U2 "Silencio"

 

Porque U2 llevaba nueve años sin publicar un álbum de material nuevo. Nueve años de silencio son suficientes para que una banda pueda convertirse en una institución, una marca, un recuerdo o las tres cosas a la vez. Ahora, en cambio, llega con título en español,"Carnaval De Luz", un disco que se publicará el 13 de noviembre y que reunirá doce canciones.
El título del álbum tampoco parece casual. "Carnaval De Luz": celebración y oscuridad, carne y espíritu, fiesta y amenaza. Bono lo ha explicado con imágenes de luces, criaturas, guitarras altas y fuegos. El comunicado de la banda habla, además, de espiritualidad, amistad, libertad y resistencia frente a fuerzas oscuras.
Su nuevo lanzamiento "Silencio" encaja en ese paisaje. La canción juega con una palabra que en U2 siempre ha tenido peso. Silencio como ausencia. Silencio como amenaza. Silencio como refugio. Silencio como aquello que queda cuando ya no sabemos qué decir. La letra se mueve entre imágenes religiosas, violencia, deseo y pérdida, mientras el estribillo convierte el título en una especie de consigna.
Y claro está tenemos ese detalle mexicano. "Silencio" llega después de "Street of Dreams", publicado en julio como primer adelanto del nuevo álbum. Entre ambos temas hay una diferencia interesante: mientras aquel servía como presentación más reconocible del regreso, este segundo movimiento parece interesado en recordar que U2 todavía puede permitirse ensuciarse saltando al barro, con vibrantes guitarras. Antes de que llegue el carnaval completo, U2 ha decidido hacer algo bastante más sencillo: subir el volumen.
El videoclip vuelve a México y está dirigido, al igual que el anterior, por Cliqua, el dúo formado por Pasqual Gutiérrez y Raúl “RJ” Sánchez. Pero el disco traerá más sorpresas y eso, para una banda que cumple cincuenta años de historia precisamente esta semana, no es poca cosa. "Carnaval De Luz" contará con colaboraciones llamativas, entre ellas Rosalía en "The Mirror Maker" y Dolly Parton, fallecida el pasado agosto, en "Torn", además de nombres como Brian Eno, Martin Garrix y Daniel Lanois vinculados al proyecto. El el decimosexto álbum de estudio de U2 según adelantan abordará asuntos como la espiritualidad, la libertad y “la resistencia frente al avance de fuerzas oscuras”.

KOKOSHCA "Hay Luz"

Kokoshca es un grupo muy especial, con una discografía esquiva. Por fin editan su tercer largo en estudio asequible a todos los públicos. Su nuevo trabajo "Hay Una  Luz" es ante todo fogonazos de rock'n'roll.  Buena prueba de ello son canciones como "El Búho", "Jon y Yo", "Directo a tu corazón" o esa  "No volveré", infectada por  lo mejor del new wave. Para sorpresa final nos encontramos con “Las flores del fin del mundo”, un sublime dueto entre Amaia y El Drogas (ex-Barricada). Siempre hablan de que sus influencias van de Lou Reed a Los Bichos, de Yo La Tengo a New York Dolls, de Serge Gainsbourg a Dylan, ciertamente aquí hay un poco de todos ellos. Amaia Tirapu, Javier Aznárez e Iñaki López forman el trío navarro Kokoshca. Si te interesa su trabajo hay que decir que sus dos primeros álbumes –“Únete a Kokoshca” (2008) y “La fuerza” (2010)– aparecieron en Birra y Perdiz, un sello, ya desaparecido, que distribuía sus grabaciones en limitadísimas ediciones en CD-R. También disponen de la recopilación de rarezas en el cassette “Y vienen cromos en el pegamento” (2010) y del directo “Gernika” (2011).

RADIO FREE ALICE “Crying With You”

 

Hay canciones que llegan envueltas en guitarras y canciones que, además, traen consigo un estado de ánimo. Radio Free Alice pertenecen a esa segunda categoría. El cuarteto de Melbourne vuelve a la carga con “Crying With You”, un nuevo adelanto de ese esperado álbum de debut, "What’s In Between", que verá la luz el próximo 30 de octubre a través de Atlantic Records.
Y sí, vuelven a hacerlo a su manera: tensión, nervio, guitarras afiladas, bajo con querencia por la new wave y ese espíritu post-punk que manejan con una naturalidad sorprendente. Pero en “Crying With You” hay algo más. Algo que se esconde detrás de esa energía casi frenética que recorre la canción. porque aquí se habla de compartir el dolor de alguien cercano, de acompañarle cuando las cosas se tuercen, de sentir sus lágrimas casi como propias. Pero también de ese momento en el que uno comprende que no puede quedarse instalado eternamente en la tristeza ajena. La vida continúa. Hay que seguir adelante, volver a reír, bailar, encontrar pequeños espacios de felicidad aunque alrededor todo parezca tambalearse.Y ahí está buena parte del encanto de Radio Free Alice: consiguen convertir esa contradicción: La tristeza y las ganas de vivir, en música. Una música que parece avanzar hacia delante mientras mira de reojo todo aquello que dejamos atrás.
“Crying With You” nació durante una semana de creación en Joshua Tree, California, donde la banda estuvo trabajando con demos y jams. Curiosamente, verso y estribillo procedían originalmente de canciones diferentes y terminaron ensamblándose en una sola pieza, una forma de trabajar que el grupo ya ha utilizado anteriormente.
El resultado son cuatro minutos de electricidad contenida, melodías que se agarran a la memoria y una interpretación que vuelve a demostrar por qué Radio Free Alice se han convertido en uno de los nombres más interesantes de la nueva escena australiana. Hay ecos de aquella tradición ochentera que va de la new wave al post-punk, pero también una personalidad propia que evita que todo esto suene simplemente a nostalgia.Una canción para llorar con alguien, sí. Pero también para secarse las lágrimas y seguir bailando.
“Crying With You” llega acompañada de un videoclip dirigido por Milo Hume, confirmando la importancia que la banda concede también a su dimensión visual. Después de varios singles y EPs, el último apenas hace un mes bajo el título de "Kick in the Shins" que les han ido colocando cada vez más arriba en el radar internacional, Radio Free Alice afrontan ahora el verdadero examen: su primer larga duración. "What’s In Between" reunirá once canciones y promete ser la confirmación definitiva de todo lo que llevan tiempo apuntando.

