Rufus Wainwright rinde tributo a la obra de Kurt Weill, una de sus reconocidas influencias sonoras. Arropado por el apoyo sonoro de Pacific Jazz Orchestra, se atreve a interpretar algunas de las piezas más destacadas de un músico que transitó por el jazz, el cabaret y la clásica,para otorgarle ahora nueva frescura a piezas antológicas del compositor alemán somo "September song", "Mack the knife", "Surabaya Johnny", "Je ne t’aime pas"o "Lost in the stars". Sin duda Rufus ofrece un tributo en el que demuetra una espléndida forma vocal. Rufus Wainwright ha confesado que:“Descubrí la música de Weill con 13 años. En realidad, lo que vi fue una portada en la que una mujer, con una imagen muy poderosa y unos dientes horribles, fumaba un cigarro. Era Lotte Lenya. Compré el disco por aquella portada. Luego, al escucharlo en casa, caí rendido ante las ambientaciones musicales creadas por Weill”. Hay que recordar que la vida del compositor alemán fue mucho más compleja ya que inició su carrera en la Alemania de entreguerras y tuvo que exiliarse en París y, posteriormente, en Nueva York. Otros muchos músicos han reivindicado su figura, caso de Lou Reed, Marianne Faithfull, Nick Cave o Marc Almond que con anterioridad han recuperado su música.Rubén Blades creó su famoso"Pedro Navaja" inspirándose en su "Mack the Knife".Por que en sus letras, Weill hablaba de los marginados de su época, que pueden resultar muy actuales.
Jeff Tweedy va desgranando, poco a poco, el contenido de su nuevo álbum en solitario. "Twilight Override", una obra extensa, ya que se trata de un disco triple con un total de 30 canciones. Tiene previsto lanzarlo la semana que viene, en concreto el próximo 26 de septiembre a través del sello dBpm Records propiedad de su banda Wilco. Se trata del primer disco en solitario de Tweedy desde "Love is the King" de 2020. Hace unos meses presentó tres de sus canciones, "One Tiny Flower", la que abre el álbum,"Out in the Dark", "Stray Cats in Spain"y"Enough". Ahora llega “Lou Reed Was My Babysitter” un homenaje al fundador de la Velvet Underground, un músico al que confiesa auténtica veneración: “la alegría de esta música oscura que hizo Lou Reed y el hermoso conflicto que crea cuando intentas analizarla. Y cómo fue una fuerza tan positiva para tanta gente. ‘El rock’n’roll me salvó la vida’; Lou Reed dice lo mismo. El maldito Lou Reed me cuidó, literalmente, en mi habitación cuando tenía 10 o 12 años. Su música fue un mentor más legítimo para mí que la mayoría de mis maestros”. "Lou Reed Was My Babysitter" incluye un video musical del director Austin Vesely que captura a Tweedy y sus compañeros de banda tocando en un sótano.
El dúo formado por Alaska y Nacho Canut lanza "ATP (A todo piano) / ATL (A todo láser)", su último disco, que se publicó el viernes pasado. Fangoria juguetea y experimenta al llevar sus canciones de siempre a dos extremos: la música mákina y el dramatismo del piano-bar pero sin llegar al formato acústico, porque ellos aseguran que no quieren traspasar ese límite, ya que su propuestas siempre ha apostado por la electricidad y las tecnología.
Su nueva propuesta apuesta por temas como "Absolutamente", "Deseo carnal" o "Supertravesti", pero en esta ocasión el piano se convierte en protagonista, exentos de secuenciadores, pero con la presencia eso sí de bajos, guitarras y otros instrumentos. "El acústico 100% para nosotros es un límite que no debemos traspasar", indica el dúo con una clave esencial citando a Lou Reed: "Con lo que realmente tiene relación la música es con la electricidad. Electricidad y distintos tipos de máquinas".
"ATP / ATL" fue grabado en vivo en el Teatro Príncipe Pío de Madrid con la colaboración de Martin Watkins, habitual colaborador de Marc Almond, arreglista en el pasado de Fangoria y de Sigue Sigue Sputnik. Con ese formato mákina ampliado ofrecerán el próximo año actuaciones en festivales como Warm Up en Murcia, un giro a una carrera de cerca de 40 años que se extiende desde los tiempos de Kaka de Luxe.
