El grupo vasco Belako recuerda en un documental sus primeros pasos en la música cuando se reunían en una fábrica abandonada de Mungia para hacer ruido. Eran sus primeros ensayos y ahora que son una banda reconocida internacionalmente es un buen momento para recordar cómo fueron sus inicios, para pisar suelo firme. Se trata de un documental de la serie Origins, creado por SON Estrella Galicia, en él los miembros de Belako vuelven al barrio que da nombre al grupo y culminan el recorrido con una actuación.
La cantante de Belako, Cris Lizarraga, recuerda que en aquella fábrica metalúrgica “el espacio fomentaba ese sonido industrial. No teníamos mucha idea, pero gestábamos una identidad de grupo que se la debíamos totalmente al contexto de la antigua fábrica del abuelo de Josu y Lore”. Todo se produjo muy rápido. Ese mismo año tocaron en las fiestas del pueblo. Elaboraron un repertorio de aproximadamente ocho canciones en dos semanas: “Compusimos, sin saberlo, casi lo que sería nuestro primer disco. Constatamos que teníamos mucha creatividad juntas y mucho potencial. Teníamos efervescencia creativa”, asegura la cantante.
El grupo sigue formado por Cris (29 años), Josu Ximun Billelabeitia (30 años), Lore Nekane Billelabeitia (26 años) y Lander Zalakain (28 años). Su carrera ha sido meteórica, tanto que han participado en numeroso festivales y han compartido escenario con artistas de la talla de Portishead, Two Door Cinema Club, Placebo o Nick Cave, entre otros muchos. También han ganado premios como El Ojo Crítico de RNE, el Premio Rolling Stone al grupo revelación o los Premios de la Música Independiente (MIN) al Mejor artista, Mejor directo y Mejor videoclip. Su último trabajo publicado en pasado 2020 "Plastic Drama", su sexto disco, se ha colado en las listas de mejores del año.
Nick Cave nos ha pillado por sorpresa y con el pie cambiado. El músico australiano ha lanzado este jueves por sorpresa Carnage, un nuevo disco realizado junto al compositor y multiinstrumentista británico Warren Ellis, miembro de The Bad Seeds desde 1997, un trabajo concebido y grabado durante el confinamiento. En su web oficial, Cave ha descrito el resultado como un disco "brutal pero muy hermoso, anidado en una catástrofe comunal". Contiene ocho canciones de instrumentación serena, pero con brotes de furia, algo más extrovertido que sus dos últimos trabajos. Confiesan que las ocho canciones nacieron prácticamente en "los primeros dos días y medio" del proceso de composición. "Carnage" presenta piezas de libre desarrollo instrumental, con mantos sonoros que van y vienen, sobre la base del piano en la que las arquitecturas sonoras van y vienen, a veces marcadas por los loops electrónicos de Ellis. Atención al arranque con"Hand of God", donde descubren ese modo de pasar del sosiego a la ansiedad, el bálsamo llegará después con otras canciones como "Carnage" o "Alburquerque", aunque cuidado al espíritu colérico que llegará con "Shattered ground".
A Nick Cave le une una larga tradición de colaboraciones con Warren Ellis, más allá de The Bad Seeds, comenzaron en 1984 con el lanzamiento de "From Her to Eternity" y juntos han facturado hasta el momento de 17 discos de estudio, la grabación de bandas sonoras o en el inminente nuevo disco de Marianne Faithful, a pesar de ello esta es la primera vez que publican un trabajo íntegro de canciones como dúo artístico.
Carnage ya está disponible en plataformas digitales a la espera de su lanzamiento físico el próximo 28 de mayo. Su último trabajo hasta la fecha fue “Idiot Prayer: Nick Cave Alone At Alexandra Palace” que recoge el concierto que ofreció en streaming el pasado 23 de julio desde el Alexandra Palace londinense, sin presencia de otros músicos, ni público, con la única compañía de un piano de cola. Anteriormente había publicado en 2019, "Ghosteen" en el que catalizó el dolor por la muerte accidental de su hijo de 15 años. La pandemia fulminó la gira mundial de presentación, de es disco, que le iba a traer a España.
Maria Arnal i Marcel Bagés andan presentando estos días sus nuevas canciones en directo, lo hacen aparentemente sin la presión de la expectación que han generado después de su maravilloso debut. De momento solo han hecho oficial esta canción "Fiera de mí", para conocer el resto tendremos que esperar hasta marzo. El pasado sábado se presentaron ante el público en el Teatre Joventut de l'Hospitalet de Llobregat, en una actuación donde demostraron que se sentían a gusto, Arnal se mostró pletórica dominando todos los registros. Allí presentaron siete de las nuevas canciones, entre ellas como no esta "Fiera de mí", en la que se descubre un sonido más electrónico y distorsionado. Esa idea parece acompañar su nueva propuesta, cada vez más alejada de los contornos tradicionales, con capas de electrónica abrasiva. Atentos a su nuevo disco que han titulado "Clamor" y que saldrá a la venta el 5 de marzo.