THE PSYCHEDELIC FURS

The Psychedelic Furs nos visita y esa es una gran noticia. Ellos son responsables de algunos de los mejores momentos musicales de los años 80. Si hay una banda de la escena post-punk de los ochenta que supo conjugar la oscuridad y la luminosidad del pop, esa es The Psychedelic Furs. Ningún otro grupo hasta entonces supo darle luz al punk atreviéndose a usar de forma recurrente el saxofón, guitarras de melodías pegadizas, con una intensa sección rítmica. La voz desgarrada de Richard Butler es el punto extra que les llevó a ser clasificados como “beautiful chaos”. Ellos son absolutamente imprescindibles, llenan una página sumamente relevante  de una época que cambio la forma de entender la música y la forma de trabajar en la industria musical. Su primer disco, de título homónimo del año 80 estaba muy influenciado por Bowie, tal fue su exito de ventas en el Reino Unido, que logró entrar en el el top 20. Posteriormente lanzaron discos tan importantes como "Talk, Talk, Talk" (1981), “Forever Now” (82) y “Mirror Moves” (84). Los de Londres cuentan con una colección de canciones extraordinarias. Ahora se reúnen en una gira mundial para demostrar que siguen en forma y que sus éxitos todavía están vigentes y llenos de fuerza, con fechas en Madrid y Barcelona, se presentan con una selección de sus grandes clásicos en dos únicos shows, con temas como "Sister Europe", “Heaven”, “Love my Way”, “My time”, “Heartbreak Beat”, “Ghost in You”, “Highwire Days” o “Alice’s House”. Temas que a buen seguro tocaran en sus dos fechas españolas, ya que vienen con una gira llamada “The Singles Tour”. Sospechamos que eso sí Richard Butler ya no aparecerá fumando incansablemente cigarrillos mientra se retuerce sobre el escenario. Los años no pasan en balde, aunque ellos siguen de actualidad gracias a temas como "Love My Way", canción protagonista de la película "Call Me By Your Name”. The Psychedelic Furs siempre han creado piezas muy cinematográficas "Pretty in Pink", también fue el tema que dio título a otro film de los 80. 

Las fechas de su gira son: viernes 8 de junio, Barcelona, Razzmatazz 2 y Sábado 9 junio, Madrid, Sala But. No te lo pierdas.

FALLECE SINÉAD O'CONNOR

 

La artista irlandesa Sinéad O’Connor lamentablemente engrosa las listas de juguetes rotos del rock que fallece mucho antes de lo que le correspondía. Ayer se conocía la noticia de su muerte, a los 56 años, cuya causa aún no se ha hecho pública. Es innegable que tenía el corazón roto, y hace poco más de una semana lo ponía de manifiesto con un sobrecogedor post en Twitter. El 17 de julio, la irlandesa publicaba una foto en la que abraza a su hijo, Shane Lunny, quien se suicidó en enero del pasado año a los 17 años, acompañada del siguiente texto: “Llevo viviendo como una criatura no muerta de la noche. Él era el amor de mi vida, la luz de mi alma. Éramos un alma en dos mitades. Él fue la única persona que alguna vez me amó incondicionalmente. Estoy perdida en el bardo sin él”, escribía.
El bardo para la tradición budista es un estado de transición entre dos etapas, algo así como una existencia intermedia entre la muerte y la reencarnación. Su vida errática y su naturaleza frágil, la llevaron siempre a la inestabilidad, con varios intentos de suicidio. Sufrió abusos sexuales en la infancia, experimentó la ira de una madre cruel y se le diagnosticaron trastornos mentales desde pequeña. A los 13 años ingresó en un internado religioso de la Iglesia católica irlandesa, donde continuaron los castigos, lo que no hizo más que aumentar su cuadro depresivo. Todos esos hechos se recogen en el documental de Katrhyn Ferguson "Nothing compares", una aproximación a la atormentada vida de la cantante irlandesa. Una vida que llegó a su cénit con la música, aunque la industria también le acabó mostrando su lado oscuro. Sinéad tampoco pudo resistir la presión, lo que la llevó a abandonar su carrera en varias ocasiones.
La cantante irlandesa alcanzó la fama mundial en los años 90 con "Nothing compares 2 U", canción compuesta por Prince, un tema incluido en su segundo disco, "I do not want what I haven’t got", y con un videoclip en el que la cantante explotaba toda su fotogenia en un largo primer plano sostenido, que finalizaba con dos lágrimas resbalando por sus mejillas, después de cantar una letra que decía: “Todas las flores que plantaste, mamá, murieron cuando te fuiste”.
Aquel disco "I Do Not Want What I Haven’t Got", le granjeó en 1991 un Grammy como mejor actuación de música alternativa, pero en línea con su siempre personal interpretación de la industria, decidió boicotear la ceremonia. Dotada de un extraordinario talento musical, tenía una voz limpia y desgarradora a la vez. Con un físico rompedor, con su característica cabeza rapada, su nombre se hizo indispensable en la música. Como cantante publicó un total de diez álbumes de estudio, pero nunca dejó de lado su papel de activista, abordando diferentes problemáticas como el abuso infantil, que dijo haber sufrido, los derechos de las mujeres, la homofobia, las guerras o el racismo.
Radicalizó sus posturas y así llegaron también los escándalos y sus múltiples polémicas. Una de las más conocidos, que ha pasado a la historia, fue cuando en 1992, durante la emisión del programa televisivo Saturday Night Live, rompió una una fotografía del papa Juan Pablo II para denunciar los abusos de sexuales de menores por parte de la Iglesia católica, en una escena en la que gritaba “evil” (malvado, diablo o el mal, en inglés). A raíz de ese espectáculo fue vetada en los medios de comunicación, convirtiéndose, además, en el blanco de numerosas críticas. Poco después Sinéad se ordenó sacerdotisa por la Iglesia Tridentina Latina, una orden disidente con la iglesia católica. Hay no acabaría la cosa, ya que en 2018 rechazó el cristianismo para convertirse al Islam, por lo que cambió su nombre a Shuhada’ Sadaqat.
Sinéad O’Connor demostró que no tenía ningún reparo a la hora de compartir sus sentimientos, se enfrentó a la iglesia Católica para denunciar los abusos, pero su naturaleza frágil y el suicidio de su hijo, también con depresión, fueron algo que no pudo superar. Fue una artista contestataria, angustiada, no siempre comprendida y cierto que no tampoco estable, pero su música siempre quedará para el recuerdo. Descanse en paz.