La obra de Lou Reed previa a The Velvet Underground era hasta ahora una parte poco conocida. Este disco titulado "Why Don’t You Smile Now: Lou Reed at Pickwick Records 1964-65", recopila las canciones que el músico escribió a mediados de los 60 mientras trabajaba en Pickwick Records. Son canciones que compuso en muchos casos para músicos del sello, pero que no quedaron registradas con su firma. Gracias a su esposa Laurie Anderson, a la colaboración entre Light in the Attic y Lou Reed Archive ahora podemos recuperarlas. Antes de conocer a John Cale en 1965 y fundar junto a él The Velvet Underground, Lou Reed se ganaba la vida escribiendo, a veces también grabando canciones por encargo para un pequeño sello discográfico de Long Island llamado Pickwick Records. Fue aquel un periodo breve pero fecundo en el que el cantautor neoyorquino aprendió a manejarse en un estudio y ahora aquellas canciones vuelven a ver la luz, convenientemente remasterizadas. Es la primera colección de canciones de Lou Reed escritas para Pickwick y cuenta con 25 temas que incluyen rarezas y material inédito.
Parece mentira que sean capaces de sonar como en sus mejores tiempos y con todos los ingredientes de la banda, desde esos teclados sobresalientes a la garra de los solos de guitarra, todo administrado con la medida justa para hacer de "Lazy sod" un tema sugestivo. Los míticos Deep Purple están a punto de lanzar un nuevo disco de estudio y acaban de publicar este tercer adelanto de “=1”, que lanzarán el 19 de julio. El nuevo álbum promete capturar el sonido clásico más puro de Deep Purple, sin nostalgias, indican. En abril lanzaron el primer single, “Portable Door”, repleto de riffs muy del estilo de Deep Purple, estribillo apropiado para corear y un solo de guitarra marca de la casa. Luego llegó “Pictures Of You”, presentada el mes pasado. Es el primer disco que contará con el guitarrista Simon McBride, quien ingresó a la banda tras la marcha de Steve Morse en 2022. La formación actual de Deep Purple se completa con los miembros clásicos Ian Gillan (voz), Roger Glover (bajo) e Ian Paice (batería), junto con el tecladista Don Airey. El álbum ha sido producido una vez más por el icónico Bob Ezri, quien ya ha trabajado con grandes nombres como Alice Cooper, Pink Floyd, Lou Reed,Kiss o Peter Gabriel. Por si fuera poco para celebrar el lanzamiento del disco van a hacer más de 60 conciertos en todo el mundo este año durante la gira “=1MORE TIME”.
El sonido Donosti sigue vivo, gracias a proyectos como Amateur, formación compuesta por Mikel Aguirre, Iñaki de Lucas y Cheli Lanzagorta, tres antiguos miembros de la añorada La Buena Vida que desapareció en 2009. Tras publicar "Debut" en 2017, quieren darle continuidad a su proyecto musical con este segundo disco titulado “Impasse”, que mantiene muchas de sus señas de identidad, en diez canciones mimadas en todos sus arreglos, con algunas colaboraciones muy especiales como las de Isa, de Triángulo de Amor Bizarro ("El huerto provenzal"), y Diego Vasallo ("Duelo sin cumbre") cantando, además de varios músicos e instrumentistas invitados. Las letras, como no podía ser de otro modo, hablan de relaciones personales, del desamor, la nostalgia o paseos por la playa. La mayor parte han sido escritas por Mikel y resultan muy apropiadas para escuchar en un ambiente sosegado, frente a una ventana viendo pasar gente, en pura contemplación. Canciones lánguidas como "Maneras de Quererte" ("sin ti no queda nada / cuesta tanto confiar si todo acaba"); los recuerdos del single "Claro de Luna" ("La inmensidad de ese amor sin final/canción de amor/ canción de luna"), en la bahía de San Sebastián. El tiempo se detiene un segundo cuando le llega el turno a "Jane, dulce Jane", un guiño a "Sweet Jane" de Lou Reed para una canción de amor y de añoranza, en la que canta: “¿Qué nos sucedió? Aún hoy me pregunto si tal vez nuestro amor renazca como un sol y con su resplandor iluminase el mundo”.
