LA BIEN QUERIDA "Una estrella"

 

Después de dos años de silencio, La Bien Querida regresa con con una canción que sorprende, ya que resulta distinta a lo que nos tiene acostumbrados. Se trata de un tema de amor para su hija: "Una Estrella" habla del paso de la niñez a la adolescencia y está dedicada a mi hija Estrella de 12 años. Nuestros hijos/hijas dejan de ser los niños y niñas que hasta hace poco disfrutaban estando siempre con nosotros. Ya no se van a creer todo lo que les decimos”.
El tema, que combina sintetizadores con pianos y guitarras nos presenta su parte más emocional y maternal: "te me escapas como un gato, te me escapas como el tiempo, como el agua entre los dedos, te me escapas de las manos", canta para relatar ese momento en el que los hijos se alejan con ideas propias. El tema lo produce David Rodríguez (La Estrella de David), colaborador habitual y de otros artistas como Soleá Morente y Los Punsetes.los arreglos a la batería son Álvaro Ángel de Vicente y la mezcla y el máster de Carlos René. "Una estrella" viene acompañada de un vídeo precioso con ilustraciones de Néstor F. que recuerda a un cuento infantil.

"AMAZING GRACE" ESTRENO HOY 4 OCTUBRE

Tras su paso por el Festival de cine de San Sebastián, este viernes 4 de octubre se estrena en salas de toda España la nueva película de Sydney Pollack y Alan Elliott. "Amazing Grace", la película recoge el testimonio de una Aretha Franklin en la cima de su carrera, cuando en 1972, Aretha Franklin decidió volver a sus raíces y dedicar un álbum en vivo a la música con la que se crió: El góspel. En un momento en que ya había colocado en lo más alto de las listas éxitos como "Respect", "Natural woman" o "Chain of fools". Para grabarlo, Warner invitó al Coro Comunitario del Sureste de California, a una banda y a un centenar de personas de público, para pasar dos noches en una iglesia de Los Ángeles convenientemente habilitada.
El concierto se grabó durante dos noches consecutivas, en enero de 1972, en una iglesia de Los Ángeles. Una joven pero ya consagrada Aretha Franklin, vestida con túnica y concentrada, lleva al éxtasis a los feligreses canción tras canción en un recital de góspel que ha tardado 46 años en ver la luz. Las sesiones fueron filmadas por un equipo de rodaje liderado por Sydney Pollack,  el oscarizado director de "Memorias de África" o "Los tres días del cóndor". Por motivos técnicos o por un error de principiante, no pudo usar claquetas en el inicio de cada toma que registraban las cinco cámaras que había dentro del recinto y las 20 horas de metraje que resultaron de ahí fueron absolutamente imposibles de montar en posproducción. Mientras el disco resultante, "Amazing Grace", fue un bombazo inesperado para una diva que llevaba años fraguando éxitos pop, las bobinas rodadas por Pollack languidecieron durante años en algún almacén hasta que la historia llegó a oídos del productor musical Alan Elliott, un apasionado del góspel y de ese álbum en particular. "Nunca me cansaba de escucharlo, yo crecí en ese barrio de Los Ángeles y tenía siete u ocho años cuando se grabó. Supongo que de alguna manera quería volver a tener esa edad y sentir lo que sentí, la habilidad de Aretha para transmitir espiritualidad; es algo que no se puede explicar", asegura.
Alan Elliott se endeudó para adquirir los derechos en 2007, un año después tras el fallecimiento del director, el productor musical rescató el material y, usando la tecnología del momento, logró sincronizar la imagen con la pista de sonido, logrando sacar a la luz la grabación en directo del disco más vendido de la historia del góspel. En el filme sorprende ver entre el público los rostros de unos jovencísimos Mick Jagger y Charlie Watts, embelesados. También están su padre, el reverendo C.L Franklin, y la cantante Clara Ward, una de las grandes influencias de Franklin. Han sido los familiares de la estrella, fallecida en agosto de 2018, quienes finalmente han dado el visto bueno al documental, que se estrena en España este viernes. "Aretha quería ser una estrella de cine y después de Woodstock le prometieron esta película con este gran director, mientras Diana Ross estaba haciendo 'Lady sings the blues' (sobre Billie Holliday). Aretha quería eso y Sydney no se lo dio", explican.

ARLO PARKS Collapsed In Sunbeams"

El primer largo de Arlo Parks era muy esperado, tanto que han llegado a decir que es la voz de una nueva generación. Lo que resulta algo exagerado, pero no es cuestión quitar méritos a esta cantante inglesa de 20 años, de padre nigeriano y madre canadiense. Después de una serie de sencillos que llamaron la atención de la crítica este debut anuncia a una artista a la que hay que seguir la pista. Parks suena tan moderna como se presume por su edad y escribe sobre temas que buscan un vínculo con el público juvenil desde su primer EP "Super Sad Generation", (2019), sobre la complejidad de una persona sensible y las situaciones de soledad. “Mi álbum es una serie de retratos íntimos sobre mi adolescencia y las personas que figuraron en ella”, explicó Parks al anunciar el LP el pasado año. Hablamos de pop evocador, mesuradamente bailable, que recoge  fórmulas del trip-hop o el r&b interpretado con talento.
Puede convertirse en poco tiempo en una estrella, tiene aptitudes y menciones de personalidades destacadas como Michelle Obama, que la incluyó en una de sus playlists musicales, también ayudan mucho. La BBC ya la ha apuntado como una de las revelaciones del año. Ha demostrado excelentes capacidades vocales y una madurez inusual para su edad. Temas como "Hurt", "Black dog", "For violent" u "Hoop" son buena muestra de su excelente repertorio. 