RAMMSTEIN "Radio"

Acaban de estrenar este vídeoclip, un discurso en imágenes que resulta esperpéntico, foribundo, rabioso, iconoclasta, por momentos obsceno...absolutamente cautivador. Se trata del segundo single de su esperado nuevo disco que verá la luz el 17 de mayo. Rammstein lo ha presentado con una puesta en escena espectacular. Ha sido en las calles de Berlín, donde el grupo proyectó el video "Radio", en la pared de una casa, mientras que el tema se transmitia simultáneamente por la emisora "rbb radioeins". Más de mil fans se juntaron en Berlín Mitte para presenciar el evento de unos cinco minutos de duración. La letra de "Radio" recuerda una época en la que usar ese medio de comunicación  por la noche era un acto de libertad. Cuando los ciudadanos vivían oprimidos bajo el yugo de un régimen dictatorial. Hay que recordar que los integrantes de la banda de metal industrial crecieron en la extinta República Democrática Alemana.
En el video se intercalan imágenes en blanco y negro, con escenas de represión e imágenes inspiradas en cuadros como "La Libertad guiando al pueblo" un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 o escenas que recuerdan los golpes que recibían los habitantes del barrio judío en "El Gran Dictador" de Chaplin. Además el grupo de metal industrial Rammstein rinde homenaje al tema. "Radioactividad" compuesto en 1975 por Kraftwerk, otra famosa banda alemana. Su vocalista Till Lindemann es el maestro de ceremonias de un discurso cargado de mensajes políticos, que vienen muy bien para recalcar hoy tras las elecciones celebradas ayer en nuestro país, porque a veces parece que no tenemos memoria de lo que ocurrió en España tras una terrible guerra civil y esos 40 años de dictadura de Franco, una etapa oscura demoníaca de nuestro pasado más reciente.

Ya con su primer vídeo "Deutschland" del nuevo álbum, el grupo causó mucha controversia a finales de marzo, por un trailer que muestra a cuatro de los músicos de la banda que aparecen vestidos como prisioneros de los campos de concentración nazis.
Este será su séptimo disco, el sucesor de “Liebe Ist Für Alle Da” publicado en un lejano 2009, ha sido producido por la propia banda germana junto a Olsen Involtini. Las mezclas se han llevado a cabo en un estudio de Santa Mónica, California, por el conocido productor estadounidense Rich Costey, que ya ha trabajado con bandas como Muse o Franz Ferdinand. Recordamos que el grupo alemán actuará en Barcelona el próximo sábado 1 de junio. La cita tendrá lugar en el estadio RCDE de Cornellà y supondrá la única fecha en España en 2019.

Te dejo la letra de "Radio" para que recapacites con su mensaje:
"No se nos permitió pertenecer
Ver, hablar o no escuchar nada
Pero todas las noches durante una hora o dos.
¿Estoy fuera de este mundo?
Cada noche un poco feliz
Mi oreja muy cerca del receptor del mundo.

[Estribillo]

Radio, mi radio
Me dejé chupar el éter.
Mis oídos se vuelven ojos
Radio, mi radio
Entonces oigo lo que no veo.
Silencio secretamente distante hay

No se nos permitió pertenecer
Ver, hablar o no molestar a nada.
Cada canción fue prohibida
Notas extranjeras tan peligrosas
Pero cada noche un poco feliz.
Mi oreja muy cerca del receptor del mundo.

[Estribillo]

Cada noche me subía en secreto
En la parte posterior de la música.
Pon tus orejas a las alas.
Canta tranquilamente en las manos
Cada noche y volar de nuevo.
Solo me voy con la música
Flota por habitaciones luminosas.
Sin fronteras, sin vallas.

Radio, radio
Radio, radio

[Estribillo]

Radio, mi radio (mi radio)
Me dejé chupar el éter.
Mis oídos se vuelven ojos
Radio, mi radio (mi radio)
Entonces oigo lo que no veo.
Silencio secretamente distante hay.

FONTAINES D.C. “Tongue”

Fontaines D.C. refuerzan su intensidad. Acaban de presentar “Tongue”, el segundo adelanto de su próximo álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Marianne”, los irlandeses vuelven a demostrar que no tienen ninguna intención de quedarse quietos ni de repetir la fórmula de “Romance”.
“Tongue” es una canción mucho más física, oscura y extraña. Desde el principio hay algo que incomoda. El bajo tiene un protagonismo enorme y avanza con ese ritmo casi hipnótico mientras la voz de Grian Chatten aparece transformada, deformada, como si estuviera intentando escapar de la propia canción. La banda juega con la velocidad de la cinta, los samplers y diferentes tratamientos de la voz para conseguir un sonido que por momentos resulta casi irreconocible. Y ahí está precisamente una de las cosas más interesantes de “Tongue”. Fontaines D.C. siguen alejándose poco a poco del post-punk de sus primeros discos. Las guitarras continúan presentes, pero ya no tienen que llevar todo el peso de las canciones. Hay piano, cuerdas, percusiones y una producción mucho más retorcida que convierte el tema en algo que parece estar a medio camino entre el rock alternativo, la electrónica y una especie de funk oscuro.
La canción empieza contenida y va creciendo poco a poco hasta terminar explotando. No buscan el estribillo fácil ni el golpe inmediato. Todo parece estar colocado para generar tensión, para que tengamos la sensación de que algo está a punto de ocurrir. Y cuando finalmente llega, Fontaines D.C. vuelven a demostrar que saben construir canciones que crecen con cada escucha.
“Tongue” encaja perfectamente dentro de la idea de “Dopamine Chamber”. Grian Chatten ha explicado que el nuevo disco pretende funcionar como una especie de espacio en el que la banda juega con diferentes estados de ánimo y sensaciones, en un mundo cada vez más dominado por la tecnología, la sobreestimulación y la pérdida de humanidad.
Después de “Marianne”, este segundo adelanto confirma que Fontaines D.C. están buscando algo diferente. “Romance” ya suponía un paso adelante respecto a sus primeros trabajos, pero todo apunta a que “Dopamine Chamber” va a llevar esa transformación todavía más lejos. Menos guitarras, más sintetizadores, voces manipuladas, arreglos orquestales y una producción que deja bastante espacio para la experimentación.
“Tongue” es, de momento, otra magnífica pieza de este nuevo universo de Fontaines D.C. Una canción incómoda, hipnótica y oscura que necesita varias escuchas para descubrir todo lo que esconde. Si “Marianne” abría la puerta, “Tongue” parece invitarnos a entrar un poco más en esa “Dopamine Chamber” que la banda ha construido.
Y cada vez tengo más ganas de comprobar qué nos espera al otro lado.

