las canciones de este nuevo álbum:The Last Of The Famous Internacional Playboys Ouija Board, Ouija Board Speedway Have-A-Go Merchant Satellite Of Love Suedehead (Mael Mix) Lucky Lisp Whatever Happens, I Love You You’re The One For Me, Fatty Angel, Angel Down We Go Together Jack The Ripper The Harsh Truth Of The Camera Eye Everyday Is Like Sunday
Después de que Wayne Hussey (Sisters Of Mercy, The Mission) estuvo de gira en solitario por nuestro país el año , ahora ha decidido iniciar un tour de tres meses de conciertos con su grupo legendario The Mission, que estos días recala en nuestro país: “The united european party tour 2020”. Ayer fue su primer concierto en Valencia y hoy repiten
"Después de girar por Europa, me doy cuenta de que lo único que une a la gente de todas las razas y culturas es la música. La música une a la gente para celebrar y compartir la experiencia, por eso he llamado a la gira ‘The united european party tour’. Parece una frase política y, aunque no hablo por todo el grupo, es que pienso que el Brexit es una gran equivocación. De todas formas, el título de la gira es una frase de cómo la gente puede estar unida indiferentemente de donde nace, donde vive o sus creencias políticas. La música trata sobre la gente, las emociones, sentimientos, la unidad, la no división, sin fronteras, ni extrema derecha o izquierda, o políticos corruptos… O sea, que vamos a unirnos, cantar juntos, divertirnos y celebrar la vida, y ser parte de la familia humana.”, indica Wayne Hussey en un comunicado.
Respecto a lo puramente musical añade: “Queremos hacer algo diferente y original en esta gira, que es tocar dos noches en cada ciudad. Nuestro plan es tocar cada noche canciones diferentes. Por ejemplo, una noche tocaremos temas del primer, tercer y quinto disco: ‘First chapter’, ‘Children’, ‘Grains of sand’, ‘Neverland’, ‘Aura’, ‘The brightest light’… y la siguiente noche haremos canciones del segundo, cuarto, sexto disco: ‘God’s own’, ‘Medicine’, ‘Carved in sand’, ‘Masque’, ‘Blue’, ‘God is a bullet’, ‘Another fall from grace’… Pero será cada día cuando decidiremos qué grupo de canciones tocaremos; de esta manera te aseguras no perderte nada, ¡pero tendrás que asistir a los dos conciertos! Será una sorpresa cada noche, ¡la verdad es que lo pasaremos muy bien!”
Estas son las fechas concretas: The Mission – The United European Party Tour 2020: 9 y 10 de marzo en sala Moon, Valencia
16 y 17 marzo en sala Mon, Madrid
18 y 19 marzo en Razzmatazz 2, Barcelona
Las entradas por día cuestan 30€ (anticipada), 35€ (taquilla). El bono para los dos días: 50€. Más información en RMconcert.com.
Jay Aston’s Gene Loves Jezebel abrirá los conciertos en España. Es una mítica formación de rock inglesa de los años ochenta que cuenta entre sus hits más reconocibles con: "Desire (Come and Get It)" (1986), "The Motion of Love" (1987) y "Jealous" (1990).
David Gedge demuestra su pasión por el indie rock.
Incombustible. Temas redondos, sabiduría y buen gusto. The Wedding Presente siempre han representado honestidad. Su larga carrera está llena de altibajos. Llevan en la carretera 27 años, pero hicieron un parón de una década, en todo este tiempo sólo han editado con éste ocho discos. "Valentina" contiene grandes temas como ese single "You Jane", "Meet Cute", "The Girl From The DDR" o "Dear Caught In The Headllights". Los de Leeds, Inglaterra, nunca han llegado al gran público. Surgieron al tiempo que otras bandas como Buzzcock y The Fall, con las que compartían gustos musicales. A lo largo de estos 27 años su líder ha sido David Gedge, el vocalista y guitarrista, el único miembro original que subsiste en el grupo. En plena forma, The Wedding Present estarán en el próximo Primavera Sound.