FANGORIA "Existencialismo Pop"

 

"Momentismo absoluto/ Vivo minuto a minuto/ Al futuro lo he dejado atrás/ El ayer me atormentaba/El mañana me asustaba/ Solo creo en el momento actual" canta Alaska en "Momentismo absoluto", la canción estrella de este EP, que estará compuesto por tres nuevos temas originales. La letra expone a la perfección, según cuentan, sus sensaciones actuales. La pieza compuesta y producida junto a Guille Milkyway (La Casa Azul) define la sensación intangible de sus vidas en este momento: "Si te creías inmutable irracional/ Cometes un error elemental/ El día a día como sola realidad/ No cuenta más que hoy, la impermanencia".
Fangoria, al dúo formado por Alaska y Nacho Canut, explica en sus redes: “Al acabar el confinamiento de semanas, hace un año ya, nos replanteamos todos nuestros planes profesionales y llegamos a la conclusión que la mejor estrategia era no planear nada, por lo menos no a largo plazo… Una de nuestras personas favoritas, la estrella multimediática María Casán, nos dio la solución con unas declaraciones en las que decía que ella ahora vivía en el “momentismo absoluto”.
Decidimos que durante una temporada solo sacaríamos singles. Como grupo orgullosamente pop que somos estamos acostumbrados a la inmediatez y caducidad de la canción pop de 3 minutos que a los 3 meses está olvidada y superada (o no). Pero como también tenemos nuestro lado de “barrocas absurdas” no nos podíamos conformar con una sola canción… sería un EP con 3. Y como tenemos un pasado un poquito gótico y atormentado pues decidimos que la E sería para Existencialismo y la P evidentemente para Pop.
La canción estrella de este Existencialismo Pop es la que nos inspiró la diva argentina. “Momentismo Absoluto”, melodía y producción perfecta de Guille Milkyway a la que añadimos una letra que reflejara este momento. Canción perfecta para bailarla con robots entre maquinaria, en una fábrica, por ejemplo, como se ve en el videoclip de la misma, dirigido por Diego Trenas”.
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JOHNNY DEPP & JEFF BECK "This Is A Song For Miss Hedy Lamarr"

 

El actor Johnny Depp (Kentucky, Estados Unidos, 59 años) vuelve al rock una semana después de ganar en el juicio por difamación contra su exesposa, Amber Heard. Hace unos días acompañaba al guitarrista Jeff Beck (Surrey, Inglaterra, 77 años) durante sus conciertos en Reino Unido. Sobre el escenario anunciaron que lanzan un disco juntos y que se acaba de publicar. "18" es un álbum con 13 temas que incluyen versiones de Motown, The Beach Boys, John Lennon, The Velvet Underground y Killing Joke, entre otros, junto con dos composiciones originales de Depp. Una de ellas es esta dedicada a la actriz Hedy Lamarr, icono feminista que destacó por su lucha, en los años 30, contra el control patriarcal: “Esta es una canción para Hedy Lamarr. / Enfurecida por algo que la convirtió en una estrella. / Atada a su belleza, atrapada por su red”. Es lo que canta Johnny Depp en "This Is A Song For Miss Hedy Lamarr", la canción que acaba de lanzar junto a Jeff Beck . Esta canción dura 4:30 minutos y mantiene un tono relajado, donde Depp susurra más que canta, mientras Beck se marca un par de solos.

La pareja también tiene pensado salir de gira. Otro sueño cumplido por este actor con alma de rockero, hay que recordar que Johnny Depp tiene un grupo paralelo con Alice Cooper y Joe Perry (guitarrista de Aerosmith) llamado Hollywood Vampires, con el que han publicado dos álbumes de estudio que incluyen colaboraciones de grandes estrellas del rock como Paul McCartney, Dave Grohl y Joe Walsh. La lista también incluye a Beck, que tocó la guitarra en "Welcome To Bushwackers", una canción de "Rise", el segundo álbum de los Vampires, editado en 2019. Parece que ahora al bueno de Deep el trabajo como músico se le acumula.

Su relación musical con Jeff Beck, uno de los mejores guitarristas del rock de todos los tiempos, nace en 2016 cuando se conocen y se hacen grandes amigos. Beck pronto apreció las habilidades de Depp para componer canciones y su oído para la música. Tres años después grabaron algunos temas originales de Depp junto con una amplia gama de versiones de canciones que van desde sonidos celtas a la Motown. En 2020, durante la pandemia, decidieron recrear una oportuna versión de "Isolation" de John Lennon.

FLORENCE AND THE MACHINE "High as hape"