WOLF ALICE "Smile"

 

Wolf Alice vuelven a sorprendernos en su vertiente más rockera. "Smile" es el segundo avance de "Blue Weekend", su esperado nuevo álbum de estudio que verá la luz el próximo 11 de junio. Después de la preciosa "The Last Man on Earth", nos sorprenden con la energía de esta canción en la que Ellie Rowsell, además de rapear en su arranque se desata con ese mensaje feminista:
"No me llames loca, hay una diferencia: Estoy enojada
Y tu decisión de llamarme linda me ha ofendido
Yo tengo poder, hay gente que depende de mi
E incluso tu tienes tiempo que deseas gastar en mi
Y ahora todos ustedes piensan que estoy desquiciada
Pero dale cuerda y esta abeja pica
¿Pensaste que era una títere con cuerdas?".
La propia vocalista de la banda, Ellie Rowsell, ha explicado su contenido: “Esta es una de las canciones que escribimos pensando que la tocaríamos en vivo. Extraño esa sensación de cantar en el escenario. Es como gritar contra una almohada o algo: puedes salirte con la tuya siendo más desagradable. Falta otra parte de mí”.
“Smile” viene acompañado de un vídeoclip dirigido por Jordan Hemmingway, realizador que también se ha encargado de la creación del "The Last Man on Earth". Wolf Alice espera poder estar de tour este mismo año, su intención es poder presentar "Blue Weekend" en distintos escenarios por Europa.
Discografía aquí

Løse "Løse"

 

Diego Vasallo abraza un nuevo proyecto de rock. Abandona su carrera en solitario para formar una superbanda formada junto a Fer García como guitarrista solista (The Young Wailt o ILL), Xabi Arratibel al sonido grueso del bajo (Bananas y Hiedra), Oriol Flores encargado de marcar las bases rítmicas a la batería (IDOIA o POL3.14) y Germain San Martín, teclista de Loquillo o Quique González.
Era el momento para hacerlo, como el mismo confiesa tiene 60 años, no se veía empezando una nueva banda con más años, por el esfuerzo que requiere. Era ahora o nunca. El sonido del grupo revela reminiscencias post punk. Musicalmente está bastante lejos de todo lo que ha hecho hasta ahora.Ni su paso por Duncan Dhu, Cabaret Pop o cualquiera de sus facetas en solitario. Aquí no hay nostalgia. El paso decisivo llegó con su último el EP en solitario "Malo ni bueno", que produjo junto a Fer García. Durante aquel proceso fueron descubriendo afinidades musicales, compartiendo referencias, discos... y ahí empezó a gestarse el germen de esta nueva banda. Comprobaron que les fascinaba el sonido de grupos como los noruegos Madrugada, vinilos que Mark Lanegan hizo con Soulsavers, los temas de Nick Cave con Grinderman, Viagra Boys... referencias muy variadas, que les llevababan a dar el paso. Løse, que significa “suelto” en danés, define el principio de total libertad creativa. Poesía y ruido se dan la mano. Para Diego Vasallo ha supuesto un reto importante cantar con una banda más eléctrica detrás, porque no es a lo que estaba acostumbrado a esas atmósferas saturadas.
Se nota que Vasallo es quien compone las letras y la estructura de las canciones. El primer single que lanzó Løse fue “Hay un hueco en algún sitio”, una dura presentación, con actitud glam-punk. "El resplandor de las bombillas en las avenidas / Los cables negros contra el cielo, tu respiración caliente / Hay un hueco en algún sitio difícil de llenar", canta con voz muy grave.
El disco no ofrece concesiones. Se abre de forma densa, con los casi diez minutos de “Pétalo en el aire” con una instrumentación cuidada, para hablar de la madurez y de las oportunidades perdidas: "Lo que fuiste/ Y lo que eres/ Hoy tienen caras diferentes/ Lo que amaste / Y lo que quieres/ Son de alguna forma lo mismo". El rock más áspero llegará con “Cose mis heridas”, el blues “Con esta luz que nace”,“Nuestro cielo al alcance de la mano” o “Zona de sombras” trallazos donde las guitarras suben el volumen. Los momentos más acústicos y reposados llegan al final con “No me cuentes nada que no quiera saber”.

FONTAINES D.C. Y ROSALÍA "Where Is Gone?"