Mark Lanegan poseía una de las voces más distintivas y reconocibles del rock, su voz rota se convirtió en un icono del indie y del grunge. El músico, de 57 años fallecía ayer en su casa de Killarney (Irlanda), donde se había mudado hace poco tiempo, por causas que aún se desconocen, aunque estuvo muy enfermo a causa del Covid el año pasado. Llegó a estar en coma y como secuela la enfermedad le había provocado una sordera y tenía dificultades para caminar. Tras esa experiencia Lanegan escribió su libro de memorias "Devil in a coma", en el que narró como entró y salió del coma durante meses a lo largo del año 2021. La noticia de su fallecimiento se confirmó a través de su cuenta de Twitter. "Nuestro querido amigo Mark Lanegan falleció esta mañana en su casa en Killarney, Irlanda", reza el escueto comunicado. "Querido cantante, compositor, autor y músico, tenía 57 años y le sobrevive su esposa Shelley. No hay más información disponible en este momento. Pedimos por favor que se respete la privacidad de la familia".
Fue uno de los músicos destacados del rock alternativo de EEUU. Había nacido en 1964 en Ellensburg (Washington), allí se curtió como músico en la cuna del grunge como cantante de Screaming Trees, banda coetánea de Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam con la que grabó siete discos entre 1985 y 1996. Después formaría parte de Queens Of The Stone Age en las grabaciones de 'Rated R' (2000) y 'Songs For The Deaf' (2002) y en The Gutter Twins, una colaboración surgida a finales de 2003 junto a Greg Dulli. Lanegan tuvo una posterior carrera en solitario con una docena de discos, infuenciados por el blues y el rock de raíces. Además editó un EP y dos discos colaborativos con Isobel Campbell (de Belle & Sebastian), "Time Is Just the Same" (2004), "Ballad of the Broken Seas" (2006) y "Hawk" (2010), y tuvo otros proyectos junto a artistas como Greg Dulli (Afghan Whigs) en The Twilight Singers o los Soulsavers en el disco "It's Not How Far You Fall, It's the Way You Land", además de con Moby. Su último trabajo fue un disco en solitario "Straight songs of sorrow", pertenece a 2020.
Lanegan, con una mezcla de sangre escocesa, irlandesa y galesa en las venas, ha sido un músico muy prolífico con una vida marcada por las adicciones. Confesó que ya con 12 años tenía un problema importante con el alcohol y que a los 18 años consumía drogas como si no hubiera un mañana. Algo que también marcaron sus letras con temas como "la mortalidad, la nostalgia, la pérdida y la dependencia química", como él mismo explicó. No es de extrañar que en ocasiones se le haya comparado con Leonard Cohen o el australiano Nick Cave. Además de "Devil in a coma", Lanegan escribió varios libros más. En su autobiografía "Sing Backwards and Weep", contó cómo Courtney Love le salvó la vida al pagarle un proceso de rehabilitación de adicciones. Confesó también que tras la muerte de su gran amigo Kurt Cobain en 1994, necesitó alejarse de la escena grunge. "Llevó una vida salvaje con la que algunos de nosotros solo podíamos soñar", ha dicho Peter Hook, bajista de Joy Division y New Order, en su tuit de homenaje y despedida. Otro músico John Cale, exmiembro de The Velvet Underground, ha asegurado que no era capaz de asimilar su muerte: "Mark Lanegan siempre estará grabado en mi corazón".