El pasado verano se se presentaron las canciones de "High as hape", un disco que ha ganado enteros con cada escucha. Florecen Welch tiene una voz portentosa, ya lo sabíamos, pero es que ahora está a pleno rendimiento, se ha convertido en una cantante lírica que es capaz de estremecer. La londinense amante del soul, el rock y el blues logra dotar de alma negra a sus trabajos. Ella ha conseguido poco a poco, desde que lanzara en 2009 su primer álbum, sumar una legión de fans que la sigue allá por donde pasa. Ahora vuelve a los escenario con la gira de su último trabajo "High as Hope’" su espectáculo más grande hasta la fecha. Florence es una estrella que despierta enomes pasiones, pero como canta en "Hunger", pieza de su último disco sufrió trastornos alimenticios antes de cumplir la mayoría de edad. Ella era un adolescente con inseguridades y falta de personalidad, algo que demuestra que ha superado cuando sube aun escenario, a pesar de que no quiere olvidar la fragilidad humana, por eso lleva tatuado en el brazo la palabra "soledad", porque considera que es nuestro destino. Cuando sube a escena es una mujer de fuerte personalidad, a pesar de esa imagen reconoce que sufre los grandes descensos emoconales de los artistas del pop. Ya no es aquella joven insegura que ahogaba sus noches en alcohol en el surde Londres. Ahora es poderosa y puede viajar a su pasado en "South London Forever", el escanario de su infancia; revisonar a su heroína Patti Smith en "patricia" o buscar lo que ansía en "Moderation". Si quieres conocer algo más de alma te recomienodo que leas su primer libro de poemas, recientemente editado: "Useless Magic: Lyrics ans Poetry". 
Aunque su popularidad en nuestros país no alcanza las cuotas que la artista alcanza en buena parte de Europa, Florence and the machine ya mostró una excelente acogida cuando pasó por Madrid en abril de 2016. Ahora llega a un recito más amplio donde podremos volver a escuchar en directo canciones como "Dog Days Are Over", "You’ve got The Love" o "Spectrum (Say my Name)" que en la última década han copado las listas de éxitos de Reino Unido, Irlanda, Australia e incluso Estados Unidos. Atención porque hablamos de una banda que gana en directo. Hoy, jueves 21 de marzo, actúa en el WiZink Center. Por cierto, quedan muy pocas entradas para el evento por lo que conviene no quedarse rezagado. Tickets desde 68 euros.

BRUCE SPRINGSTEEN "Nebraska"

En alguna ocasión Bruce Springsteen ha confesado que es su disco favorito. Ahora "Nebraska" se publica en una reedición ampliada con canciones extra y directos, con contenidos más acústicos, más desnudo y folk. Mañana 24 de octubre se publica"Nebraska’82: Expanded Edition", cuatro discos con material inédito, y el mismo día se estrena la película ‘Deliver Me From Nowhere’, dirigida por Scott Cooper y protagonizada por Jeremy Allen White, en la que se cuenta el doloroso proceso de elaboración de este disco que compuso en medio de la tempestad de una depresión, en la que luchaba con sus infiernos personales y familiares.
No fue fácil la gestación de este álbum, el más oscuro del músico. Eran los principios de los 80 y Bruce, entonces con 32 años, regresaba de la gira de "The river", así que ya era una estrella, pero entonces cayó en el abismo. Había roto con su novia, Joyce Yiser, se sintió perdido, llegaron los fantasmas de su relación conflictiva con su padre, el sentimiento de culpabilidad, el vacío y la depresión. De pronto se puso a escribir canciones sobre asesinos y psicópatas, sangre y muertos. Su primera canción trata sobre un asesino en serie que reconoce sus crímenes desde la silla eléctrica, pero también habla de un obrero borracho que disparaba a un empleado nocturno en "Johnny 99",  hasta el veterano de Vietnam de "Highway Patrolman" que fue capaz de destrozar la cabeza a golpes a una persona que sólo pasaba a su lado.

Por si fuera poco, renunció a grabarlo con The E Street Band, porque aquellas canciones sombrías tenían que sonar desnudas. A su discográfica Columbia aquello le pareció una temeridad y acepto aunque con el gesto torcido. Springsteen, que ha firmado ya clásicos como "Born to Run", "Darkness on the Edge of Town" y "The River", decidió encerrarse en el dormitorio de su casa alquilada, de Colts Necks, para grabar un álbum que, en realidad, era una maqueta casera. En aquel en un dormitorio con moqueta naranja, Springsteen inmortalizó 10 canciones descarnadas en una grabadora TEAC de únicamente cuatro pistas. Despojado de banda, sin sencillos para la radio Bruce pasó de hacer gira y de conceder entrevistas.
Escribió sobre sus infiernos y los del sueño americano convertido en pesadilla. "Nebraska" fue un fracaso comercial, pero muchos lo califican como un éxito artístico. Dos años después, la discográfica Columbia vería recompensada su paciencia y aquel desastre en ventas con el disco "Born in the USA". A sus 76 años, Bruce Springsteen se atreve a regresar a un álbum que le produjo tanto dolor, quizá porque todo ha cambiado.

"TINA" , el documental

Todos hemos admirado la fuerza y vitalidad que Tina Turner derrochaba sobre el escenario, al tiempo que conocimos los años de sufrimiento que tuvo que padecer por una pareja maltratadora, su marido Ike Turner, una vida de luces y sombras que hizo que creciera su figura como mujer luchadora. Este documental titulado "Tina" estrenado en la Berlinale recorre su vida, sus canciones, aquellos años de abusos por parte de su marido, y es además su adiós a la vida pública, la despedida de la tigresa del rock. El filme dirigido por Daniel Linday y T. J. Martin, no contiene tanta música como uno querría o cabría esperar, aunque, ver rugir a Tina Turner en diferentes escenarios a lo largo de seis décadas de carrera sigue asombrando a cualquiera. Seis décadas marcadas por los abusos físicos y psicológicos a los que la sometió su marido, Ike Turner, y que han marcado su existencia. “No hay otra manera de contarla”, comenta Tina, “he sufrido una vida de abusos". Sentada en una silla en un hotel en Zúrich en 2019, recuerda “las torturas, la vida de muerte”, según sus propias palabras, que llego a sufrir. 

En 1981 Tina Turner decidió contar al mundo su calvario que había durado tres lustros, por entonces llevaba tres años separada de Ike Turner. Hasta entonces ninguna estrella se había confesado cara al público de ese modo. Lo hizo en la revista People, en aquellos años una de las más leídas y también explicaba lo mucho que le había costado deshacerse de aquella relación tóxica. 