 

Rosalía expande sus fronteras musicales con una colaboración con la banda de rock Fontaines D.C. La artista catalana acompaña con su voz en "Where Is Gone?" junto al cantante Grian Chatten en esta balada orquestral. Se trata del tercer sencillo del nuevo álbum del grupo irlandés "Dopamine Chamber", que verá la luz el próximo viernes.
Es uno de los temas más esperados de "Dopamine Chamber", el quinto álbum de la banda irlandesa, su disco más oscuro e intimista en el que viran hacia un pospunk más electrónico, con ecos por momentos que pueden recordar a Depeche Mode o The Cure en un disco a publicación que gira en torno a una “advertencia catastrófica”..el álbum de la banda: “Ha hecho por España lo que nosotros por Irlanda”.
La cantante catalana se une por primera vez a la banda irlandesa en un tema melancólico que aborda la dificultad de dejar atrás una relación. El resultado es una balada melodramática que plantea recuerdos de felicidad que se resquebrajan. Musicalmente, "Where Is Gone?" se mueve a un ritmo pausado con un sonido de guitarras, violines y una batería marcada que deja espacio a las voces de Rosalía y Grian Chatten. El estribillo arranca con: “I remember when they held me up against the summertime” (“Recuerdo cuando me ponían a prueba contra el verano”), para después reconocer con dolor que es el fin de esar relación amorosa: “No hay nada de malo en decirlo / Déjalo, deja que muera”.

Es la primera vez que la banda de Dublín decide incluir la colaboración de una vocalista en uno de sus discos, lo que nos hace dimensionar el reconocimiento que está recibiendo la cantante de Sant Esteve Sesrovires a sus 34 años. Aunque no es su primera participación con otros artistas, ya lo hizo con Normal, de Carolina Durante, publicada en 2024. La cantante ha cruzado a lo largo de su carrera géneros y escenas muy diferentes, desde el reguetón de Bad Bunny, Ozuna o J Balvin hasta la experimentación de Ralphie Choo, Björk o James Blake.
Tras finalizar recientemente su Lux Tour con 57 conciertos con todas las entradas agotadas, Rosalía fue galardonada por el Ministerio de Cultura y Deporte con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2026 de España. Además, Rosalía recibirá el 22 de octubre el Premio Billboard Salón de la Fama 2026 en reconocimiento de “una carrera extraordinaria definida por la innovación musical, una visión artística singular y una influencia que ha trascendido géneros, idiomas y fronteras”.
Por su parte Fontaines D.C. nos visitan próximamente. Actuarán en España este mes de octubre en dos fechas: jueves 22 de octubre: Movistar Arena, Madrid, y sábado 24 de octubre: Sant Jordi Club, Barcelona.

FONTAINES D.C. "Marianne"

 

Los irlandeses acaban de presentar “Marianne”, el primer adelanto de su quinto álbum de estudio, “Dopamine Chamber”, que verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings. Después de “Romance”, la banda vuelve a demostrar que no tiene ninguna intención de quedarse instalada en la fórmula que les ha llevado hasta aquí.
“Marianne” es una canción inquietante, atmosférica, hipnótica. Hay algo seductor en ella, pero también una sensación de peligro que va creciendo poco a poco. Fontaines D.C. dejan atrás parte de la contundencia guitarrera de sus primeros trabajos para adentrarse en un territorio más frío y sintético. Las guitarras siguen estando ahí, pero ya no parecen tener el mismo protagonismo: ahora comparten espacio con sintetizadores, percusiones y una producción mucho más envolvente.
Y ahí aparece Grian Chatten, siempre capaz de convertir una canción en algo que parece estar ocurriendo en algún lugar entre un sueño y una pesadilla. “Marianne” habla de escapismo, hedonismo y de esa necesidad de desaparecer cuando la realidad empieza a resultar demasiado incómoda. Una huida hacia delante que puede parecer liberadora durante unos minutos, pero que también esconde algo bastante más oscuro.
Al parecer la canción está inspirada en la serie “Ripley” y encaja perfectamente con la atmósfera que Fontaines D.C. parecen querer construir para su nuevo disco. Si en “Romance” había una cierta fascinación por la pérdida de humanidad y por un mundo cada vez más dominado por la tecnología, ahora parecen querer llevar esa idea todavía más lejos. “Dopamine Chamber” nace precisamente alrededor de esa sensación de vivir atrapados entre la ansiedad, la sobreestimulación y la necesidad constante de escapar. Un mundo lleno de información, imágenes, violencia, entretenimiento y distracciones que nos mantiene permanentemente conectados mientras, paradójicamente, cada vez resulta más difícil conectar con algo real. Y “Marianne” funciona como una magnífica puerta de entrada a ese universo.
“Marianne” no necesita correr. Se toma su tiempo, crea tensión y consigue que sus casi cuatro minutos pasen dejando esa sensación de querer volver a escucharla inmediatamente. Una canción que entra poco a poco. De momento, parece que el viaje vuelve a merecer la pena.

XEBI SF "De los delfines solo nos cuentan maravillas"

El músico gerundense Xebi SF publicará el próximo 18 de enero su nuevo disco, "De los delfines solo nos cuentan maravillas", su tercer álbum producido por Carlos Hernández (Los Planetas, Viva Suecia, Triángulo de Amor Bizarro), y que muestra su acercamiento a sonoridades pop-rock, alejadas del pop folk de los dos anteriores discos. Un trabajo arriesgado concebido con la única premisa de no marcarse límites en el proceso de creación. Ell primer adelanto, una canción titulada "Por más que lo intente". El tema habla de "esos días en los que nada parece sencillo y no es fácil ver la luz. Pero hay una razón por la que seguir, esa fuerza que nos empuja de nuevo a esa luz", según explica el artista.
XEBI SF es el proyecto en solitario del cantante y guitarrista geronés Xebi Salvatella (Sàvats). Llega cuatro años después de su debut con "Duermevela" y una vez acabada la extensa gira de "Tibidabo". "De los delfines solo nos cuentan maravillas" lo presentará en directo próximamente en Girona, Madrid y Barcelona. En concreto, las presentaciones tendrán lugar el 19 de enero en Girona - Neu! Festival-, el día 26 en Madrid y el 7 de marzo en Barcelona.

ANTONIO VEGA "Escapadas"

 

Escapadas es un disco de versiones y colaboraciones, un trabajo que se edita ahora en una versión más extendida con piezas no recogidas cuando se lanzó en 2004. La nueva producción recoge una veintena de canciones que ahondan en la faceta de intérprete de Antonio Vega, porque lleva las canciones a otro nivel y las convierte en otras piezas distintas.    