Foo Fighters es la sorprendente historia de cómo un batería se convirtió en una de las grandes estrellas del rock. Dave Grohl pasó de darle a las baquetas en Nirvana a cantar, tocar la guitarra y componer en una banda de rock con un directo demoledor, que lleva encima de los escenarios desde 1994. Por fin llega a nuestras manos su décimo álbum, "Medicine at Midnight", un disco de poco más de 35 minutos de duración y que ve la luz ahora después de varios retrasos a causa de la pandemia mundial provocada por la Covid-19. Es su álbum más pop, eficaz pero falto de pegada. Algo que demuestran desde el arranque, si disimulo con los coros de “Making A Fire”. Tanto si suenan agresivos como en "No Son Of Mine", como si se ponen bailables, en "Medicine At Midnight" (donde llegar a recordar al David Bowie de Let’s Dance), las nueve canciones suenan reconocibles. La estructura clásica de guitarra/bajo/batería/voz les hace conservar una marca distintiva. La fórmula continúa funcionando, pero no serán recordados por este trabajo que sí convencerá a sus seguidores. Los de Seattle están demasiado pendientes de sus manías como para desarrollar nuevas perspectivas y arriesgar parece que sería innecesario. Disco sin complicaciones, facilón, donde solo hay dos canciones: "Cloudspotter"y "Waiting of a War" que recuerdan mejores tiempos.
Curiosa colaboración la que os presento hoy "Necesito a alguien" es una revisión del single "I Need Someone", tema incluido en "All Blessed" (2020), el primer disco de la banda inglesa Faithless, tras 10 años de silencio, pero en esta ocasión interpretado por nuestra Mala Rodríguez, figura destacada de la escena del rap en español. Su voz junto a las bases de la electrónica británica crean una curiosa canción que habla de la soledad y el aislamiento. Con 25 años de carrera a su espalda, Faithless es uno de los pilares fundamentales de la electrónica británica. Su sonido combina elementos de house, trip-hop y el dub, así que unirlos a una de las voces más reconocibles del rap en español ha resultado un acierto que proporciona nuevos matices a la música del grupo inglés. Mala Rodríguez es una de las pioneras de la música urbana en España, ha sido la primera artista femenina en ganar tanto el Mejor Álbum Urbano como Mejor Canción Urbana en los Premios Grammy Latinos.
Daft Punk se separan, el grupo de música electrónica más importante del siglo XXI dice adiós tras 28 años de carrera musical. La ruptura se ha hecho oficial con un vídeo de ocho minutos de duración presenta al dúo, quienes durante muchos años han ocultado sus características detrás de unos trajes de robot, caminando por el desierto, vistiendo sus cascos espaciales y chaquetas de cuero. Después de unos momentos, uno de los miembros mira al otro, se quita la chaqueta y muestra un contador de un explosivo. El primer miembro se aleja rápidamente y luego explota, junto a la leyenda: "1993-2021". El vídeo, titulado "Epílogo", está extraído de la película Electroma, creada por el grupo en 2006, las imágenes culminan con una versión de la canción "Touch" del disco "Random Access Memories" (2013), el último LP del dúo que en su momento fue recibido con gran aceptación tanto por la crítica como por el público con el éxito en especial de su tema principal: "Get Lucky". La publicista del dúo parisino Kathryn Frazier ha confirmado la ruptura a la web de información musical Pitchfork, sin dar más detalles sobre los motivos de la separación.
El dúo de productores y DJs formado por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter lo tenían todo: imagen, sonido, canciones, álbumes y conciertos increíbles. No sólo alcanzaron una enorme popularidad internacional, sino que su influencia fue inmensa y continuada en el tiempo y sus cuatro álbumes (cinco, si se cuenta la banda sonora de Tron: Legacy) han sido destacados por numerosos medios como algunas de las mejores grabaciones de nuestro tiempo. Algunos de los temas de Daft Punk como "Around the world", "Get lucky", "Harder, better, faster, stronger", "One more time", "Da funk" o "Lose youself to dance" serán recordados para siempre, canciones que se convirtieron en clásicos inmediatos de nuestro tiempo, himnos de la pista de baile con sensibilidad pop aptos para públicos de todas las edades. Ganaron seis premios Grammy (ha sido el grupo francés más exitoso del siglo en EEUU) y todos sus álbumes alcanzaron cifras millonarias de ventas, entrando en listas de decenas de países.
Bangalter y de Homem-Christo se conocieron a mediados de los 80 en la escuela de París cuando eran adolescentes y poco después empezaron a trabajar juntos en música. Formaron una banda de rock llamada Darlin, inspirada en la canción del mismo nombre de los Beach Boys, con esa formación publicaron un EP. Una crítica negativa a aquel trabajo publicada por la revista Melody Maker que los calificaba de "daft punky thrash", les inspiró para el nombre del dúo que acabarían formando.