"Tina" es un viaje fantástico por su vida y obra. Cuando la artista llega a la música negra, en aquel momento, los sonidos venían marcados por la Motown, ella dio una patada sobre las tablas para mostrar una sexualidad arrebatadora. Tina Turner (Brownsville, Tennessee, 1939) se había criado en Nutbush, donde sus padres trabajaban recogiendo algodón, había cantado en el coro de una iglesia baptista en los años en los que vivió con sus abuelos, cuando sus padres la abandonaron, a ella y a sus dos hermanas mayores. Tina recuerda las peleas entre sus progenitores, la tormentosa y abusiva relación que luego se repitió en sus carnes. El documental, dividido en cinco capítulos, no narra su vida de modo cronológico, cuenta con todo tipo de grabaciones sonoras y audiovisuales y el testimonio de periodistas, amigos, colaboradores musicales... Incluso aparece en diversas entrevistas Ike, que murió en 2007. Tina Turner ha vendido más de 100 millones de discos, ha ganado 12 premios Grammy, su carrera ha dado pie a varios libros y hasta a un musical. Tina, dedicado a su hijo Craig, que se suicidó en 2018. Entre los productores asociados de este documental está su actualmarido, Erwin Bach, al que conoció en 1986 cuando era un joven ejecutivo discográfico alemán, que le recogió como chófer en el aeropuerto londinense de Heathrow. “Tenía 30 años y era guapísimo”, dice la cantante. Al final de varios días de trabajo, ella le dice: “Cuando vengas a Los Ángeles, quiero hacer el amor contigo”. Se ríe al recordarlo: “Yo no tenía novio, y soy una mujer libre, ¿por qué no podía pedir algo así?”. Aún siguen juntos, viviendo en Suiza desde 1994.

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THE WHO “Who"

Estamos a las puertas de recibir el duodécimo álbum de la legendaria banda británica, al que van a llamar simplemente “Who”. Casi con cuentagotas han ido dando a conocer algunos temas: “Ball & Chain”, sobre el centro de detención de Guantánamo y los poderes que rodavía lo tienen abierto y “All This Music Must Fade”, sobre el plagio en el rock. Ahora va por el tercero, titulado “I Don’t Wanna Get Wise”. Según lo han definido es “la canción más retrospectiva del nuevo álbum”. A través de un comunicado, Townshend afirmó que el tema “tiene un estilo de mediados de los 70, como una canción de un álbum como Who By Numbers. Advertencia: no envejezcas. Puede ser sabio”. En tanto el resto de canciones del nuevo disco “cubren una variedad de temas que incluyen el incendio de la Torre Grenfell, el robo musical, la espiritualidad, la reencarnación, el poder de la memoria y una vieja estrella de rock que ha perdido la cordura”.
El primer disco en trece años "Who" llegará el próximo 6 de diciembre. Daltrey y Townshend han dicho sobre Who: "Creo hicimos nuestro mejor álbum desde Quadrophenia en 1973. Pete (Townshend) no lo ha perdido, sigue siendo un escritor fabuloso y sigue teniendo ese filo cortante", a lo que el guitarrista añade: "Este álbum tiene canciones nuevas escritas el año pasado, con dos excepciones. No hay un tema, concepto, historia, solo un set de canciones que escribimos para dar a Roger alguna inspiración, retos y alcance a su nueva y revivida voz. Roger y yo somos hombres viejos, he tratado de estar lejos del romance y de la nostalgia, si es posible. No quiero sentir a nadie incómodo. Los recuerdos están bien y algunas canciones se refieren a las cosas explosivas de hoy".
The Who vive un gran momento de actividad. Roger Daltrey y Pete Townshend recibieron una estrella en el Paseo de la Fama de Londres y Townshend, de 74 años acaba de presentar su novela, “La era de la ansiedad”, en la que abundan los pasajes sobre sexo, drogas y rock & roll. “Diría que el libro surge a 80 por ciento de la realidad. He observado mucho lo que me rodeaba y también hay bastantes hechos autobiográficos”, afirma el músico.

FALLECE PERCY SLEDGE

Percy Sledge, la voz de la gran balada de soul "When a man loves a woman" ha fallecido a los 74 años de edad, tras una larga lucha contra un cáncer de hígado. El cantante no pudo imaginar nunca que aquel tema musical le convertiría en una estrella planetaria. Percy Tyrone Sledge, nació el 25 de noviembre de 1940 en Leighton, una pequeña ciudad del sureño estado de Alabama. A los quince años entró a formar parte de un grupo de "doo wop", un estilo de música vocal muy popular en el Estados Unidos de los años cincuenta. La primera vez que se escuchó en la radio, el músico estaba en la casa familiar convaleciente de una operación de apendicitis. Su madre apenas podía creérselo. "Están tocando tu canción, y ¿sabes? ¡Puedes cantar!, jajaja, Puedes cantar", le dijo entonces, orgullosa, su madre
A mediados de los años sesenta, Sledge dejó los campos de cultivo por un trabajo de celador en un hospital de su Alabama natal. Un paciente le presentó al productor Quin Ivy, que le ofreció su primera grabación. Entonces la canción se llamaba "Why did you leave me, baby?". La gran balada nació de una gran decepción amorosa. La novia que Sledge tenía desde el instituto lo dejó para perseguir su sueño de ser modelo en Los Ángeles. El joven cantante inmortalizó para siempre ese dolor con su voz desgarrada en un tema que entró en la historia de la música en 1966, cuando se situó en el número 1 tanto de las listas de pop como de R&B. Nunca pudo repetir ese éxito, sus otros temas más recordados son: "Take time to know her", "Warm and tender love" y "It tears me up" son otros de sus temas recordados, aunque lo cierto es que  la aparición de "When a man loves a woman" en películas y series de televisión, pudo mantener el pulso y seguir un ritmo de 100 conciertos por año hasta entrados los noventa. Su gran balada vivió una segunda ola de popularidad con su aparición en la película "Platoon", de Oliver Stone, en 1987. A pesar de tener ya 20 años, se convirtió en el sencillo número dos de las listas británicas durante diez semanas. Sledge entró en el Salón de la Fama del Rock And Roll en 2005 y era miembro del Salón de la Fama de la Música en Alabama, entre otros reconocimientos.