The Power Of The Heart: A Tribute To Lou Reed, se lanzará el próximo 20 de abril. El productor Bill Bentley, que trabajó con Lou Reed durante su vida, ha decidido embarcarse en este disco dedicado al gran poeta y músico de Nueva York, para ello ha reunido a grandes nombres que honran su memoria interpretando canciones de Lou Reed y Velvet Underground, entre ellos Angel Olsen, Afghan Whigs, Joan Jett, Lucinda Williams, Rufus Wainwright ("Perfect Day"), Rosanne Cash y Ricky Lee Jones, así como Keith Richards de los Rolling Stones , cuya versión de “I'm Waiting for the Man” resulta tan resultona. No es la primera vez que Bentley construye un disco tributo como éste, antes lo hizo con artistas de culto como Roky Erickson, Skip Spence y Doug Sahm. Todos los formatos físicos incluyen fotografías de Lou Reed tomadas por Mick Rock y Timothy Greenfield-Sanders, así como notas escritas por el propio productor del álbum y colaborador cercano de Reed, Bill Bentley. La lista completa de canciones y artistas es esta: 1.Keith Richards – I’m Waiting for the Man 04:14 2. Maxim Ludwig , Angel Olsen – I Can’t Stand It 3.Rufus Wainwright – Perfect Day 4.Joan Jett and the Blackhearts – I’m So Free 5.Bobby Rush – Sally Can’t Dance 6.Rickie Lee Jones – Walk on the Wild Side 7.The Afghan Whigs – I Love You, Suzanne 8.Mary Gauthier – Coney Island Baby 9.Lucinda Williams – Legendary Hearts 10.Automatic – New Sensations 11.Rosanne Cash – Magician 12.Brogan Bentley – The Power of the Heart
No pudo decir otra cosa: he sucumbido ante la primera canción que edita este tipo llamado Caleb Francis. Suena a rock clásico, pero sin embargo utiliza nuevos recursos y una estructura subyugante. Melodía intrincada, voces procesadas y un ritmo armonioso, también exuberante. Sin duda habrá que seguir a este cantautor nacido en Sheffield, después de este temazo en el que se ha atrevido a explorar territorios tan arriesgados, frágiles y salvajes a la vez. El artista reconoce que se inspira en una amplia gama de músicos, tales como Lou Reed, Nick Cave, Blur o War on Drugs. Su sencillo de debut “Only Nineteen” no es ajeno a esta mezcla de influencias, aunque ese arranque con sonido electrónico recuerda a Daft Punk, para luego trasladarnos al shoegaze y hablarnos de encontrar un lugar en el mundo. Sinceramente Caleb Francis ha sido todo un descubrimiento y ya es una de las alegrías de 2024.
Jota, de Los Planetas, edita su primer disco en solitario y lo hace poniendo música al cine de Iván Zulueta, un proyecto que nace de un encargo de la Filmoteca Española, en "Plena pausa" el músico granadino fusiona sus composiciones con imágenes del archivo del director de cine Iván Zulueta, autor de ese filme de culto titulado ‘Arrebato’. Recientemente la Filmoteca Española adquirió una serie de pequeñas películas perdidas del director Iván Zulueta, y le pidió a J que las musicara para una presentación en directo. El proyecto se redondea con la edición de un vinilo + DVD en el que puedes encontrar 10 canciones y 15 cortos (algunas pistas no cabían en la edición vinilo y J no quería que fuera doble), que aúnan las imágenes inéditas de Zulueta con las composiciones de J ideadas para ellas. Jota confiesa que la referencia principal es la Velvet Underground y la Factory de Andy Warhol, de manera colateral el trabajo en solitario de Lou Reed, y finalmente el glam de los 70, lo que explica por ejemplo esos efectos de guitarra tan Bowie que aparecen en "Y la nave va". Pero también hay folclore andaluz por el camino, como en el caso de "Soleares del loco". "Mi ego está en Babia", "Natalia dice" o "Arrebato (Un buen día para Iván)" están entre las canciones más certeras. Más psicodélica resulta "Tormenta eléctrica", con una inspiración más Jesus & Mary Chain, y un delicado estribillo: "lo estuvimos intentando de verdad/ en el mundo no había nadie que molara más/ vivíamos en medio de una tempestad/ por eso soy feliz cuando empieza a diluviar".