Ya como Daft Punk, el dúo publicó su primer sencillo, "The New Wave", lanzado en 1994, y su disco debut, "Homework", llegó algo más tarde, en 1996. Años después, el dúo lanzó su segundo álbum, "Discovery", en 2001, encabezado por el sencillo "One More Time". A este le siguió "Human After All" (2005) y posteriormente, en 2010, compondrían la banda sonora para "Tron". "Random Access Memories" (2013), contienen algunas de las canciones más influyentes de la década no solo por su sonido, sino por sus vertientes experimentales de música electrónica.
El dúo parisino ha sido capaz de recuperar géneros populares de los años 70 y 80 como la música disco, el techno, el acid house, el electro y los breakbeats del primer hip hop, además de darle un nuevo usos al vocoder o los solos de guitarra eléctrica al estilo del AOR. Podemos decir por ello que son maestros del retrofuturismo capaces de dotar de nuevos significados a los sonidos del pasado. Daft Punk ofrecieron su último concierto en 2010 y publicaron su último disco en 2013, por lo que los rumores sobre su separación eran insistentes desde hace años. Se desconoce si sacarán algún disco recopilatorio o darán alguna gira para completar ese epílogo, aunque se debe tener en cuenta que no hacen una gira desde la mítica Alive 2007 Tour.
Los Planetas han empezado el nuevo año con ganas y vitalidad. Arrancaron 2021 con "La nueva normalidad", en el que denunciaban las injusticias del libre mercado y de la propiedad privada, luego eligieron la figura de Miguel Bosé para atacar la propaganda en "El negacionista", y ahora llega este "El Rey de España". Los Planetas siguen su particular cruzada contra el poder, en esta última como indica su discográfica dirigiéndose a la monarquía con todo el "caudal de desapego, ira y sorna" del que han hecho gala en sus últimos lanzamientos. Hace una semana, el rapero Pablo Hasél ingresó en prisión para cumplir una condena por enaltecimiento del terrorismo e injurias a la Corona, suceso que ha motivado manifestaciones y altercados en todo el país. La canción, según el escrito que han enviado a los medios, se “dedica a la más alta representación del Estado, tal como ellas lo dedicaron al libre mercado, la propiedad privada o la propaganda”. Es, tal y como lo describe su oficina en nota de prensa, "rock and roll con culpa y víctimas, inviolable y no sujeto a responsabilidad, de cuyos actos serán responsables las personas que los refrenden". El comunicado del grupo termina así: “Si la historia de España es, en buena medida, la historia de sus reyes, entre el del glam y el del huevo frito, uno de los del mambo y un par de decenas más, de diferentes linajes, Los Planetas dejan para la historia El Rey de España, rock and roll con culpa y víctimas, inviolable y no sujeto a responsabilidad, de cuyos actos serán responsables las personas que los refrenden. O sea, tú”.
La canción ha sido grabada en enero de este 2021 en el Refugio Antiaéreo, el estudio que se construyó la banda en Granada, cuenta con música y letra de su vocalista, Juan Ramón Rodríguez, más conocido como Jota. La canción comienza con la particular voz de Juan Rodríguez Jota: “Lo siento mucho, me he equivocado./ Demasiados mujeres reclamaban mi afecto, y no he cumplido con todas, pero prometo que no volverá a ocurrir. / La culpa nunca fue de unos medios que consiguieron venderte un producto que carecería de las mínimas medidas de seguridad”. En el estribillo, Jota conduce el relato hasta la actualidad de forma porcaz: “La culpa es de los que están de fiesta que se saltan las restricción, incumpliendo el toque de queda, e ignorando que aquí el que manda soy yo”, entona con clara intencionalidad.
La portada, en naranja, mismo color que eligieron para sus dos anteriores canciones, es obra de Javier Aramburu, su diseñador habitual y exintegrante del grupo ya desaparecido, Family. El dibujo muestra una corona de la que salen esbeltas piernas de mujer.
El productor y exguitarrista de WAS, Jon Aguirrezabalaga, se emancipa artísticamente de la formación We Are Standard, con su alías Zabala en una apuesta por la electrónica cinemática en su debut, "Martian Civilization OST". El músico bilbaino después de estar centrado en otras colaboraciones en teatro y cine vuelve a presentar material original con este nombre, ya que hace un par de años editó un EP titulado "Vik" (2018). Músicas perfectas para ser usadas como bandas sonoras, donde se mezclan ambient, pop y sonidos industriales. “Pretendía crear imágenes, escenas cinematográficas en la mente del oyente, y sostener esto a lo largo del disco generando una narrativa solo con la música”, explica Zabala sobre su proceso creativo. “Digamos que en mi cabeza llegué a imaginar el desarrollo de esa película inexistente con bastantes detalles, y ello me ayudaba mucho a tomar decisiones respecto a la música, imponiéndome a mi mismo un marco imaginario que luego pudiera trasladar a quién lo escuche”. Un buen ejemplo de ello es el single de presentación escogido"Don't Talk Me About Nostalgia", que va acompñado de un videoclip que nos introduce en su atractivo universo sonoro, de la mano del fotógrafo donostiarra Rafa Zubiria con imágenes filmadas por él mismo recorriendo las calles de Bangkok y Hong Kong.