"THE VELVET UNDERGROUND" Documental de Todd Haynes

 

El documental se ha presentado en Cannes fuera de concurso, antes de su estreno en Apple TV, el film indaga sobre una banda única e inimitable que se impulsaba por la descomunal fuerza artística de Lou Reed y John Cale, quienes vivieron una relación caótica marcada por un choque de fuerzas. Explora la trayectoria de la banda desde sus inicios hasta la inclusión de Nico en 1967 y todos los cambios que sufrió la formación, así como su paso por la Factory de Andy Warhol. Se trata del primer documental del cineasta californiano Todd Haynes que ha sabido sacar provecho al material que tenía entre sus manos, en total 600 horas de grabación y 7.000 fotografías -muchas aportadas por Laurie Anderson viuda de Lou- con impagables imágenes inéditas y ha montado un filme tan rockero como experimental. Haynes usa la pantalla partida, bucea en esas grabaciones nunca vistas y levanta testimonio de aquel Nueva York que por entonces era capital mundial de la cultura.

El recorrido arranca con las infancias, bastante tortuosas, de Cale, en Gales, y de Reed en Long Island. Si el primero era un virtuoso de la viola que llegó a Estados Unidos en pos de la música experimental, el segundo tenía claro, con su ambición artística, que quería convertirse en una estrella del rock y ser rico, como recuerdan sus amigos y su propia familia. La formación clásica de The Velvet Underground arrancó en 1965 con Reed, Cale, el guitarrista Sterling Morrison, compañero de estudios de Reed, y la baterista Maureen Tucker, hermana de un amigo de Cale y Reed. Fue una época de drogas y excesos liderada por el hippismo, pero aquellos rockeros neoyorkinos odiaban a aquellos tipos con flores en el pelo. Era una banda alejada del convencionalismo, en ese camino The Velvet Underground entra en contacto con Andy Warhol, que se convirtió en su representante y les convenció de que incorporaran como cantante a la alemana Nico, que poseía una voz singular, absolutamente alejada de los cánones

El cineasta hace incapie en mostar esa faceta del grupo “elegante y brutal al mismo tiempo”. 

LOS PUNSETES “Vas hablando mal de mi”

El sexto álbum de estudio de Los Punsetes, se publicará el próximo 4 de octubre bajo el título de "Aniquilación". El disco ha sido producido por Los Punsetes, grabado por Paco Loco y mezclado por Sergio Pérez (Svper). El tercer single del álbum es “Vas hablando mal de mi” y su vídeoclip ha sido dirigido por Nacho Vigalondo. El mismo Nacho lo reconoce: “Hacer un vídeo para los Punsetes es una responsabilidad”. “A lo tonto, Los Punsetes ya son ese tipo de banda que damos por hecho. Parece que jamás tendremos nostalgia de ellos porque damos por hecho que estarán siempre ahí. No son sólo una montaña de temazos, también son una de las mejores colecciones de vídeos musicales en este país. Hacer un vídeo para los Punsetes es una responsabilidad.
Las canciones de los Punsetes son a la vez adolescentes y viejunas, insolentes y humildes, con épica y con chiste. Es bastante delicado estar a la altura, y menos en mitad del mes de agosto, pero la banda, sus padres, La Bien Querida, El Coleta y demás prodigios me han regalado una complicidad y confianza de esas que bordan un verano.
Y luego, claro, está Pedro Ruiz. Hemos tenido una suerte inmensa en contar con él, porque desde que surgió su nombre, en la primera reunión, nos resistimos a pensar en un plan B. Como estamos condenados a representar una posible idea de modernidad, queríamos que el video lo rompiera por la mitad un huracán escénico que formase parte de nuestro imaginario a otra escala. Si Los Punsetes (o yo, por ejemplo) somos el paisaje, Pedro Ruíz es el horizonte.
Sólo me queda aprovechar este hueco para agradecerle de nuevo su inagotable energía, paciencia y amabilidad. Sabíamos que era un lujo frente a la cámara, pero lo fue también a nuestro lado.”.
Los Punsetes es el grupo indie capaz de reírse de sí mismo y el vídeoclip está a la altura de las circunstancias. En las imágenes sus miembros ejercen de jueces difíciles de impresionar en un talent show. Frente a sus ojos pasa todo un recital de cameos, entre ellos El Coleta, La Bien Querida, Llimoo o una mesa de críticos musicales con Víctor Lenore, Juan de Pablos, Julio Ruiz o Noel Ceballos. Todos ellos quedarán sobrepasados por la aparición sorprendete de Pedro Ruiz. La canción dice: "Vas hablando mal de mí/ y yo nunca te he hecho nada;/ vas por ahí soltando mierda,/ la mitad es inventada./ Me han llegado tus palabras/ como envenenados dardos,/ pero has de saber que ha sido/ facilísimo esquivarlos/ porque sé que lo que quieres/ es que vuelva a hacerte caso/ y sé que lo que te duele/ es que ya sabes que paso". Los Punsetes estarán presentado sus nuevas canciones en las siguientes fechas:
18.10 Las Armas, ZARAGOZA
19.10 Apolo 2, BARCELONA 25.10 Wah Wah, VALENCIA
26.10 Stereo (Low Fest Vibra Mahou), ALICANTE
10.11 Es Gremi, PALMA DE MALLORCA
02.11 REM (Warm Up Estrella Levante), MURCIA
15.11 Antzokia, BILBAO
16.11 Dabadaba, DONOSTI
20-23.11 Monkey Week, SEVILLA
13.12 Gran Café, LEÓN
14.12 Black Pearl (Valladolindie), VALLADOLID
10.01 La Riviera, Inverfest, MADRID
31.01 Ambigú Axerquia, CÓRDOBA
01.02 Planta Baja, GRANADA
14.02 Garufa (SonEG), A CORUÑA
15.02 La Iguana (SonEG), VIGO