No es oro todo lo que reluce. Creo que ya le hemos dado demasiadas oportunidades a Billy Corgan esperando que por fin le alcanzara la inspiración en un disco a la altura de los mejores tiempos de The Smashing Pumpkins, pero lamentablemente nunca llega. A pesar de que anuncie una monumental ópera rock, cuidado en realidad es solo un señuelo para atraer nuestra atención. Atum: A Rock Opera in Three Acts aparecido el 15 de noviembre es la primera parte de una trilogía que será la continuación de Mellon Collie and the Infinite Sadness (Virgin, 1995) y Machina/The Machines of God (Virgin, 2000). En total contará con un total de 33 pistas, distribuidas en 3 lanzamientos de 11 canciones separadas por 11 semanas de diferencia. Así pues la próxima entrega llegará el 31 de enero de 2023 y la tercera y última el 21 de abril, sin contar con diez canciones de propina que serán incluidas en la edición especial cuyo lanzamiento está programado también para esa fecha de abril de este año. Hace 4 años Billy Corgan reclutó a dos miembros fundadores del grupo, James Iha a la guitarra y Jimmy Chamberlin a la batería, mientras que la única novedad fue Jeff Schroeder al bajo ya que D'Arcy Wretzky, no ha querido participar en este proyecto. El prometedor single “Beguiled” devolvió la esperanza a sus fans, gracias a esas guitarras poderosas, buena interpretación por parte de Corgan y una melodía pegadiza. Pero la banda de Chicago sigue sin convencer a pesar del buen juego de guitarras en “A God in Goodbye”, la experimental“Butterfly Suite” con los sintetizadores, riffs potentes, cuerdas y coros de Katie Cole y Sierra Swan, el cambio con la electrónica de “Embracer” o “Hooligan”. “Steps in Time”y “Beyond the Vale” vertiginosas, recuperan la potencia. La amable “Where the Rain Must Fall”, la aparatosa “Hooray!” y el cierre de “The Gold Mask” no logran elevar el producto. Nadie discute a estas alturas el reconocido talento y la capacidad compositora de Corgan, aunque tal vez se pierda más en la cantidad que en la calidad. La primera parte de su ópera rock Atum es un notable fracaso. Suena enérgico, pero la falta fuerza. Es demasiado limpio y se necesita más suciedad, más pasión.
La verdad es que se hacía necesario un nuevo disco del quinteto The Murder Capital, se agradece su vital post-punk. La banda irlandesa sigue en pie de guerra a pesar de su distanciamiento geográfico el baterista Diarmuid Brennan vivía en Berlín, el bajista Gabriel “G” Paschal Blake en Letterkenny, el guitarrista Cathal “Pump” Roper en Donegal y los guitarristas Damien “Irv” Tuit y McGovern en Londres. "Blindness", su nuevo trabajo se creo bajo la premisa de la urgencia grabado en tres semanas, con el productor y compositor ganador del Grammy John Congleton, quien ya trabajó con ellos en su segundo LP, "Gigi's Recovery". James McGovern y los suyos exploran su lado más instantáneo donde apuestan por la simplicidad de su sonido, sin la complejidad de sus primeros trabajos, para apostar por once canciones que apuestan por la sencillez y el sonido directo. Ellos reivindican su patriotismo con "Love of Country" o en "Death Of A Giant", inspirada tras el funeral de Shane MacGowan, de The Pogues o en la intensa y oscura "Love of A Country" inspirada en los disturbios de Dublín de 2023. Las letras de James McGovern hablan de salud mental, angustia existencial y las complejidades de las relaciones humanas. Piezas como "Moonshot" y "Can’t Pretend To Know" nos muestra esa rabia que recuerda a sus primeros trabajos. El tercer trabajo de los irlandeses recupera la crudeza y frescura de su primera época, en "Blindness" hay grandes aciertos como "A Distant Life" que recuerda a los mejores The Strokes, o esa introducción de "Moonshot", "The Fall" a "Words Lost Meaning", que explora los peligros del patriotismo, el nacionalismo y la xenofobia.
El grupo escocés Primal Scream recalará hoy en Barcelona y en la Sala Zentral de Pamplona el próximo 7 de noviembre, en el marco de su gira europea de lanzamiento de su último álbum, un recopilatorio editado en mayo y que titularon "Maximun Rock 'n' Roll-The Singles". El grupo, que inició su andadura en Escocia en la década de los 80, repasará sus mejores temas. La gira empezó en noviembre en el O2 de Londres y, entre los temas que incluye destacan canciones como "Movin' On Up", "Loaded", "Rocks" y "Kill All Hippies", entre otras. Su último disco resultará muy adecuado para los que quieren descubrir a una banda imprescindible, otros pensarán que es una forma de recopilar algunos de sus mejpores temas, aunque suiempre habrá que recordar su mejor trabajo es un álbum histórico titulado "Screamadelica". Con su tercer disco, y fuertemente influenciados por el éxtasis, Primal Scream revolucionó el rock del momento al unirlo con la música dance. La portada del álbum hoy es todo un icono que terminó hasta en un sello de correos. Ninguna portada como la de este último representaría mejor lo que pasaba entonces en el mundo de la música, la revolución del acid house de finales de los ochenta, lo que en el Reino Unido se dio en llamar «el Segundo Verano del Amor».