Mikel Erentxun celebra 35 años en la música, lo hace con un disco doble de dúos en el que participan algunos músicos como Coque Malla, Leiva, Zahara, Bunbury, Iván Ferreiro, Amaral, Santi Balmes, Amaia, Andrés Calamaro, Quique González o Diego Vasallo, un trabajo hecho con cariño al que ha querido titular "Amigos de guardia". El músico donostiarra repasa su carrera , volviendo a reencontrarse con algunos de los éxitos más importantes de su carrera, en esta ocasión desde a experiencia del tiempo., para reencontrarse con composiciones muy cercanas para él, tanto en su época en solitario como en la que brilló junto a Dundan Dhu.
El lanzamiento del disco está previsto para septiembre, pero ya podemos escuchar y disfrutar del primer adelanto de "Amigos de guardia". Se trata de una emotiva versión de Intacto, uno de los temas que Erentxun firmó con el desaparecido Rafael Berrio y que conserva intacto su espíritu. Se acerca a esta canción con Quique González, un artista al que le une una profunda admiración: "Mikel es un adicto a la carretera, un tipo muy normal sin ínfulas de estrella, con mucho amor por lo que hace. Te transmite pasión por la música y por las canciones", asegura el músico donostiarra.
Se reedita el cuarto disco de la banda que se lanzó originalmente en 1972, ahora remasterizado y con muchos extras, todo disponible desde el pasado 12 de febrero. Black Sabbath se habían convertido ya en una banda venerada, aquellos chicos de Birmingham de clase popular en aquel momento eran ya millonarios. "Vol. 4"’ es un legendario álbum porque se esmeran por abrir el foco de su sonido, que se nota en canciones como "Changes", una balada sin electricidad y de temática amoroso, o con la introducción de guitarras acústicas. Las pesadas señas de identidad están ahí, pero ahora querían experimentar un poco. La reedición ofrece nada menos que cuatro compactos y cinco vinilos. Además de las diez canciones del disco de 1972 con mejor sonido, se incluyen temas inéditos, directos de la época, variaciones de las canciones del álbum, fotos, textos explicativos… Ozzy Osburne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward estaban en plena forma y componen algunos de sus clásicos, además del mencionado "Changes",“Supernaut” o “Snowblind”. “Vol. 4: Super Deluxe Edition” arranca con seis tomas de estudio inéditas, grabadas en las sesiones originales del álbum, e incluye también tomas descartadas de algunas canciones, una versión instrumental de “Under The Sun” y once nuevas grabaciones de estudio entre las que se puedes escuchar temas que se descartaron y fragmentos de diálogos durante las sesiones de grabación. A buen seguro hará las delicias de los amantes del heavy metal y de los fans del rock clásico.
El primer largo de Arlo Parks era muy esperado, tanto que han llegado a decir que es la voz de una nueva generación. Lo que resulta algo exagerado, pero no es cuestión quitar méritos a esta cantante inglesa de 20 años, de padre nigeriano y madre canadiense. Después de una serie de sencillos que llamaron la atención de la crítica este debut anuncia a una artista a la que hay que seguir la pista. Parks suena tan moderna como se presume por su edad y escribe sobre temas que buscan un vínculo con el público juvenil desde su primer EP "Super Sad Generation", (2019), sobre la complejidad de una persona sensible y las situaciones de soledad. “Mi álbum es una serie de retratos íntimos sobre mi adolescencia y las personas que figuraron en ella”, explicó Parks al anunciar el LP el pasado año. Hablamos de pop evocador, mesuradamente bailable, que recoge fórmulas del trip-hop o el r&b interpretado con talento. Puede convertirse en poco tiempo en una estrella, tiene aptitudes y menciones de personalidades destacadas como Michelle Obama, que la incluyó en una de sus playlists musicales, también ayudan mucho. La BBC ya la ha apuntado como una de las revelaciones del año. Ha demostrado excelentes capacidades vocales y una madurez inusual para su edad. Temas como "Hurt", "Black dog", "For violent" u "Hoop" son buena muestra de su excelente repertorio.
La banda Juno, proyecto musical de Martí Perarnau IV y Zahara, han programado una actuación en el Teatro CajaGranada el sábado 13 de febrero de 2021. Ellos presentan su espectáculo como algo diferente, "un viaje musical y visual único, con una puesta en escena minimalista, pero a la vez enérgica y sensorialmente armónica y envolvente". En un marco muy teatral Martí Perarnau IV y Zahara se mueven entre sintetizadores y cajas de ritmos conjugando los universos digital y analógico, para presentar las canciones de su disco de debut, "_BCN626". Juno nació en abril de 2019 como algo mucho mayor que la suma de dos proyectos y eso les ha convertido en uno de los grupos del momento. Con canciones "basadas en hechos reales acontecidos entre el año 2 a.C y el año 2019 en el planeta tierra y alrededores", han conseguido conectar con un público amante de la la fantasía y la intimidad. Según las indicaciones de las autoridades, durante los próximos días en Granada toda actividad considerada no esencial deberá finalizar a las 18:00 horas. Por ello, el Teatro CajaGranada adelanta el comienzo de la celebración del concierto de Juno, previsto para del 13 de febrero de 2021, a las 16:00 horas.