La artista antes conocida como Antony Hegarty reaparece con "My back was a bridge for you to cross", un brillante álbum en el que habla de la intolerancia, los prejuicios, la insensibilidad social, la transfobia y el negacionismo. Su voz portentosa llega con mensajes claros que invitan a la acción. Anohni canta contra la incomprensión y la violencia de los intolerantes. Nada ha cambiado desde aquel extraordinario "I Am a Bird Now" (2005) en el que se presentaba como Antony & The Johnsons, un disco fundamental para el movimiento trans. Bien es cierto que en la portada del disco se presenta como ANOHNI and the Johnsons, con esa banda en la que intervienen músicos como el guitarrista y pianista Leo Abrahams, Chris Vatalaro o Sam Dixon que proporcionan esa fantástica sonoridad soul, en ocasiones con toques jazz, como se puede percibir desde el single "It Must Change", la canción más pegadiza, donde canta: "El modo en que me hablas, debe cambiar. Las cosas que me haces. El modo en que me dejas. Las semillas que me das, deben cambiar". Es un disco reivindicativo, pero también un trabajo exquisito como demuestran piezas como "Go Ahead", con esas experimentales guitarras en la que hay cierto derrotismo: "estás determinado a derribarme y no te pararé"; la espléndida "Rest" o "Sliver of Ice", que está inspirada en las últimas palabras que Lou Reed intercambió con la artista, cuando ya estaba muy enfermo. Algunas canciones se vuelcan en esa defensa del medio ambiente y nuestro planeta, caso de "It’s My Fault" y "Why Am I Alive Now", que habla de la muerte de árboles y de una población que parece mirar hacia otro lado. "My Back Was a Bridge for You to Cross" es un trabajo sincero que se preocupa por hablarnos de cosas importantes para nuestro futuro. ANOHNI avisa y sería bueno que le hicieramos caso.
No teníamos noticias de Crocodiles desde 2021, cuando los californianos, durante la pandemia, crearon "The Complete Shitty Times", básicamente una colección de versiones entre las que aparecían canciones de Robyn Hitchcock, Madonna, Lou Reed y hasta “Mi novio es un zombie”, de Alaska y Dinarama. Ahora, los chicos de San Diego, el dúo formado Brandon Welchez y Charles Rowell, retoman su revival garajero y noise-pop, en su octavo álbum de estudio, "Upside Down In Heaven". Crocodiles llevan más de 15 años juntos y de una forma silenciosa, casi sin hacer ruido se han ganado un hueco en nuestro corazón. "Upside Down In Heaven" es un disco corto, media hora de música, pero eso sí muy directo y certero, con buenas melodías enmarañadas en distorsión con alma pop y sonido vintage. Adictivas son las pegadizas “Dead Beat” y “Lovers Of Nothing”,“Forever” que suena a The Clash, "Upside Down In Heaven" con ese deje de nueva ola y por supuesto "Degeneration" copia descarada de "My Generation" de The Who: "La canción fue escrita en el hirviente y enfermizo verano de 2020, donde me encontré con exceso de trabajo, mal pagado y ahogándome con el humo de los incendios forestales. El tiempo libre que tenía lo gastaba leyendo el último número de muertes por covid o o inundándome con noticias de fascistas liberales marchando por las calles. Me encontré flotando en una nube de ira, miedo y frustración, en lugar de permitirme caer en viejos malos hábitos o sucumbir a mi emoción negativa" dice Welchez en un comunicado sobre "Degeneration". En el videoclip para "Degeneration", dirigido por el propio Welchez vemos a un par de presentadores de un programa de entrevistas que dan paso al dúo que arrancan con su rock n' roll clásico una oleada de calor que acabará literalmente derretidos a los cuatro protagonistas.
Magnífica noticia que, a buen seguro, hará las delicias de los fans de Lou Reed y de los coleccionistas de su obra. Se publican las primeras grabaciones de Lou Reed en un nuevo disco. "Words & Music, May 1965" se lanzará a la venta el próximo 26 de agosto y recupera una cinta inédita de 1965 que Lou Reed grabó junto a John Cale y que ha estado guardada en el archivo personal de Lou durante casi cincuenta años.