Recordemos que en 1991 todos los astros se conjuraron para dar lugar a una de las cosechas de discos más apabullante de las últimas décadas, sino la que más. En aquellos doce meses se publicaron, entre otros, «Nevermind» de Nirvana, «Out of Time» de R.E.M., «Bandwagonesque» de Teenage Fanclub, «Weld» de Neil Young, «Blue Lines» de Massive Attack, «Hymns to the silence» de Van Morrison, «Loveless» de My Bloody Valentine, «Achtung baby» de U2 o «Screamadelica» de Primal Scream. Durante las últimas tres décadas y media, Primal Scream lo ha abarcado todo, desde el pop psicodélico hasta el rock’n’roll degenerado; la queja eufórica o la oscuridad industrial. Por derecho propio se han convertido en parte del patrimonio musical británico. Lograron reconocimientos y premios, sobrevivieron al olvido de los narcóticos, el trauma personal y la muerte de su guitarrista Robert «Throb» Young, pero en ningún momento han dejado de sonar como Primal Scream. Y siempre han creado grandes singles Con "Screamadelica" (1991) la banda escocesa abrazó la cultura rave y definió una nueva psicodelia entroncada con el éxtasis. En "Give Out But Don't Give Up" (1994) y "Riot City Blues" (2006) se dejó seducir por el rock retro de influjo norteamericano, y en Vanishing Point "(1997), "XTRMNTR"(2000) y "Evil Heat" (2002) entregó un punk rock electrónico y combativo con el que también desarrolló sus mejores directos. A partir de "Riot City Blues" se ha evidenciado un bajón creativo con los casi ignorados "Beautiful Future" (2008), "More Light" (2013) y "Chaosmosis" (2016).
Gillespie y el guitarrista Andrew Innes son los únicos miembros que permanecen desde el primer álbum; en el segundo, Primal Scream (1989), se incorporó el teclista Martin Duffy, que venía del grupo de culto Felt. Por sus filas han pasado Mani (The Stone Roses), Kevin Shields y Debbie Googe (My Bloody Valentine), Barrie Cadogan (Little Barrie), Jim Bettie (Spirea X, Adventures In Stereo), Toby Tomanov (Nico, The Durutti Column), entre otros. En sus discos también hay colaboraciones de Robert Plant, Bernard Sumner (New Order), The Chemical Brothers, HAIM...y hasta con George Clinton o Kate Moss.
"Desde nuestro debut en 1985, All Fall Down, hemos abordado los singles como una opción estética, una declaración de dónde estamos como banda", dice Bobby Gillespie. “Crecimos escuchando Suffragette City y Metal Guru en la radio. Los cuatro singles de los Sex Pistols eran geniales. Public Image de PiL tenía un sonido único. Prince y Madonna hicieron hits increíbles. Esta ha sido la línea que hemos escogido. Siempre me ha encantado la radio pop Top 40, me encantan los grandes éxitos como Meaty, Beaty, Big & Bouncy de The Who. Recuerdo que Alan McGee dijo de Higher Than The Sun no sería un éxito, pero que sería una revelación. Los grandes singles pueden salir al mundo y mostrar a la gente una forma de pensar distinta. Te hacen sentir menos solo".
La banda de post-punk Fontaines D.C. anuncia su nuevo trabajo de estudio, titulado “Skinty Fia”, un larga duración que saldrá a la venta el próximo 22 de abril. Este su tercer álbum según han contado es una reivindicación de la identidad irlandesa del grupo, representada en el ciervo de la portada, y lo que significa ser irlandés en 2022. La banda de Dublín nos sirve su primer single “Jackie Down The Line”, como carta de presentación y en un comunicado en las redes sociales indicaron que “Este es Skinty Fia. El álbum que hemos estado esperando para compartir con vosotros durante casi un año. Lo sentimos, no es disco, mentimos. Es un álbum de terribles bajadas y aún peores subidas. Os queremos a todos. Fontains DC x”. El disco promete narrar historias llenas de realismo por los recovecos de la capital irlandesa, con tensión eléctrica y los ecos de The Fall o Joy Division. Lo podremos comprobar en sus próximas actuaciones en La Riviera de Madrid el próximo 20 de marzo y en el Razzmatazz de Barcelona el 21 de marzo, dentro de su tour europeo de 2022.