Fue un disco tardío, de 2004, que respondía al interés que generaba su figura,  un álbum de colaboraciones y versiones junto a otros artistas y añadió dos canciones que grabó expresamente para el lanzamiento hace ya más de 15 años: La de Amaral y "Me quedo contigo", de Los Chunguitos. La segunda fue, en realidad, una insistente propuesta de Margarita del Río la pareja de Antonio Vega, cuando ella enfermó, se decidió a hacerla, casi a modo de homenaje. Marga falleció en 2004, antes de que el disco apareciese publicado. Su pérdida fue devastadora para el artista. Sin embargo, el título "Escapadas" no generó el interés esperado y pronto cayó en el foso de la descatalogación. Ahora el disco vuelve a la vida con una edición añadida, un segundo volumen de colaboraciones perdidas y reunidas. "Escapadas" muestra a Antonio Vega sin prejuicios, con versiones de Amaral a Los Chunguitos y de Serrat a "La Tarara". Entre esas canciones sobresale el "Romance de curro “El Palmo”, de Serrat, que conmueve desde que apareciera en un álbum de homenaje al catalán en 1995. Tampoco tuvo problemas en cantar "Amor en vena", un tema sobre una yonqui que compuso Javier Álvarez para una campaña benéfica. En el álbum hay colaboraciones o versiones de Amaral («Cómo hablar»), Elefantes («Que yo no lo sabía»), Jarabe de Palo («Completo, incompleto»), Ketama («Se dejaba llevar por ti»), El Arrebato («Hoy me dio por ser honesto»), con Los Limones («Acelerado») y también con los malogrados Enrique Urquijo y Antonio Flores. 

 Antonio Vega murió hace 11 años. En una reciente entrevista en El País, su hermano Carlos contaba que "en los últimos años de su vida  nunca se tumbó en una cama a dormir. Lo poco que descansaba lo hacía sentado. La guitarra apoyada en sus muslos. Enfrente, un ordenador. Estudiaba el instrumento. Lo tocaba. Manipulaba los sonidos que extraía en el ordenador. Volvía a los acordes. Si le entraba sueño ponía el brazo derecho sobre la mesa para luego apoyar la cabeza. Dormitaba 10 minutos. Luego despertaba sobresaltado y regresaba al instrumento. Así toda la noche. No quería tumbarse, le daba pánico. Seguramente lo asociaba a no despertarse. Si se mantenía en pie seguía tirando para adelante”, 

Cuando falleció el músico, a su madre, Mari Luz, le salvó el clamor social. “Para mi madre fue un descubrimiento ver cómo la gente quería y admiraba a Antonio. Mi madre no había vivido eso, había vivido la parte más complicada de la vida de Antonio. Ella nunca se había metido a analizar su faceta artística. No sabía que era tan famoso como artista. Y cuando se murió y vio toda la reacción de la gente supuso un cierto consuelo”, confiesa Carlos Vega al diario.

KOKOSHKA "Algo real"

Kokoshka, el cuarteto de Pamplona autor del notable "Hay una luz", publicado hace ya tres años nos presenta este nuevo álbum donde recuperan su versión más cruda. Ellos reconocen que se abre un nuevo ciclo, "quizá más oscuro pero también más sabio".  ‘Algo real’ se ha grabado en los estudios K de Pamplona y lo componen 10 canciones tan contundentes como: "Mi consentido", "No queda nada" o "El escultor". Kokoshka habla de su disco asegurando: "Raspa el Automático de las Cadenas de Jesús y María en los hermanos Reed mientras bajas escalón a escalón entre los Terrones Dulces durante el Cumpleaños de Björk. El Bicho Josetxo, la Rosenvinge Christina. Näif. Infantiles melodías en parques abandonados mientras nos probamos diferentes disfraces en tiendas de ropa de segunda mano. Mis zapatos dorados de charol sueñan lágrimas transparentes que asemejan voces y dúos. Son las mismas voces y dúos que visten mi desnudez mientras veo los colores que abrazan estas escaleras que siguen acompañándome hasta el oscuro sótano, tarro de mi miel".
Los chicos de Pamplona manejan con soltura el garage rock, con actitud tabernaria. Amaia Tirapu e Iñaki López van camino de crear una imaginería con sello propio, tan particular como efectiva.

HA MUERTO ARMANDO MANZANERO

El compositor, músico y productor de 86 años falleció ayer lunes tras varios días intubado por la covid-19 en un hospital de las afueras de Ciudad de México. Inmediatamente las redes sociales se han llenado de mensajes de cariño, tristeza y sorpresa por la pérdida del cantautor conocido como el rey del romanticismo. Dadas las circunstancias de su muerte se ha acordado que "no se llevará a cabo ningún acto funerario presencial, y se procederá a la cremación del cuerpo”. El Gobierno de México anunció que, cuando la pandemia del coronavirus lo permita, se celebrará un gran homenaje al cantante en Bellas Artes, lugar de despedida de los más grandes artistas que pasaron por el país, como José José, Juan Gabriel, Chavela Vargas o Gabriel García Márquez. La última aparición pública de Manzanero fue el 11 de diciembre pasado en su amada Mérida, capital de Yucatán, donde inauguró el Museo Casa Manzanero. Durante sus 70 años de carrera musical vendió millones de discos y compuso más de 600 canciones, de las cuales algunas fueron interpretadas por artistas de todo el mundo entre los que se encuentran Elvis Presley, Alejandro Fernández, Pancho Céspedes, Miguel Bosé, Omara Portuondo, Tony Bennett, Pablo Milanés, José José, Fito Páez o Christina Aguilera, entre muchos otros.  Asimismo, publicó más de 30 trabajos discográficos y en 2014, la academia de la grabación de Estados Unidos lo reconoció con el Grammy a la trayectoria artística, siendo el primer mexicano en recibir este reconocimiento. 