El propio Joh Cale ha revelado a través de un comunicado que dentro de esas grabaciones se encuentran las primeras versiones de varios temas que luego serían fundamentales en el repertorio de Lou y compañía, como “I’m Waiting for the Man”, “Heroin” y “Pale Blue Eyes”, además de diferentes piezas inéditas. Contiene también un cover que Cale realizó de la canción “Wrap Your Troubles in Dreams” (single incluido en el disco "Chelsea Girl" de Nico), así como una versión temprana de “Men of Good Fortune” (tema que luego estaría en Berlin, álbum que Reed estrenó en 1973) y otra de “Buttercup Song”, una de las rarezas más comentadas por los seguidores de la Velvet. Este disco se publicará en diferentes formatos: LP, casete, CD y edición digital. Además se editará un paquete de lujo de 2 LPs, con una tirada limitada de 7.500 copias y con un extra de 7″ editado por Third Man Records con seis pistas que incluyen demos antiguos y un cover de “Don’t Think Twice, It’s All Right” de Bob Dylan. El disco está producido por Laurie Anderson, Don Fleming, Jason Stern, Hal Willner y Matt Sullivan.
"Words & Music, May 1965" se va a convertir en el primer adelanto de la obra inédita de este enorme artista del rock, su viuda Laurie Anderson acaba de anunciar la llegada de Lou Reed Archive Series y la Biblioteca de Nueva York se prepara para revelar parte de esos archivos.
Kevin Johansen se ha convertido en uno de los músicos argentinos más queridos en nuestro país. Su estilo se ha nutrido a lo largo de su carrera del pop y del rock, pero también de diversas músicas latinas. Sin renunciar a ese espíritu lanza un nuevo disco "Tú Ve", en el que reversiona temas propios y ajenos con la ayuda de otros artistas a los que ha invitado a participar. El disco incluye temas como el que da título al trabajo "Tú Ve" (originalmente incluida en “Algo ritmos” de 2019) junto a la mexicana Natalia Lafourcade, una versión en inglés de “Anoche soñé contigo” (del disco “Logo”, 2007), a dúo con David Byrne, o “Desde que te perdí” (de “City Zen”, 2004), en colaboración con la catalana Silvia Pérez Cruz. La larga lista de colaboraciones se extiende con nombres como Jorge Drexler o Wiranda Johansen.
Kevin Johansen se anima a encarar material tan variado como “A Little Respect” de Erasure, “El Albertío” de Violeta Parra, “Suzanne” de Leonard Cohen, “El cielo” de Talking Heads, “Oración al tiempo” de Caetano Veloso, “16 Tons” de Merle Travis, “El Tungue Lé” de Eduardo Mateo, o “Perfect Day” de Lou Reed. Un trabajo muy ambicioso sin perder el toque desenfadado. El propio Johansen explica ese espíritu del disco: “Quizás la pandemia produjo en uno la posibilidad de poder soltarse y devolver un poco lo que te dieron grandes compositores que te han marcado. Los compositores descubrimos, tanto en nuestro material propio como en el ajeno, esa suerte de querer sortear el tiempo y ser atemporales o eternos. O negar la finitud, negar la mortalidad propia. La canción desafía al tiempo. Una buena canción suena bien hoy, y puede sonar bien en 50 ó 100 años”.
Lou Reed, la voz salvaje del rock vuelve a rugir con esta nueva grabación que recoge su primera presentación como solista, tras abandonar la Velvet Underground, el disco en directo "Live At Alice Tully Hall" contiene 14 canciones grabadas en vivo del segundo concierto que Reed realizó el 27 de enero de 1973 en Manhattan. La noche del concierto Lou Reed tenía treinta años. Apareció en el escenario con su chupa de cuero negra y jeans, maquillado con rimel negro y uñas pintadas. Lo acompañaba su adolescente banda, llamada los Tots. Todo era puro underground, con su voz grave y sutil entona las canciones con las que acaba de poner en marcha su carrera en solitario. La mayoría corresponden al disco "Transformer" (1972), un álbum rupturista para la época por las temáticas que abordaba, por la experimentación sonora que comenzó a gestar dentro del rock y por la presencia de influencias del naciente glam rock británico. Aquel disco se había gestado a miles de kilómetros de su ciudad gracias a la ayuda del guitarrista Mick Ronson y su fan más grande, David Bowie, "Transformer" logró catapultar la carrera solista de Reed. El nuevo álbum en vivo incluye varios de sus éxitos como"Vicious", “Satellite of Love” y "Walk on the Wild Side". Este último uno de los más populares de Lou por la visibilidad que le dio a la prostitución y la transexualidad, temas tabú de aquella época y que el rock no había abordado previamente, pero era también una descripción del Nueva York de Andy Warhol, en particular de 'The Factory', el estudio del artista. El álbum cuenta también con algunas canciones de The Velvet Underground, como los hits “Sweet Jane” y “I'm Waiting for the Man”. Este concierto fue su triunfante regreso a Nueva York, su debut en el Lincoln Center, su primera presentación como solista tras el paso por The Velvet Underground y una patada en la cara a las mentes bien pensantes de NY. Es una pena pero echamos de menos al bueno de Lou y su infinita poesía. Se agradece este disco para recordarnos su gran figura, la de un eterno músico fallecido el 27 octubre de 2013, a los 71 años por problemas de su hígado.