El catalán Lluís Costa muta en Luw, para lanzar su primer disco al que ha titulado “Viatge a la immensitat”. Un trabajo que podemos encuadrar en el concepto de álbum de autor, eso sí sumamente elegante, en el que viaja de los sonidos más acústicos a los más electrizantes. Un disco en catalán que mantiene el gusto por lo artesanal. El propio Costa se ha encargado de tocar y grabar la mayoría de los instrumentos en su estudio de grabación SoundClub Studio, dotando a la música de emotivas melodías. Lluís es un músico reputado, ha acompañado a artistas como Adrià Puntí, también junto a Kitsch, produciendo a Costa 59 o Pulpopop, además ha grabado en estudio con Rosario o Silvia Pérez Cruz. El músico catalán se siente cómodo en referencias alternativas, sus influencias van desde su amado Bowie, la psicodelia de los setenta,los sintetizadores de los ochenta, Beatles, The Smiths o The Cure..., algo que se nota desde el arranque de "Mil planetes", una historia de amor interplanetario; la electrónica de "En un instant?"; la carta de amor a la tierra y a la vida que es ”Aquesta terra“ el segundo single; la acústica de "El nen que torna a casa" o en "La noia del paraigua" donde parece acercarse a Robert Smith.
Achico lodo Por el balcón Sola ante el tiempo Intentando no dejar entrar A esa perra extraña Que lleva mis zapatos y mi andar No sé cuántas veces Tire tus putas llaves a un volcán De nuevo aquí me encuentro Esperando bajo tu portal". La canción narra la incapacidad de escapar de una relación y entorno tóxico en el que se encuentra, una letra inspirada en un poema de Gil de Biedma. El tema estaba incluido en su último disco “Ataque Celeste” (2020). Ahora el grupo navarro El Columpio Asesino nos sumerge en un angustiante thriller con este videoclip de “Sirenas de mediodía”, dirigido por Amar Hernández y protagonizado por Daniel Hesse. El protagonista se sumerge en una agónica huida, constantemente acechado por sus perseguidores. “De alguna manera nos representa a todos porque, al fin y al cabo, ¿quién no esconde algún demonio o conflicto en su interior? Sin perder el ritmo y con el concepto de persecución como premisa traté de jugar con ambigüedad y deconstrucción, representar la confusión y lo irracional, lo oscuro y lo humano, dejándome llevar por lo formal y por lo narrativo a partes iguales. Una inquietante mezcla entre paranoia y deseo, un conflicto entre la razón y el instinto, así definiría el videoclip“, relata el director.
"Sirenas de Mediodía" es el tercero de los ocho cortes de Ataque Celeste, fue uno de los singles que anticipó la publicación del disco y una de las más escuchadas del álbum, acumulando a día de hoy más de 300.000 reproducciones en plataformas digitales.
Anoche falleció a los 76 años de edad la cantante Mary Wilson, fundadora del trío The Supremes junto a Diana Ross y Florence Ballard. La noticia fue confirmada por su representante, quien no ha especificado los motivos de la muertes,excepto que ha muerto en su domicilio en Henderson, en el estado estadounidense de Nevada. Mary Wilson formó parte de uno de los grupos femeninos más exitosos e influyentes de la música moderna. Originarias de Detroit, The Supremes se convirtieron en el grupo más exitoso del sello discográfico Motown, con el que lograron hasta doce números uno en las listas norteamericanas. Siempre serán recordadas por canciones como "You Can't Hurry Love, Stop!", "In the name of love" y "Baby love". Aquel grupo femenino revolucionó el pop en los sesenta, el girl-group más famoso de todos los tiempos Tras la salida de Diana Ross del grupo, Mary Wilson permaneció como miembro de The Supremes hasta su disolución definitiva, en 1977. Como Florence Ballard, la otra supreme en discordia y fallecida de un ataque al corazón en 1976, Mary Wilson siempre vivió eclipsada por Diana Ross, la vocalista principal del grupo. Al principio, mientras hacían coros o palmas para artistas como Marvin Gaye, las tres cantantes se turnaban para cantar. Wilson, que tenía una voz de gran profundidad, se encargaba en las canciones lentas y baladas mientras Ballard de los temas más duros y cercanos al soul y Ross de los que buscaban un brillo más pop. Al final, terminó triunfando el modelo de Diana Ross, una voz fina y deliciosa. Más que nadie, The Supremes representaron el glamour de la comunidad negra, convirtiéndose en agentes del cambio cultural y rompiendo el techo racial. En plena escalada de fama, Berry Gordy decidió convertir a Ross en la líder del grupo y pasaron a llamarse Diana Ross and The Supremes. Esto motivó tensiones entre sus integrantes y la salida de Ballard, que acabó depresiva y alcohólica. Mary Wilson se mantuvo con Ross, aunque nunca consiguió tener una carrera en solitario como ella. Durante los últimos años, Wilson fue una cara conocida de la televisión estadounidense al formar parte del reality-show de moda de la cadena ABC.