Estas son algunas de sus canciones más conocidas y por las que será recordado:
1.- "Adoro" (1965) "Adoro la calle en que nos vimos. La noche, cuando nos conocimos. Adoro, las cosas que me dices. Nuestros ratos felices. Los adoro, vida mía”. Con estos versos de la canción "Adoro" se ha despedido este lunes el presidente de México, Andrés Manuel López Obrador, del rey del romanticismo Armando Manzanero. Una de las canciones más exitosas de la carrera del yucateco, que compuso en su viaje de regreso a México, tras visitar Perú. Inspirada en el vals peruano y bajo la influencia de voces como Chabuca Granda y Augusto Polo Campos.  El primero en interpretar este éxito fue Carlos Lico, cantante mexicano que contaba con renombre en Latinoamérica, sin embargo, poco tiempo después el cantautor decidió grabarla en versión balada.  

2.- "Somos novios" (1950) Se trata de su primera composición, que surgió en una cuarentena por gripe antes de presentarse en Aguascalientes, en el centro de México. Una balada que habla del amor y la distancia.  “Somos novios. Pues, los dos sentimos mutuo amor profundo. Y con eso ya ganamos lo más grande de este mundo”, fueron versos que no solo cantó Manzanero, sino que también encumbrados cantantes como Luis Miguel y Elvis Presley interpretaron esta melodía. 

 3.- "Contigo aprendí" (1967) La canción favorita de Armando Manzanero. Él decía que con esta canción alcanzó la madurez como compositor. “Contigo aprendí, a ver la luz del otro lado de la luna. Contigo aprendí, que tu presencia no la cambio por ninguna…”, uno de los versos más profundos con los que confesó darse cuenta de que “el amor no es solo el gusto, sino cuando esa persona te impacta y te sacude”.  

4.- “Esta tarde vi llover” (1990) Elegida como la mejor canción latina de la historia, según el listado de las 50 mejores canciones de la música latina entre 1920 y 2015, elaborado por la revista estadounidense Billboard.

5.- "Por debajo de la mesa" (1997)  “No hay una mujer que no ame, que no le guste, que el hombre que ama la acaricie y la alague”, declaró Manzanero en 2015 al ser abordado por periodistas en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México donde habló de su canción que recientemente había sido interpretada por Luis Miguel. “Por debajo de la mesa, acaricio tu rodilla. Y bebo sorbo a sorbo tu mirada angelical. Y respiro de tu boca, esa flor de maravilla”, versaba. También cantó este tema a dúo con artistas como Tania Libertad y Susana Zabaleta. 

PARQUESVR "Si molesto, os vais"

 

Es de agradecer que haya grupos como Parquesvr, incluso deberían ser una especie protegida. En los tiempos que corren resulta reconfortante una banda que se burla de nuestro entorno y muestra sentido crítico para afrontar el día a día. Los de Leganés consiguen inevitablemente arrancarnos una sonrisa, a veces incluso visceral ante la adversidad: "Todos los muertos, sean sirios o rusos, o los abuelos, gracias a Díaz Ayuso" ("Que arda Madriz"). No tomarles en serio sería un grave error.
Hay un poco de todo, porque es verdad que su tercer disco es el más versátil de los que han editado. “Si molesto, os vais” es una perfecta continuación de “Si no fuera por estos momentos, sería por otros”  lanzado en 2022 y coinciden en que  Raúl Pérez está a los mandos de la producción. Hay pop adictivo en “Tu nombre es una puerta por cerrar”, math-rock y la psicodelia en “Alfredo's” otro tema cargado de mala baba, donde con todo el descaro claman: "¡siempre viva Murcia, pero nunca Suecia!".
Su sarcasmo va mucho más allá al declarar que no sufren por amor, sino de alopecia. Javi Ferrara, líder y voz cantante reconoce que  “Juancarlista” o “Todo el mundo menos tú” son más satíricas, en otras piezas como “A la luz de la luna” o “El reloj” se ha forzado un poco a no escribir desde ese híper realismo absoluto que no deja lugar para la imaginación. Esta vez ha buscado hacer letras que no fueran tan obvias.“Frases de mierda” va en esa línea: “Si estás mal, no te sientas mal / Estar triste no te ayudará”.
Parquesvr se encuentra en un momento de gran creatividad. Confiesan que no paran de componer. Este mismo mes de enero anuncian que van a grabar cuatro canciones nuevas con Brian Hunt. Y en octubre se volverán a meter en el estudio de grabación con Raúl Pérez para grabar otro disco.

COMO ASESINAR A FELIPES "Umbral"

 

El sonido de esta banda chilena resulta inclasificable, porque abarca y entremezcla el rap experimental, el jazz con aproximaciones al kraut rock y la electrónica. Su nuevo disco "Umbral" se edita en el sello koolarrow records, propiedad del californiano Bill Gould, conocido por ser bajista de Faith No More. De hecho participa con ellos en el single "Buscando la luz", aunque la lista de colaboraciones es muy extensa, ya que en todas las canciones hay algún invitado. Desde la percusión que atraviesa "Una salida", con DJ Pérez y Vicente Cifuentes, a la sorprendente "El mundo ya estaba así antes", en que surge con total carácter el theremin, el primer instrumento musical electrónico de la historia, de Martín Benavides.
Hay momentos destacados como "Eufonía", una pieza instrumental concentrada en un cuarteto de cuerdas y clarinete, en la que participa Marcos Meza. También "Cómplices" una de las mejores piezas del disco, marcada por la voz profunda de Carlos Cabezas, un sampler de Jim Morrison y los teclados ambientales. Hacia la parte final, aparecen Pablo Ilabaca y Matiah Chinaski en "Canción de una canción".
Angelo Pierattini pone el toque final en "Simplemente tiempo", dos temas muy diferentes unidos por una cierta oscuridad tonal demostrando esa inquietud sonora que caracteriza a Como asesinar a Felipes.