No entiendo porque no se ha hecho antes un tributo a uno de los discos más destacados e influyentes de la historia del rock. El nuevo álbum homenaje al original de 1997 “The Velvet Underground & Nico” se publicará el 24 de septiembre, con la participación de distintos músicos que versionarán aquel disco. Entre los nombres figuran Michael Stipe, Matt Berninger, Sharon Van Etten con Angel Olsen, Andrew Bird, Lucius, Kurt Vile & The Violators, St. Vincent & Thomas Barlett, Thurston Moore, Bobby Gillespie, King Princess, Courtney Barnett, Fontaines D.C. e Iggy Pop & Matt Sweeney. El título escogido para el tributo es “I’ll Be Your Mirror: A Tribute To The Velvet Underground & Nico”, nada original desde luego. Velvet Underground tuvieron una vida agitada, llena de creatividad y desencuentros, entre 1964 y 1973, su música definió la esencia del rock alternativo y sirvió de base para posteriores géneros como el punk o el grunge. Junto a la noticia del álbum, también se ha estrenado el primer adelanto “Run Run Run”, a cargo de Kurt Vile & The Violators. Parte de los beneficios del disco se destinarán a Amnistia Internacional EE. UU., la organización mundial que lucha por los derechos humanos, con la que Lou Reed colaboraba muy activamente. El disco original de Velvet Underground se editó en 1967, el álbum tributo está compuesto por estas canciones:
Sunday Morning – Michael Stipe
I’m Waiting For The Man – Matt Berninger
Femme Fatale – Sharon Van Etten (w/ Angel Olsen on backing vocals)
Venus In Furs – Andrew Bird & Lucius
Run Run Run – Kurt Vile & the Violators
All Tomorrow’s Parties – St. Vincent & Thomas Bartlett
El documental se ha presentado en Cannes fuera de concurso, antes de su estreno en Apple TV, el film indaga sobre una banda única e inimitable que se impulsaba por la descomunal fuerza artística de Lou Reed y John Cale, quienes vivieron una relación caótica marcada por un choque de fuerzas. Explora la trayectoria de la banda desde sus inicios hasta la inclusión de Nico en 1967 y todos los cambios que sufrió la formación, así como su paso por la Factory de Andy Warhol. Se trata del primer documental del cineasta californiano Todd Haynes que ha sabido sacar provecho al material que tenía entre sus manos, en total 600 horas de grabación y 7.000 fotografías -muchas aportadas por Laurie Anderson viuda de Lou- con impagables imágenes inéditas y ha montado un filme tan rockero como experimental. Haynes usa la pantalla partida, bucea en esas grabaciones nunca vistas y levanta testimonio de aquel Nueva York que por entonces era capital mundial de la cultura.
El recorrido arranca con las infancias, bastante tortuosas, de Cale, en Gales, y de Reed en Long Island. Si el primero era un virtuoso de la viola que llegó a Estados Unidos en pos de la música experimental, el segundo tenía claro, con su ambición artística, que quería convertirse en una estrella del rock y ser rico, como recuerdan sus amigos y su propia familia. La formación clásica de The Velvet Underground arrancó en 1965 con Reed, Cale, el guitarrista Sterling Morrison, compañero de estudios de Reed, y la baterista Maureen Tucker, hermana de un amigo de Cale y Reed. Fue una época de drogas y excesos liderada por el hippismo, pero aquellos rockeros neoyorkinos odiaban a aquellos tipos con flores en el pelo. Era una banda alejada del convencionalismo, en ese camino The Velvet Underground entra en contacto con Andy Warhol, que se convirtió en su representante y les convenció de que incorporaran como cantante a la alemana Nico, que poseía una voz singular, absolutamente alejada de los cánones
El cineasta hace incapie en mostar esa faceta del grupo “elegante y brutal al mismo tiempo”.