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO “Sed”

 

"Sed" es el sexto álbum de los siempre inquietos Triángulo de Amor Bizarro, que por primera vez presenta un disco conceptual marcado por la desesperanza y la decandencia "$€Ð es un disco mundano y terrenal que trata de emociones primitivas de unos personajes en un mundo hostil, desigual y tecnificado en el que el tiempo pasa a toda ostia. Es un disco sobre la búsqueda del éxito, la fama y el poder, la soledad en la cima, los buenos momentos y la inevitable decadencia de unos personajes que podrían ser TÚ", explican en un comunicado. Quizá es su trabajo más complejo, pero su sonido no defrauda con ese noise frenético, con guitarras abrasivas, pero también encontramos pop y techno ochentero todo se cruza en un camino de caminos, desde el arranque con esa “Estrella Solitaria”, donde suenan más que nunca a New Order, hasta "La condena", que nos llevan a una muerte dulce. Entre medias el rock crudo de “Cómprate un yate” oda a la fama donde te invitan a visitar “los hoteles más caros del mundo… cómprate un yate y abandona a tu familia”; temática que se repite en la brutal “Huele a colonia chispas” donde claman: “vino, Ibiza y discotecas, una fortuna en apuestas, depresiones y mentiras, armarios llenos de zapatos”; “La espectadora” que reclama una presencia en el recuerdo: "Soy sólo alguien que busca lo que es suyo", repite una y otra vez, o la rabiosa “Estrella antivida”, una canción noise acelerada . Las piezas más melódicas lllegan con toques pop, melódicos y ambientales en “Canción de Muerte del Pez Dorado” o “La Carretera”. Sólo Triángulo de Amor Bizarro son capaces de crear un disco como éste, demoledor y entrañable a partes iguales. 

ARA MALIKIAN "Royal garage"

El violinista Ara Malikian (Líbano, 1968) tiene nuevo disco, bien distinto a todo lo que ha grabado hasta ahora. "Royal Garage" es el título elegido para dar nombre a un álbum doble en el que por primera vez se atreve a cantar y en el que se ha rodeado de un nutrido grupo de artistas nacionales e internacionales de la talla de Andrés Calamaro, Enrique Bunbury, Estrella Morente, Franco Battiato, Kase O, Pablo Milanés y Serj Tankian, de System of a Down. Malikian coge el violín en todos los temas para aportar su sensibilidad. como nos tiene acostumbrados, aunque en esta ocasión el público al que va dirigido no es el del Royal Albert Hall o el Teatro Real de Madrid. aunque también puede conseguir en este registro más popular que los oyentes contengan el aliento, embelesadoa ante el virtuosismo de este genio de las cuerdas frotadas: "Es muchas cosas pero todo con mi propia visión. Hay flamenco, tango, rock, clásico, jazz... el de Serj Tankian es directamente heavy. Pero ninguno de forma tradicional. Es todo a mi manera, con compañeros maravillosos que se han prestado a ayudarme", explica el artista.
Cuando apenas contaba ocho años estalló la guerra civil en su país, una contienda que se alargó durante más de dos décadas y que encaró, antes de huir para forjar su brillante carrera, aprendiendo a tocar el violín en el garaje de su casa. El libanés reconoce que no lo hizo por voluntad propia, sino por imposición paterna, algo que le agradece infinitamente a su progenitor. Sin embargo el músico no vive marcado por la tragedia que vive su pueblo. Todo lo contrario es un personaje vitalista que derrocha pasión por la vida, Malikian se mueve por el escenario como una auténtica estrella del rock, dando vueltas, brincos y patadas sin desentonar una sola nota. .En su último concierto en Londres interpretó canciones propias y algunas versiones como la de "Sweet Child O'Mine" de Guns N' Roses como tributo a Slash, guitarrista de la banda y uno de sus ídolos, o partes de las bandas sonoras de Star Wars y Pulp Fiction, han sonado en una velada que se alargó durante casi tres horas
Malikian lleva años residiendo en España, de donde es natural su esposa, Natalia Moreno, madre de su único hijo, y responsable del documental "Una vida entre cuerdas", que narra la apasionante vida de su marido. Además, este año el músico ha formado parte por primera vez del jurado del Premio Princesa de Asturias de las Artes, que ha recalado en el dramaturgo inglés Peter Brook. Tienen citas destacadas este año en España, en octubre en Palau Sant Jordi y WiZink Center.

LA BIEN QUERIDA "LBQ"

 

Ana Fernández Villaverde (Bilbao, 1972), La Bien Querida, publica un disco de nombre esquemático, con las iniciales de su nombre, "LBQ", pero de alto contenido, porque está dedicado al amor: del romántico, al maternal y, por supuesto, al amor propio, tan necesario en estos tiempos. Se hace muy necesario aceptarse y quererse, para después compartirlo con los demás, porque en la mayor parte de las ocasiones no estamos ni bien ni mal, como canta en la primera canción del disco, en el que le habla a "la introspección, a la necesidad de alejarse del mundo para reconectar con uno mismo".