“Siempre estuve orgulloso de Mary”, ha asegurado en un comunicado Berry Gordy, fundador del sello Motown, casa de The Supremes. “Ella era toda una estrella por derecho propio y, a lo largo de los años, continuó trabajando duro para impulsar el legado de las Supremes”. Hace dos días la cantante subió un vídeo en Youtube en el que anunciaba que estaba trabajando en un nuevo trabajo discográfico, incluido el álbum inédito Red Hot que grabó en la década de 1970. "Con suerte, algo de eso saldrá en mi cumpleaños, el 6 de marzo", decía en el vídeo y nada hacía presagiar tan triste desenlace.
Los alemanes Kraftwerk siempre se han considerado unos perfeccionistas, verdaderos artesanos de la electrónica, así que no se han mostrado amigos de retocar las mezclas finales de sus piezas musicales.Solo se permitieron una licencia con “The Mix” (1991) para hacer una recreación dance de algunos de sus temas, así que la aparición ahora de este resulta cuando menos sorprendente. Nada sabíamos de ellos en los últimos tiempos, ni siquiera tras el fallecimiento de uno de sus fundadores Florian Schneider, acontecido el pasado mes de abril de 2020.
Hay que advertir que “Remixes” no aporta grandes sorpresas, pero cierto es que es un modo de acercarnos de nuevo a sus clásicos, como “Radioactivity”, “Die Roboter” (aquí “Robotnik” y “Robotronik”), “Music Non Stop” (renombrado “Non Stop”), o los posteriores “Expo 2000” y “Aéro Dynamik”. Temas que ahora son revisitados por personajes como Kling Klang, Orbital, Underground Resistance, François Kevorkian, Hot Chip, William Orbit o DJ Rolando, el más arriesgado ya que se ha atrevido a incluir sonidos latinos. El álbum es generoso en duración y se puede disfrutar, pero del mismo modos es fácil de olvidar, así que se puede quedar en una anécdota.
Para muchos los catalanes Madee son unos auténticos desconocidos, pero catorce años después de su último trabajo “L’Antartica” (2007), llega la hora de certificar la trascendencia de los chicos de Cambrils que regresan con el que es su quinto álbum de estudio, un trabajo fruto de la colaboración con el poeta y fotógrafo Mark Swanson, el americano es quien aporta las letras de los doce temas incluidos en este trabajo. Son fieles a su identidad sin desdeñar la experiencia y la serenidad que pueden dar los años. Esa consistencia interpretativa viene marcada por la presencia vocal de Ramón Rodríguez, lo que es lo mismo The New Raemon, sobre la que se arma ese contundente sonido de magnífica intensidad. El grupo presenta influencias claras de los ochenta y noventa: Echo & The Bunnymen, The Cure, Simple Minds, Sugar, The Fall, Sunny Day Real Estate, Lloyd Cole e incluso los U2 con esa herencia suenan absolutamente atemporales. El sexteto presenta un nuevo batería Antono Postius (Gyoza y ex-Mourn), quien sustituye a Lluís Cots, el resto de Madee sigue con la formación original: Pep Masiques (bajo) Ramón Rodríguez (voz, guitarra) Adam Vives y Capi a las guitarras y Marc Prats a los teclados, el mismo grupo de amigos que empezaron con este proyecto hará unos 20 años.
La inicial la "Caldera", y más tarde en "The Hunting Party", muestran el ímpetu de sus inicios, pero la mayoría de temas optan por una mayor contención y medios tiempos como “Night Of The New Moon”, “Room 205”, “The Way Home” o “Feelings Of Inadequacy”. Algo más enérgicas resultan “Under The Sun” y “Like Spiders Bite In Spring”. Madee sabe como combinar dosis de épica y oscuridad bien administradas, a pesar del tiempo transcurrido saben como crear buenas canciones, sin fisuras. “Eternity Mingled With The Sea” demuestra el talento incuestionable de esta banda y puede convertirse en uno de los discos destacados en este recién inaugurado 2021. Esperemos que no haga falta otra pandemia para que se vuelvan a reunir.