Cantante, compositora y poeta Imelda May es todo un personaje. Dotada de una prodigiosa voz se ha convertido en una de las artistas femeninas más famosas de la historia de Irlanda gracias a sus cinco álbumes de estudio. "Just one kiss" es el single adelanto de su nuevo álbum, una canción en la que se ha rodeado nada menos que del guitarrista de The Rolling Stones, Ronnie Wood y del compositor de Oasis, Noel Gallagher, para homenajear sus raíces irlandesas, con este blues deliciosamente lujurioso. Sobre “Just One Kiss”, la irlandesa ha comentado que habla de “ese momento en que sabes que puedes ir en cualquier dirección y sabes que si sucumbes puedes perder el control. Habla de la decisión que haces en un fracción de segundo y que sabes que podría cambiarlo todo”. El tema estará incluido en “11 Past The Hour”, el sexto álbum de Imelda May que tiene prevista su salida el próximo 23 de abril. La irlandesa ha querido contar con otros grandes artistas para su disco, como Gina Martin o Miles Kane, entre otros. En el disco recorre, con su voz, estilos clásicos como el rockabilly, el soul o el swing. Asegura que las canciones están inspiradas en los discursos y valores de grandes pensadores y activistas femeninas: "Siempre escribo con sentido y desde el corazón, para conectarme con mi propia historia en cada momento en particular y espero así conectar con otros durante la suya, aunque sea por un rato. Cada canción es un momento de mi vida. Cada vida es un momento en el tiempo. Cada minuto cuenta”. Imelda ha trabajado junto a artistas como Lou Reed, Bono o Jeff Beck. Aun así, su popularidad llegó con su segundo álbum, “Love Tattoo” (2008, que se convirtió en número 1 de ventas en su país y le llevó a obtener el premio a mejor artista femenina del año en los Meteor Awards de 2009.
Imelda May tiene previsto actuar próximamente en nuestro país. Las fechas serán: Zaragoza (Sala Oasis, 11 junio de 2021), Madrid (Real Jardín Botánico Alfonso XIII, 13 junio) y Barcelona (Sala Apolo, 15 junio).
Monday Potions es el proyecto musical que nace en Bilbao de la mano del multi-instrumentalista Eneko Peña. Desde su estudio casero, ha ido lanzando canciones autoeditadas (con su propio sello, Japan-Sevylle Records) y autoproducidas. Durante el confinamiento ha dado a conocer un par de temas, el inédito "Like a Poet`s Cough" que además venía acompañado de una particular versión del clásico de Iggy Pop, "Nightclubbing". Eneko Peña se caracteriza por un sonido marcadamente retro y Lofi, dentro de una estética de garaje, por ese motivo las canciones de Monday Potions son comparadas con registros de Lou Reed o The Strokes. Su último single, llamado “The drums of dawn” y también grabado enteramente en su casa, es un acercamiento al electro pop alternativo.
Pepe Sales fue un personaje singular, muy relevante en el underground barcelonés, 25 años después de su prematura muerte, víctima del sida, se le rinde tributo en "Amor etern alt grup de risc", un disco que reúne quince temas inéditos grabados por el propio autor y doce canciones interpretadas por Lulu Martorell. El disco surge de la iniciativa del sobrino de Pepe Sales, Martí Sales, Martorell y el sello discográfico Indian Runners. En la cara A nos predentan 15 temas grabados fuera de un estudio convencional por el propio Pepe Sales, que nunca fueron registrados con intención de convertirse algún día en un disco, lo que ha exigido un trabajo a conciencia de remasterización. "En esta primera cara escuchamos por primera vez el amor por el rock'n'roll de Pepe Sales: con Bob Dylan y Lou Reed en las venas y solo cuatro acordes de guitarra ya tiene bastante para hacer campar obsesiones y filias", señala Martí Sales. En la cara B encontramos 12 canciones reinterpretadas por Lulu Martorell, realizadora audiovisual y amiga íntima de Pepe Sales, que vio nacer las canciones y ahora las canta y las toca al piano, en una interpretación sentida y convincente. Pepe Sales es un poeta, músico y pintor, cofundador del grupo Bocanegra y autor del poemario "50 cançons d'amor i droga" que Albert Pla convirtió en un disco. También es el autor de la compilación de escritos "La passió segons Pepe Sales" y el protagonista del documental de Lulu Martorell "Pobres, pobres que els donguin pel cul". Según Martí Sales, la obra de Pepe es "pura lírica sobre su homosexualidad, los ídolos, las adicciones punzantes, Barcelona, la precariedad, la prisión, las desintoxicaciones, los hospitales, el sida, la pasión o la muerte, pero también sobre el entorno idílico de Mallorca o de la querida Vallcarca, el pueblo de los Sales, donde quiso reposar para siempre".