"LBQ" se lanzó el pasado viernes, Once temas compuestos con el corazón, sin cortapisas. Un disco de amor y para aprender a querer, muy alejado de su anterior "Paprika" en el que jugaba con los ritmos latinos. Después de quince años de carrera Ana Fernández tenía ganas de hacer algo más íntimo, por eso precisamente ha sido capaz de crear una canción como "Una estrella", uno de los momentos más emocionantes del disco, el último corte, que dedica a su hija, de 12 años. Una edad en la que se empieza a escapar su estrella como el agua entre las manos. 

RICKIE LEE JONES "The other side of desire"

Ella es una de las grandes damas del rock, a pesar de todo su bagaje y experiencia resulta desalentador saber que ha tenido que recurrir al crowdfunding o la ayuda financiera de particulares, más propio de nuevas bandas, para poder lanzar este disco, su primer trabajo con temas propios en diez años. Cierto es que ya no es aquella mujer sensual que a todos hacía girar la cabeza, ahora es una señora que superada la cincuentena demuestra una exquisita madurez creativa. Rickie Lee Jones sigue siendo una artista de los pies a la cabeza y lo demuestra con canciones como: "J'ai connais pas", "Jimmy Choos", "Infinity" o "Blinded by the hunt". Ricjkie Lee Jones es una estrella del rock a reivindicar

THIN LIZZY 45 años de "Live And Dangerous"

 

El viernes pasado se reeditaba esta auténtica joya, mi disco en directo favorito de todos los tiempos. 45 años después de su lanzamiento, "Live And Dangerous" de Thin Lizzy suena como ese concierto de rock al que siempre te hubiera gustado acudir. Grabado en el Hammersmith Odeon en noviembre de 1976 y en Philadelphia Tower Theatre (como teloneros de Queen) en octubre de 1977, muestra a una banda en estado de gracia. 

El álbum publicado el 2 de junio de 1978 logró atrapar toda la esencia de Thin Lizzy, en directo. Tengo que confesar que yo me hice con el doble vinilo ya en el año 1980. Una pequeña tienda de discos de Palma lo encargó y me lo trajeron de importación. Algún tiempo de espera y el desembolso de una pasta por entonces, me permitieron por fin llevármelo a casa. Aquel LP me ha acompañado siempre por mis muchas mudanzas y hoy sigo disfrutando de aquel memorable directo en mi giradiscos. 

"Live And Dangerous" conserva el sonido y la maestría de la formación más conocida de Thin Lizzy: Phil Lynott en el bajo y la voz, Brian Downey en la batería y las guitarras de Scott Gorham y Brian Robertson. El productor Tony Visconti fue el encargado de producir Live And Dangerous. En este disco hay riffs poderosos, melodías memorables, pura energía y una perfecta compenetración de la banda. No se conservan muchas grabaciones en imágenes de aquellos conciertos, pero aquí te dejo algunos enlaces: "Dancing in the Moonlight",  "Rosalie", "Emerald" o "Still in love with you".

La reedición del Live And Dangerous sirve para conmemorar los 45 años de su lanzamiento. Además del álbum doble original, esta edición contiene siete discos adicionales con las tres fechas del Hammersmith Odeon; dos conciertos del 20 y 21 de octubre de 1977 grabados en el Tower Theatre de Philadelphia; una grabación del 28 de octubre de de 1977 en el Seneca College Fieldhouse de Toronto, y un concierto en el Rainbow Theatre de Londres del 29 de marzo de 1978. Lo que supone un valioso documento de Thin Lizzy en vivo. Caja de 8 CDs con 63 temas inéditos. El set también incluye nuevas entrevistas con Mark Blade y un libreto lleno fotos poco conocidas.

La banda irlandesa estuvo en activo durante sus casi 15 años, pero han sido imitados con posterioridad por muchos grupos. A lo largo de su carrera editaron nueve discos y aún hoy hay numerosas formaciones de homenaje que tocan sus canciones. Los supervivientes de Thin Lizzy siguen en activo con Black Star Riders. Pero el verdadero artífice de la banda era Phil Lynott, músico y compositor verdaderamente dotado que creó una lírica repleta de rebeldes que mezcló con la música tradicional irlandesa y la psicodelia. Verdadera estrella que lamentablemente se convirtió en uno de los mitos trágicos del rock, tras su muerte el 4 de enero de 1986, a causa de una sobredosis después de años de adicción a la heroína. Hoy Phil Lynott sigue siendo uno de los músicos más recordados en Irlanda, si tienes ocasión acude a visitar la estatua erigida en Dublín, en su honor.

MUERE MARY WILSON

 