Wolf Alice edita su tercer disco, un álbum magnífico, que sin ánimo de convertirme en gurú a buen seguro va a figurar entre lo mejor de este año 2021. Yo siempre aposté por este cuarteto de Londres cuando solo eran una promesa y os advertí que tenían muchas cosas que decir. Tuve por entonces la ocasión de verles en directo en una sesión matinal del Festival DCode de 2015, aquella mañana pude ratificar que además de sus gabaciones tenían un directo radiante, cuando eran capaces de acometer con solvencia profesional un directo a las 13 horas para después emprender un viaje a Alemania para actuar esa misma tarde. El “Blue Weekend” sorprende porque son capaces de ofrecer nuevas melodías y ser capaces de contar historias que nos son propias, en un álbum donde cada canción es distinta a la anterior, pero en el que sorprendentemente esa variedad no le resta coherencia. Wolf Alice se ha tomado su tiempo después de que ganaran merecidamente el Mercury Prize en 2018 por su segundo trabajo "Visions of a Life". En “Blue Weekend” no encontrarás singles como "Bros" o "Don’t Delete the Kisses", pero sí incluye piezas que te atraparán desde el principio como "Lipstick on a Glass" en la que Ellie que nos habla sobre una relación tóxica con una actuación vocal sobresaliente; medio operística a lo Kate Bush; ‘Safe from Heartbreak (If I never fall in love’), una preciosa balada folk en la que la artista desnuda su vulnerabilidad; con esos mismos ritmos llega el primer single "The Last Man on Earth" un conmovedor monólogo de Ellie Rowsell sobre los males del egocentrismo; para luego sorprender con la guitarrera y gritona "Smile" con un claro alegato contra el patriarcado; para luego rebajar el tono con "No Hard Feelings" y la preciosa "How Can I Make It OK?", que habla sobre la necesidad de ser feliz. Como en un tobogán llegará la subida con "Play the Greatest Hits", "¡Hey!" con toda su estridencia bailando en la cocina. Mención aparte merecen las apaciguadas shoegaze "The Beach" y "The Beach II", la primera entre lo mejor del disco. Wolf Alice demuestran que están en otro punto de evolución, el disco suena viejo y contemporáneo.
El mundo del rock está hoy de luto. Llora la pérdida de un músico irrepetible. El cantante británico David Bowie ha fallecido este lunes tras luchar durante 18 meses contra el cáncer que padecía. Su muerte se produce tres días después de que el artista británico publicara su último disco, "Blackstar", el pasado viernes coincidiendo con su 69 cumpleaños. Él sabía que se estaba muriendo y quería que éste fuera su último legado musical, su disco póstumo. Así lo tenía previsto, según ha confesado su productor Tony Viscontti. "Blackstar" es el disco número 25 en la larga trayectoria de Bowie, que comenzó en 1970 con la publicación de su primer álbum homónimo y continuó con "Space Oddity" (1969), "The Man Who Sold the World" (1970), "Hunky Dory" (1971), "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" (1972), un disco inolvidable y absolutamente revolucionario, y "Aladdin Sane" (1973). Después vendría la conocida como "trilogía de Berlín", una serie de álbumes de David Bowie grabados en colaboración con Brian Eno en la década de 1970: "Low", "Heroes" (1977) y "Lodger" (1979), En 1980 llegaría otro disco de exito "Scary Monsters". Su álbum de 1983 "Let's dance" conquista a un público más joven amantes de la pista de baile. Su posterior etapa desde 1988 con el grupo Tin Machine cambia de rumbo hacia el hard rock. Su matrimonio con la modelo Imán le lleva a vivir entre Suiza, Londres y Nueva York. Bowie retoma sus carrera en 1999 con "Hours", aunque luego tendrá problemas cardíacos que le alejan de la escena del rock, por un largo reposo, hasta que inicia pequeñas apariciones con Arcade Fire, Alicia Keys o con el guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour. hasta que por sorpresa tras diez años de silencio,en 2013 publica "The next day".