IVÁN FERREIRO “Cena recalentada”

2018 promete ser el año de tributo a Golpes Bajos, aumentando la leyenda del cuarteto vigués que formaron Germán Coppini (voz), Teo Cardalda (teclados), Pablo Novoa (guitarra) y Luis García (bajo) en los años ochenta. Un hito musical que no siempre ha sido reconocido como se merecía, aunque fue una carrera corta compuesta solo por solo dos epés y un disco, en total 19 composiciones.
Iván Ferreiro edita un disco homenaje, se va a celebrar un concierto y se edita un libro que ha confeccionado el periodista y escritor Xavier Valiño que reconstruye la historia de este grupo de culto con una corta trayectoria de solo 4 años. El libro se titula “Escenas olvidadas, la historia oral de Golpes Bajos".
Iván Ferreiro ha confesado abiertamente que entre sus grupos de cabecera siempre han estado Golpes Bajos, y ha decidido grabar toda su obra, como su tributo particular, dando una nueva sonoridad a esos temas, bajo el título de "Cena recalentada", que verá la luz el 21 de septiembre. No faltan
canciones inolvidables como "Malos tiempos para la lírica", "Colecciono moscas" o "No mires a los ojos de la gente". Un disco producido por Pablo Novoa, exmiembro de Golpes Bajos e integrante de la banda de Iván Ferreiro desde hace años. También participan los otros dos integrantes de Golpes Bajos, Teo Cardalda y Luis García. Ferreiro promete que hará una breve gira después de Navidad y sobre la trascendencia de estas canciones asegura que Coppini estaba con todos los que sufrían: "No hay ni una canción con luz en la que se diga algo positivo".
Además la música de Golpes Bajos también llegará a un escenario: el del Iberia Festival. El próximo 13 de octubre se celebrará un concierto de homenaje a la banda en Benidorm, en el que tocarán los tres miembros originales acompañados de varios cantantes invitados. Entre ellos, el propio Iván Ferreiro. En el concierto también participarán Javier Ojeda, Sole Giménez, Mercedes Ferrer, Nacho Campillo o Pepe Begines. Será la primera vez que los tres músicos originales se junten en un escenario desde 1985.

ATERCIOPELADOS "Claroscura"

El dúo colombiano Aterciopelados regresa a la escena musical con el álbum "Claroscura". Héctor Buitrago, bajista y productor, junto con Andrea Echeverri, la cantante y guitarrista forman este matrimonio musical bien avenido que llevaba diez años sin componer juntos. Ellos reconocen que regresan con más achaques, producto de la edad, pero muy ilusionados. La banda bogotana que revolucionó el rock en Colombia cuando se subió a los escenarios por primera vez en 1990, y que se separó en 2008 para emprender carreras en solitario tras diferencias entre ambos, siguen fieles a su estilo fusión de rock y electrónica alejados del pesado reguetón que ahora prolifera machaconamente en toda lationamérica.

"Aquí hay músicas tradicionales de Latinoamérica, hay el rock, ingrediente que nunca falta; hay electrónica, ranchera, vallenato, champeta, música andina, música urbana, cumbia rebajada", indica Héctor Buitrago al hablar de su décimo disco. Las letras recuperan algunos de los temas principales de la banda, como el ecologismo o los derechos que se reivindican en "Despierta Mujer", una canción con aires de marcha; "Piernas", que habla sin pudor de los cuerpos con celulitis, o "Ay Ombe", un alegato contra la violencia machista. Además, también presentan "Dúo", una humorística carta de amor a la trayectoria compartida de Echeverri y Buitrago que se ríe de sus inicios, cuando él era "un punk del Restrepo" (barrio bogotano) y ella "una gomela" (esnob). Aterciopelados estará de gira en varias ciudades de Estados Unidos y llegará a España en octubre, cuando tocará en en Barcelona (3 de octubre, Apolo 2), Madrid (4 de octubre, La Riviera), Granada (5 de octubre, Sala Aliatar) y Servilla (6 de octubre, Caravan Sur Festival, CAAC).. En "Claroscura", que tiene momentos optimistas y otros más amargos, "siempre convencidos de que nosotros tenemos la luz y ellos la oscuridad", señala Buitrago. Aterciopelados son dos artistas únicos comprometidos con la cultura latinoamericana, y diametralmente unidos por sus diferencias.

KAMASI WASHINGTON "Fearless Movement"

 

Kamasi Washington se ha convertido en un icono del nuevo jazz, multiinstrumentista, compositor y líder de la banda con la que firma sus discos se aventura a preparar un disco de baile, sin que sea un álbum de electrónica. "Fearless Movement", es el trabajo que va a publicar el 3 de mayo y en el que ha incorporado también los talentos de André 3000 de nuevo a la flauta, George Clinton o colaboradores más habituales como Thundercat, además de Terrace Martin, Patrice Quinn, BJ the Chicago Kid o D Smoke. Hasta el momento ha dado a conocer algunos temas: "Dream state" precisamente con la colaboración de André 3000 y el impresionante "Prologue" que abrirá el disco que se pone a la venta el 3 de mayo. Esta canción es una potente interpretación de jazz enérgica de casi nueve minutos de duración, por momentos sobrecogedora porque te deja sin aliento. Combina una potente percusión y una gloriosa trompeta. El tema viene acompañado de un video dirigido por AG Rojas y coreografiado por Samantha Blake Goodman que muestra a un grupo de bailarines moviéndose en una enorme casa.
"Fearless Movement" contará con doce canciones, el artista lo ha definido como su “álbum dance”, ya que dice es una exploración de la vida en la tierra inspirada por el nacimiento de su primera hija hace unos años. De hecho, incluye una canción escrita por su hija, "Asha The First", que compuso la melodía en el piano cuando empezó a experimentar con el instrumento.
Para muchos Kamasi es un revolucionario del jazz, más bien se trata de un alumno aventajado que ha sabido asimilar perfectamente las lecciones de Alice Coltrane o Pharoah Sanders, en los años 70, y por supuesto la sabiduría de Miles Davis. Hay que reconocer que Kamasi nos ha dejado discos memorables como "The Epic" (2015) un monumental álbum de casi tres horas de duración con el que en el saxofonista de Los Ángeles, agitaba el mundo del jazz. Se suele alejar del sonido más free, pero no tiene reparos en experimentar y hacer cosas tan hermosas como la versión de “My Friend Of Misery”, de Metallica, un grupo que originalmente está a años luz de su sonido.