Anoche falleció a los 76 años de edad la cantante Mary Wilson, fundadora del trío The Supremes junto a Diana Ross y Florence Ballard. La noticia fue confirmada por su representante, quien no ha especificado los motivos de la muertes,excepto que ha muerto en su domicilio en Henderson, en el estado estadounidense de Nevada.
Mary Wilson formó parte de uno de los grupos femeninos más exitosos e influyentes de la música moderna. Originarias de Detroit, The Supremes se convirtieron en el grupo más exitoso del sello discográfico Motown, con el que lograron hasta doce números uno en las listas norteamericanas. Siempre serán recordadas por canciones como "You Can't Hurry Love, Stop!", "In the name of love" y "Baby love". Aquel grupo femenino revolucionó el pop en los sesenta, el girl-group más famoso de todos los tiempos
Tras la salida de Diana Ross del grupo, Mary Wilson permaneció como miembro de The Supremes hasta su disolución definitiva, en 1977. Como Florence Ballard, la otra supreme en discordia y fallecida de un ataque al corazón en 1976, Mary Wilson siempre vivió eclipsada por Diana Ross, la vocalista principal del grupo. Al principio, mientras hacían coros o palmas para artistas como Marvin Gaye, las tres cantantes se turnaban para cantar. Wilson, que tenía una voz de gran profundidad, se encargaba en las canciones lentas y baladas mientras Ballard de los temas más duros y cercanos al soul y Ross de los que buscaban un brillo más pop. Al final, terminó triunfando el modelo de Diana Ross, una voz fina y deliciosa.
Más que nadie, The Supremes representaron el glamour de la comunidad negra, convirtiéndose en agentes del cambio cultural y rompiendo el techo racial.
En plena escalada de fama, Berry Gordy decidió convertir a Ross en la líder del grupo y pasaron a llamarse Diana Ross and The Supremes. Esto motivó tensiones entre sus integrantes y la salida de Ballard, que acabó depresiva y alcohólica. Mary Wilson se mantuvo con Ross, aunque nunca consiguió tener una carrera en solitario como ella. Durante los últimos años, Wilson fue una cara conocida de la televisión estadounidense al formar parte del reality-show de moda de la cadena ABC.

“Siempre estuve orgulloso de Mary”, ha asegurado en un comunicado Berry Gordy, fundador del sello Motown, casa de The Supremes. “Ella era toda una estrella por derecho propio y, a lo largo de los años, continuó trabajando duro para impulsar el legado de las Supremes”. Hace dos días la cantante subió un vídeo en Youtube en el que anunciaba que estaba trabajando en un nuevo trabajo discográfico, incluido el álbum inédito Red Hot que grabó en la década de 1970. "Con suerte, algo de eso saldrá en mi cumpleaños, el 6 de marzo", decía en el vídeo y nada hacía presagiar tan triste desenlace.

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CAT POWER "Covers"

 

Cat Power, Chan Marshall es su verdadero nombre, ha demostrado que es ya una estrella de la música, tal vez por eso ha decidido embarcarse en un disco de versiones, Sospecho que solo estás autorizado a hacer un álbum así, después de años creando tus propias canciones. La cantante lanzará un álbum en enero bautizado simplemente como "Covers", donde entrega otras lecturas de composiciones que han marcado tanto sus inicios como su vida reciente, según ella misma confiesa, con fecha de estreno para el 14 de enero. La sorpresa viene con los temas que ha ido escogiendo, en octubre presentó sus respectivas lecturas para "Bad Religion", de Frank Ocean, y "A pair of brown eyes", de The Pogues. Ahora hace algo similar con Billie Holiday, una de sus influencias declaradas, "I’ll Be Seeing You" se llama el cover elegido. 
“Cuando te arrebatan a la gente que quieres, siempre hay una canción que retiene su recuerdo en tu mente,” reflexiona Cat Power en un comunicado, mientras habla de la importancia de esta canción para ella. “Es una conversación con aquellos que están del otro lado y es muy importante para mí poder llegar a la gente de esa manera”. El tema ha sido seleccionado por pérdidas recientes que sufrió entre ellas, la del colaborador de Sun, Philippe Zdar, quien falleció trágicamente en 2019.
Además, la artista acaba de lanzar una versión de su propia canción, "Hate", parte de The Greatest (2006), ahora bajo el título "Unhate" para el álbum que llega el próximo mes.
El listado completo del trabajo es:
*Bad Religion - Frank Ocean
*Unhate - Cat Power - Chan Marshall
*Pa Pa Power - Dead Man’s Bones
*A Pair Of Brown Eyes - The Pogues
*Against the Wind - Bob Seger
*Endless Sea - Iggy Pop
*These Days – Jackson Browne
*It Wasn’t God Who Made Honky Tonk Angels - Kitty Wells
*I Had A Dream Joe - Nick Cave
*Here Comes A Regular - The Replacements
*I’ll Be Seeing You - Billie Holiday

Discografía aquí

JOY DIVISION "I Remember Nothing"

La banda británica Joy Division celebra los cuarenta años del lanzamiento de su disco debut, "Unknown Pleasures" (1979), presentando un nuevo vídeoclip para la canción "I Remember Nothing". Esta entrega cinematográfica es la primera de una serie de diez vídeos oficiales, uno por cada tema incluido en su primer trabajo. La pieza está dirigida por Helgi & Hördur (Sigur Rós), y cada nuevo vídeo los realizaran equipos diferentes, aportando una nueva visión de todo "Unknown Pleasures" en conjunto. El grupo también ha anunciado la celebración (y emisión en streaming) de un evento el próximo 21 de junio en Londres, donde proyectarán una selección de estos diez videoclips.
Además para agradecerles a los ciudadanos de Manchester la veneración que han profesado por la banda van a regalar durante la jornada del sábado, en el centro de su ciudad natal, camisetas a todos aquellos que pasen por Spinningfields, Exchange Square o Tony Wilson Place. Los seguidores que no estén por la ciudad y quieran colaborar con una causa benéfica, pueden realizar donaciones a las organizaciones CALM y Street Support.
"Unknown Pleasures" fue el primer disco de la carrera de Joy Division, lanzado con el sello Factory tras su ruptura con RCA, y el único en el que participó su co-fundador Ian Curtis. Aquel álbum creado por Curtis, Peter Hook, Stephen Morris y Bernard Sumner es hoy en día un disco venerado por aquel sonido post-punk único para la época, que ha dejado ara la posteridad la icónica portada diseñada por Peter Saville. Un centenar de líneas que representan la primera señal de un pulsar (una estrella de neutrones). Ciencia, música y diseño unidos para un disco que se grabó en apenas un mes con Martin Hannett a los mandos de la producción.