Laurie Anderson (Illinois, 1947) visita Madrid estos días, el miércoles con un concierto en el Museo Reina Sofía donde además presenta una exposición de realidad virtual "Chalkroom" en el Espacio Telefónica y será protagonista de un breve ciclo de sus películas en el cine Doré, que el viernes 16 contará con su presencia en un coloquio tras la proyección de su obra "Home of the brave" (1986). Pero uno de los momentos más esperados es la representación que tendrá lugar hoy en el Museo Reina Sofía de la performance "The things we lost in the flood", basada en el libro homónimo que escribió en 2012, después de que el huracán Sandy inundara su sótano y arrasara con todos sus objetos, equipamientos artísticos y recuerdos. "Se trataba de analizar qué pasa cuando pierdes cosas, como lo encajas, a veces es bueno perder ciertas cosas, como la timidez, a veces te da igual y a veces lo lamentas cada día de tu vida", reflexiona la artista, que en 2013 perdió a su marido, Lou Reed.
Escultora, compositora, artista visual, multimedia, fotógrafa, actriz de performance, cineasta, investigadora incansable.. en Nueva York se graduó en Bellas Artes. Allí fue alumna de Sol LeWitt, figura esencial del minimalismo y del arte conceptual, y compañera del escultor Carl Andre. Poco a poco, recuperó el violín que había aprendido a tocar en su niñez y lo fue incorporando a sus espectáculos (uno de los primeros consistía en tocar dicho instrumento con patines de cuchillas, subida un bloque de hielo, hasta que éste se derretía por completo). Y, de forma parecida a cómo John Cale electrificó el violín que tocaba a veces en la banda Velvet Underground, Laurie modificó el suyo, y sustituyó la crin del arco por una cinta magnetofónica pregrabada, que era lo que finalmente sonaba al frotar las cuerdas.
Su espíritu innovador la llevó a crear un sorprendente disco de debut Big Science (1982), álbum con el que muchos la descubrimos y que contenía un tema principal titulado , "O Superman", una repetitiva letanía experimental con voz tratada con vocoder de nueve minutos de duración.
Laurie presenta su último disco, "Landfall", editado en primavera, pero también presenta su último libro "All the Things I Lost in the Flood)" , que contiene 30 temas grabados junto al Kronos Quartet, formación de música de cámara especializada en sonidos contemporáneos. Aquí viene ella en solitario. Pero tanto el disco como el libro hablan de lo mismo: de la pérdida, de lo que también trata su película"Heart of a Dog" (2015). En rueda de prensa Laurie Anderson se ha mostrado muy crítica con lo que ocurre en su país, "un desastre absoluto", admite. "No me gusta decir a la gente lo que debe pensar o decir", prosigue, "pero es cierto que los artistas estamos manteniendo conversaciones sobre si tenemos o no la obligación de abordar directamente la situación política, y cada vez la gente se siente más obligada porque es un desastre, un desastre absoluto". En tiempos de fronteras rígidas, Anderson aboga por la idea de ciudades conectadas. "Ahora que las fronteras se están cerrando es más importante que nunca la cooperación entre ciudades, que son polos de artes visuales, música, danza; personalmente creo que tengo más en común con alguien de Madrid que de Florida", señala. La semana de Laurie Anderson en Madrid incluirá la presentación, el día 15, de su instalación de realidad virtual en la Fundación Telefónica, donde impartirá dos charlas, el mismo 15 y el 16, y una retrospectiva en la Filmoteca.