Bowie fue un trabajador incansable lo que le ha hecho merecer la calificación, en vida, de leyenda de la música, uno de los grandes popstars de todos los tiempos. Bowie se ha ha sabido reinventar a lo largo de su carrera como ningún otro artista, a través de sus personajes: Ziggy Stardust, Aladdin Sane o "El duque blanco". El camaleónico David Bowie estaba dotado de un gran talento y de un gancho comercial que supo exprimir a lo largo de cinco décadas. El británico David Robert Jones -su nombre real- fue siempre provocador e innovador, un referente en la cultura glam y un monstruo de la escena. Él se atrevió a experimentar con numerosos géneros musicales, diversas incursiones en el cine, el teatro, la moda, la producción discográfica y hasta con la pintura. Todo un referente de generaciones posteriores el duque blanco ha llegado a vender 140 millones de discos. Hoy su voz ha enmudecido para siempre y se me hace un nudo en la garganta rememorando todos los recuerdos de mi vida asociados a su figura, como cuando corríamos a casa a escuchar su último disco nada más salir de la tienda de discos, aquellas noches en las que mi buen amigo Álvaro se empeñaba en que en el último garito nos pusieran "Heroes" antes de marcharnos, las escuchas de "Changes" en la penumbra con Antonia,... David Bowie forma parte de mi vida y un día como hoy me siento tremendamente triste. Descansa en paz amigo. Hasta siempre.
El 20 de mayo se publicó un doble CD que recoge el audio de los dos conciertos que la banda estadounidense R.E.M. realizó para la cadena musical MTV dentro de su emblemática serie "Unplugged". Fue en 1991 y en 2001 cuando la banda de Michael Stipe realizó sendas grabaciones, convirtiéndose en la única banda principal que hizo doblete dentro de este mítico espacio, consistente en actuaciones acústicas y premiado con un Grammy y un Emmy. Hasta ahora sólo estaban disponibles en DVD, por lo que se habían convertido en piezas de culto para sus fans. Además de todas las canciones de la emisión original por televisión, se incluirán 11 canciones que nunca se vieron en sus apariciones en MTV. El primer disco, correspondiente a su actuación de 1991, se centra en el álbum "Out of Time", que vendió más de 18 millones de copias en todo el mundo y fue su primer número 1 en EE.UU, con éxitos como "Losing My Religion". De sus seis discos previos, que se extienden desde el debut "Murmur" (1983) a "Green" (1988), suenan canciones como "Fall On Me", "It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)", una versión del tema de The Troggs "Love Is All Around", "Get Up" y "World Leader Pretend." En el "Unplugged 2001", cabe destacar temas de los discos "Reveal" (2001) y "Up" (1998), así como la vuelta de tuerca que imprimieron a su canción "The One I Love", de su álbum de 1987 "Document". La banda R.E.M. estaba compuesta por Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry. Nació en la localidad estadounidense de Athens en 1980. A finales de 1997, tras lanzar dos de sus álbumes más icónicos, el citado "Out of time" y "Automatic for the people" (1992), Berry dejó su puesto. Tras lanzar cinco discos de estudio más, la banda se disolvió en 2011, mediante un anuncio en su web oficial. Miembros del Salón de la Fama del Rock desde 2007, se les estima unas ventas globales de 85 millones de copias de todos sus discos.