Steven Wilson estrena este intrigante videoclip de "Self’, tema que pertenece a su nuevo álbum conceptual, "The Future Bites", en el que pretende denunciar las adicciones que afectan al mundo del siglo XXI, especialmente a las redes sociales que se ha demostrado son manipuladoras y han marcado la pérdida de la individualidad. La pandemia del COvid durante 2020 ha acrecentado su poder, marca un futuro distópico y extraño. En ese marco aparece este vídeo dirigido por Miles Skarin, que utiliza la tecnología DeepFaceLab donde una computadora ejecuta un algoritmo de aprendizaje automático para predecir cómo se vería una cara en la situación de otra. De ese modo se logra cambiar la cara de Steven por la de diferentes celebridades, entre las que se incluyen Donald Trump, Joe Biden, Robert Downey Jr, Tom Cruise, Paul McCartney, Arnold Schwarzenegger, David Bowie, Brad Pitt o Scarlett Johansson, por nombrar algunas. El resultado es fascinante a la par que perturbador, cuestionando la naturaleza de la identidad en una época en la que todo es tan fácil de falsificar. Sobre la canción, Steven Wilson cuenta: “‘Self’ habla de nuestra nueva era de narcisismo y obsesión por uno mismo, una era en la que una raza humana que solía mirar con curiosidad el mundo y las estrellas, ahora pasa gran parte de su tiempo mirando una pequeña pantalla para verse reflejada en el espejo de las redes sociales. En ese sentido, ahora todos pueden sentirse celebridades y tienen el potencial de compartir su vida con una masa invisible de personas que nunca conocerán. El vídeo va más allá, explorando la idea que ahora puedes proyectar una versión de uno mismo que no tiene parecido con la realidad, y usando sólo caras conocidas ese engaño se hace evidente”. Discografía aquí
"Arruinaos" es el último y definitivo álbum de Las Ruinas, de modo que cierra su carrera discográfica, la de una banda que ha logrado marcar ritmo en el underground barcelonés con su punk pop lleno de nervio. La verdad es que su disolución estuvo marcada desde sus orígenes. Prometieron que sacarían diez discos en diez años y después se separarían. Las Ruinas, el trío formado por Edu Chirinos, Toni López y Jaime Beltrán nos dicen adiós y lo hacen con un décimo disco en directo, como toda buena banda de rock que se precie. Un disco grabado los días 15 y 16 de Marzo de 2019 en la sala VOL de Barcelona, dos fechas consecutivas en los que la parroquia ruinosa abarrotó el local con clara complicidad. Por supuesto aquí suenan los grandes éxitos de la banda, entre el primerizo "Butano" y el postrero "Alucinaje". En este álbum podemos encontrar las versiones en directo de canciones como "Piensa por ti mismo", "Lo que siento por ti", “La radio ha muerto”, “Club de fans”, “Cubata de Fairy”, “Cerveza Beer”, “Generación perdida”, “Ramón y Cajal” y, cómo no,“Gabriel y Vencerás”, sin respiro las canciones se van encadenando sin freno, hasta encajar 23 temas en 54 minutos. La verdad es que les echaremos de menos. ¡Hasta siempre!
Dirty Projectors han querido utilizar 2020 para publicar una colección de 20 canciones que se iban agrupando en 5EPs que además servían para presentar a la nueva formación que viene integrada por tres nuevos miembros: Maia Friedman, Felicia Douglass y Kristin Slipp. La banda de Brooklyn es a día de hoy un quinteto formado además por Dave Longstreth y Felicia Douglass que dan estabilidad a la formación. Amber Coffman y Deradoorian abandonaron el grupo para emprender su propia carrera en solitario con resultados dispares. La idea que se la ha ocurrido a Dave para presentar a su nueva banda ha sido que cada uno de sus integrantes protagonice uno de los discos que conforman esta colección de cinco epés, de cuatro cortes cada uno, que fueron suministrándose a cuentagotas a lo largo de 2020. Las cinco partes huyen de las semejanzas entre sí, con un estilo característico y alejado de todos los demás. Cada una de esas partes recibe su propio título, y así, Friedman es presentada en ‘Windows Open’, Douglass en ‘Flight Tower’, Longstreth en ‘Super João’ y Slipp en ‘Earth Crisis’ para finalmente todos confluir en ‘Ring Road’. El primero es el más acústico y folkie, el segundo el más R&B, el tercero el más bossa nova (el título es un guiño a Joao Gilberto), el cuarto el más orquestal y experimental, y el quinto el más rockero. Los cinco epés pintan una bonita panorámica del sonido de Dirty Projectors en 2020.
Sin duda el que llama más la atención es el EP "Earth Crisis" porque explora los nuevos sonidos de los Dirty Projectors. Trabajado a partir de partes instrumentales que se grabaron por primera vez en 2008 para una versión orquestal desechada de su disco Rise Above, Dave Longstreth logra rescatar una suite experimental que va más allá del pop para acercar a Stravinsky con Björk y hablarnos de la superación de experiencias traumáticas. El "Earth Crisis" se ha decidido además presentar con un cortometraje animado que cuenta la historia de una aldeana y su perro.
Las nuevas canciones de Dirty Projectors sirven para recordarnos que su sensibilidad es única en la industria, con esas voces e instrumentación la banda regresa a esa senda sustancial de sus aclamados trabajos predecesores.