La banda londinense lanza su tercer álbum ¿el mejor de su carrera? Su prometedor debut“Songs Of Praise” (2018) era algo disperso, llego acompañado del ambicioso “Drunk Tank Pink” (2021) ciertamente quebradizo. Pronto se situaron como uno de los nombres claves en la revivida escena post-punk británica. A la tercera va la vencida, con un disco luminoso que habla de la reivindicación de la amistad, de la celebración de la vida misma. Y eso es algo que les sienta bien, no han abandonado la experimentación, ni el tono airado, pero el quinteto se muestra más conjuntado en lo instrumental. Dicen que en eso ha tenido mucho que ver el prestigioso Flood que se ha encargado de producirlo y grabarlo. Él fue el responsable de grandes discos de artistas como U2, Depeche Mode, PJ Harvey o el "Mellon Collie and the Infinite Sadness" de Smashing Pumpkins, con Shame ha mostrado su interés por alejarse de la etiqueta "post-punk". Así nos encontramos con piezas como "Fingers of Steel" que abre el álbum sin miedo a apostar por un estribillo melódico. la delicada “Adderall” que habla sobre la adicción a este medicamento, con los coros de Phoebe Bridgers, aunque en realidad no se la oye; La energética “Six-Pack” que hace uso de influencias de la psicodelia así como un desatado ritmo de funk punk, el contagioso estribillo de "Yankees" o el emocionante crescendo de “All The People”, sentida oda a la esperanza en la humanidad, que se va a los seis minutos. Por supuesto encontramos lecciones de distorsión como "The Fall of Paul", la furia guitarrera de "Alibis" contenida en dos minutos y medio o esa maravilla titulada “Burning By Design”, una de las mejores composiciones del grupo. Canciones que ganarán con su arrolladora visceralidad sobre el escenario. Shame estarán presentando "Food for Worms" en España este mes de marzo: el 19 actúan en la sala Nazca Live de Madrid, y el 20 en la Apolo de Barcelona.
Brian Eno ha sido un pilar de la música popular de nuestro tiempo, primero como parte esencial de la formación Roxy Music en los años 70, como productor y colaborador de los músicos más importantes de las últimas décadas o como ese revolucionario capaz de dar forma a un nuevo concepto que se ha denominado ambient y desarrollar el minimalismo con la llegada de instrumentos electrónicos. El aclamado músico anuncia que el próximo 13 de noviembre lanzará a la venta una compilación titulada Film Music 1976 – 2020 (2020), el primer material oficial que reúne los temas con los que ha contribuido al mundo del cine. A lo largo de sus cinco décadas como compositor de bandas sonoras, Brian Eno ha trabajado en más de veinte películas. Esta compilación es solo un repaso por algunos de los trabajos más significativos de su carrera, en la que se incluyen siete tracks totalmente inéditos Entre las piezas se encuentran clásicos creados para "Dune" (1984) de David Lynch, "Trainspotting"(1996) de Dany Boyle, "The Lovely Bones" (2009) de Peter Jackson, "Heat" (1995) de Michael Mann y "For All Mankind" (1989) de Al Reinert, entre muchas más. Eno ha creado cientos de piezasque han sido utilizadas en películas, documentales y programas de televisión, además de 20 partituras completas para algunos de los directores más conocidos del mundo.
Brian Eno: Film Music 1976 – 2020
1. Top Boy (Theme) from Top Boy – Series 1, directed by Yann Demange, 2011 2. Ship In A Bottle from The Lovely Bones, directed by Peter Jackson, 2009 3. Blood Red from BBC Arena – Francis Bacon, directed by Adam Low, 2005 4. Under from Cool World, directed by Ralph Bakshi, 1992 5. Decline And Fall from O Nome de Morte, directed by Henrique Goldman, 2017 6. Prophecy Theme from Dune, directed by David Lynch, 1984 7. Reasonable Question from We Are As Gods, directed by David Alvarado / Jason Sussberg, 2020 8. Late Evening In Jersey from Heat, directed by Michael Mann, 1995 9. Beach Sequence from Beyond The Clouds, directed by Michelangelo Antonioni, 1995 10. You Don’t Miss Your Water from Married to The Mob, directed by Jonathan Demme, 1988 11. Deep Blue Day from Trainspotting, directed by Danny Boyle, 1996 12. The Sombre from Top Boy – Series 2, directed by Jonathan van Tulleken, 2013 13. Dover Beach from Jubilee, directed by Derek Jarman, 1978 14. Design as Reduction from Rams, directed by Gary Hustwit, 2018 15. Undersea Steps from Hammerhead, directed by George Chan, 2004 16. Final Sunset from Sebastiane, directed by Derek Jarman, 1976 17. An Ending (Ascent), from For All Mankind, directed by Al Reinert, 1989
Cinco años después de su separación, Cassie Ramone, Katy Goodman y Ali Koehler, la formación original, se vuelven a reunir para relanzar Vivian Girls y editar su primer álbum nuevo en ocho años, "Memory", que según anuncian se pondrá a la venta el 20 de septiembre. La banda estadounidense de indie rock acba de presentar el primer sencillo "Sick", una canción que sigue la senda del shoegaze pop guitarras y distorsión, con toques de dream pop. Las sorpresas no terminan ahí, pues la producción está a cargo de Polyvinyl Records misma que reeditará los dos primeros álbumes de la banda: "Vivian Girls" (2008) y "Everything Goes Wrong" (2009), que han estado agotados durante años y que qhora estarán disponibles, por primera vez, en vinilos de 180 gramos.
Las chicas de Brooklyn están de vuelta, se convirtieron en una de las bandas más importantes dentro del garage punk y de hecho, después de lanzar su disco en 2011, "Share The Joy", el trío decidió separarse en 2014. Las probabilidades de una reunión parecían imposibles, sobre todo tras la marcha de Ali Koehler, baterista, a Best Coast, un tiempo en el que fue sustituida por Fiona Campbell. El nuevo material nos presenta a una banda más madura y con reverbs tan poderosos como perfeccionados. "Memory" ha sido grabado en Comp-NY Studio en Los Ángeles, y ha sido producido por Rob Barbato, quien anteriormente ha trabajado con bandas como The Fall o La Sera. Las Vivian Girls ofrecerán algunos shows de presentación del nuevo material en otoño empezando por The Regent en LA, para después dirigirse a Santa Ana, San Diego, Brooklyn, Filadelfia, San Francisco y Chicago.
El quinteto catalán Medusa Box inyecta otra buena dosis de rock de guitarras en su nuevo disco, el tercero al que han titulado "I Love Astronomy" un trabajo que gravita sobre conceptos científicos. El grupo lo explica así "No hay temas de amor en este disco, por ejemplo hablamos sobre el egoísmo de la especie humana de pensarse el centro de todo esto y que se pregunta qué hay más allá, mirando tanto al espacio como hacia nuestro interior". n el álbum destacan piezas como "Everybody's Tripping", con sus matices psicodélicos, "Claire" y el sencillo "Interferences". Para grabar "I Love Astronomy" han vuelto a contar como productor con Lluis Cots (Mourn, The New Raemon), quien les anima en una mejora del sonido, de modo que esta vez les llevó a meterse en los Estudios Nautilus y en los Estudios Music Lan, en la provincia de Girona, en busca de una sala más grande en la que resonaran especialmente bien las baterías. "Queríamos hacer un salto cualitativo respecto al anterior álbum, que todo suene bien", señalan. El aterrizaje de "I Love Astronomy" fue algo complicado a causa de la covid-19, ya que pretendía publicarlo inicialmente a principios de verano. Los pronósticos de partida no pudieron ser mejores, ya que agotaron las 50 copias de su edición especial limitada en menos de 48 horas, aún con la agenda de conciertos restringida por la pandemia y sin poder hacer toda la promoción que hubiesen querido. Esta formación nació en La Bisbal de l´Empordá (Girona) en 2011 y cantan en inglés por sus referencias musicales. "Intentamos en catalán, pero no funcionaba", se justifican. Con edades entre los 26 y los 28 años, esta tripulación espacial aparece conformada por Jordi Bosch (bajo), Nil Bribian (batería), Adrià Bravo (sintetizadores), Emili Bosch (guitarra) y Enric Mont, el vocalista que, además de la guitarra, pone también su formación de ingeniero al servicio del concepto del álbum. Explican que su nombre, Medusa Box, procede del animal más venenoso del mundo, una elección un tanto espontánea que les proporcionó un compañero de piso mientras leía la revista National Geographic. us trabajos anteriores son "Pay For It" (2015), "Nothing Behind All Of These Masks" (2017) y, más recientemente, el EP "The fall" (2018).