El asturiano Rodrigo Cuevas y el gallego Ortega se unen para crear este pasodoble urbano que lleva por título “La magia de tu melena”, en el que partiendo de los sonidos tradicionales acaban intercalando los más contemporáneos y experimentales. Un single en el que reviven su mejor romería y el cortejo de un amor deseado, un modo de celebrar los primeros romances estivales y la llegada del verano, con todos sus densos aromas, momento para la fiesta y las vacaciones. La verbena y el baile cogidos de la mano. La canción fue creada durante la octava edición de La Residencia, un espacio promovido por Radio 3, Fundación Paideia y Estudios Mans en Coruña, donde Rodrigo Cuevas y Ortiga se han juntado durante cuatro días para experimentar juntos. La propuesta de La Residencia de Radio 3 ha creado uniones como las de Zahara y Luisa Sobral en el pasado confinamiento o hace un tiempo la de Santi Balmes (Love of Lesbian) e Iván Ferreiro entre otras.
La norteamericana Joan As Police Woman se apunta a la creciente tendencia de editar un disco en directo. Parece que las cancelaciones de giras a causa de la pandemia del Covid ha llevado a muchos artistas a suplir el contacto con sus fans con la recuperación de conciertos ya grabados, así ha pasado en el tramo final de 2020 con músicos tan variados como Nick Cave, Arctic Monkeys, The War On Drugs, The Postal Service, Belle & Sebastian o James.
"Joan As Police Woman Live" recoge una actuación ofrecida junto a su banda al amparo del estudio y fuera del circuito oficial de la gira presentación de "Damned Devotion" (2018), su último disco con repertorio propio. El álbum reúne un total de diecisiete piezas entre las que destacan: “Wonderful”, “Tell Me”, “Damned Devotion”, “Valid Jagger”, “Talk About It Later”, "Silly Me" “The Magic” y la sensual versión del “Kiss” de Prince, una retrospectiva que demuestra su buen hacer y un repertorio que mantiene el paso del tiempo y que en esta ocasión viene acompañado de un sonido espléndido. No es el primer disco en directo de a formación, Joan Wasser ya se vio tentada por adornar su discografía con otro directo en el pasado, así lo hizo con "Live At The BBC" de 2019.
Cala Vento estrena un doble single con la colaboración de Amaral. Los temas que incluye son “El Acecho (¿Cómo se para de llorar?)” y “Teletecho”, este último con la colaboración del dúo zaragozano, en el que la voz de Eva Amaral es perfectamente audible. Una canción de rock en la que las voces de ambos artistas se complementan perfectamente. En la letra Joan, Aleix y Eva parecen apelan al desasosiego cuando dicen que "no hay forma de reconocer de dónde viene y cuándo va a desaparecer". Añaden: "Ya no me acuerdo de quién era, yo me dormía a la primera y ahora solo como techo. ¿Qué hemos hecho? ¡Obviamente algo mal!".
En “El Acecho (¿Cómo se para de llorar?)” encontramos una pieza de casi siete minutos en la que los catalanes van pasando por diferentes estados emocionales. Consiguen mantener el ritmo de rock durante toda la pista, a pesar de que han llegado a incluir flautas. Ambas piezas tratan sobre la responsabilidad personal y la capacidad de influir en el colectivo, sobre todo, desde el lado de la música.
Produce nada menos que “Youth”, miembro de Killing Joke, socio de Paul McCartney en Fireman y productor de gente como Dolores O’Riordan, Primal Scream, U2 o Jesus & Mary Chain.
Sault son una de las grandes y gratas sorpresas de 2020, pero son un gran misterio. Sabemos que es un colectivo británico que se niega a hacer apariciones públicas o a conceder entrevistas, a pesar de ello han publicado 4 álbumes en el último año y medio, como es el caso de "5", "7", "Untitled (Black Is)" y "Untitled (Rise)". Con este último han vuelto a conseguir críticas excelentes, Alexis Petridis en The Guardian les dio las 5 estrellas y han aparecido en innumerables listas como lo mejor del año.
Los créditos del disco nos muestran acreditados a Dean Josiah Cover, o lo que es lo mismo el productor Inflo, y Cleopatra Nikolic, mientras en otras aparecen nombres como Melisa Young y Kadeem Clarke; y la producción se atribuye a Inflo, a quien conocemos por su trabajo para gente del pop británico como Little Simz y Michael Kiwanuka. Sault son negros y están orgullosos de ello, con influencias de diversos estilos de música negra, del afrobeat al sonido Motown. Además tienen un mensaje de orgullo y determinación negra. Una de las mejores canciones del álbum en la bellísima "Free", un tema en el que vuelven a hablar de la libertad, de la misma manera que muchas de sus otras canciones apelan a la discriminación racial. La canción bebe del funk de los 70, pero destaca por su perfecta melodía pop. La letra, repetitiva y decidida, apela a la autosuficiencia y al empoderamiento: "no necesito ningún héroe / aunque me guste tu estilo (…) porque te necesité ayer / pero no estuviste ahí".
"Untitled (Rise)" mejora la apuesta de sus anteriores trabajos porque es un disco más ambicioso, atención a canciones como "Strong", con cuerdas soul, aires folk y ritmos brasileños, la disco "I Just Want to Dance" o la reivindicativa "Street Fighter".
